28
may

Yoshio Tsuchiya

tsuchiyaYoshio Tsuchiya nace en 1927 en Yamanashi, Japón. su padre era profesor de literatura en la prestigiosa Universidad de Waseda (Tokyo) y desde muy temprana edad autores como Shakespeare, del que su padre era traductor oficial para Japón, entrarían en su vida. Sus pequeñas incursiones en el teatro no quitaron que terminara estudiando, y completando, medicina en la universidad. Pero la actuación aún picaba dentro de Yoshio y se uniría al respetado grupo teatral Hayuza.

A Tsuchiya tampoco le llamaba el cine, pero en un determinado momento Akira Kurosawa lo convencerá para participar en el casting de “Los 7 Samurais” (Shichinin no samurai, 1954), quedando el director entusiasmado por la fuerza que mostró en dicha prueba. El público lo acogería con gran entusiasmo, y su interpretación del granjero Rikichi sería recordada por los aficionados. La Toho vería en él a una estrella en alza, pero el actor estaba más preocupado por realizar buenas interpretaciones que en la fama. Kurosawa contribuiría a conservar la “calidad” de su descubrimiento e intentará que el joven solo trabajara en producciones de primer nivel.

En 1957 Kurosawa presentaría a Tsuchiya a su buen amigo el director Ishiro Honda, quién había despuntado en la escena de la Ciencia Ficción con la cinta “Gojira”, el mismo año del estreno de “Los 7 Samurais”. Tsuchiya y Honda pronto conectarían – años después el propio actor denominaría a Kurosawa y Honda como “sus otros 2 padres” – y el actor, un ávido aficionado a todo lo relacionado con OVNIs, sería invitado por Honda a participar en “The Mysterian” (1957). Ese mismo año trabajaría para Akira Kurosawa en “Trono de Sangre” y para Hiroshi Inagaki en “Ninjitsu”, su carrera crecía de manera vertiginosa.

Matango

Tsuchiya, que aparecía en casi todas las películas de Akira Kurosawa desde “Los Siete Samurais” (1954), finalizaría su relación profesional con el director al término de “Barbarroja” (1965), que con sus 2 años de rodaje ya le había costado renunciar a un papel para “Ghidorah, el dragón de tres cabezas” (Ishiro Honda, 1964). Kurosawa intentaría que participase en “Kagemusha” y “RAN”, pero la apretada agenda del actor lo impediría.

En sus años de carrera, principalmente hasta 1971 que descendería radicalmente su producción cinematográfica, Tsuchiya ha participado en películas de época de diversa factura, como las ya nombradas cintas de Kurosawa, chanbaras con Hiroshi Inagaki, como “Ninjitsu”, “47 Ronin”, “The Secret Sword” o “Incident at Blood Pass”, o Kihachi Okamoto, como “Kill!”, o cine bélico basado en la Segunda Guerra Mundial, del que la Toho sacó partido en los 60, como “The Storm of the Pacific”, “Almirante Yamamoto” o “Batalla del Mar del Japón”. Pero por si algo es bien recordado por los aficionados es por sus incursiones en el mundo de la Ciencia Ficción.

Tsuchiya participó por primera vez en un Kaiju Eiga en “Godzilla Contraataca” (1955) y a partir de ahí su amistad con Ishiro Honda lo haría interpretar papeles en producciones como “Daikaiju Baran” (1958), “Frankenstein Conquers the World” (1965), “Kaijû daisenso” (1965), “El Hijo de Godzilla” (1967), “Invasión extraterrestre” (1968) o “Yog: The Space Amoeba” (1970). Pero no solo se adentraría en los fueros del Kaiju Eiga, ya que en lo referente a Ciencia Ficción realizaría cintas como “The H-Man” (1958), “Battle in Outer Space” (1960), “The Telegian” (1960), “The Human Vapor” (1960) o “Matango” (1963).

invasion-of-astro-monster

Tras abandonar el cine Tsuchiya volvió al teatro. Siempre ha seguido reacio al medio televisivo y a preferido el escenario, pero retomó su carrera en algunas ocasiones. En 1989 interpretaría al Dr Mizuno en “Teito Taisen”, en 1991 volvería al Kaiju Eiga, 20 años después, en “Godzilla vs King Ghidorah” y en 2005 realizaría un papel en la cinta “Kaidan”. Tsuchiya ha compaginado su carrera con su afición por la escritura, escribiendo varios ensayos y libros sobre su etapa como actor con Kurosawa y su afición por los OVNIs.


18
may

Los Lunes con Miyazaki – El viento se levanta

Kaze TachinuKaze Tachinu (2013)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki (novela de Tatsuo Hori)
Producción: Studio Ghibli, Buena Vista Home Entertainment, Hakuhodo DY Media
Música: Joe Hisaishi
Animation, drama

El pequeño Jiro Horikoshi sueña con ser piloto, pero sus problemas de vista le apartan de su ilusión. Sin embargo, un día lee sobre el diseñador de aviones italiano Giovanni Battista Caproni y en un sueño inspirador, éste le anima a que se haga ingeniero como él. “¡Cualquiera puede pilotar un avión!” – le espeta Caproni. Pasan unos años y cuando Jiro va de camino a la Universidad Imperial de Tokyo a estudiar aeronáutica, conoce a Nahoko y su niñera. El Gran Terremoto de Kantō de 1923 les sorprende y se separan sin que puedan intercambiar sus nombres. Años después, en 1927, Jiro ya se ha licenciado y comienza a trabajar con su amigo Kiro Honjo en Mitsubishi para diseñar aviones de guerra.

En su «canto del cisne» al cine, Miyazaki une su amor por la literatura con la conciencia histórica japonesa y deja su testamento a las futuras generaciones. Fue Toshio Suzuki quién le convenció para convertir su manga Kaze Tachinu (2009) en su última película, ya que el director era reticente a dirigir una película de animación al público adulto. Y es que, en su última obra maestra, Hayao Miyazaki mezcla la biografía de dos personas reales de la historia negra de Japón –Jiro Horikoshi y Hori Tatsuo – y le añade un poco de su magia. Pero además, nos deja un testimonio gráfico de finales de la era Taishō (1912-1926) y principios de la era Shōwa (1926-1989): el Gran Terremoto de Kantō, la Gran Depresión, el desempleo, la tuberculosis, el fascismo, etc. Estos años previos a la Segunda Guerra Mundial, Japón se consolida como una gran potencia imperial y se prepara para la guerra y lo hace golpe de presionar al máximo a su población con estructuras laborales deshumanizadas. Pensad que Tokio se destruye en el terremoto de 1923 y cuando Jiro se gradúa en 1927, la ciudad está casi recuperada por completo. De todo esto nos hace partícipes Miyazaki en sus escenas: la terrorífica escena del Terremoto en Tokio cuando conoce a Nahoko, la desesperación de los ciudadanos ante el cierre de los bancos, la emigración de la población del campo a la ciudad para encontrar trabajo.

el viento se levanta

Decíamos que en este doble homenaje, tenemos por un lado la vida del genio Jiro Horikoshi (1903-1982), el ingeniero del Mitsubishi A6M1, más conocido como el Zero, el avión que llevó a la muerte a los famosos kamikaze japoneses. El pequeño Jiro, moldeado a partir del original, comparte la pasión por la aviación del pequeño Miyazaki, de hecho Miyazaki Airplane construía piezas para el Zero. Jiro se mirará en el espejo del gran Caproni, ambos demasiado enfocados en su sueño de construir aviones bellos, dejarán que sus creaciones se conviertan en herramientas del fascismo. «El sueño de la aviación está maldito» le recordará varias veces Caproni, pero su genialidad y su amor por la belleza mantendrá a Jiro ajeno a la realidad de su tiempo. El director nos hace numerosos guiños al respecto, como cuando Jiro y Honjo visitan la fábrica Junkers en Dessau y Jiro comenta que es una pena tener que cambiar los sitios de los pasajeros por bombas o cuando pretende quitar las bombas para aligerar el peso del Zero. El contrapunto a esta ceguera lo pondrá la introducción de dos personajes históricos completamente conscientes de los tiempos que corren y que sirven de premonición. Primero Hugo Junkers, pacifista convencido y de tendencias socialistas y con un sueño equivalente al de Caproni y Jiro. Los nazis le arrebataron de las manos la fábrica de avión Junkers y le mantuvieron en arresto domiciliario hasta su muerte en 1935. Es él quien les dará su lugar a Jiro y Honjo cuando viajn a Dessau para aprender la tecnología de aviación alemanana y exijan haber firmado un trato entre iguales con Alemania. El otro personaje es Hans Castorp, –a quien conoce en un hotel en Karuizawa cuando se retira a meditar sus derrotas y se reencuentra con Nahoko–, una fusión del personaje homónimo de la novela La Montaña Mágica (1924) de Thomas Mann y el espía soviético Richard Sorge. Esta dualidad en su función la hace completamente explícita el personaje de Castorp: Primero cuando le dice a Jiro que la residencia vacacional le recuerda a la novela de Mann, una novela escrita en clave nietzscheana con la creencia de que hay que conocer profundamente la muerte y la enfermedad para llegar a entender la salud y la vida; Y segundo, cuando sus palabras a Jiro le llegan como una sentencia a muerte: “Hacer una guerra en China. Olvidadlo. Crear un gobierno de marioneta en Manchuria. Olvidadlo. Dejar la Liga de Naciones. Olvidadlo. Enemistarse con el mundo. Olvidadlo. Japón saltará por los aires. Alemania también”. Castorp intentará sutilmente compartir su visión de la vida con Jiro para que valore lo importante de la vida y lo animará a acercarse a Nahoko. El aparente periodista alemán, antes de huir de la policía japonesa, cantará para Jiro “Das gibt’s nur einmal” (“sólo ocurre una vez”), evocando la frugalidad de la vida y la importancia del amor. Richard Sorge fue arrestado por la policía japonesa en 1941 y colgado en la prisión de Sugamo en 1944.

El segundo elemento del doble homenaje es el escritor Tatsuo Hori (1904-1953) y su novela corta homónima Kaze Tachinu serializada en la revista socialista Kaizō entre 1936 y 1937. Hori se enmarca en el movimiento de literatura proletaria en Japón que aparece de forma simultanea a la literatura modernista y esteticista de grandes de las letras universales como Tanizaki Jun’ichiro o Kawabata Yasunari. La calidad de la literatura proletaria no tiene parangón con esta literatura burguesa que no cree en la politización del arte, pero es de un gran interés histórico por su descripción de las tensiones y contradicciones de los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Por eso Miyazaki ha querido rendir también un homenaje a este poeta y traductor de poesía francesa, víctima de la precariedad de sus tiempos pero comprometido con la sociedad en la que vivía. La novela de Hori nos sitúa en un hospital para enfermos de tuberculosis en la prefactura de Nagano –donde se encuentra el Hori Tatsuo Memorial Museum y donde el escritor pasó sus últimos años– y narra la evolución de la enfermedad de la protagonista Setsuko. Es una novela intimista y melancólica que refleja la propia lucha del escritor con la tuberculosis de la que pereció en 1953. El título se hace eco del último párrafo del poema de Paul Valéry “Le Cimetière marin”:

Le vent se lève!… Il faut tenter de vivre! / ¡Se alza el viento!…¡Tratemos de vivir!
L’air immense ouvre et referme mon livre, / ¡Cierra y abre mi libo el aire inmenso,
La vague en poudre osea jaillir des rocs! / brota audaz la ola en polvo de las rocas!
Envolez-vous, pages tout éblouies! / ¡Volad páginas todas deslumbradas!
Rompez, vaguez! Rompez d’eaux réjouies! / ¡Olas, romped con vuestra agua gozosa
Ce toit tranquille où picoraient des focs! / calmo techo que foques merodean!

el viento se levanta

La bella Nahoko está configurada a partir de Setsuko y le ofrece a Jiro la oportunidad de vivir de verdad. Su forma de vivir la vida y su muerte por tuberculosis, le harán comprender el significado real de la vida. Es cierto que no es la prototípica heroína miyazakiana, pero curiosamente en los momentos en los que cumple el rol de mujer tradicional japonesa, el director la viste de rosa, y en los momentos en los que Nahoko se decide a abandonar el sanatorio para correr al lado de Jiro y luego decide abandonarle para morir en el sanatorio, Miyazaki le coloca un abrigo azul: su pequeño símbolo para una mujer fuerte y madura. Nahoko no es una heroína pero su existencia ata a Jiro a la realidad de los tiempos y le obligan a conectar con el mundo en el que vive. En este sentido, es un poco como Fio de Porco Rosso (1992) y obligará a Jiro a confrontar su humanidad y a sufrir las consecuencias de sus propias elecciones. Nótese que el Jiro del manga dibujado por Miyazaki tiene una nariz de cerdo, lo que lo emparenta directamente con Marco Pagoto.

No es casual que la película describa la situación de Japón después del Gran Terremoto de Kanto y la Gran Depresión, cuando los esfuerzos titánicos de la población hicieron posible que el país se modernizara en tan sólo unos años, con el esfuerzo económico que supuso. Esta población tuvo que abandonar sus propios valores para poder defender a sus familias, como el propio padre de Hayao Miyazaki, y tuvo que sufrir verdaderas penurias para hacer posible un milagro económico, como la madre de Hayao Miyazaki que también sufrió de tuberculosis. Studio Ghibli ha querido expresar firmemente su “no a la guerra”, ahondando en uno de los episodios más controvertidos de la historia japonesa y su compromiso no es sólo latente en la película sino en el manifiesto publicado en la revista “Neppu” de Ghibli con motivo de la promoción del filme en el que el estudio se sitúa en contra de revisar el artículo 9 (conocido como “la cláusula de la paz”) de la constitución japonesa. Pero al eterno tema de la guerra en Miyazaki, y a la conciencia histórica, se suma también el tema del avance tecnológico y la modernidad. El director nos pregunta directamente cuando Caproni le pregunta a Jiro: «¿Qué prefieres vivir en un mundo con pirámides o sin ellas?». Tal y como indica Napier, el avance tecnológico y estético durante la historia de la humanidad, se ha saldado con miles de vidas humanas y lo que el espectador debe preguntarse es si ha merecido la pena sacrificarlas (NAPIER, 2014).

La última película de Miyazaki ha generado muchísima controversia, tanto por lo espinoso del tema, como por la manera contradictoria de tratarlo. El punto es que la contradicción forma parte de la historia y el carácter japonés, y Miyazaki lo expresa muy bien cuando viste a los ingenieros de Mitsubishi con ropa occidental y sin embargo sus casa son tradicionales, o cuando nadie quiere usar la mesa de Jiro porque es de importación. Yo estuve en la premiére en el Festival de Sitges y recuerdo a mucha gente marchándose del cine. Supongo que esperaban una trama mucho menos arriesgada y una heroína fuerte y victoriosa. Sin embargo, para su última obra Miyazaki ha pedido a sus seguidores un esfuerzo extra y es cierto que sin conocer el contexto político actual y un poco la historia japonesa es difícil perderse y llegar a comprender o disfrutar de lo magnífico de la obra. Pero para mí, Miyazaki seguirá siendo siempre el más grande, y Kaze Tachinu una obra maestra, la mires como la mires.

Bibliografía

CAVALLARO, Dani. The Late Works of Hayao Miyazaki, A Critical Study, 2004-2013. North Carolina: McFarland, 2014.
NAPIER, Susan. “The Technology of Nostalgia, Grief and Pride: Miyazaki’s The Wind Rises”. En: Mechademia, 21 de octubre de 2014 [en línea]. < http://mechademia.org/reviews/susan-j-napier-review-of-the-wind-rises-kaze-tachinu-by-miyazaki-hayao-10212014/>

Kaze Tachinu

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


14
may

Imagineindia Film Festival (2015)

ImagineIndia 2015

Este fin de semana comienza el Imagineindia Film Festival en Madrid, un festival especializado en el cine indio pero que también apunta a cines poco conocidos en nuestro país. Según la propia organización del festival “Imagineindia International Film Festival está sobre todo dedicado a promocionar la amistad y la colaboración entre el Subcontinente Indio, Asia, Australia y España. Su principal objetivo es presentar y llamar atención sobre los filmes y demás expresiones artísticas de estos países, para contribuir a una mejor comprensión de los mismos“. Este año tiene una programación variada con mucha presencia documental y retrospectivas de clásicos del cine indio muy interesantes. Para conocer los horarios y el programa completo de proyecciones visitad su página web.

Sección Oficial

Lajwanti The honour keeper
Pushpendra Singh
Reparto: Sanghmitra Hitaishi, Pushpendra Singh, Sugna Devi
India. 2014. 63 min. Amor

Un cuento popular ubicado en el desierto de Thar explora las luchas internas de una mujer casada para cumplir un sueño y en esa búsqueda encontrar el mayor significado del amor y la libertad.

Ek Hazarachi Note (Un billete de 1000)
Shrihari Sathe
Reparto : Usha Naik, Sandeep Pathak, Shrikant Yadav, Ganesh Yadav, Pooja Nayak
India. 2014. 90 min. Drama

Durante un mitin político en un pequeño pueblo de Maharastra, India, Budhi, una pobre anciana recibe una dádiva de varios billetes de 1000 rupias de un político. Con ello se va de compras al mercado con su vecino, pero el destino tiene otros planes para ellos.

Sigo Siendo
Javier Corcuera
2013. Perú / España. 118 min.

Sigo siendo (Kachkaniraqmi)” es una película de personajes, de personajes que son parte de un país. Esta película habla de música y de músicos, pero no es una película estrictamente musical, es una película de historias personales aparentemente muy lejanas.

NABALOK (El inocente)
Director: Bauddhayan Mukherji
India. 2014. 51 min.
Reparto: Ananya Sen , Barshan Seal, Suman Mukhopadhyay

La primera pieza de Teenkahon, NABALOK (período 1920-1954) está rodada en blanco y negro. Trata de la historia del apego emocional de un niño de 8 años de edad y la obsesión por una chica recién casada.

La película se desarrolla en Calcuta y para luego desplazarse a la Bengala rural. ‘Nabalok’ — basado en el cuento corto de Bibhutibhushan Mukhopadhyay — trata de un poeta devastado por el primer amor.

Pied Piper (El flautista de Hamelín)
India. 113 min. 2013
Director: VIVEK BUDAKOTI
Reparto: Rajpal Yadav, Vikram Kochar, Abhishek Rawat.

Visto a través del prisma de Bertolt Brecht, la película “El flautista de Hamelin” es un folklore satírico de un sencillo lavandero, Chunnilal, sobre el que se rumorea que se ha transplantado el cerebro de su amado burro en un extraño accidente. Encantador de millones de seres humanos con su conciencia asnil que se niega a abandonar.

Anubrata Bhalo Achho?
India. 2014. 103 min. Drama.
Director : PARTHA SEN
Reparto : Ritwik Chakraborty, Swastika Mukherjee, Debleena Dutta

La película se adentra en la rutina diaria del protagonista, Anubrata-un hombre que tiene que pasar por el proceso de debilitamiento gradual de su esposa, Neeta, quien sufre de cáncer.

ASHBAH (FANTASMAS)
Director: DARIUSH MEHRJUI
Irán, 2014. 95 min.
Reparto : Mahtab Keramati, Homayoun Ershadi, Hassan Majooni.

Nadie podría impedir los problemas del General Mir Soleimani con su esposa. Incluso el abogado de la familia no tuvo éxito en hacer lo correcto. Ahora parece que para pagar sus pecados, su hijo debe sufrir en su camino para amar y vivir.

EK, AFRIKANER (ANNALET STEENKAMP)
EK, AFRIKANER (YO, AFRIKANER)
Annalet Steenkamp. 93 min. 2013
Sudáfrica

El filme sigue a cuatro generaciones de Boers sudafricanos viendo como lidian con su identidad como granjeros blancos en una Sudáfrica posterior al Apartheid.

JAI HO
Umesh Aggarwal
India. 2014. 60 min. Biografía.

Allah Rakka Rahman tiene el honor de catapultar la música de las películas Indias en el escenario mundial. Considerado como una de las personas más influyentes del mundo por la revista Time, la base de su trabajo, sus bandas sonoras de más de 120 filmes durante dos décadas, le convierte en uno de los mejores de todos los tiempos. Una fusión de sensibilidades orientales y la tecnología occidental, su banda sonora para Slumdog Millionaire ganó dos Oscars.

Documentales

Ek, Afrikaner (Annalet Steenkamp) Sudáfrica
Jai Ho (Umesh Aggarwal) India
Sigo siendo (Javier Corcuera) España
Chatkorichya Athwani (Shweta Ghosh) India
Espés (Isaac Rodríguez Ramos, Tánit Fernández Ciria ) España
Benegal’s New Cinema (Iram Ghufran)
Qissa-e-Parsi (Divya Cowasji / Shilpi Gulati) India

CLÁSICOS – DARIUSH MEHRJUI (1939)

Fue miembro fundador del movimiento “nueva ola iraní” en la década de 1970. Su segunda película, Gaav (La vaca) se considera la primera película de este movimiento, que también incluyó a Masoud Kimiai y Nasser Taqvai. La mayoría de sus películas están inspiradas en la literatura y adaptación de obras de teatro y novelas iraníes y extranjeras.

En 1959, Mehrjui se trasladó a Estados Unidos para estudiar en la Universidad de California, Departamento de cine en Los Ángeles (UCLA). Uno de sus profesores fue Jean Renoir, de quien Mehrjui aprende a cómo trabajar con actores. Mehrjui ha dicho de sus educadores,” no te enseñan nada importante… porque los profesores eran la clase de gente que no había sido capaz de trabajar en Hollywood”. Se graduó en UCLA en 1964.

Dariush Mehrjui debutó en 1966 con Diamante 33, una parodia de gran presupuesto de la serie de películas de James Bond. La película no fue exitosa. Pero su segundo largometraje, Gaav, le trajo el reconocimiento nacional e internacional. La película Gaav, un drama simbólico, es sobre un simple aldeano y su apego casi mítico a su vaca.

ASHBAH (Fantasmas)
Irán. 2014. Drama

HAMOUN
Irán. 1990. Drama

SARA
Irán, 1993. Drama

GAAV (La vaca)
Irán. 1969. Drama

CLÁSICOS – RITWIK GHATAK

AJANTRIK

Desde su muerte a los cincuenta años en 1976, Ritwik Ghatak ha sido considerado como una de las figuras más importantes en el cine indio de la posguerra por sus películas brillantes y abrasivas, que sin duda se alinean entre los logros más revolucionarios en el arte contemporáneo indio. Involucrado desde muy temprana edad en la política y el teatro, Ghatak fue miembro del partido comunista indio y considera sus héroes artísticos Brecht y Eisenstein. En consecuencia, las películas de Ghatak casó su activismo con alto contenido cultural, remodelación de formas populares – melodrama, canciones, bailes, en vehículos apropiados para la expresión política radical. Sus películas son casi todas autobiografía velada. Ghatak creció durante las convulsiones de la década de 1940-II guerra mundial, la terrible “hambruna artificial” de 1944, la violencia comunal que viene con la independencia y especialmente la partición de Bengala, que toda su vida le obsesionó. Sus temas son casi invariablemente elegidos entre los desarraigados y los desposeídos: niños sin padres, familias sin hogar, refugiados desorientados y la burguesía petit, quebrada económicamente por su exilio. Sin embargo, al igual que en la visión fatal de Robert Bresson, hay un atisbo de esperanza en incluso los momentos más oscuros.

Retrospectiva Guru Dutt

Considerado como un hombre adelantado a su tiempo, Guru Dutt fue uno de los mayores íconos del cine indio comercial. Aunque hizo menos de 50 películas durante su vida, era el mejor en la edad de oro de Bollywood, conocido por su capacidad llegar al hombre común por su contenido poético, y fueron filmes que han influido en Bollywood desde entonces. Pero por toda su genialidad, tuvo unas tendencias trágica que eclipsaron su carrera y su vida.

Dutt nació en Mysore el 09 de julio de 1925, hijo mayor de un director y un ama de casa que era una escritora a tiempo parcial. No tuvo una buena infancia: tuvo que lidiar con la tensa relación entre sus padres, la hostilidad de sus parientes maternos y la muerte de un pariente cercano. Recibió su primera educación en Calcuta, y en 1941, ingresó en el centro cultura de Uday Shankar India, donde recibió entrenamiento en las artes escénicas con el maestro de danza Uday Shankar.

Entró en la industria cinematográfica en 1944, trabajando como coreógrafo en Prabhat Studios. Allí, entabló amistad con Dev Anand y Rehman. Estas primeras amistades facilitaron su camino en Bollywood. Después de la desaparición de Prabhat Studios, Dutt se trasladó a Bombay, donde trabajó con los directores de la época: Amiya Chakrabarty y Gyan Mukherjee.

Tuvo su gran oportunidad cuando Dev Anand le invitó a dirigir en su recién formada compañía Navketan Films. Dutt hizo su debut como director con Baazi (1951), protagonizada por Dev Anand. La película fue un éxito y se convirtió en pionero para los thrillers que vendrían posteriormente. En el plano personal, Dutt conoció a su esposa, la cantante de playback Geeta Dutt, durante las sesiones de grabación de Baazi (1951).

Sus próximos lanzamientos fueron Jaal (1952) y Baaz (1953). Dutt hizo su debut como actor en esta última, que también dirigió. Luego vendrían Aar-Paar (1954), otro thriller , pero con mucho más pulido. Sr y Sra. 55 (1955), una comedia romántica centrada en los derechos de las mujeres; C.I.D. (1956), en el cual debutó Waheeda Rehman.

Sus siguientes películas, Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959), son considerados como su mejor trabajo. Pyaasa (1957) fue su obra maestra, sobre un poeta tratando de alcanzar el éxito en un mundo hipócrita, indiferente. Fue un éxito de taquilla y es catalogada como la mejor película. En contraste, Kaagaz Ke Phool (1959) fue un fracaso de taquilla: la historia semi-autobiográfica de una trágica historia de amor con el trasfondo de la industria cinematográfica fue considerada demasiado morbosa para la audiencia. Aunque en años posteriores la película recibió elogios de la crítica, para Dutt, quien había puesto su alma en la película, fue un golpe muy duro y nunca dirigió otra película.

Aunque había dejado de dirigir, Dutt continuó produciendo y actuando en películas, en particular los dramas de época Chaudhvin Ka Chand (1961) y Sahib Bibi Aur Ghulam (1962).

BAAZI (1951)
AAR PAAR (1954)
MR. & MRS. 55 (1955)
SAHIB BIBI AUR GULAM (1962)

Homenaje a Miklós Jancsó

Uno de los maestros de la composición panorámica y elaboradas coreografias en tomas largas, Miklos Jancso es considerado como el director húngaro más importante de todos los tiempos (Mira y A. J. Liehm) y el cineasta húngaro clave de la era del sonido (Jonathan Rosenbaum). Sus películas muy estilizadas y formalistas se destacan por su brutal estudio de la represión, rebelión y revolución.

Miklos Jancso, quien se licenció en derecho y completó cursos de historia del arte y etnografía, también sirvió en la segunda guerra mundial y fue por breve periodo de tiempo, un prisionero de guerra. Después de la guerra, Jancso se inscribió en la Academia de teatro y cine de Budapest. Recibió su diploma en dirección de cine en 1950.

El debut de Jancso con el filme “las campanas han ido a Roma” fue después de la insurrección antisoviética de 1956 que dejó cientos de húngaros muertos o encarcelados y miles de refugiados. Ya desde esta primera película, Jancso mostró su interés en la guerra como una plataforma para desarrollar sus ideas. En “My Way Home”, un joven Húngaro es detenido, internado, liberado, detenido de nuevo y enviado a pastorear una manada de vacas junto a un joven soldado ruso – los dos trascienden las barreras del idioma, así como la nacionalidad para convertirse en amigos íntimos.

El cine de Jancso no se atiene a los convenios de la narrativa o psicología, sino que se abre a otras áreas que normalmente se encuentran en el cine musical. Sus películas son elaborados ballets clásicos, explorando el anonimato, el poder, la humillación y el sinsentido de la guerra a menudo mediante el uso de los propios rusos como sus súbditos como caracteres. La tiranía es por todas partes y los hombres y las mujeres tratan de sobrevivir en grupos, a menudo cantando y bailando. A veces los grupos se separan y se juntan, moviéndose en direcciones diferentes, mientras la cámara entra y sale discretamente, siguiendo los personajes.

Jancso, cuyo “Salmo rojo” fue premiado en Cannes, fue también distinguido con “el premio especial por toda su carrera” en el mismo festival. Valiente y comprometido, rebelde, angustioso y últimamente hilarante, el trabajo de Jancso sigue siendo un verdadero regalo al cine.

SZEGÉNYLEGÉNYEK (Los oprimidos)
CSILLAGOSOK, KATONÁK (Los rojos y los blancos)
CSEND ÉS KIÁLTÁS (Silencio y grito)
FÉNYES SZELEK (La confrontación)


11
may

Los Lunes con Miyazaki – Ponyo en el acantilado

ponyo on the cliffGake no Ue no Ponyo (2008)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Producción: Studio Ghibli, Dentsu, Hakuhodo DY Media, Walt Disney Company, Mitsubishi, Toho Company, Taikei Office, Asahi Soft Drinks Company, Lawson, Yomiuri Shimbun
Música: Joe Hisaishi
Animation, Fantasy, Family

La hija mayor de la Diosa del Mar Granmamare y un humano alquimista, un pececito rojo llamado Brunilda, conoce en una inocente escapada a un niño de cinco años llamado Sosuke. Después de salvarla y ponerle de nombre Ponyo ambos contraen un ingenuo compromiso, Sosuke jura protegerla y ella toma una gota de su sangre humana para convertirse en una niña como él y permanecer a su lado. Pero para mantener su compromiso y restaurar el equilibrio entre la naturaleza y la humanidad, deberán demostrar su amor verdadero.

Inspirándose en un cuento de Rieko Nakagawa, The Frog Named Elta, por un lado, y en La Sirenita de Hans Christian Andersen, por otro, Hayao Miyazaki crea quizás su película más tierna: Ponyo en el acantilado. Él mismo cuenta, en la entrevista que concede a Makoto Kanazawa en 2008, que el equipo de animación quería hacer una película que fuera la primera que viera la hija del director de animación de Ghibli, Katsuya Kōndo; Así que tomando a la niña de inspiración y a como fuera su hijo Gorō Miyazaki a los cinco años, crea una historia con un mensaje sencillo dirigido a los niños de esta edad: las promesas no siempre pueden mantenerse, pero lucha por ellas. Esta es la versión infantil pero, claro, la versión adulta viene con más matices.

Cuando Miyazaki lee La Sirenita, reconoce, no podía aceptar el hecho de que la protagonista no tuviera alma y, por eso, se tornara espuma de mar. La ausencia de alma es inconcebible en un shintoísta como Miyazaki que venera a los kami como dioses de la naturaleza, pero el director tampoco concibe como la sirenita se transforme en humana y engañe al príncipe, así que decide hacer su propia versión de la historia. En su versión, si Ponyo se tornara espuma de mar no sería por falta de alma, si no un retorno a su propia naturaleza y algo que celebrar. Además, dicha versión es una absoluta desfamiliarización del cuento de Andersen, en la que Ponyo es un pececito rojo con cara humana y cuerpo de anfibio con una transformación progresiva, que vive con su padre y sus hermanas, mientras su madre siempre está ausente. Curiosamente Sosuke sufre la misma situación; vive con su madre Lisa mientras su padre se pasa el tiempo trabajando en alta mar a bordo del Koganeimaru –una curiosa apología a su propia familia ya que Ghibli se encuentra en la ciudad de Koganei–.

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Visualmente, lo que más llama la atención a bote pronto es el trazo sencillo e infantil de la animación y los colores pasteles, entre los que abundan los rojos y rosados en contraste con los azules; algo que no me extraña nada, dada la tendencia que tiene el director de conectar y desconectar estos colores con los géneros y sus funciones. Por ejemplo, Miyazaki siempre ha vestido de azul a sus heroínas menos “shōjo”, sobre todo a medida que se volvían más capaces y maduras y de esto es un buen ejemplo Lisa, la madre de Sosuke, que para mí es la verdadera heroína miyazakiana de esta película. Yo no veo a Ponyo como la heroína si no como una fuerza de la naturaleza, enérgica y quizás abrumante, dado que la segunda vez que llega a la vida de Sosuke lo hace arrasando con toda su fuerza natural y mágica. Lisa, sin embargo, es una Nausicaä ya madura, que comprende y acepta la naturaleza de Ponyo y sabe cómo educar a su hijo en la misma tónica conciliadora. Madre e hijo aceptan a Ponyo tal y como es; no sólo Sosuke promete protegerla, Lisa ayuda a Sosuke a mantener esa promesa. Es también ella quién le enseña a Sosuke la responsabilidad que supone ser parte de la comunidad en una de las escenas más conmovedoras de la película entre madre e hijo: «Sosuke, nuestra casa es una faro en la tormenta. Todos dependen de nosotros, así que alguien tiene que quedarse aquí. Hay muchas cosas que están pasando que no entiendo pero ahora me preocupa la gente que hay en el centro de mayores. Saber que te quedas aquí, me ayudará. No te preocupes, te prometo que volveré.» Para un niño de cinco años que actúa por instintos, que está aprendiendo de la vida y de cómo vivirla, que su padre siempre está lejos por trabajo, Lisa es su faro en la tormenta. Siempre preparada para cualquier tipo de catástrofe, Miyazaki nos demuestra su poder en la escena de Lisa y Sosuke escapando en coche de las olas con ojos del tsunami de Ponyo –una escena que recuerda mucho a la escena de la persecución en Lupin III: el castillo de Cagliostro (1979)–. Tal es su poder, que Lisa enfrenta a Granmamare como madre, y Granmamare toma un tamaño similar al de ella para poder hablar de madre a madre.

Pero Ponyo en el acantilado no trata sólo de promesas y responsabilidad con la comunidad, el director retoma el tema de la relación entre la humanidad y la naturaleza y nos sitúa justo en el momento en el que se produce el apocalipsis en forma del tsunami que causa Ponyo cuando desata su poder. Ya habíamos visto una visión post-apocalíptica en Nausicäa del Valle del Viento (1985) y casi apocalíptica en La princesa mononoke (1997), y también en cierta manera en El castillo en el cielo y El castillo ambulante, pero esta vez el tratamiento que hace es radicalmente diferente. No hay ninguna guerra que lo provoque, ni es la codicia de la humanidad; Se intuye el abuso de la naturaleza por parte de la humanidad en las palabras de rencor de Fujimoto, el padre de Ponyo quien rechazara una vez su lado humano para vivir en el mar, y también en los residuos y vertidos que vemos en el la bahía del acantilado, pero esta vez el apocalipsis lo provoca la fuerza de la naturaleza. Así, el director aboga por un efecto regenerativo de las catástrofes naturales, y pretender crear lo que Napier llama «síndrome de estrés pre-traumático» (NAPIER, 2012) que aspira a dar la oportunidad al espectador a que reflexione sobre como la humanidad toma sin mesura lo que quiere de la naturaleza y la mata sin contemplaciones y recapacite sobre el papel que quiere desempeñar a partir de ahora. La imagen regenerativa de la catástrofe queda representada en el doble papel que tiene Granmamare como Diosa del Mar pero también de la Fertilidad en cuanto a su papel de madre. Por eso, la naturaleza ha tomado posesión de la tierra y la ha retornado a su etapa devónica, primitiva, sin tecnología ni construcciones arquitectónicas, sólo el faro de esperanza en el acantilado, para que la humanidad pueda comenzar de nuevo y actúe de manera más consecuente esta vez.

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La idea de las catástrofes naturales como algo regenerativo, puede parecer algo excéntrico después del triple desastre en Fukushima en marzo de 2011 pero hay que tener en cuenta que los japoneses han aprendido a vivir con los movimientos sísmicos y son parte de su vida diaria. Así lo explicaba el director en La Biennale di Venezia en 2011 “Hay muchos tifones y terremotos en Japón. No tiene sentido retratar estos desastres naturales como malvados. Son circunstancias del mundo en el que vivimos. Siempre me conmuevo cuando vengo a Venecia y veo que está ciudad se está hundiendo en el mar y que sus gentes viven su vida sin tener esto en cuenta. Es un hecho en sus vidas. De la misma manera, en Japón tenemos una percepción diferente de los desastres naturales” (citado en SOTINEL, 2011). Miyazaki afirma que “tendemos a creer que somos creaciones separadas de la naturaleza, pero no es así. La naturaleza es inherente a la humanidad. La naturaleza que hay dentro de Ponyo se convierte en un tsunami, que es la manera que ella tiene de llegar a Sosuke. Pero el tsunami no destruye ni hace daño a la gente del pueblo; es más un tsunami mágico que purifica al pueblo y a sus gentes, [y que incluso devuelve la capacidad de andar a las ancianas]. Él ve esperanza en la fuerza de la naturaleza [porque] la atmósfera de crisis nos hace mejores personas” (citado en GUILLEN, 2009). Por eso Miyazaki reconoce que se inspiró en las gentes de los 50 para reflejar la actitud de los personajes ante la catástrofe: se suben a sus botes y hacen una marcha –que Sosuke describe como matsuri “festival”—en busca de las gentes que puedan ayudar.

Pero para que se restaure el equilibrio, no sólo Sosuke y las gentes del pueblo tienen que aprender a vivir con la naturaleza, Ponyo también debe asimilar su nueva naturaleza y cuando se encuentra con el bebé del bote, descubre que es capaz de sentir compasión y se comunica con él de ser vivo a ser vivo (MIYAZAKI, 2008). Esta comunicación de igual a igual, es la misma que se da en la escena de la conversación madre a madre entre Lisa y Granmamare, que representa la armonía climática. No sólo ellas hablan de madre a madre; Fujimoto que aseguraba odiar a los humanos, acomoda a las abuelas y cuida de ellas (CAVALLARO, 2014).

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Que reflexionemos y seamos responsables, ese es el mensaje de la versión adulta, pero no sólo para los ciudadanos, también para nuestros dirigentes. El director ya había empezado a alzar su voz fuera de los cines cuando afirmó haber estado a punto de no ir a recoger el Oscar por su repulsa a la guerra contra Iraq, pero su voz iba a ser más enérgica y crítica no sólo en sus tres últimas películas sino también en sus apariciones públicas. «El desastre de Fukushima, causado por el tsunami de hace tres años, nos pilló en medio de la realización de la película: estábamos presos en este suburbio de Tokio, sin electricidad, ni transporte, ni medios de comunicación. Muchos acamparon en Studio Ghibli, en estado de shock. Nos preguntábamos si continuar la película todavía tenía sentido. Después de Fukushima, Ghibli ha cancelado el contrato con la empresa que gestiona la central nuclear. Escribí un “J’accuse” contra el gobierno, y me están condenando para siempre: se sorprendieron al observar la rebelión de un “tesoro nacional viviente”, como si debiera ser dócil y neutral. A partir de entonces conduzco mi viejo Citroën dos caballos, el modelo de Charleston, con un adhesivo anti- nuclear» (citado SERENELLINI, 2014). Así pues, decido a dejarnos su último testamento, Miyazaki empezará a preparar su última película.

Bilbiografía

CAVALLARO, Dani. The Late Works of Hayao Miyazaki, A Critical Study, 2004-2013. North Carolina: McFarland, 2014.
GUILLEN, Michael. “An On-stage Conversation with Miyazaki Hayao”. En: Ghibliworld.com, julio de 2009 [en línea] <http://www.ghibliworld.com/miyazaki_on_stage_conversation_berkeley_july_2009.html>
NAPIER, Susan. “The Anime Director, the Fantasy Girl and the Very Real Tsunami”. En: The Asia – Pacific Journal, Vol 10. Issue 11, No 3, 12 de marzo, 2012. [en línea] < http://www.japanfocus.org/-Susan_J_-Napier/3713/article.html>
SERENELLINI, Mario. “La mia favola continua. Sogno ma tengo gli occhi ben aperti”. En: Repubblica, febrero de 2014 [en línea] <http://www.repubblica.it/spettacoli/cinema/2014/02/02/news/hayao_miyazaki-77503978/ >
SOTINEL, Thomas. “Japan’s fantasy films act as a buffer against the reality of the natural world”. En: The Guardian, 29 de marzo, 2011. [En línea] <http://www.theguardian.com/film/2011/mar/29/japan-animation-natural-disaster-sotinel>

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Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


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Chieko Matsubara

Chieko MatsubaraChieko Matsubara fue una de esas grandes estrellas que predominaron en la década de 1960 ligadas al estudio Nikkatsu. Una actriz bella, competente y que supo destacar en el cielo estrellado de aquellos años. Chieko apareció desde abajo para convertirse en un referente que difícilmente puede ser olvidado por los aficionados.

A finales de la década de 1950 y principios de 1960 los estudios Nikkatsu eran los reyes en organizar concursos, normalmente relacionados con la belleza o el talento, para promocionar sus películas. Uno de ellos fue la campaña de promoción que se llevó a cabo en 1960 por el lanzamiento de “Miss 16”, con la bella Ruriko Asaoka. El primer premio de la competición era una audición para los estudios Nikkatsu y Chieko Matsubara era una de las participantes. Que ganara o no el concurso es más discutible, unas fuentes dicen que si, otras que no, pero lo que está claro es que después de este empezó a trabajar para la productora.

Chieko ya había aparecido en un film anterior, producido por Fuji Films, titulado “Hadaka no Tanima” (“Naked Valley“), aunque muchas fuentes apuntan a que su debut fue su primera película en la Nikkatsu en 1961, el drama/romance juvenil “Asu ni Mukatte Tsuppashire” (“Run for Tomorrow“). Esta primera película para el estudio fue todo un éxito y Matsubara construyó una buena interpretación, hasta tal punto que tan solo unos meses después esta actriz novel ya era portada de muchas revistas especializadas, tendencia que continuaría hasta entrada la década de 1970. La prensa, a instancias de la Nikkatsu por supuesto, comenzó a referirse a Matsubara, junto con Sayuri Yoshinaga e Izumi Masako como las “Tres Bellezas” de Japón. En un abrir y cerrar de ojos Chieko Matsubara se convirtió en una de las figuras más populares del país, siendo, tanto para hombres como para mujeres, una de las mejores representantes del ideal de “Chica moderna” de los años 60.

Aunque destacable por sus papeles románticos, Chieko resulto ser una actriz competente en casi todos los géneros de la Nikkatsu. En un momento en el que actores y actrices se encasillaban muy rápidamente, ella procuró variar sus papeles y no interpretar el mismo arquetipo de forma continuada.

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La natural capacidad de adaptación de Chieko la convirtió en compañera ideal de los actores estrellas de la conocida Nikkatsu Action, apareciendo a menudo en películas junto con “Mr Dinamite”, Akira Kobayashi. Entre las más notables de estas apariciones podemos destacar la película de Seijun SuzukiKanto Mushuku” (“Kanto Wanderer“), y la obra de Yasuharu HasebeOre ni Sawaru to Abunaize” (conocida como “Black Tight Killers“). Ambas películas – aunque totalmente diferentes en estilo y tema – son excelentes ejemplos de cine popular japonés de la década de 1960.

Otra estrella masculina de la Nikkatsu Action que también compartió pantalla en más de una ocasión con Chieko fue Tetsuya Watari. Visual y dramáticamente, esta pareja era una apuesta segura para el espectador, ideal para protagonizar la película de Seijun Suzuki de 1966 “Tokyo Nagaremono” (“Tokyo Drifter“). En esta brillante película Chieko encarna a la glamurosa cantante novia del “vagabundo” gangster interpretado por Tetsuya. Con esta película Chieko fue capaz de poner de relieve su considerable talento musical, así como presentar una imagen más sofisticada de la que la Nikkatsu normalmente le había permitido. “Tokyo Nagaremono” es probablemente la película más conocida del dúo fuera del país, sin embargo, dentro de Japón, se vio ensombrecida por la inmensa popularidad de la serie “Dai Kanbu”. Iniciada en 1968 por la excelente película de Toshio MasudaBurai Yori Daikanbu” (“Villany of the Gang“), Watari y Matsubara mantuvieron unas buenas audiencias ligados a sus personajes en varias entregas.

Tras aparecer en casi 100 películas la actriz abandonó abruptamente la Nikkatsu a principios de la década de 1970, al igual que hicieran gran parte de las estrellas del estudio debido a su brutal deriva hacia la hiper-producción de Pinku Eiga. Habiendo aparecido en televisión desde mediados de los 60 Chieko se mantuvo algunos años en la pequeña pantalla, pero tras contraer matrimonio en 1972 sus apariciones serían cada vez más esporádicas.

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Desde entonces Matsubara ha aparecido en menos de una veintena de películas. Hizo un inesperado regreso a Nikkatsu en los años 90 para aparecer en un drama romántico. Más recientemente, apareció en “Murdeka 17805“, una película de 2001 sobre el movimiento de Independencia de Indonesia justo después de la Segunda Guerra Mundial. También hemos podido verla en la película de Takeshi Kitano de 2002 “Dolls” y a partir de ese momento ha recuperado su actividad en cine y televisión hasta nuestros días, apareciendo en numerosas series de televisión y pequeños, y no tan pequeños, papeles en el cine.

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