28
jul

Li Han Hsiang

Li Han HsiangLi Han Hsiang nació en 1926 en Liaoning, China. Li dedicaría gran parte de su tiempo a las artes plásticas y tras estudiar pintura en Beijing e interpretación en Shanghái, llegaría a Hong Kong y se uniría a la industria del cine local en 1948. Tras trabajar como actor de reparto en algunas películas, decorador y otras labores de set, mostraría su talento en su debut oficial como director “Blood in Snow” en 1956, y se establecería con el tiempo como un director de primer orden con sus epopeyas históricas y “Huangmei diao” para la Shaw Brothers.

Sus primeros trabajos, “Lady in Distress” (1957), protagonizada por la estrella Linda Lin Dai, es una deliciosa obra que captura la cultura popular china, y su debut oficial “Blood in Snow” (1956), muestran las posibilidades de filmación artesanal de Li.

Sus “huangmei diao” son apreciados tremendamente. El elenco de “The Love Eterne” (1963), encabezado por la actriz del género Ivy Ling Po, había creado un par de generaciones de fieles e hipnotizados seguidores. Otro clásico: “The Kingdom and the Beauty” (1959), integra la pasión de Li por la grandeza palaciega con el colorido de la vida popular. En “The Dream of the Red Chamber” (1977) Li ficho a Brigitte Lin como protagonista masculino, añadiendo una actuación memorable a su colorida carrera.

Tampoco debemos perder de vista la epopeya épica en torno a la legendaria “Empress Wu Tse-tien” (1963), una obra maestra temprana que levanta diversas opiniones entre la crítica. La película, un intenso drama de proporciones shakespearianas, se incluyó como una de las 200 mejores obras clásicas chinas en 2002.

En 1963 se trasladó a Taiwán para formar la Grand Motion Picture Company, que transformó la industria del cine de Taiwán en un breve espacio de cinco años. En este periodo se concentro en el negocio, dejando las labores de dirección a un grupo de talentos reclutados. Sin embargo, se las arregló para dirigir “The Winter”, que ahora se considera una de las mejores películas en idioma chino de la década de 1960.

Entre las películas románticas producidas en Taiwán, “At Dawn” (1968), un ataque frontal contra un sistema judicial corrupto. La película es también un testimonio de la importancia de Li como productor y jefe de estudio, dando la oportunidad a prometedores jóvenes directores, como Song Cunshou, de embarcarse en proyectos con poco atractivo comercial. “The Winter” (1969), obra maestra del cine de Taiwan, es una historia cálida y conmovedora.

the love eterne

Hsi Shih: Beauty of Beauties” (1965), que destrozó los recursos de la Grand Motion Pictures y obligo a Li a dejar Taiwán, es una película de gran impacto con unas notables interpretaciones de sus protagonistas Jiang Qing y Chao Lei. Li regresó a Hong Kong, reuniéndose de nuevo con la Shaw Brothers en 1972 y dirigiendo una serie de rentables comedias y cuentos erótico. Después de restablecer su reputación, demostró su habilidad en el rodaje de dramas históricos como “The Empress Dowager” y “The Last Tempest”. Prodigando un considerable presupuesto en los decorados palaciegos, “The Empress Dowager” (1975) y su pieza compañera “The Last Tempest” (1976), captura el mal estado de ánimo de los residentes del palacio y el inminente fin de la dinastía Qing.

Además de la grandeza de sus escenarios, su ingenio a la hora de la narración es otra de las más apreciadas cualidades de Li. Con Michael Hui y Tina Li, “The Warlord” (1972) es una comedia absurda, dejando Li su impronta en su estructura episódica, ligada mediante delirantes sketches. Con la misma fórmula de divertidas anécdotas que se encuadran en un contexto histórico verían la luz “The Legends of Cheating” (1971) y la película erótica “Legends of Lust” (1972).

La actriz Hu Chin le debe su fama a Li al encarnar el personaje de la mujer sexualmente agresiva Pan Jinlin en “Golden Lotus” (1974). Esta cinta dio inicio al estilo “Fengyue” – películas de sexo suave encuadradas en épocas históricas. También adaptó una novela erótica de Jin Ping Mei, “Tiger Killer” (1982), añadiendo acción Kung Fu mediante la presencia de Ti Lung.

En 1982 se llegó a un acuerdo con el gobierno chino para rodar “The Burning of the Imperial Palace” y “Reign Behind a Curtain” en el Palacio Imperial de Beijing. Estas películas se convirtieron en grandes éxitos, siendo además reconocidas por la crítica, consolidando aún más el lugar de Li como una figura clave del cine chino. “The Burning of the Imperial Palace” (1983) y su pieza hermana “Reign Behind a Curtain” (1983), ambas protagonizadas por Tong Leung Kai-fai y Liu Xiaoqing, representan un hito importante del cine de Hong Kong en la producción conjunta con la China continental. Las películas no sólo mostraban fascinantes imágenes palaciegas, una dramática representación del poder, sino que además Tony Leung Kai-Fai ganaría el premio a mejor actor en los Hong Kong Film Awards.

En 1996, Li sufrió un ataque al corazón y murió durante la producción de la serie de televisión “Burning of Efang Palace”, dejando tras de sí un legado de notable creatividad.

empress wu

Un visionario, un innovador y un narrador, Li Han Hsiang fue una de las figuras más importantes del cine de Hong Kong. Tuvo una gran influencia en los cines de Hong Kong, Taiwán y China continental, sobresaliendo en una amplia variedad de géneros, incluyendo epopeyas históricas, suntuosos Huangmei diao (películas de ópera local), interesantes historias sobre el juego, ingeniosas comedias ligeras y erotismo sugerente. Cineasta versátil, Li también fue pintor, escritor, aficionado de antigüedades y un devoto de la dinastía Qing y la historia temprana de la República. Era famoso por su fetichista atención al detalle y su habilidad para trabajar con los actores y actrices que conducía generalmente al estrellato.


25
jul

Shaw Horror Posters – Exploitation y Horror en la Shaw Brothers (II)

Continuamos hoy un nuestro recopilatorio de posters y grafísmos en torno al Cine de “terror” en la Shaw Brothers, un cine que se llena de terror, sangre, exploitation y muchas cosas más. Esta entrega comprende 8 posters de otras tantas películas que no deberíais perderos.

Fearful Interlude (1975)
Director: Kuei Chih Hung
Oily Maniac (1976)
Director: Ho Meng Hua
Fearful Interlude OILY MANIAC
Spirit of the Raped (1976)
Director: Kuei Chih Hung
Bewitched (1980)
Director: Kuei Chih Hung
Spirit of the Raped Bewitched
Bloody Parrot (1981)
Director: Hua Shan

Hell has no Boundary (1982)
Director: Richard Yuen Kuen

bloody parrot hell has no boundary
Human Laterns (1982)
Director: Sun Chung

Curse of Evil (1982)
Director: Kuei Chih Hung

Human Lanterns Curse of Evil

23
jul

Un español en Udine – Crónica asiática del #FEFF16 (V)

feff16

Finalizamos hoy nuestro repaso a todo lo que pudimos ver en el pasado Udine Far East Film Festival. Nuestras últimas películas fueron dos comedias delirantes, una de Hong Kong y otra de Tailandia, un thriller japones con acabado de televisión, una película coreana sobre terroristas y un homenaje al cine de acción filipino de los 60. Solo decir que espero que este repaso os haya resultado interesante, que si veis estas películas las disfrutéis y que sigáis viendo cine, que de eso se trata.

snow white murder case

The Snow White Murder Case
Yoshihiro Nakamura, 2014

Otra película japonesa en este FEFF y en esta ocasión no es una comedia rara o una película costumbrista, sino un thriller de asesinatos dirigido por Yoshihiro Nakamura y basado en una novela de Kanae Minato, cuyos libros ya han sido adaptados al cine con gran éxito como es el caso de Kokuaako (Confessions, Tetsuya Nakashima, 2010).

La historia comienza con un cadáver que es localizado apuñalado y calcinado en un bosque. El cuerpo resulta ser de la guapa Noriko, que trabajaba en una empresa de cosméticos. Cuando una periodista decide investigar el caso y empieza a entrevistar a sus compañeros de trabajo descubrirá una serie de nexos de unión, motivaciones y posibles sospechosos, entre las que destaca Miki, a la que rápidamente se le acusa de todo y se produce un escarnio público hacia ella. Pero, como es habitual, no siempre lo más claro es lo más cierto.

A los japoneses les gusta en cierto modo lo rocambolesco, las historietas en donde se producen asesinatos desconcertantes, donde el criminal es rebuscado y nada convencional o “realista”, y este sigue esa línea de actuación. La película juega con el thriller del asesinato, pero también con una aparente critica hacia el amarillismo de los medios de comunicación, insertando además unas ciertas dosis de humor negro a la mezcla. Todo podría quedar muy bien sino fuera por lo plano del resultado final, sin excesos en lso sentimientos o en los dramas y con un resultado de telefilm que hace parecer que la película no llega a la categoría cinematográfica y se queda en la televisiva (lo cual no es negativo, pero si tiene ciertas connotaciones).

Una película que no aburre y que puede hacernos pasar un rato entretenido, sin muchas más pretensiones.

From Vegas to Macau

From Vegas to Macau
Wong Jing, 2014

Me lo habéis leído varias veces ya en esta serie de comentarios sobre las películas del pasado FEFF, pero es que este año nos hemos metido una buena dosis de comedias para el cuerpo con dispar resultado. Quizás esta es la película que más me ha hecho reír de todo le festival, y es que la comedia de situación china con toques Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) y acción es una apuesta ganadora.

Wong Jing es una institución en el cine de Hong Kong y quizás uno de los pocos directores/productores capaces de copiarse a si mismo y dar vueltas y más vueltas sobre un tema con relativo éxito. En este caso recupera el concepto de comedia de jugadores y estafas, creando una especie de cuarta entrega de la conocida saga God of Gamblers y devolviendo a la comedia cantonesa a Chow Yun Fat, interpretando a ese icónico personaje que naciera en 1989.

Aquí nos encontramos a Benz (Benz Hui), su hijo Cool (Nicolas Tse) y su sobrino Karl (Chapman To), que se dedican a estafar a mafiosos para luego denunciarlos. Un día reciben la invitación al cumpleaños del viejo amigo de Benz, Ken (Chow Yun Fat), el multimillonario rey de los jugadores, que ha regresado a Macao. Por otra parte el hermanastro de Cool, Lionel (Philip Ng), es un policía infiltrado que ha grabado evidencias antes de ser descubierto y asesinado, evidencias que terminan en un oso de peluche. Durante la fiesta de cumpleaños todo empezará a enredarse y el peluche acabara en manos de la hija de Ken (Kimmy Tong), que es pretendida tanto por Cool como por su primo, poniéndola en peligro.

Y así se suceden los acontecimientos, mezclando comedia de situación con el toques de Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda), con algunos puntos locales pero disfrutable por el gran público. A esto le sumaremos mucha acción llenas de batallas en ocasiones extravagantes y curiosas, partidas de cartas entre estafadores con los resultados más insólitos y partidos de fútbol amañados (casi todos ellos con España como protagonista). Chow Yun Fat saca su cara de cómic, su sonrisa forzada y enorme y así lo veremos durante toda la película, Nicolas Tse y Chapman To apoyan la acción y al comedia (respectivamente) a partes iguales y el desarrollo es ágil y divertido, con poca tregua.

Ya lo comentaba antes, una de las películas con las que más me he reído del festival (con permiso de Naked Ambition y Pee Mak). Altamente recomendada, sobre todo si aceptas bien la comedia china.

pee mak

Pee Mak
Banjong Pisanthanakun, 2013

Pee Mak es un cuento de terror popular tailandés, y he de reconocer que esta premisa me daba un miedo terrible. Tal y como pasó en la era post-Ringu, en la que Japón y luego Corea se llenaron de películas de terror con fantasmas variados a cada cual peor que la anterior, Tailandia y el sudeste asiático viven un apogeo de este tipo de subproductos comerciales, dando una y mil vueltas al cine de fantasmas juvenil. Cuando os hablaba de Brontosaurius Love en crónicas anteriores ya os comentaba como aquella tenía una crítica a este sistema cinematográfico. Pero lo que realmente me hacia sentir ganas de verla es que esta Pee Mak había estado presente en casi todos los premios de su país, incluidos los de la crítica, y me hacia sentir que algo debería tener.

En la leyenda original Nak es una mujer embarazada que se queda sola en casa mientras su marido Mak se va a realizar el servicio militar. Ella muere durante le parto junto con su bebe peor insiste en seguir viviendo con Mak después de la guerra y lo espera en forma de fantasma. En esta ocasión la comedia de situación y de gags se mezcla con ciertos toques de terror mostrándonos a Mak y varios compañeros de batallón que vuelven a casa.

La comedia lo impregna todo, gags de situación donde un inocente Mak, pecando casi de imbécil, no se da cuenta de lo que sus compañeros si, que su mujer no parece todo lo normal que debería. La historia se llena de gags de humor, comedia de situación y puntos realmente graciosos, además de una halo de irrealidad que hace le conjunto más gracioso si cabe, anteojos, latas de coca cola… pero si eso no existía en la época que se supone se desarrolla la historia, pero que más da. Solo esas primeras escenas de guerra con ese grupo de jóvenes con peinados estrambóticos ya es delirante en si misma, parece que en cualquier momento van a gritar “corten” y va a ser todo un montaje inesperado… Pero esto que comento no es malo, sino todo lo contrario, le da un carácter irreal y delirante a la película, todos sus fallos y sus aciertos creo que trabajan en el mismo sentido, el de hacer reír (y pegarnos algún sustillo también, que para eso tiene su toque de terror).

Bien es cierto que aquellos que no gusten de la comedia absurda puedan no disfrutarla, pero creo que teniendo ganas de reírse, sin más, esta película es una apuesta segura.

the terror live

The Terror Live
Kim Byung-woo, 2013

He de aclarar que con esta película no voy a ser imparcial, bueno realmente no lo soy nunca pero creo que todos tenemos nuestras fobias cinematográficas, esas cosas que al aparecer en pantalla nos hacen ponernos en guardia, ser más críticos de lo normal, o incluso sacarnos de la ficción. Pues eso me sucede a mi con ciertas películas sobre terroristas. Y es que estoy harto de terroristas con un poder inverosímil, que saben por ciencia infusa o poderes paranormales, donde, cuando y como va a estar su víctima, que si hay 100 aparaticos saben que cogerás el quinto a al derecha y ya te tienen en sus manos… esta sensación se me agrava cuando el terrorista es alguien “amateur” y me termina de entrar hasta el mal humor cuando en ciertos momentos hasta se simpatiza, de forma inverosímil, con sus premisas, en plan sensacionalismo barato y moralina antisistema de baja estofa… pero creo que estoy hablando demasiado, mejor intento hablaros de la película.

Yoon Young-hwa ha sido un prestigioso periodista que ha acabado en una pequeña cadena de radio presentando el show de la mañana debido a un escandalo sentimental. Cierto día recibe una llamada un tanto extraña a la que no presta mucha atención, pero a los pocos minutos esta persona vuelve a llamar amenazando con hacer volar el puente Mapo. Cuando efectivamente el puente estalla Yoon ve su oportunidad y quiere trasmitir en directo una entrevista con el susodicho y volver a recuperar su prestigio.

Realmente la película comienza y se desarrolla bastante bien si uno es capaz de abstraerse de ese poder “omnipotente” del terrorista. Ha Jung-woo lleva magníficamente el paso de casi toda la película, y no es fácil estar tu solo en un estudio radiofónico, trasmitiendo esa claustrofobia, ese “poder inevitable” que representa el terrorista. En general todo es correcto y la producción es buena, falla el desenlace final, peor no voy a contar nada porque debéis descubrirlo.

En definitiva, la película no es mala, pero mis prejuicios hacia este tipo de producciones, y que la película cumpliera todo lo que no me gusta de este tipo de cintas a rajatabla, hicieron que casi me pusiera de mal humor tras verla.

boy golden

Shoot to Kill: Boy Golden
Chito S. Roño, 2013

Nuestra última película en Udine fue esta Shoot to Kill: Boy Golden, una sesión “golfa” filipina que nos presento su director, Chito S. Roño, muy conocido en su país como director popular que ha tocado casi cualquier género cinematográfico, y animal televisivo. Roño nos confesaba que quería hacer un producto que homenajeara al cine de los 60 que se producía en filipinas, un cine basado en crimen, bandas de jóvenes delincuentes, dudosos héroes, femmes fatales y muchas otras cosas, y el resultado ha sido de lo más entretenido, un clásico contemporáneo.

La historia nos traslada a la Manila de los años 60, una jungla llena de matones y bandas a la que regresa Arturo Porcuna, “Boy Golden”, el líder de una antigua banda que fue traicionado y dado por muerto. Arturo vuelve para vengarse, e inexorablemente buscará a los que lo traicionaron para acabar con ellos. En esta búsqueda termina asociándose con Marla Dee, una sensual mujer de armas tomar que también busca venganza contra el mismo líder que Boy Golden.

Como veis la historia no presenta nada nuevo, ni lo pretende, y la película se llena de estereotipos tanto visuales como temáticos, todos ellos premeditados, buscando que tengamos la sensación de ver un clásico, una película de los 60 traída a la actualidad. La fotografía e iluminación son clave, colores vivos, espacios clásicos, a esto hay que sumar un maquillaje forzado… todo nos traslada a otros tiempos. Las interpretaciones no son nada del otro mundo, pero los actores tienen presencia en pantalla, sobre todo Boy Golden y Marla. Los diferentes personajes están muy prototipados, el malo es el más malo, Marla es la femme fatale clásica de las películas de acción juveniles y Boy Golden es una especie de antihéroe, que vira desde el gangster de los “años 20” al motero con tupé y chupa de cuero más digno de los 60 y 70. Por su parte la acción no es tampoco algo muy destacable, pero tiene sus momentos, además que tendremos momentos agresivos y con sus dosis de sangre… Pero realmente lo que tiene fuerza es el conjunto, todos estos elementos se dirigen y se ejecutan con cierta maestría y uno tiene la sensación de estar viendo realmente una película clásica, con sus puntos buenos y malos, con todo lo que ellos conlleva.

Una película que ofrece diversión y entretenimiento con un estilo clásico. Un broche final más que digno para nuestro periplo festivalero.


18
jul

Del Manga al Cine – Lone Wolf and Cub: final de la saga

Hoy finalizamos nuestro repaso por las adaptaciones del manga de Lone Wolf and cub a la gran pantalla dentro de la saga Baby Cart. Quiero recordar que estos artículos no pretenden analizar en profundidad ni el manga ni las películas, sino más bien divagar un poco sobre la propia adaptación, desde el punto de vista del lector del manga. Ya hemos analizado hasta la tercera película de la saga, hoy concluiremos nuestro viaje.

lone wolf

En la cuarta película de la saga, Baby Cart in Peril (cuyo titulo aproximado es Heart of the Parent. Heart of the Child) el lector del manga puede disfrutar de varias historias clásicas entretejidas. Básicamente se desarrolla el texto completo de “Performer” (VoL 4) a lo largo de la película, si bien se mezcla con otra gran historia del volumen 4, “Parting Frost”, donde Daigoro escapa de un gran incendio en un campo de hierva seca enterrándose en el barro. Sin embargo el samurai implicado en este suceso es Gunbei Yagyu, y también vemos entonces, a modo de flashback, la escena “The Infinite Path” (Vol. 8), donde Itto se convierte en Kaishakunin. Es interesante ver como los personajes y las escenas se unen para crear un desarrollo común mientras se da al lector del manga una buena dosis de detalles que recuerdan haber leído, aunque a veces extrañamente desordenados. Las cosas empiezan a ir mal cuando Itto decide perdonarle la vida a Gunbei después de vencerlo, pero eso se compensa con el gore que poco después hace su espectacular presencia en el ataque de un grupo de ninjas a Ogami mientras descansa en un templo, chorros de sangre, miembros por los suelos… de todo un poco. Quizás un poco demasiado, ya que en estas películas a veces se dejan de lado muchas cosas en pos de temas mas sensacionalistas, véase la sangre y cierto exploit. De todas formas no es anormal que muchas películas tomen estos caminos con la simple intención de entretener. Dicho esto es importante ver estas películas como entretenimiento, y no como una expresión puramente artística. Esta entrega finaliza con una familiar escena de batalla, donde Ogami se enfrenta a un ejercito Yagyu. Aquí vuelven a aparece armas de fuego e incluso Itto lanza algunas granadas a sus enemigos, se vuelve a optar por escenas sensacionalistas para entretener.

lone wolf

La quinta película, Babycart in the Land of Demons, o simplemente Meifumado, es un claro ejemplo de lo confuso que puede ser mezclar demasiadas cosas en una película. La base de la película es una mezcla de la historia “Castle of Women” del volumen 15, y “Kyushu Road,” del volumen 14, además de “Shattered Stones” del volumen 12. Por si esto no fuera suficiente se añaden a la mezcla elementos de “The Gateless Barrier” (Vol. 2), y “Penal Code Article Seventy-Nine” (Vol. 7). Por supuesto los nombres de los capítulos no dicen mucho, en “Castle of Women” el lider de un Han intenta engañar al shogun para que crea que su hija es un varón y asi poder mantener el clan. “Kyushu Road” involucra a un grupo de asesinos enmascarado y un oficial de un Han que intenta ascender de posición. En “Stones Shattered” un samurái quiere vengarse de su esposa por abandonarlo para ser concubina de su señor. La mezcla de estas tres historias conforman la línea argumental principal, pero luego surgen otros elementos. Aparece el monje de “Gateless Barrier”, pero es corrupto e Itto lo mata de una manera absurda. Incluso Daigori tiene su pequeña aventura ayudando aun carterista proveniente de la historia “Penal Code”. En realidad la parte de la película basada en esta historia es casi lo mejor de la misma, muy bien realizada y con Akihiro Tomikawa dando vida a Daigoro de forma muy fiel. Esa escena casi salva la película, pero la confusión es demasiada para los que busquen una comparación lógica con el manga. Una vez más tenemos una gran batalla al final de la película, y en una medida sin precedentes hasta el momento.

La sexta y última película es quizás la peor de la saga. Titulada White Heaven In Hell, desde luego tiene puntos positivos, pero las escenas gore y su alejamiento de la trama del manga la hacen la peor adaptación desde el punto de vista de la adaptación. White Heaven In Hell empieza con fuerza, saltando directamente a la historia “Sayaka” del Volumen 16. En esta historia, Sayaka, la hija de Retsudo, debe utilizar su técnica de daga para matar a Itto. Por supuesto Sayaka muere bajo la espada de Itto y poco después lo harán igualmente los lectores más fieles de Lone Wolf and Cub. Antes de que comience la trama principal hay una escena en la que Ogami y Daigoro van a visitar la tumba de su esposa, madre de Daigoro, y este momento sentimental se rompe cuando Itto agarra el Babycart y dispara contra una pared matando a unos ninjas “empalados” en ella. Desde luego lo “extraño” abunda en esta película, sobre todo en le giro del guión hacia lamistica.

La línea argumental mezcla la historia “The Moon in the East, the Sun in the West” (Vol. 13), con ideas de “Incense for the Living”, además de las tácticas de “Five Wheels of the Yagyii”, ambas del volumen 15, pero sin estar conectadas con su contexto original. El pegamento que une estas partes tan dispares es una mística que proviene de la ceremonia del incienso de Yama Metsuke. Sin embargo, en lugar de enterrar a un hombre por un par de horas, entierran a tres hombres durante cuarenta y cinco días para convertirlos en guerreros parecidos a zombis que pueden enterrarse en la tierra. Esta es una adición entretenida, pero es un poco demasiado increíble para disfrutarse a fondo.

sayaka

Lo que mas falsea la integridad de la serie es como se trata a Yagyu al final de la película. No es menester hacer spoilers, pero el final de la película nada tiene que ver con el del manga, ni trasmite las mismas emociones o sensaciones. Es más, viendo el final de la película el lector del manga puede pensar que aun habiendo visto muchas escenas similares a la historia principal a los largo de las películas, esta no es una representación justa del manga. De hecho las diferencias entre las películas y el manga son suficientemente poderosas para que el lector más acérrimo se acerque a las mismas con la intención del puro entretenimiento ligero, y no buscando un profundo cuento moral, del peso que contiene la lectura del manga. Después de todo ambos medios, película y manga, aunque similares en algunos aspectos, trabajan de forma diferente y uno nunca debe esperar una completa adaptación a la gran pantalla de un libro, a pesar de tratarse de un libro de historietas.

A fin de cuentas hay que dejarse llevar, olvidar lo que debería ser, o lo que uno esperaba que fuera, y disfrutar del resultado final y del entretenimiento que ofrecen esta serie de películas.


16
jul

Filmoteca de Calatuña – Ciclo 36 directores japoneses (Julio)

La Fundación Japón continua con su ciclo 36 Directores Japoneses, enmarcado dentro del año Dual España-Japón. En esta ocasińo nos hacemos eco de la programación qeu se podrá ver durante Julio en la Filmoteca de Cataluña. Para más información dirigíos a su página web.

17 de Julio. 17:00 horas.
Tôkyô Monogatari (Cuentos de Tokio, Yasujiro Ozu, 1953).  Int.: Setsuko Hara, Chieko Higashiyama, Chishû Ryû. Japón. B-R. VOSE. 136′

Una pareja de ancianos viaja a Tokio para visitar a sus hijos, pero ninguno de ellos tiene tiempo para atenderlos, por lo que deciden enviarlos a un balneario. Cuando regresan, la madre pasa una noche en la casa de una nuera, viuda de uno de sus hijos. A diferencia de sus cuñados, Noriko muestra afecto por sus suegros y conforta a la anciana.”A través de la evolución de los padres y los hijos he querido mostrar cómo el sistema familiar japonés empieza a desintegrarse.” (Yasujiro Ozu)

Presentación del libro “Yasuhiro Ozu. El tiempo y la nada”.
Siguiente pase día 20 a las 19:30h.

18 de Julio. 17:00 horas.
Tôkyô Kazoku (Una familia de Tokio, Yoji Yamada, 2013).  Int.: Yû Aoi, Satoshi Tsumabuki, Kazuko Yoshiyuki. Japón. B-R. VOSE. 146′

Remake de Cuentos de Tokio, de Yasujiro Ozu. “El veterano realizador Yoji Yamada se ha atrevido a revisar el film del maestro en Una familia de Tokio con un resultado tan digno como sorprendente. En realidad, no debería extrañarnos; la huella de Ozu está presente en los trabajos más destacables de Yamada, como My Sons, que podría entenderse como una secuela de Cuentos de Tokio.” (Javier H. Estrada)

Siguiente pase día 24 a las 18:30h.

22 de Julio. 17:00 horas.
Biruma no Tategoto (El arpa birmana, Kon Ichikawa, 1956).  Int.: Shoji Yasui, Rentaro Mikuni, Tatsuya Mihashi. Japón. 35mm. VOSE. 114′

“Lírica y ostentosamente humanista, la película trata sobre un soldado japonés en Birmania, tan horrorizado por la carnicería de la guerra que se niega a volver a casa tras la derrota y, ataviado como un monje budista, se queda para enterrar a los muertos. Una sincera denuncia del fervor militarista que inundó Japón durante la guerra.” (Geoff Andrews)

Siguiente pase día 26 a las 19:30h.

23 de Julio. 21:30 horas.
The Book of Dead / Shisha no sho (Kihachiro Kawamoto, 2005). Animación. Japón. 35mm. VOSI/E*. 70′

Iratsume, una mujer de ascendencia noble, se obsesiona con una misteriosa nueva religión, el budismo. Una noche, en un arrebato, tiene una visión luminosa en la que ella cree que es Buda, y la convence a dejar su casa y viajar al templo sagrado. Una vez allí, ella ve a Otsu, un joven príncipe que fue ejecutado hace 50 años. Mientras Iratsume confunde el espíritu del príncipe con el del gran Buda, el fantasma confunde a Iratsume con la última mujer que vio antes de morir… Esta extraña historia de romance sobrenatural es un trabajo de stop-motion del animador y marionetista Kihachiro Kawamoto, considerada una obra maestra del cine de animación reciente.

Siguiente pase día 27 a las 19:00h.

25 de Julio. 17:00 horas.
Midaregumo (Nubes dispersas, Mikio Naruse, 1967).  Int.: Yuzo Kayama, Yoko Tsukasa, Mitsuko Kusabue. Japón. 35mm. VOSI/E*. 108′

“En mi opinión, Nubes dispersas llega más lejos que en Tormento al mostrar cómo las convenciones llevan a los personajes a la infelicidad. Si la psicología es la misma (los personajes respetan el ‘buen sentido’ y las convenciones); aquí se añade otra dimensión: estos seres están atormentados por sus recuerdos, situación que nos devuelve a la obsesión descrita en Nubes flotantes. Era justo que la última película de Naruse fuese una de las mejores.” (Audie E. Bock)

Siguiente pase día 30 a las 21:30h.

26 de Julio. 16:30 horas.
Akitsu Onsen / Akitsu Spring (Kijû Yoshida, 1962).  Int.: Mariko Okada, Hiroyuki Nagato. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′

Una inolvidable historia de amor no correspondido. Akitsu Spring es uno de los melodramas japoneses más queridos de los estudios de la época de postguerra. El primer guión adaptado de Yoshida muestra el Japón devastado por la guerra para presentar sus personajes arquetípicos de la mujer sacrificada y animosa -fascinantemente encarnada por Mariko Okada- y el cínico intelectual atraído por su belleza como figuras gemelas para la esperanza y la resignación simultanea que apareció tras la inevitable derrota de Japón. Una película conmovedora y exquisitamente bella, la primera colaboración entre Yoshida y Okada que anunció el duradero interés en heroínas resistentes e ideas enfáticamente feministas que serían una constantes a lo largo de muchas de las películas que hicieron durante su larga colaboración.

Siguiente pase día 29 a las 17:00h.


14
jul

Shaw Horror Posters – Exploitation y Horror en la Shaw Brothers (I)

Comenzamos hoy un nuevo recopilatorio de posters y grafísmos en torno al cine asiático, hoy con un tema que ha sido recurrente en los últimos tiempos del blog ya que lo hemos tratado tanto en el artículo que versaba sobre el Cine de “terror” en la Shaw Brothers, incluido además en nuestro especial Shaw Brothers en PDF, como en sendas biografías de autores destacados dentro de este movimiento, entre los que hoy destaco a Kuei Chih Hung como uno de los principales. Acomódense porque esto solo acaba de empezar.

Ghost Eyes (1974)
Director: Kuei Chih Hung
Ghost Eyes (1974)
Director: Kuei Chih Hung
ghost eyes ghost eyes
Ghost Eyes (1974)
Director: Kuei Chih Hung
The Killer Snakes (1974)
Director: Kuei Chih Hung
ghost eyes killer snakes
The Killer Snakes (1974)
Director: Kuei Chih Hung

HEX (1980)
Director: Kuei Chih Hung

killer snakes hex
Hex afther Hex (1980)
Director: Kuei Chih Hung

Hex vs Witchcraft (1980)
Director: Kuei Chih Hung

hex after hex hex vs witchcraft

11
jul

Mou Tun Fei

Mou Tun FeiA lo largo de la célebre, a la vez que extraña, era de la Shaw Brothers, se han dado un buen número de casos de directores con mucho talento que por problemas de producción o financiación han tenido que abandonar proyectos cinematográficos para que otros directores los retomasen. Por ejemplo, THE BLOODY ESCAPE (1975) fue originalmente designada para Chang Cheh pero terminó realizándola Sun Chung. Otro ejemplo es CURSE OF EVIL (1982) que iba a ser dirigida por Huang Feng (THE CRIMSON CHARM), pero que al final termino en manos de Kuei Chih Hung. También durante toda la existencia de la Shaw existieron directores que demostraron un gran talento y eso les sirvió para abandonar el impero mediático de los hermanos.

Sin embargo también los hubo que a pesar de su gran habilidad no lograron capitalizar ese talento de una forma duradera. Se podría decir que el cineasta más controvertido y subestimado que entro y salió de la Shaw Brothers sin que realmente se apreciase su talento fue Mou Tun Fei. Teniendo en cuenta el nivel de abusos y humillaciones que sufren los personajes de sus películas más oscuras, es irónico que el propio director sufriera torturas similares durante el proceso de filmación.

Después de haber viajado por todo el mundo con casi nada de ropa o dinero, Mou siempre había pretendido convertirse en director de cine. Trabajó en los estudios de Taiwan esencialmente gratis, hasta que este talentoso y joven director llamó la atención de Mona Fong y los Hermanos Shaw después de su primera película, I CAN’T TELL YOU, que tuvo cierta repercusión tanto a nivel local como en el extranjero. Una de las cosas más interesantes acerca de uno de los directores más subestimados del cine de Hong Kong era su peculiar estilo. Mou fue una especie de precursor, más oscuro y áspero, del cine de Tsui Hark, incluso en su aspecto físico podían haber pasado por hermanos.

Con Mou habiendo vivido como una especie de Hippie por muchos años antes de encontrar la comodidad dentro del imperio Shaw, su estilo de vida era fascinante, una dicotomía inequívoca del estilo de vida glamuroso de las grandes estrellas que vivían en el estudio. Mou mantiene imperturbables sus excentricidades y vive en una casa equivalente a un kit de “hágaselo usted mismo”, Por ejemplo, una lápida actuó como mesa improvisada y unos zapatos viejos hacen las veces de cenicero o buzón de correos. La adaptación a este estilo de vida hacia que Mou experimentara numerosos obstáculos que obstruían la visión que él deseaba hacer llegar a la cámara.

Esencialmente desde el principio de su tumultuosa carrera en la Shaw Brothers, Mou Tun Fei toma el pulso a su jefe Run Run Shaw. La práctica más común en el estudio era que los directores recién ascendidos se comprometían a realizar un producto comercialmente viable, una vez que el director había demostrado su valía se les permite experimentar con un estilo propio. Hay excepciones a esta regla, como los dotados Chang Tseng Chai (FROM THE HIGHWAY, RIVER OF FURY, REDBEARD) y el más importante, el hombre que cambió el rostro del cine de Hong Kong para siempre, Chang Cheh. Directores como Sun Chung y Kuei Chih Hung realizaban películas muy estándar hasta que se les dio la oportunidad de diferenciarse de la manada. Después de haber impresionado a sus jefes, incluso antes de ser contratado, Mou Tun Fei fue una de esas raras excepciones que tuvo la oportunidad de mostrar su talento con cualquier historia que tenía en mente.

the criminals

El dilema con Mou Tun Fei era que tenía una visión oscura que quería llevar adelante, una visión que traspasaría fronteras. Parecía tener poco interés en el rodaje de algo con el más mínimo atractivo comercial, quería centrarse en crudos thrillers criminales con cierto trasfondo social y extrema violencia. La continua falta de contención de Mou provoca cierta desazón, pero añade una capa única a su personalidad cinematográfica que definiría su estilo durante toda su carrera. Teniendo en cuenta el nivel de violencia y exploitation que definió gran parte del reinado de las producciones Shaw, parecía inevitable el encuentro entre el joven director y el emperador mediático. Si bien sus gustos podían seguir una línea similar, a uno le interesaba más el dinero y a otro la representación de una brutalidad cruda y sombría.

Realizando simultáneamente una historia de amor en forma de comedia romántica y un largometraje que se llamaría GUN, este último se convirtió en uno de los segmentos de la quinta entrega de la conocida saga CRIMINALS. GUN es una especie de cuento que nos presenta a 2 hombres ahogados financieramente que un día encuentran un paquete con una ametralladora y algunas granadas, comenzando entonces una ola de crímenes. Con sus 40 minutos de duración está bien realizado y montado, aunque quizás hubiera ganado bastante su se hubiera mantenido la duración original. La segunda parte de este “programa doble” fue The Teenager’s Nightmare, dirigida por Kuei Chih Hung y que nos muestra a un joven psicótico violador.

Viendo GUN, se podría decir que fue el esquema para su mejor película (para aquellos que han tenido la suerte de verla), BANK BUSTERS (1978). El tema de la pobreza, de los inmigrantes ilegales y empobrecidos, fue algo recurrente en la obra de Mou y parecía estar fascinado con ello. Seguramente ayudó que el mismo vivió casi como un Vagabundo antes de entrar al servicio de la Shaw Brothers.

La difícil situación de los indigentes y desesperados era un problema muy real y grave en aquel momento en Hong Kong. Era un tema que ya había sido tratado en otras producciones de la Shaw Brothers como la sádica cinta de Kuei Chih Hung KILLER SNAKES (1973) o la versión modernizada de THE BOXER FROM SHANTUNG (1972) de Chang Cheh, THE DELINQUENT (1973) por nombrar 2. En aquellos años se dio un aumento de la actividad de las triadas y de su control de los bajos fondos, incluso de sus relaciones con la industria cinematográfica, hecho que llegó a niveles alarmantes en la década de los 1990.

Mou Tun Fei, un director que impactó al público con su muestra de brutalidad y violencia, también era un valor seguro a la hora de afrontar proyectos dramáticos. Probablemente obligado a hacer comedias románticas por su jefe, sigue mostrando su talento en cintas como MELODY OF LOVE (1977) protagonizada por la futura mega-estrella, Danny Lee y Chen Szu Chi en una historia acerca de tres médicos que intentan buscar el amor con tres mujeres. Otra producción más ligera de Mou fue el drama ONE SON TOO MANY (1980) protagonizado por Ai Ti, Lin Chen Chi y nuevamente Chen Szu Chia en la historia de un hombre muy tímido que intenta buscar el amor con la ayuda de sus amigos. A pesar de no ser lanzada en formato domestico, esta producción ganó en su día cierta relevancia al entrar en la selección del Festival de Singapur en 1979.

La participación de Mou (entre otro puñado de escritores y directores) en la producción erótica DREAMS OF EROTICISM (1977) lo condujo a tener problemas con su futura esposa y compuso una obra muy lasciva y cómica destinada a seguir la estela de otro film similar llamado EROTIC DREAM OF THE RED CHAMBER (1977), producto gestado para ganar dinero rápido y escrito y dirigido por el maestro del género Li Han Hsiang. Por si esto fuera poco, esta misma historia estaba siendo adaptada por un estudio independiente con la participación de la ex-estrella Shaw Chin Han. Durante este tiempo la Shaw Brothers intentaban mantener su control sobre el público de Hong Kong ante el surgir de estudios independientes y el fortalecimiento de uno de sus grandes rivales, la Golden Harvest, formada por ex-empleados de la compañía.

El 29 de Julio de 1978 Mou Tun Fei se comprometía con su actual esposa, Linda Hu Yin Mung. Ambos se amaban y eran vistos y fotografiados juntos con frecuencia. Se casarían poco después, el 4 de Noviembre, poco más de un mes después de que viera la luz la producción cinematográfica de Mou para ese año, película que también se convertiría en su favorita de toda su carrera en la Shaw Brothers.

En BANK BUSTERS (1978) el director tenía un especial interés en mostrar los problemas de Hong Kong en ese momento. Las películas sobre las triadas fueron un tema creciente en obras como GODFATHER’S FURY (1978) de Sun Chung y GANG OF FOUR (1978) de Hua Shan entre muchos otros, y el tema era algo natural para el controvertido director. Por alguna razón la Shaw aceptó que Mou utilizara un elenco de desconocidos y personajes secundarios para dar vida a esta historia real que comenzó su producción bajo el título THE BIG ROBBERIES.

La película fue muy promocionada durante 1978 y finalmente vería la luz en Diciembre de ese año. Al igual que casi todos los thrillers oscuros de la Shaw fue rodada en localizaciones. Esta película aborda especialmente lo que parecía ser el tema favorito de Mou, un grupo de jóvenes y desesperados inadaptados busca el paraíso entre la enormidad de rascacielos de Hong Kong y las calles de la ciudad. No pudiendo encajar en la sociedad, el grupo se organiza en una banda de criminales despiadados y emprenden una ola de crímenes.

big robberies

El reparto se compone principalmente de artistas recién graduados en la academia de formación de la Shaw. La afirmación de Mou de que un reparto de desconocidos atraería a la audiencia debido al brutal realismo en lugar de ver actores conocidos falló a la hora de vender entradas. El elenco incluía a los novatos Liang Man-szu, Liu Yung-ling, Yuen Hsiang-lin, Teng Peng-teng y Huang Chin Chun, tristemente este sería el primer y último papel protagonista para muchos de ellos. Dicho sea de paso Sun Chung intentó un enfoque similar el año siguiente con TO KILL A MASTERMIND, también sin mucha relevancia en cuanto al apartado actoral.

La década de los 1980 fue bastante agitada, no solo para Mou sino para la Shaw Brothers en general. Las comedias Kung Fu estaban de moda y, a pesar de las cientos de películas de artes marciales realizadas por estudios independientes, la Golden Harvest estaba apuntalando su hegemonía como fuerza dominante en Hong Kong. La Shaw Brothers obtenía beneficios en otros mercados asiáticos, pero estaba perdiendo su control en Hong Kong, pero teniendo en cuenta que ganaban dinero con sus películas en el extranjero siguieron realizando el mismo tipo de material a pesar de la falta de interés del público local.

Mou realizó algunas películas de artes marciales de la que quizás destacó el sombrío y brutal Swordplay A DEADLY SECRET (1980), que a pesar de ser un proyecto ambicioso no estuvo exento de polémica. Al parecer Mou no guarda gratos recuerdos del lanzamiento de esta película ya que fue modificada varias veces. El estudio ordeno regrabar algunas escenas entre las cuales se encontraban algunas protagonizadas por la estrella de las artes marciales Shih Szu, que trabajaba por libre en Taiwan por aquel entonces. Aun así, y al igual que ocurrió con BANK BUSTERS, la película fue muy promocionada en las publicaciones de la Shaw.

Al igual que Chu Yuan había revitalizado el género Wuxia con su pionera KILLER CLANS (1976), Mou era la antítesis de los “espadachines románticos” de Chu. El director tenía una particular manera de ver los Wuxias, llenándolos de espadachines errantes y engañosos villanos. Unos swordsplays algo típicos, salpicados de grotescas torturas y personajes sórdidos, el mejor de los cuales fue encarnado por el actor Yueh Hua. El papel protagonista corre a cargo de Pai Piao que interpreta un personaje con cierto parecido al que encarnará en la anterior y ultra violenta WHAT PRICE HONESTY (1980). A DEADLY SECRET obtuvo beneficios, pero no más que un swordplay típico de la época. Sin embargo, Mou estaba en una fase de expansión y su próxima película, otro cuento de hadas fracturado, podría generar un poco más de taquilla.

Después de haber visto mutilada una de sus películas para convertirla en un corto, Mou debería volver a reducir la duración de uno de sus proyectos para acomodarlo a un problemático proyecto iniciado en 1975 por Chu Yuan y que estuvo incluso en manos de Ho Meng Hua años después. La película se volvió a abandonar y tendría que ser el propio Mou quien montara el puzzle. El resultado fue HAUNTED TALES (1980). La Shaw había abandonado muchos proyectos a lo largo de su historia pero llegó un momento en que el estudio decidió que sus películas debían terminarse. Así algunas de ellas se hicieron mal y rápido y otras fueron mutiladas, pero parece que esta historia de fantasmas debía concluirse sí o sí. De hecho el segmento llamado “el otro mundo” se nota que fue grabado mucho antes del lanzamiento final. El aporte de Mou a esta composición fue su tradicional dosis de salvajismo y un oscuro comentario social. Ambas partes de la película parecen una antítesis una de la otra y la historia de fantasmas es muy inocente en comparación con el corte “hardcore” de Mou.

Lost Souls

Sin embargo, como ocurre con casi cualquier creación humana, es difícil determinar seriamente el nivel del producto final. Justo cuando empiezas a apreciar la crítica social del director hacia los oprimidos, Mou inserta una escena escandalosamente sórdida, como por ejemplo a una mujer practicando sexo sobre una mesa. La cámara se sitúa debajo de ella viéndose sus pechos contra el cristal, esto da un aura de película erótica a lo que realmente es un cuento sobre la avaricia. La mayoría de las películas de Mou son así, sin embargo tiene algunas comparables con el tono de CANNIBAL HOLOCAUST (1980) de Ruggero Deodato, un grotesco lienzo de salvajismo y violencia camuflado como falso documental, en donde era difícil discernir si Deodato condenaba o abrazaba la masacre mostrada en pantalla. Muchas de las películas de Mou tienen esto en común con la película de Deodato. Si Deodato era censurado en los medios por su cruel muestra de la violencia, Mou lo era a su vez por su muestra de los problemas sociales de la época. Al final ambos directores traspasaban la línea entre ofrecer un mensaje serio y el deleite con la explotación más sensacionalista.

Finalmente LOST SOULS (1980) lo convirtió en uno de los directores más salvajes de la Shaw Brothers y la película fue la comidilla del estudio por miedo a caer en las férreas manos de la censura. Mou confiaba en que esto no sucedería porque trataba un tema muy real y serio, una triste historia de inmigrantes ilegales chinos que llegan a Hong Kong solo para caer en manos de criminales que los torturan, convierten a las mujeres en esclavas sexuales y los someten a todo tipo de vejaciones imaginables. Una vez más Mou eligió un elenco lleno de actores desconocidos salvo algunos nombres como Chan Shen. Un retrato brutal que era terriblemente violento para un estudio predominantemente establecido en el entretenimiento familiar. Teniendo en cuenta el resultado del experimento llevado a cabo en BANK BUSTERS (1978), parece increíble que la conservadora Shaw dejara volver a tomar actores desconocidos a Mou para esta película.

Sus dos películas anteriores, A DEADLY SECRET y HAUNTED TALES, tuvieron un éxito moderado, pero eran fantasías, sin mucho contacto con la realidad del momento. A finales de 1980 Mou había terminado sus tres películas por contrato e iniciado 1981 las relaciones con el estudio se volvieron tensas y abruptas y Mou dejaría la Shaw Brothers en busca de lugares más cómodos para él. Dejaría al menos una película inconclusa.

En los primeros meses de 1981, Mou comenzó a trabajar en otro thriller ambientado en la época actual. Este proyecto se titulaba THE STING OF DEATH y el director tenía previsto trabajar casi todo el año en ella, pero la situación se volvió tan tensa que dejo el estudio antes de terminarla, aun así dejo media película rodada. La propia apariencia de Pai Piao había cambiado cuando se retomó el proyecto en 1983. Pai apareció en MEN FROM THE GUTTER con el pelo rizado, cosa que contrastaba con las escenas ya grabadas donde tenía un look muy diferente. La Shaw no parecía tener ganas de gastar más dinero en regrabar esas escenas y así quedaron.

man_behind_sun

Esta película fue lanzada en 1985 con el nombre de PURSUIT OF A KILLER. Teniendo en cuenta que habían perdido su base en Hong Kong por aquel entonces y que sus producciones son vistas como “anticuadas” quizás fue lo mejor no dejar morir esta película. A pesar de que sus “anticuadas” películas de acción son vitales para los mercados de ultramar, la Shaw, al igual que la Hammer antes que ellos, había perdido el contacto con la realidad y aunque tenían un pequeño grupo de directores talentosos, esto no les serviría para realizar películas del estilo de la nueva ola del cine de Hong Kong.

A finales de 1981, un joven director televisivo llamado Huang Tai Lai (aka Taylor Wong) es contratado por la Shaw para dirigir la versión cinematográfica de un conocido comic, el resultado fue BUDDHA’S PALM (1982). La película fue todo un éxito y uno de los mayores ingresos económicos de la Shaw durante esa década. Wong supo aprovechar su éxito con un éxito mayor, el drama BEHIND THE YELLOW LINE (1984). La Shaw había descartado por aquel entonces toneladas de material grabado y muchos proyectos habían muerto, pero algo había visto el estudio en el material que había dejado Mou. Wong (que casualmente también se parecía físicamente a Mou) tuvo entonces la tarea de recuperar las imágenes y dar vida a lo que sería PURSUIT OF A KILLER.

Mientras tanto Mou se dirigió a la China continental donde dirigió una película de Kung Fu con niños llamada YOUNG HEROES (1983). Las grandes y exuberantes localizaciones de China fue una motivación para el director y su esfuerzo produjo una película de éxito, aunque alejada de sus productos originales. Poco después Mou se embarcaría en otra película problemática, y una de las más notorias de toda su carrera, MEN BEHIND THE SUN (1988), una idea que se le había ocurrido mientras grababa YOUNG HEROES. Aunque dirigió muchas películas, esta es quizás la más polémica de todo su curriculum.

Eclipsando totalmente sus anteriores trabajos, LOST SOULS había sido esencialmente su película más fuerte hasta que el director descubrió las atrocidades cometidas por los japoneses hacia China durante la Segunda Guerra Mundial. MEN BEHIND THE SUN (1988) es una seria descripción de la barbarie humana en uno de los tiempos más oscuros de la humanidad, pasada muchas veces por alto ya sea a nivel penal o por motivos políticos. El nivel de sadismo y agresividad de esta película, al igual que la de su menos conocida secuela NANKING MASSACRE (1995), palidece al lado del nivel de tortura y destrucción sufrida por la China de aquel momento.

Mou Tun Fei fue y sigue siendo un enigma en la larga historia del cine de Hong Kong. Su influencia y el sello de depravación de sus películas se pueden rastrear desde el inicio de su carrera como un vagabundo inteligente y de personalidad alienada. Pero Mou tuvo su influencia en el cine de casi toda Asia. Lamentablemente su trabajo fue eclipsado por el de otros realizadores más prolíficos y quizás menos polémicos, siendo sus obras injustamente olvidadas en los archivos de la Shaw. Mou fue un director atrevido para la época, un inadaptado obsesionado por mostrar los problemas del mundo en el que vive de la forma más cruda posible.

men behind the sun

Mou Tun Fei aparentemente desapareció de los medios a mediados de la década de los 1990 ya sea por elección o por falta de trabajo. Sin él y sus MEN BEHIND THE SUN quizás nunca hubiera existido un cine como la Categoría III y sus consiguientes olas de gore y masacre.

NOTA: Esta es una traducción libre del artículo sobre el director publicado en CoolAssCinema.


10
jul

Un español en Udine – Crónica asiática del #FEFF16 (IV)

feff16

No nos hemos olvidado de nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Seguimos de forma cronológica con lo que pudimos ver el día 29 y 30 de abril, cinco compuestas por un drama legal coreano, una muy local cinta de acción hongkonesa, un drama juvenil sobre jóvenes descarriados, un drama agridulce japones sin mucha trascendencia y una confusa y en general mala película de bomberos. Adelante con ello.

The Attorney

The Attorney

YANG Woo-seok, 2013

El debut como director de Yang Woo-seok, quien también se encarga de escribir el guión, no podía haber salido mejor, y es que The Attorney es una de las películas más taquilleras del pasado año en Korea. En parte drama legal, en parte retrato histórico, en parte denuncia social, adapta de forma libre hechos reales acontecidos durante los primeros compases de la década de 1980.

El guión se centra en la figura del joven Song Woo-seok en la década de 1970. Corea del sur vive en una inestable democracia y con una continua guerra fría contra el norte, y Song, a pesar de no tener estudios, monta un negocio de representación legal de bienes raíces. Los inicios son duros, pero tras un gran esfuerzo Song termina ganado mucho dinero y teniendo una vida cómoda, aunque no olvida sus orígenes humildes. Asi llegamos a los 1980 y a la proclamación de una nueva dictadura, Song es menospreciado por sus compañeros de profesión por no tener estudios, y se enfada enormemente cuando los estudiantes salen a la calle a protestar, desperdiciando el tiempo de estudio que el no pudo tener.

En esta primera parte la película avanza entre el drama y la comedia ligera, presentando a un personaje magníficamente encarnado por Song Kang-ho, que tiene gran culpa del resultado final de la cinta. A esto se le añade ese toque de representación política e histórica de la Corea de la dictadura, recordándome (solo ligeramente y salvando muchísimo las distancias ya que son dos películas muy diferentes) a National Security, que pudimos disfrutar el pasado año en Sitges.

Pero entonces se produce la detención de unos estudiantes entre los que se encuentra un conocido de Song, y tras ver los métodos poco limpios con los que se les trata y las torturas que reciben, decide defenderlos en el polémico juicio que se debe realizar.

En esta segunda parte el drama se radicaliza y la película se acelera, explorando un tema que tristemente en la actualidad sigue vigente en muchos países, hasta donde es capaz de llegar alguien en el nombre de la seguridad nacional. Esta pregunta se encarna en el Inspector Cha, jefe de los servicios anticomunistas del régimen.

En definitiva, una película interesante, con unas premisas quizás locales pero un mensaje muy universal.

Firetorm

Firestorm

Alan YUEN, 2013

Una de las últimas películas de accińo de Hong Kong venía precedida de críticas, sobre todo en Berlin, que la calificaban como una de las mejores cintas de acción de los últimos tiempos. Para mi es una relativa decepción, una película donde la trama es una escusa y la acción lo supedita todo, pero con muchos puntos oscuros que no la hacen tan buena como debería.

El argumento general gira en torno a Lui Ming-chit, al cual da vida Andy Lau, un policía recto y de alta moral, que gusta de cumplir las normas y tiene unos principios muy definidos. En un caso se ve envuelto en un supuesto accidente provocado por unos criminales que asaltan furgones blindados, descubriendo que un antiguo compañero suyo parece estar con los malhechores, y presenciando la muerte de un civil inocente. A partir de aquí comienza una persecución infatigable por parte de Lui, que incluirá persecuciones, tiroteos, infiltrados y mucho más.

Y es que Firestorm es una película que nos traerá a la mente ese cine tan típicamente hongkonés donde el guión poco importaba y solo importaba la acción, una historia simple que es la excusa para los tiroteos, los accidentes y las explosiones. El problema aquí viene en que a veces se quiere hacer una película verosímil, con tácticas policiales, algo de realismo en los tiroteos, etc… y en otras ocasiones, muchas en realidad, se les va de las manos y la acción crece de forma incontrolada, los policías llegan de una punta de Hong Kong a otra en un instante, a Andy Lau le explota un coche en la cara (o se tira de un edificio, o le pegan 6 tiros) y se vuelve a levantar a por más prácticamente sin despeinarse… vamos que tiene aguante. Aparte hay que hacer una mención a los horribles efectos digitales utilizados en los disparos, que casi parecen rayos láser de la guerra de las galaxias, a mi me sacaron cualquier halo de realismo de encima, pero entiendo que esto es un poco personal.

En el apartado interpretativo ahí tenemos la eterno Andy Lau haciendo prácticamente de él mismo, con su pose de costumbre y una especie de malsana obsesión con la sopa (que llego a creer que es algún tipo de chiste interno que no entendí), acompañado por Hu Jun y Lam Ka-tung, peor sin nada realmente destacable en este apartado.

No hay mucho más que destacar que la acción a ratos buena a ratos loca, la película se desarrolla un poco plana y si nos dejamos llevar lo pasaremos bien, sino nos parecerá un poco regulera… hasta que lleguemos al final, una de las cosas más memorables que he visto en años… increíble, no diré nada más.

May We chat

May We Chat

Philip YUNG, 2014

Leímos en algún sitio, el catalogo del festival creo recordar, que esta película era un drama juvenil que mostraba fielmente los problemas de la juventud hongkonesa, pero nada más lejos de la realidad. Es cierto que trasmite muchos temas candentes presentes en cierta parte de la juventud más excluida y “pasota” de la excolonia británica, pero el crítico metido a director Philip Yung llena la película de sordidez y lo lleva todo un poco al extremo.

May We Chat trae al nuevo siglo una historia conocida para el público más veterano de Hong Kong, ya que tiene una relación más que circunstancial con la película de 1983 Lovely Fifteen, un drama criminal sobre jóvenes descarriados, que está presente en esta película en temática, en varios flashback con imágenes de aquella y en que dos de los jóvenes de aquella son los veteranos de esta, dándole un aire de comparación de los problemas generacionales para aquellos que han visto ambas.

El trío de jóvenes protagonistas, una sordomuda que ejerce la prostitución, otra que trabaja de chica de compañía y una niña rica que juega con las drogas, se relacionan principalmente por la aplicación móvil WeChat (que da nombre a la película), y la desaparición de esta última hace que las otras dos se decidan a buscarla. Este periplo se llena de sordidez y toca temas cuanto menos comprometidos como los jóvenes que se venden sexualmente para comprarse caprichos, la desafección de la juventud, las mafias y los coqueteos con la droga. A pesar de todo, de ese punto de vista cínico sobre la juventud actual, aún se cree en el poder de la amistad y el sacrificio, lo cual deja un halo de esperanza en el futuro.

Una puesta en escena elegante a la vez que algo oscura, de bajos fondos, para una película que al menos a mi no me dijo demasiado pero que no me aburrió en absoluto y me mantuvo interesado. No quiero terminar sin mencionar al trío protagonista, que encarna muy bien sus respectivos papeles teniendo en cuenta que han salido prácticamente de la nada.

moratorium tamako

Tamako in Moratorium

Nobuhiro YAMASHITA, 2013

Ya os comentaba en pasadas entregas que este año Udine estaba llena de comedias tanto con gracia como sin gracia, pero la cosa es que gran parte de las películas japonesas que vimos en el festival se adscribían a estas lindes, películas en las que aparentemente no sucede demasiado, un planas. Y tampoco podía faltar el consabido dramedy (que aún no me queda excesivamente claro que significa aunque entiendo que es una especie de mezcla de drama y comedia pero en un tono natural y no buscado, con historias simples y humanas, un drama agridulce que dirían algunos.) que en esta ocasión viene de la mano de Nobuhiro Yamashita, director conocido por películas como “Linda, Linda, Linda”.

Aquí no encontramos a Tamako, una joven estudiante que al graduarse en la Universidad de Tokio vuelve a su ciudad en una zona rural de Yamanashi, donde se toma una especie de año sabático (de ahí la moratoria del título) en la que lo único que hace es ayudar, y no mucho, a su padre en su pequeña tienda de artículos deportivos y vaguear todo el día. Sin más, esa es la frase, porque no es más que esto.

La película se estructura en una especie de capítulos que marcan las 4 estaciones, y que representan ciertos cambios en la actitud de Tamako y sus encuentros y relaciones durante ese tiempo. La película se desarrolla de forma natural y simple, con un acercamiento muy ligero a la comedia de situación pero desde un punto de vista muy japones, dejando que el melodrama familiar se produzca solo, sin meter elementos forzados. Un acercamiento amable y simpático, pero con un ritmo lento, aunque realmente no aburrido si conectas con esta muchacha y su vida.

En fin, una película sin mucha trascendencia, al menos para mí.

As the Light Goes Out

As the light goes out

Derek KWOK, 2013

El pasado año en Hong Kong las películas de desastres con incendios y bomberos han sido protagonistas, compitiendo esta misma que hoy tratamos y Out of Inferno de los hermanos Pang. Se ha hablado mucho de cual de las dos es mejor, o peor, y parecía que esta era la buena… pues si esta lo era, no quiero saber como es la de los Pang.

La historia comienza, como no, con un incendio en el que la dudosa actuación de los bomberos provoca que los retiren del servicio por negligencia, a todos menos a uno que llega a convertirse en alguien dentro del cuerpo. Pasados los años un triste día todo se conjuga para crear la tragedia, un grupo de jóvenes bomberos entran al cuerpo y han de apagar un incendio en una planta química, con la presión de que se observa sus movimientos por parte de una inspección. Por otro lado un colegio visita la central Nuclear que abastece Hong Kong, y entre los que se encuentra el hijo de uno de los bomberos. Y lo evidente sucede, incendio en la central y entre que unos quieren demostrar su valía y otro rescatar a su hijo… imaginaos.

Realmente la película no empieza mal, es más empieza muy bien, con buena acción y efectos digitales, un “falso” anuncio con Jackie Chan como protagonista que creo que todos queremos que se convierta en largometraje, y un desarrollo adecuado para una película de desastres. A esto hay que sumar el gran elenco actoral seleccionado, encabezado por Nicolas Tse, Shawn Yue o Simon Yam, que últimamente me encanta con sus caracterizaciones. Pero todo esto explotará y de que manera.

La historia deriva sin mucha trascendencia hasta el incendio principal, y allí todo se va al garete, la música, compuesta por el incombustible Teddy Robin que todos deberíais recordar como ese excéntrico maestro en la anterior producción de Derek Kwok, Gallants, de épica se vuelve cansina y atronadora, no pega con el conjunto y casi molesta. Los planos y el montaje hacen que no te enteres que está pasando, los actores van casi siempre tapados y no sabes quien es quien, es más solo se reconoce a Simon Yam y porque se quita la mascara. La cosa continua con unas formas de actuar inverosímiles y unas situaciones rocambolescas donde el humo parece ser el único gran enemigo. Confusa es el menor de los calificativos que se merece.

En serio, no se como alguien que ha dirigido la nombrada Gallants o Journey to the West puede dirigir esto, desaprovechar tantísimo unos actores de nivel y hacer un producto tan confuso y con tan mal resultado.


07
jul

Del Manga al Cine – Lone Wolf and Cub: Películas 2 y 3

En la anterior entrega hablamos sobre la primera película de la saga “Baby Cart” titulada Sword of Vengeance, y vimos como se compone de un buen numero de escenas dispares procedentes del manga con muchos personajes y tramas que navegan por la corta duración que exige una obra cinematográfica, en comparación con una novela gráfica. La segunda película de la saga, estrenada tan solo unos meses después de la primera, sigue la línea que hemos mencionado antes, tomando segmentos del manga que adapta de forma excelente en lo visual, aunque se desvía un poco de los argumentos originales en pos de la adaptación cinematográfica. Aunque pasada la presentación del drama interno y la caída de Itto Ogami, aquí la acción se maximiza en gran medida y la película es más más violenta, con más combate y momentos de exploit.

lone wolf and cub

El título de la película “Baby Cart at the River Styx” se toma directamente del tercer capítulo del manga, en el que una mujer da de mamar a Daigoro con el permiso de Ogami. Una primera apreciación es que este segmento no aparece en la película, sino que ya aparecía en Sword of Vengenace. Una vez comenzada la película el lector verá la mezcla de varias líneas argumentales presentes en el manga, algunas de ellas con varios cambios significativos. Para empezar aparecen en escena tanto Ozunu, líder del clan de ninjas Kurokawa, como Sayaka, líder de las Akashi-Yagyu, el clan de ninjas femeninas, e hija de Retsudo. En el manga Sayaka protagoniza el capítulo homónimo (Vol. 16: The Gateway into Winter, capítulo 79) en el que por orden de Retsudo, y tras la muerte de todos sus hermanos, debe utilizar su técnica de daga para matar a Ogami. En la película Sayaka y Ozunu envían ninjas a por Ogami, y tras su fracaso secuestran a Daigoro y amenazan con lanzarlo a un pozo, produciéndose un enfrentamiento directo. La otra línea argumental presente en la relacionada con los hermanos Hidari, tomada directamente de “The Flute of the Fallen Tiger” (Vol. 3), en la que los asesinos profesionales que trabajan como guardaespaldas deben proteger a un testigo que va a denunciar a su clan al Shogun y Ogami es contratado para detenerlo, y por tanto enfrentarse a ellos. A pesar de algunos cambios menores en esta trama, es interesante ver la riqueza en detalles que presenta la misma, con escenas idénticas al manga y perfectamente adaptadas en escenarios y desarrollo.

En la tercera película, titulada Babycart to Hades, es inmediatamente perceptible su referencia al manga, Ogami y Daigoro navegan en un esquife de transporte de pasajeros cuando a una joven se le cae un paquete al agua, al poco Daigoro lo pesca con un palo y todo lector reconoce la presencia del capitulo del manga “The Virgin and the Whore” (LWdC Vol. 3). Es bastante impresionante lo bien que la película sigue los elementos de esta historia, llegando a la sal en los pies cansados de la joven prostituta. Sin embargo, antes de que lleguen a la posada se entremezcla un nuevo capítulo, desarrollándose en ese camino el capítulo 46, “Wandering Samurai” (Vol. 9), en el cual un Watari-Kashi, un grupo de espadas de alquiler renegados, van en busca de trabajo a un han cercano pero su depravación los hacen asaltar unas mujeres y violarlas. En el manga se produce un duelo entre Ogami y uno de estos Watari-Kashi que aun conserva su honor y no es de la calaña del resto, y por supuesto lo mata. En la película, con el fin de reutilizar al personaje, se decide dejarlo vivir permitiendo indulgencia para con el hombre. Esto es interesante, porque parece poco probable que sucediera, pero se entiende después de ver algunas de estas películas que a veces un punto de la trama, incluso una acción probable, debe cambiar con el fin de crear una película efectiva y entretenida.

lone wolf and cub

Ya en la posada aparece Torizo, recordemos que es la jefe de los Yakuza que persiguen a la joven que ayuda Ogami, para reclamar a la chica y vengar la muerte del proxeneta Zegen. Cabe mencionar que una vez más, la dirección, el set, y el guión son increíblemente precisos con el manga original. Incluso la acción está dirigida magníficamente, y la historia se desarrolla muy bien. Sin embargo, hacia el final de “The Virgin and the Whore” Ogami corta las cabezas de un juego de muñecas tradicional, pero en la película la historia continua haciendo que Torii pida un asesinato para si misma. Aquí es donde la película se aleja de la historia del manga para no volver. Suceden algunas intrigas, la historia roba un fragmento de otra historia del manga, y, finalmente, Ogami se enfrenta a un gran ejército. Aquí es donde la película pierde un poco de credibilidad. Ogami basa en gran medida este combate en las armas de fuego. No sólo utiliza el arma en el carro, que se ha transformado en una ametralladora, sino que mata a numerosos soldados con un par de revólveres. ¡revólveres! Tal tecnología no existía entonces, y tampoco las ametralladoras, pero por supuesto las películas se basa mucho en la supresión de la incredulidad, ¿verdad? En este caso, el director realmente pide mucho al fiel lector del maga mientras ve esta película, y el uso de esta parafernalia degrada un poco el resultado final. Sin embargo, desde otra perspectiva, las armas parecen como un juego de películas del oeste americano, añadiendo un poco de tiroteos a la mezcla. Hay un montón de comparaciones entre las películas de samurais y los westerns en la historia del cine.


04
jul

Programación CasaAsia – Cine independiente en Filipinas II

Casa Asia presenta la segunda parte del ciclo de cine de Filipinas que abarca la filmografía del período 2010-2011. Se trata de un cine que reflexiona sobre sí mismo desde dentro y simultáneamente sobre la realidad social del escenario en el que se produce. Dando continuidad al que se denominó en los años 70 “Nuevo Cine Filipino” y que, de la mano de Lino Brocka defendía la necesidad de una industria cinematográfica propia, este ciclo pretende mostrar la apertura de cineastas de las siguientes generaciones.

Más allá de nombres como el de Ismael Bernal, Brillante Mendoza, Mike de León, Mario O’hara o incluso el prolífico Raya Martín, que rodó en Bilbao y Madrid su última película Buenas noches España, el cine filipino ha conocido un importante desarrollo en el ámbito experimental al igual que en los distintos géneros. Hay otros directores como Raúl Jorolan, Joel Lamangan, Remton Siega Zuasola, Chito Roño, Sheron R. Dayoc, Marlon N. Rivera o Alvin B. Yapan, cuya obra contribuye al reconocimiento de una identidad que reclama su lugar en la historia.

Las siete películas que forman parte de este ciclo tienen como objeto la narración de la vida cotidiana de un país, a través de diversas voces que se unen formando una especie de mosaico que nos permite conocer mejor un paisaje cultural común y la vida social de sus habitantes.

Programación

Sábado, 5 de julio de 2014 a las 20.00 h
The Red / Los zapatos rojos, Raúl Jorolan. 2010. 100’. VOSE

Sábado, 12 de julio de 2014 a las 20.00 h
Sigwa, Joel Lamangan. 2010. 109’. VOSE

Sábado, 19 de julio de 2014 a las 20.00 h
Ang Damgo Ni Eleuteria / El sueño de Eleuteria, Remton Siega Zuasola. 2010. 90’. VOSE

Sábado, 26 de julio de 2014 a las 20.00 h
Emir, Chito Roño. 2010. 138’. VOSE

Sábado, 13 de septiembre de 2014 a las 20.00 h
Halaw / El alma del mar, Sheron R. Dayoc. 2010. 78’. VOSE

Sábado, 20 de septiembre de 2014 a las 20.00 h
Ang Babae Sa Septic Tank / The Woman in the Septic Tank, Marlon N. Rivera. 2011. 88’. VOSE

Sábado, 27 de septiembre de 2014 a las 20.00 h
Ang Sayaw Ng Dalawang Kaliwang Paa / El baile de dos pies izquierdos, Alvin B. Yapan. 2011 100’. VOSE

Cinemes Girona 
c/ Girona, 175
Barcelona

Entrada individual: 2,5 euros
Entrada reducida: 1 euro

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