28
oct

Anuario CineAsia – Entrevista a Takashi Miike

Cineasia

A veces el tiempo pasa y no nos damos ni cuenta, y cuando uno piensa en ello solo puede acordarse de los buenos momentos vividos. Cineasia nació como proyecto de Revista impresa hace ya 10 años, la primera, y única, revista especializada en cine asiático de nuestro país, algo insólito que llamo la atención de todos los aficionados a estas cinematográficas, entre los que me incluyo por supuesto. Os contaré una anécdota:

La primera vez que asistí al festival de Sitges fui un poco a la aventura, me monte en mi coche me hice 7 horas de viaje y me planté en una ciudad que no conocía para asistir a un festival de cine de género. La gracia de todo es que en mi búsqueda de los espacios del festival tope con el Miramar y vi el stand de Cineasia, yo era suscriptor y allí que me plante con una frase tan inocente como “hola soy suscriptor”, preguntando por Domingo López, al que conocía de haber coincidido con él en Allzine. Me encontré una serie de personas majísimas, de trato afectivo que acogieron a ese “suscriptor” que andaba mas perdido que otra cosa, el cual terminó cenando con ellos y yendo al cine con uno de los asistentes a la cena (“La chica que saltaba a través del tiempo” fue la película, encina una maravilla de Mamoru Hosoda). A partir de ese momento comenzó una relación que hoy es de buena amistad, a pesar de que mucho ha llovido y Cineasia dejo de ser una revista impresa y comenzó una nueva andadura.

La cosa es que este décimo aniversario ha sido la vuelta al papel de Cineasia, en forma de anuario en torno a las cinematografías asiáticas, un anuario en el que se pueden encontrar artículos y reseñas que muestran como está el panorama actual del cine oriental ordenado por países, además de como anda la edición en España. Además encontrareis entrevistas y artículos especiales muy interesantes.

Yo mismo, en honor a esa relación de amistad que antes mencionaba, he colaborado en la confección de este anuario, y quizás no esta bien que yo lo diga, peor ha quedado genial en cuanto a maquetación y contenido, haceos con uno si podéis.

A modo de adelanto de lo que encontraréis en el anuario, hoy os traigo una entrevista que Gloria Fernandez y yo mismo hicimos a Takashi Miike en su visita el pasado año al Festival de Sitges.

Takashi Miike

Muchos años llevaban los fans del director sin verlo por estos lares… Y es que, con una agenda tan apretada, a Takashi Miike se le hace cada vez más difícil abandonar el set de rodaje. Pero la tentación esta vez era demasiado fuerte: un premio, una retrospectiva, 2 películas en competición en distintas secciones y un libro, el primero sobre su figura aquí en España… Lo que le ofreció el Festival de Sitges el año pasado, en colaboración con la Fundación Japón, al realizador nipón era algo así como irresistible. Así que después de 10 años de su primera visita, Miike volvió a pisar tierras catalanas y, con una paciencia y un humor excepcionales, atendió a fans, firmó dvds, se paseó por las distintas sedes del festival, recibió a la prensa y, cómo no, nos dedicó un ratito en el cual pudimos charlar sobre su cine. Aquí os dejamos la conversación…

Diez años ya desde su última visita a Sitges, y cuando llega viene con 2 películas, una en Sección Oficial y otra en Focus Asia, cinco películas en retrospectiva, un homenaje, la María Honorífica, un libro que ha editado el festival, el único en España sobre su carrera… ¿Cómo se siente? ¿Qué le produce este despliegue?

Cuando empecé como director no pensaba que llegaría tan lejos, que estaría aquí en Sitges con un libro, un homenaje y todo esto. Yo empecé haciendo películas directas a vídeo para un público muy concreto, y no era consciente de que llegaría hasta aquí. Cada película que he hecho a lo largo de los años la he realizado sin la intención de que me reconozca la gente, sino que he puesto mi alma en cada una y he aprendido mucho sólo por el hecho de hacer cine.

Suponemos que cuando a uno le gusta su trabajo y le apasiona lo que hace, es capaz de trabajar de forma intensa y estrenar 2 y 3 películas cada año, incluso hay años en que ha estrenado 5, 6 y hasta 7 películas. ¿Es su pasión lo que le lleva a estar constantemente rodando?

Antes de ser director trabajé durante casi 10 años como ayudante de dirección, y este rol requiere hacer muchas cosas diferentes y de ahí saqué este ritmo. Un ritmo que me lleva a trabajar constantemente y hacer varias películas al año, es mi modo de trabajar.

lesson of evil

Ayudante de dirección con Shohei Imamura por ejemplo… ¿le influenció de alguna manera?

El caso de Imamura es algo diferente ya que él puede llegar a tardar años en escribir un guión y, aunque en sus películas pone toda su alma y controle hasta el último detalle, puede tardar varios años en hacerlas. Es un poco el sistema contrario al que suelo usar yo, a mi modo de funcionar. Realmente trabajar con Imamura me ayudó a saber que, el suyo, no era mi estilo de hacer las cosas. Trabajé con él en 2 proyectos y vi cómo ponía su alma en cada trabajo, en la planificación, en su desarrollo, en el montaje… por eso tarda tanto en hacer una película. Trabajar con él me hizo ver que yo no podría trabajar de esa manera.

Pues si Imamura no le influenció, ¿qué me dice de Bruce Lee? Mucho se lee sobre que ha sido una de sus fuentes de inspiración…

Efectivamente Bruce Lee fue una de mis inspiraciones para hacer cine, me gustaba mucho ver sus films, era una gran estrella. Muchas de sus películas llegaron con retraso a Japón. Cuando se estrenó Enter the Dragon (Operación Dragón, 1973) en Japón, Bruce Lee ya había muerto. La cuestión era que todos lo sabían, los niños sabían que el actor estaba muerto, habían visto imágenes de su funeral pero, sin embargo, iban a verlo de nuevo al cine. Esto me hizo pensar en cómo aunque Bruce ya hubiera fallecido seguía estando vivo en su cine, eso me inspiró mucho.

Ahora que ha adquirido una posición destacada dentro de la industria del cine japonés, seguramente le llegan muchísimos proyectos. ¿Cómo selecciona sus historias? ¿Qué tiene en cuenta?

Básicamente por el orden en que me llegan los proyectos (risas). En este momento ya tengo proyectos para el año que viene e incluso para dentro de dos años… pero aun así hay huecos libres para más cosas (risas). En estos espacios libres suelo hacer series televisivas para jóvenes, aunque normalmente no puedo volcarme del todo en ello, así que acabo cediendo la dirección de estos espacios a mi ayudante de dirección.

Shield of straw

¿Cómo siente que ha evolucionado su forma de dirigir, si es que cree que ha evolucionado, de empezar realizando productos directos a vídeo, a grandes superproducciones como por ejemplo Shield of Straw (Los Protectores)?

Desde mis comienzos hasta ahora mi modo de dirigir no ha cambiado mucho, en cuanto a las técnicas que utilizo. Lo que sí ha cambiado ha sido el formato, desde los 16 a los 35 mm y ahora el formato digital. Los presupuestos sí que han subido pero siempre es poco, es decir, en todos los proyectos nunca es suficiente el dinero que se tiene para hacer lo que se quiere hacer. En cuanto a mi libertad creo que no ha cambiado mucho, suelo hacer lo que quiero hacer.

Lesson of the Evil es la película que el aficionado occidental espera de Takashi Miike, pero usted es director de películas como Shangri-la, Sabu, The Bird People from China, que están muy alejadas de esos registros. ¿Cómo se siente cuando la mayoría de los aficionados occidentales le encasillan dentro del género de terror y violencia?

Es cierto que he hecho muchas películas de terror y violencia y que el fan espera eso de mí, y es que realmente cuando hago una película digamos “normal”, dentro de mí siento algo de frustración porque no hay demasiada sangre o violencia… (ja, ja, ja). Entonces sé que en la próxima habrá mucha más sangre… Es un equilibrio, si hago una película menos violenta, la siguiente llevará más violencia…

Entonces, realmente es usted un amante del género…

Por supuesto, no lo dudes.

¿Difícil verle pues en otra comedia romántica como lo fue For Love’s Sake?

Bueno, me divertí mucho haciéndola y también había mucha violencia y sangre, así que estoy satisfecho… Pero no, la comedia romántica no es lo mío (risas).

for-loves-sake-2012-001

¿Qué pasó con el sello Sushi Typhoon de su amigo Noboru Iguchi del que usted fue algo así como “el padrino”?

Fue una iniciativa muy divertida y, claro, cómo no iba a estar apoyándola. Son mis amigos. Pero al final creo que se les hizo muy difícil el encontrar patrocinadores y financiación. En Japón no gustan demasiado este tipo de productos. Pero, ahora que pienso, creo recordar que existió además un proyecto de rodaje cinematográfico que se llamaba Sushi Typhoon. En él un hombre, una especie de superhéroe, se subía a un delfín, comía carne de ballena y esto le daba poderes para combatir a los malos. También ayudaba a los de Green Peace a pesar de que éstos se oponen a la caza de ballenas… algo muy raro… (risas y más risas durante un buen rato).

¿Y este proyecto se realizará algún día?

Si la Nikkatsu quiere arruinarse haciendo este proyecto allá ellos, esto a mí no me incumbe, a mí que no me busquen después (ja, ja, ja)…

El ser un director reconocido y premiado en Occidente, hace que en su país lo valoren más.

Claro, todo ayuda, y sí en Japón se me reconoció bastante después de que lo hicieran aquí, en los distintos festivales occidentales. A partir de un momento en mi carrera, los presupuestos empezaron a crecer en mis proyectos y actores reconocidos y de éxito en Japón querían trabajar conmigo.

Y para terminar, ¿qué puede decirnos de The Outsider, un proyecto de procedencia americana? ¿Se va a ir a Hollywood a trabajar?

Pues sí, el proyecto existe y ahora estamos en fase de negociación. Yo puse dos condiciones previas, trabajar con mi propio equipo y que la película se rodase en Japón, así que la idea es no rodar en Hollywood. El estilo de hacer cine en los EEUU es muy diferente al que tengo en mi país, por eso creo que la negociación de esos términos puede resultar un poco más complicada… Pero sí, el proyecto está ahí…

Gracias maestro Miike. Gracias por su tiempo. Un tiempo y un recuerdo inolvidable este encuentro con uno de los directores más populares de Japón… Amable, divertido (nos reímos con él unas cuantas veces durante la entrevista), profesional, Takashi Miike pasó por Sitges dejando huella…

Entrevista a Takashi Miike

Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)
Fotos: Mario Herrera


27
oct

Nora Inu / Stray Dog (Akira Kurosawa, 1949)

Nora inu posterNora inu (Stray Dog)
1949/Japón
Dirección: Akira Kurosawa
Guión: Akira Kurosawa, Ryûzô Kikushima
Intérpretes: Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Keiko Awaji
Produccción: Film Art Association
Crimen, drama, film-noir

Akira Kurosawa nació en Tokio en 1910. Hijo de un maestro de escuela, decidió estudiar pintura en el Doshusha School of Western Painting. En 1936 encontró un anuncio en un periódico donde se buscaba un ayudante de director para el estudio Toho y así terminó como asistente de Kajiro Yamamoto. Durante los seis años que duró su tutela, Yamamoto hizo hincapié en la redacción de guiones y en la edición, lo que hizo que años después Kurosawa desarrollara un gusto para supervisar la edición y el guión de sus obras.

Su primera película data de 1943, Sanshiro Sugata, una obra sobre el judo que pasó la censura con dificultades porque recordaba a las obras americanas y por tanto, se podía considerar traición. La Segunda Guerra Mundial finalizó y los estudios cinematográficos japoneses fueron rechazados de la industria cinematográfica internacional por haber hecho películas de propaganda por el gobierno imperialista. El mismo Kurosawa había hecho películas de propaganda como The Most Beautiful bajo las órdenes de Toho. Al menos, el estudio Daiei fue readmitido en 1948, dado que había podido demostrar que no había tenido vinculaciones con el régimen militar, y de la fusión del director y Daiei nació Rashômon: la primera película japonesa estrenada en Nueva York desde 1937 y ganó el oscar a la mejor película extranjera, el primer oscar para una película japonesa.

Kurosawa y Rashômon eran, así, reconocidos internacionalmente y la industria filmográfica japonesa podía nutrirse de la tecnología americana –gracias a los contratos firmados entre Daiei, Disney y Goldwyn– al mismo tiempo que los nudos entre la industria japonesa y la internacional se rehacían (Tezuka, 2012). El mundo descubría el cine japonés de las manos de un genio que hizo una treintena de películas y que se movía y entremezclaba los dos grandes géneros del cine japonés: el gendai-mono (el drama de la vida moderna) y el jidai-geki (el drama histórico).

La creación de su propia productora en 1959, la Kurosawa Production Company, le permitió tener mucha más libertad y experimentar en nuevas técnicas. Fue el primer director en utilizar lentes largas o telefotos y múltiples cámaras en la escena de la batalla final de The Seven Samurai.  Introdujo el uso de la panorámica, el Panavision, y el multi-track Dolby sound en Japón. No en vano, Kurosawa es considerado el sensei de grandes cineastas de nuestro tiempo.

kurosawa

En su filmografía tocó todos los géneros y periodos históricos. Se atrevió a adaptar los clásicos de la literatura occidental como el Macbeth de Shakespeare (Throne of Blood, 1957) o The Idiot de Gorky (Lower Depth, 1957) para el pueblo japonés a la vez que hacía uso de piezas de kabuki (Men Who Tread on the Tiger ‘s Tail, 1945) y de técnicas y músicas propias del teatro noh. En sus películas convergían la tradición y la modernidad, occidente y oriente: “Soy un hombre que disfruta con Sotatsu, Gyokudo y Tessai de la misma manera que de Van Gogh, Lautrec y Rouault. Colecciono piezas japonesas de laca antiguas igual que piezas de cristalería francesa y holandesa.  En poco tiempo, se podrá decir que Occidente y lo japonés coexisten en mi mente, sin la más mínima señal de conflicto.”

En Nora Inu (Stray Dog) se deja sentir la influencia del novelista belga Georges Simenon en el sentido de que Kurosawa intentó captar el fondo social del crimen al estilo de la novela negra francesa. En esta pieza de cine negro el protagonista es un policía novato durante la ocupación norteamericana que se ha dejado robar la pistola torpemente en un autobús. El detective Murakami se verá superado cuando descubra que con su pistola se han cometido dos crímenes y el peso de la conciencia lo llevará a buscar la pistola de manera incesante. El veterano comisario Sato le ayudará en su búsqueda y juntos recorrerán los bajos fondos de Japón de la posguerra.

Este film, dada su temática y su proximidad cronológica, siempre se ha comparado con Ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio de Sica, un film neorrealista en el que Antonio Ricci se ve privado, al igual que el detective Murakami de la herramienta que le proporciona su sustento. Tanto De Sica como Kurosawa utilizarán el pretexto del objeto perdido para desgranar la realidad social después de la Segunda Guerra Mundial. Tal y como dice Montardo (Puigdomenech et alt., 2010): “Si Ladrón de bicicletas dio Lugar a una amplia exégesis metafísica donde la bicicleta robada por De Sica / Zavattini alcanzaba la categoría de lo absoluto, la pistola perdida por el detective Murakami puede seguir un camino semejante con fáciles connotaciones añadidas en un país desarmado y sujeto a una transformación capitalista acelerada“. Kurosawa apela, además, a la lucha de Murakami para mantener una ética social de posguerra y al coste personal de mantener esta ética.

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Las influencias occidentales no sólo se dejan sentir en los ecos de las novelas negras de Simenon o en la proximidad de De Sica, sino en el velo de la ocupación como por ejemplo la escena del traficante de armas en el partido de béisbol, un deporte que había sido importado desde América. “Iconos de este tipo reflejan, con mayor desaliento, la irrealidad que atravesaba el Japón de aquel entonces, ya que las connotaciones positivas que aparentemente pusiera-belleza, adecuación a los nuevos tiempos, prestigio, estatus, etc. -, Simplemente cobran como una Segunda piel la miseria y la Dureza propias de una situación de posguerra“.

La pieza, además, desarrolla una constante en el cine de Kurosawa: la relación entre el maestro y el discípulo que ejemplifica su relación con Yamamoto. La antítesis entre la inexperiencia y la nerviosidad de Murakami y la veteranía y la calma de Sato. Un Sato mucho más consciente del mundo que les rodea, en el que es necesario deshacerse de la compasión por los criminales a los que les falta la voluntad de actuar de una manera diferente. Sato le enseña que la policía salvaguarda la sociedad y le muestra el premio y la tranquilidad que él protege: sus niños durmiendo. Del plano de los niños dormidos de Sato, Kurosawa pasa al juguete abandonado en la casa de la madre y el niño que el antagonista ha asesinado, explicándonos que el crimen de Yusa (el antagonista) es la violación de la sociedad porque amenaza a la generación que resurgirá de las cenizas de la guerra y levantará el nuevo Japón. Para Kurosawa, los niños simbolizan la vulnerabilidad de la vida humana y su sufrimiento es el mal del mundo.

Dado el contexto de la posguerra y la ocupación militar, Kurosawa nos plantea en Nora Inu la siguiente pregunta: ¿cómo podría una buena persona con ética recuperarse de unas condiciones de posguerra tan terribles? Y nos ofrece dos respuestas ejemplificadas en la figura del protagonista y el antagonista  que va dejando el rastro de su sufrimiento.  “Los asesinos son como perros rabiosos.  Sabes cómo actúa un perro rabioso?  Hay un poema sobre ello.  Los perros rabiosos sólo ven lo que van buscando” nos revela Sato.  El ladrón de la pistola había sido expuesto a las mismas desgracias que Murakami pero que tomó la vía opuesta. Aquí Kurosawa nos da a entender que en los momentos de miseria también se puede elegir: la fuerza de la voluntad (Prince, 1999, pág. 89). Sin embargo, Kurosawa se arrepentía porque creía que sus sentimientos no habían sido bastante bien explicados en este film: “Es simplemente demasiao técnica.  Toda esa técnica y ni un verdadero pensamiento en ella.“(Cardullo, 2008, p. 41).

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Al final del filme, Kurosawa enfrentará a los dos personajes, los dos productos de la posguerra con una tercera visión tal y como describe Prince (1999) “dos perspectivas de clase se cruzan brevemente cuando la chica deja de tocar, mira por la ventana, ve a los hombres en la distancia, y ahogando un bostezo indolente, regresa a su música. Yusa está hambriento, sucio, y sin trabajo, pero esta chica está bien alimentada y bien vestida, cómodamente instalada en una casa confortable, limpia. Si Yusa es un legado de los años de guerra, ella es una visión de un Japón al margen de la guerra, de la pobreza y de la violencia y, de como ella lánguidamente se aparta de la ventana,  de los sufrimientos de la gente a la lejanía de la burguesía. Ella es la imagen de la diferencia de clases y la indiferencia.

Es brillante como Kurosawa ampara bajo la estructura de una novela negra, una crítica sobre la sociedad de posguerra tan feroz. Los planos de Murakami siguiendo los barrios bajos de la ciudad, detallan el camino a la supervivencia y la narrativa visual nerviosa de la película ayuda al espectador a comprender el origen del crimen y la desintegración de un hombre que antaño era amable pero que ahora ha tomado un camino individualista. Una compleja crítica social que trata temas tan complicados como la seguridad de las nuevas generaciones, la diferencia de clases, la pérdida de la compasión o la fuerza de la voluntad sin que el espectador pueda respirar. Todo en uno de los primeros thrillers psicológicos que, a pesar de la insatisfacción de Kurosawa, sí logra transmitir sus pensamientos aunque parezcan diluirse en la aparente sencillez de la trama.

Fuentes:

Cardullo, Bert (2008).  Akira Kurosawa: interviews.  Jackson: University Press of Mississippi.
Prince, Stephen.  The warrior’s camera: the cinema of Akira Kurosawa.  Chichester: Princeton University Press, 1999.
Puigdomenech, Jordi; Giménez, Carlos; Expósito, Andrés (2010).  Akira Kurosawa: la mirada dels samurai.  Col. Directores, núm. 69.  Madrid:  Ediciones JC, 223 p.
Tezuka, Yoshiharu (2012).  Japanese cinema goes global: filmworker’s journeys.  Hong Kong:  Hong Kong University Press.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


24
oct

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (III)

cartel sitges 2014

Seguimos con nuestra crónica asiática con todo lo que pudimos ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. En esta tercera entrega podremos disfrutar de dos thrillers coreanos bastante diferentes entre si, una locura hongkonesa de lo más divertida y una película iraní grabada en un solo plano secuencia que me dejó anonadado. Adelante con ello.

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No Tears for the Dead
Corea del Sur, 2014
Director: Lee Jeong-beom
Intérpretes: Jang Dong-gun, Kim Min-hee, Brian Tee

Cuando uno acude a un festival de género es normal encontrarse con ciertos arquetipos dentro de ciertas cinematografías, y es que el thriller coreano es lo normal dentro de un festival como Sitges, y este año muchas de las películas de este país tenían ese sello. El gran problema es que el thriller coreano empieza a estar ya un poco anquilosado, ya muy explotado al menos en la parte que nos llega más directamente. Eso hace que o aportas algo nuevo o la película termina pasando sin pena ni gloria, igual gusta en un principio, pero pasa rápidamente por la memoria y desaparece. Algo así me parece que sucede con esta película que nos ocupa.

La trama nos presenta a Gon, un experimentado asesino a sueldo que asalta un trato en busca de información y asesina a todos los presentes. Por un error de cálculo termina matando a una niña pequeña y esto lo hace hundirse en una espiral de autcompasión y alcohol. Deseando dejar esta vida ha de afrontar un último trabajo, matar a una mujer y recuperar unos datos, casualmente la madre de la niña que mató por accidente. En este proceso descubrirá una trama de corrupción de la que no podrá escapar.

La película empieza de una manera magnifica, con una presentación de Gon llena de acción y elegancia, con un resultado demoledor. Luego la película adquiere un tono más dramático, más trágico, desarrollando un guión a ratos creíble a ratos fallido, combinando este drama con un buen montón de acción, quizás demasiada ya que al director se le va de las manos, sobre todo en su tramo final, y cualquier atisbo del realismo que se buscaba en la primera mitad de la cinta desaparece. Eso si las escenas de acción están muy bien realizadas y son trepidantes, dejando poco descanso al espectador, peor el hilo conductor falla y muchas veces la violencia aparece porque ha de aparecer, sin dejar evolucionar a la historia en sí.

Quizás Sitges es el mejor lugar para ver este tipo de películas, ya que el ambiente festivalero hace que te gusten más de lo que lo haría en un ambiente más pausado. Digamos que pasas por alto muchos fallos en pos de la diversión, del aplauso. La película no es un mal ejercicio, tiene acción y drama, un acabado técnico muy bueno y realmente es divertida, pero sus fallos de guión y su excesiva parte final le restan puntos. He de reconocer que a la hora de escribir esto me cuesta recordar bien que sentí exactamente al acabar la cinta, eso me dice que es una de esas películas del momento, y que luego pasan rápidamente a un segundo plano en la memoria.

3d naked ambition

3D Naked Ambition
Hong Kong, 2014
Director: Lee Kung-lok
Interpretes: Chapman To, Josie Ho, Louis Koo

Y esta vez repetimos. Después de verla en Udine y reírnos muchísimo, repetimos proyección de Naked Ambitión solo para poder verla en 3D. Es cierto que este efecto digital no tiene un peso enorme en la propia producción, pero aporta ese toque especial que buscamos.

Naked Ambition nos traslada a Hong Kong para conocer a Wyman Chan, interpretado por Chapman To, un escritor de literatura erótica y guionista que ve como el pirateo e Internet están haciendo mella en el negocio del cine porno. Asociándose con sus amigos deciden viajar a Japón para grabar cine AV (Adult Video) y así poder ganar dinero y exportarlo a Hong Kong. Pero al llegar todo se tuerce y Wyman terminará convirtiéndose en el actor porno más de moda en Japón realizando películas donde es un juguete sexual de las mujeres.

Con este guión lo que se espera es lo que se encuentra, una comedia divertidisima que mantiene el ritmo durante toda la película, es más va in crescendo con una parte final delirante. Todo su metraje se llena de gags de humor absurdo y de situación, con un toque de comedia Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) muy hongkones, con unos diálogos si bien no ingeniosos, si chispeantes, torciendo situaciones hacia derroteros absurdos y muy divertidos. Todo está lleno de referencias y guiños, desde el nombre artístico del protagonista Mario Ozawa, en referencia a una de las grandes pornstars japonesas Maria Ozawa, hasta la aparición de Sandra Ng como nuestra Golden Chicken favorita, incluyendo un “cameo” en la parte final de Louis Koo como el competidor del personaje de Chapman To, interesante porque el propio Koo es el protagonista de Naked Ambition, película de 2003 dirigida por Hing-Ka Chan y Dante Lam en la que está inspirada esta. A todo esto hay que añadir muchas escenas eróticas y de ámbito sexual, casi todas ellas protagonizadas por Chapman To y actrices AV reales de la escena japonesa.

Pero si algo brilla en esta película es Chapman To, un actor con experiencia y cómico casi por vocación, que aquí está desatado, mostrando todo su repertorio de caras, gags y guiños en un alarde de humor y carisma.

Una comedia terriblemente divertida y picantona que garantiza risas y diversión, y que se me hizo muchísimo mas corta que la primera vez que la vi, a pesar de ser ya altas horas de la noche cuando empezó la proyección.

fish and cat

Fish & Cat
Irán, 2014
Director: Shahram Mokri
Intérpretes: Babak Karimi, Saeed Ebrahimifar, Abed Abest, Abed Abest

La película iraní Fish & Cat es quizás una de las apuestas visuales que más me han marcado en este festival de Sitges, y es que llevo dándole vueltas desde que la vi, hace más de dos semanas, y quiero volver a verla lo antes posible. Una película iraní compuesta con un plano secuencia real de más de dos horas que recorre paisajes naturales abiertos y amplios y que además se nos vendía como “ el primer slasher iraní” (aunque esto es más falso que cierto), no es algo que se puede dejar pasar fácilmente.

Todo comienza con una noticia, en la que los dueños de un restaurante han sido detenidos por servir carne que no era precisamente de anima, que condicionará nuestra percepción de todo lo que acontecerá a continuación. A partir de este momento seguiremos el devenir de una serie de personajes, unos los dueños de un restaurante y gente variopinta que vive en el bosque donde se centra la historia, otros una serie de jóvenes aficionados a las cometas que realizan un festival anual cerca de un lago.

La película empieza de forma tranquila, estructurándose en una primera escena de presentación y luego un largo paseo por el bosque. El director ya nos muestra sus primeras bazas, una naturalidad apabullante, un bosque sobrecogedor, un entorno y personajes de los que por reales y cotidianos casi dan miedo. El plano secuencia está grabado de una forma sorprendente, con una gran estabilidad teniendo en cuenta los largos paseos por el bosque, con una precisión digna de elogio. Todo se desarrolla de una forma un poco plana hasta que os damos cuenta del gran teatro al que nos enfrentamos.

El plano secuencia es quizás la máxima expresión de la naturalidad cotidiana, de la linealidad temporal, de contar una historia que avanza sin cesar, como la vida misma. Pero entonces nos damos cuenta como las cosas no cuadran, las escenas se repiten, vemos saltos temporales, pasado, presente e incluso futuro se entremezclan conforme la cámara no deja de avanzar y moverse, sin cortes. El director juega con el tiempo delante nuestro, cuando la cámara salta de un personaje a otro y se produce un impas, generalmente en forma de paseo de un lugar a otro, vemos escenas que ya habíamos visto, desde diferentes perspectivas, personajes que entran y salen de escena para decirnos que ya no estamos en el presente, sino en el pasado, todo en constante movimiento, con detalles en primer plano y en segundo plano… es muy difícil de trasmitir sino se ha experimentado esa sensación, tu cerebro diciéndote obcecadamente que un plano secuencia es lineal, pero el director jugando con el tiempo y las formas de esa manera. Ese gran teatro planificado al milímetro es lo que nos absorberá de una forma tremenda, y es la gran apuesta de la película.

No diré mucho más de la película, que aparte de su apabullante método formal esconde mucho más que deberíais descubrir por vosotros mismos.

a hard day

A Hard Day
Corea del Sur, 2014
Director: Kim Seong-Hun
Interpretes: Lee Sun-Kyun, Cho Jin-Woong, Shin Jung-Geun, Jung Man-sik

Esta es quizás mi película coreana de este Sitges, y es que casi novato Kim Seong-Hun (solo ha dirigido una película antes que esta y fue en 2006) construye un thriller pero con una fuerte impronta de humor negro, combinando suspense, humor y cierto toque de drama. Salvando las distancias me recordó a otro gran ejemplo de combinación de géneros sobre el humor negro como es The Show Must Go On, aunque esta no es tan extrema como aquella en según que situaciones.

La madre del detective de homicidios Gun-su ha muerto y tras la ceremonia previa al entierro, conduciendo en una noche oscura, el detective atropella a una persona. Gun-su ve peligrar su carrera y su libertad y decide ocultar el cuerpo. Pero pronto descubrirá que esto va más allá de lo que el piensa.

Nos encontramos ante un producto que aunque no revolucione el género, si que juega de forma perfecta todas sus cartas, ofreciendo una gran dosis de tensión y suspense aligerados en su justa medida con toque de humor negro y drama. Una película que conecta con el espectador desde la primera escena hasta la última y que le hace estar interesado durante sus dos horas de duración. Quizás pierda un pelín de ritmo en la antesala del final, con un villano un poco exagerado, pero no desmerece ni un ápice al resultado final.

Con un magnifico acabado, aunque esto no es noticia en el cine coreano, dosis justas de varios géneros como suspense, tensión, drama y comedia, unas pinceladas de acción y unas remarcables interpretaciones de Lee Sun-kyun como el detective Gun-su y Jo Jin-woong como ese exagerado villano, esta es una película que garantiza pasar un buen rato.


24
oct

Programación Casa Asia – Imagine India Barcelona (2014)

imagine india

Casa Asia e Imagine India presentan una selección de películas de la sexta edición de este festival en Barcelona, que dirige Qazi Abdur Rahim desde hace más de una década.

Las películas que se presentan han sido producidas recientemente y abarcan narrativas que exploran la vida cotidiana y doméstica a través de los microrelatos que intercambian sus protagonistas. La pantalla se convierte así en una ventana al mundo que permite al espectador acercarse y compartir vivencias que, de otro modo, no podría experimentar.

El programa consta de nueve largometrajes y siete cortos realizados en 2013 y 2014, salvo Meghe Dhaka Tara y Ajantrik, dirigidas por Ritwik Ghatak en 1960 y 1958 respectivamente. Casa Asia tiene una deuda con el cine indio dada la dificultad para abordar los numerosos títulos que se producen anualmente, pese a ser una de las grandes industrias de este país asiático y que cuenta, a su vez, con una de las mayores audiencias del continente.

Programa

Sábado, 25 de octubre de 2014, 20.00 h
DHOL GANWAR PASHU ARU NARI, Abhinav Gupta. 2013. 20’. VOSE
MEGHE DHAKA TARA, Ritwik Ghatak. 1960. 126’. VOSE

Sábado, 1 de noviembre de 2014, 20.00 h
WHERE THE RIVER MEETS THE SEA / Donde el río encuentra el mar, Sumon Majumder. 2013. 26’. VOSE
AJANTRIK, Ritwik Ghatak. 1958. 102’. VOSE

Sábado, 8 de noviembre de 2014, 20.00 h
MOKAMA FAST PASSENGER / Mokama primer pasajero, Subhadro Choudhry. 2013. 24’. VOSE
GULABI GANG, Nishta Jain. 2012. 96’. VOSE

Sábado 15 de noviembre de 2014, 20.00 h
ANKHON DEKHI, Rajat Kapoor. 2014. 146’. VOSE

Sábado, 22 de noviembre de 2014, 20.00 h
FLASHPOINT, Tata Institute for Social Science (TISS). 2013. 18’. VOSE
APUR PANCHALI, Kaushik Ganguly. 2013. 97’. VOSE

Sábado, 29 de noviembre de 2014, 20.00 h
23 INVIERNOS, Rajesh Jala. 2013. 30’. VOSE
SALMA, Kim Longinotto. 2013. 91’. VOSE

Sábado, 6 de diciembre de 2014, 20.00 h
MUKHABIR / El informador, Manoj Kumar. 2013. 11’. VOSE
CELLULOID, Kamal. 2013. 129’. VOSE

Sábado 13 de diciembre de 2014, 20.00 h
FROM BEYOND, Rajbir Kaur. 2013. 10’. VOSE
PIED PIPER, Vivek Budakoti. 2013. 113’. VOSE

Sábado, 20 de diciembre de 2014, 20.00 h
HIGHWAY, Imtiaz Ali. 2014. 113’. VOSE

Cinemes Girona
c/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio Entrada: 2,5€
Precio Abonados: 1€


23
oct

VII Muestra de Cine Coreano – Tres directores de KAFA

Muestra de Cine Coreano

Un año más el Centro Cultural Coreano en España celebra la VII Muestra de Cine Coreano, en colaboración con la Filmoteca Española y CulturArts-IVAC de la Generalitat Valenciana.

Este año la muestra está dedicada a KAFA (Korean Academy of Film Arts), una institución pertinente de KOFIC (Korean Film Council) que se fundó en 1984 y recientemente ha celebrado su treinta aniversario. KAFA tiene como objetivo dotar a la industria de nuevas personalidades que aporten su punto de vista creativo en diferentes departamentos, como la dirección, animación o producción.

En esta VII Muestra de Cine Coreano se presentan tres destacados directores como Bong Joon Ho, Jang Joon Hwan y Kim Tae Yong que, aunque pertenecientes a la misma generación, representan diferentes estilos y trayectorias que nos hablan de la enorme diversidad y riqueza del cine actual de Corea del Sur.

Uno de los cineastas más famosos del actual cine surcoreano es Bong (1969), que ha cosechado ya varios éxitos internacionales como The Host (2006). Jang (1970) todavía tiene una filmografía muy corta, pero ya con una vocación decididamente comercial e industrial. Kim (1969) es un director que ha realizado varios cortometrajes y ha colaborado en diversas películas colectivas, demostrando su talento y capacidad para contar mínimas historias de corte intimista.

Madrid: del 23 de octubre al 11 de noviembre de 2014
Cine Doré (Filmoteca Española)
C/ Santa Isabel 3, 28012 Madrid

Valencia: del 18 de noviembre 2014 al 11 de enero 2015
Sala Berlanga de la Filmoteca de Culturarts
Plaça de l'Ajuntament 17, 46002 Valencia

Tenéis la programación completa y los horarios en la web del Centro Cultural Coreano

Mother (Versión B/N y Color) / 마더

2009, Bong Joon ho, Drama
Int.: Kim Hye-ja, Won Bin, Ku Jin

Una viuda vive sola con su único hijo Do-joon. Un día en la ciudad alguien asesina a una chica joven. La gente está conmocionada y presiona a la policía para que encuentre al asesino lo más pronto posible. La policía es incompetente por eso cuando se topa con unas evidencias que señalan a Do-joon, inmediatamente le acusan del asesinato. No obstante su madre no cree en su culpabilidad y hace todo lo posible para encontrar al asesino verdadero y así demostrar la inocencia de su hijo.

Snowpiecer (Rompenieves) / 설국열차

2014, Bong Joon Ho, Thriller / Acción
Int.: Cris Evans, Song Kang-ho, Tilda Swinton, Jamie Bell

Un experimento para acabar con el calentamiento global eliminó casi toda la vida de la faz de la tierra. Los supervivientes viajan en un tren conocido como Rompenieves, que se encuentra dividido en clases sociales, donde los más pobres mueren de hambre y frío. Hasta que un día un chico llamado Curtis trata de cambiar el curso de la historia.

Memories of Murder / 살인의 추억

2003, Bong Joon Ho, Drama
Int.: Song Kang-ho, Kim Sang-kyung, Kim Roi-ha, Park Hae-il

Basada en hechos reales, cuenta la historia de los asesinatos en serie que ocurieron entre 1986 y 1992 en Hwaseong, Provincia de Gyeonggi. Después de dos asesinatos de mujeres el detective local Doo-man se encuentra ante un caso demasiado complicado para él. Junto con el detective Tae-yoon, enviado de Seúl, intentan recopilar y analizar evidencias. Así descubren que el asesino actúa sólo durante las noches lluviosas y su objetivo son mujeres vestidas de rojo…

Barking Dogs Never Bite / 플란다스의 개

2000, Bong Joon Ho, Comedia negra
Int.: Lee Sung-jae, Bae Doona

Yun-ju tiene muchos problemas: no tiene dinero, su esposa está embarazada y quiere ser profesor en su universidad, pero no tiene medios para sobornar al decano. Para colmo en su vecinidad vive un perro que ladra sin cesar lo que le enfurece aún más y decide tirar al perro de la terraza. Hyeon-nam, una mujer que lo ve, aprovecha la oportunidad para amenazarle.

Hwayi, a monster boy / 화이

2013, Jang Joon Hwan, Thriller / Acción
Int.: Kim Yun-seok, Yeo Jin-go, Jang Hyun-sung, Cho Jin-woong

Un chico llamado Hwayi tiene cinco padres criminales: Seok-tae, Ki-tae, Jin-seong, Beom-soo y Dong-beom, cada uno de ellos con una habilidad diferente. Hwayi ha sido criado de una manera peculiar, sin asistir a la escuela, aprendiendo las habilidades de sus padres. Se ha adaptado a la vida sin conocer su pasado. El líder siempre quería que el chico fuera tan fuerte como sus padres. Un día le llevó a una escena del crimen. Entonces el chico se enfrentó a la realidad y todo empezó a cambiar.

Save The Green Planet / 지구를 지켜라

2003, Jang Joon Hwan, Comedia / Ciencia ficción / Thriller / horror
Int.: Shin Ha-kyun, Baek Yoon-sik, Hwang Jung-min, Lee Jae-yong

Byung-gu es un hombre ordinario que está convencido de que todas las enfermedades son causadas por extraterrestres. Por eso cree que hasta que no encuentre al príncipe de Andrómeda la tierra estará en un terrible peligro y decide secuestrar al hombre más sospechoso, el director de Yoojae Chemical Company. Así empieza la lucha entre Byung-gu, que intenta rescatar al planeta y el director.

Mad Sad Bad / 신촌좀비만화

2014, Kim Tae Yong, Ryoo Seung Wan, Han Ji Seung, Thriller
Int.: Lee David, Park Jung-min, Son Soo-hyun, Park Ki-woong

Un chico que desaparece en el bosque, un adolescente que se adentra en la vida de una amiga a través de internet, y un futuro en el que los zombis se han convertido en proletarios, obreros con muchas obligaciones y pocos derechos. Tres relatos que forman la película colectiva Mad Sad Bad, que reúne a sendos talentos tras la cámara.

Late Autumn / 만추

2010, Kim Tae Yong, Drama / Romance
Int.: Tang Wei, Hyun Bin

Ana está de camino a Seattle para asistir a un funeral. Sin embargo no tiene mucho tiempo porque está ingresada en la prisión y le han dado permiso de tres días. Hace siete años Ana fue condenada por un homicidio involuntario. En el autobús a Seattle se acerca a ella un hombre y le pide que le preste 30$. Al día siguiente el hombre aparece en el funeral…

If you were me 4 / 시선 1318

2008, Kim Tae-yong, Jeon Kye Soo, Lee Hyun Seung, Pang Eun Jin, Yoon Sang Ho, Drama

Cinco pequeñas mini historias narran las vidas de diferentes chicos de instituto en su paso a la madurez. Una chica que teme dejar de ser la número 1 de su escuela; un traslado a Australia y la inseguridad que provoca no saber si la elección ha sido la correcta; el descubrimiento de un bebé abandonado en una jaula; una atleta que nunca se rinde a pesar de los contratiempos y el miedo a no encontrar trabajo, son algunos de los temas que tratan de forma original estos cinco directores de cine.

Tokyo! / 도쿄

2008, Bong Joon Ho, Leos Carax, Michel Gondry, Drama / Comedia / Fantasia

Producción realizada a tres bandas, en la que tres directores que nada tienen que ver con la ciudad de Tokio se ubicarán sobre ella para escribir y dirigir, cada uno de ellos, una historia donde esta ciudad es el eje central de cada mediometraje. Michel Gondry, Léos Carax y Bong Joon-Ho tienen en esta unión su propia visión de la capital.

The host / 괴물

2006, Bong Joon Ho, Acción / Horror
Int.: Song Kang-ho, Byeon Hie-bong, Park Hae-il

Los habitantes de Seúl observan sorprendidos un extraño objeto que cuelga de un puente sobre el río Han. El objeto es, en realidad, una monstruosa criatura mutante que al despertar devora a todo aquel que se cruza en su camino. En medio de tanto horror, la criatura mutante rapta a la hija del dueño de un quiosco que vive felizmente a la orilla del río. Mientras el ejército fracasa una y otra vez en sus intentos de destruir al monstruo, este hombrecillo anónimo y su familia intentan recuperar a su hija.


21
oct

27th Tokyo International Film Festival (2014)

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Entre los días 23 y 31 de Octubre se celebra en Japón la 27 edición del Tokyo International Film Festival, uno de los festivales de cine más grandes de Asia junto con el de Shangai y Busan. Este no es un festival que se dedique en exclusiva al cine japonés, sino que es un punto de encuentro entre Oriente y Occidente, participando en su sección oficial películas de multitud de nacionalidades, además cuenta con una sección llamada Wolrd Focus centrada en novedades cinematográficas de todo el mundo y en cine internacional también esta muy presente en sus secciones paralelas y specials screenings. A continuación tenéis un extracto de que películas asiáticas compiten este año en la sección oficial.

Melbourne
Iran, 2014 , Drama/Suspense
Director: Nima Javidi

Después de años planificando lo que promete ser un cambio trascendental en sus vidas, por fin ha llegado el día en que una joven pareja se traslada a estudiar al extranjero. Pero mientras se preparan para afrontar este camino de esperanza y emoción, algo inesperado sucede.

Pale Moon
Japón, 2014 , Drama/Suspense
Director: Daihachi Yoshida

Ruki, una ama de casa normal, trabaja como empleada para un banco. Sus clientes la alaban por su trabajo peor ella siente un vació interno debido a la indiferencia de su marido. Un día conoce a un estudiante llamado Kota y se convierte en su amante. Conforme esta relación se desarrolla mayor es la tentación meter mano al dinero de sus clientes.

River of Exploding Durians
Malasia, 2014, Drama/Romance
Director: Edmund Yeo

Ming no esta muy entusiasmado durante sus paseos por el bosque y la playa en sus citas con la bella Maei Ann, pero un día le resulta imposible ponerse en contacto. Mientras tanto la construcción de una planta minera provoca las protestas locales. La maestra Lim participa en las protestas mientras enseña historia a sus estudiantes.

RIVER ROAD
China, 2014, Drama
Director: Li Ruijun

Bartel y Adikeer son dos jovenes hermanos pertenecientes a la minoría étnica Yugur. Un día parte en un viaje a través de las praderas del noroeste de China en busca de sus padres, maniobrando hábilmente sus camellos en la vasta extensión de tierra.

RUINED HEART: Another Lovestory Between A Criminal & A Whore
Filipinas/Alemania, 2014, Drama/Acción/Romance
Director: Khavn

Un despiadado asesino a sueldo a una prostituta de un incidente violento en un barrio pobre de Filipinas antes de que ambos tomen un vuelo.

Test
Rusia, 2014, Drama/Romance
Director: Alexander Kott

Un padre y su hija viven una vida tranquila en la vasta llanura hasta que dos jóvenes se enamoran d ella joven. El triángulo amoroso lleva a un giro totalmente inesperado de los acontecimientos en una historia asombrosa que incorpora una belleza inimaginable y un fuerte mensaje social.

Pero en general lo que a nosotros nos interesa es el Focus en el cine asiático. En este aspecto el festival tiene una sección dedicada a lo más destacado del cine japonés actual, el Asia Future dedicada a nuevos talentos en el cine asiático y varias proyecciones especiales que incluyen el estreno del esperado live action de “Parasite”, proyecciones de películas como “The Raid 2” o “Dhoom 3” o el nueva “Appleseed Alpha” de Shinji Aramaki.

Por si esto fuera poco en las secciones temáticas cabe destacar el CrossCut Asia dedicado al Cine Tailandés y una interesante retrospectiva llamada “The World o Hideaki Anno”, donde se proyectará toda la obra del conocido autor de Evangelion, además de varios documentales.

Imagen de previsualización de YouTube


20
oct

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (II)

cartel sitges 2014

Seguimos con nuestra crónica asiática con todo lo que pudimos ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. Seguimos nuestro orden cronológico para traeros 4 películas de lo más variado, un thriller coreano, una comedia japonesa de la mano del incombustible Miike, la última producción de Tetsuya Nakashima y una película vietnamita en tono de ciencia ficción. ¡¡Vamos a por ello!!.

Hwayi A Monster Boy

Hwayi: A Monster Boy
Corea del Sur, 2013
Director: Jang Joon-Hwan
Intérpretes: Kim Yun-seok, Yeo Jin-goo, Cho Jin-woong

Alla por el año 2003 Jang Joon-Hwan dirigía y guionizaba una locura llamada “Save the Green Planet”, película que mezclaba de forma loquisima la comedia, el drama y la ciencia ficción en la historia de un psicópata convencido de que los extraterrestres venían a conquistarnos. En Corea esta película fue alabada por la crítica debido a su originalidad, aunque fue un fracaso en taquilla (básicamente se estrenó en 2 cines). Lo que si es cierto es que fuera de Corea esta cinta ya ha entrado dentro del cine de culto asiático para los aficionados occidentales. Han tenido que pasar 10 años para que su director vuelva a la carga.

Una panda de criminales, a cada cual más psicópata y desquiciado, secuestran a un niño para pedir un rescate por él. Cuando el trato se trunca el niño termina siendo criado por esta nueva familia, convirtiéndose en un francotirador experto. En cierto momento el monstruo que lo acecha en sueños le hace dudar de su presente y su futuro en esta clase de vida, punto de partida para una serie de acontecimientos que serán el núcleo del film, que nos deparará algunos recovecos y sorpresas que nos mantendrá interesados durante todo su metraje.

Esta es una película principalmente melodramática, que versa sobre el concepto del “monstruo interior” y como combatir con el o dejarlo salir, que nos plantea si el mal nace o se hace, como puede cambiar a una persona su entorno e influencias. Una película donde no todo es blanco o negro, e incluso el ser más malvado tiene sus motivaciones, llega a amar o incluso a sacrificarse por algo noble. Sobre esta premisa el director se permite, una vez más, darnos una dosis variada, introduciendo momentos de violencia, unas contadas escenas de acción realmente destacables y bien planificadas, y ciertos toques de humor. En definitiva una película variada que si bien tiene un ritmo lento, sobre todo en su arranque, nos deparará sorpresas y giros de guión que nos mantendrá interesados durante todo su metraje.

Hay que hacer una mención especial al elenco actoral, que consta de grandes nombres entre los que destacaría a Kim Yun-seok como el líder de la banda mafiosa, y a Yeo Jin-gu como Hwayi, un actor muy joven pero que ya tiene una larga carrera como actor en el cine coreano.

Mole Song

The Mole Song – Undercover Agent Reiji
Japón, 2013
Director: Takashi Miike
Intérpretes: Tôma Ikuta, Shinichi Tsutsumi, Riisa Naka, Takayuki Yamada

Takashi Miike es alguien que parece que no ha dormido desde hace más de 15 años, ya que en Sitges siempre nos presenta 2 o 3 películas de su última hornada y es ya uno de los directores más visibles en los últimos años del festival. Esta edición nos traía dos películas y la más esperada era esta adaptación del manga homónimo de Noboru Takahashi, que prometía risas y diversión.

Reiji es quizás el peor agente de la academia, relegado a una garita de barrio por sus escasas dotes policiales y su no muy buena actitud. Un día sus superiores deciden que es hora de darle una oportunidad y le ofrecen infiltrarse en la Yakuza para detener a uno de sus cabecillas y limpiar así las calles de droga.

Si algo nos ha demostrado el director en sus últimas adaptaciones de mangas es que no se queda en la esencia o la superficie, si Miike adapta un manga lleva directamente el manga a la gran pantalla, usando lo más posible el estilo visual, las caracterizaciones de los personajes, los gags y los efectos visuales. Ya nos lo demostró en Yatterman o Rantaro, con unas caracterizaciones extremas y unas imágenes que estaban directamente extrapoladas del papel a la gran pantalla.

En esta película sigue esta misma línea, con una introducción realmente memorable, con Reiji desnudo sobre el capo de un coche en su iniciación como “topo” policial (y la canción del “topo”, que es increíble). Durante esta primera parte prima más la comedia, girando luego hacia la acción e intentando imprimir un tono algo más serio, que no dramático, al conjunto. El ritmo decae un poco pero la película deja poco respiro al espectador y se mantiene durante sus dos horas de metraje. Un espectáculo de acción, diversión y risas.

the world of kanako

The World of Kanako
Japón, 2014
Director: Tetsuya Nakashima
Intérpretes: Koji Yakusho, Nana Komatsu

Es conocido por todos los aficionados que Tetsuya Nakashima es un hombre de excesos cinematográficos, que realiza películas que no dejan indiferente, para bien o para mal, a nadie, películas duras, simbólicas, rocambolescas… ya nos dejó boquiabiertos hace poco con su Confessions y ahora vuelve a la carga más animo si cabe.

El guión nos presenta a Akikazu Fujishima, un ex detective de policía borracho y pendenciero. Su vacía vida dará un pequeño vuelco cuando su ex mujer, la ultima persona que lo llamaría, contacta con él porque Kanako, su hija, ha desaparecido hace ya una semana. El detective comenzará entonces una investigación acercándose a los amigos y conocidos de Kanako para descubrir su paradero, y de paso, su sórdida vida secreta.

Nakashima recupera una estructura similar a la que ya usase en Memories of Matsuko, en la que a través de un personaje se cuenta, a base de flasback, la historia de otros. En este caso la base de este hilo es Koji Yakusho encarnando al detective, y es que es normal que ganara el premio a mejor actor en el festival, hace un papel de los que uno recuerda por mucho tiempo, un personaje sórdido, violento y agresivo, que justifica sus actos en pos de encontrar a su hija a pesar de que siente una relación de amor y odio hacia ella, un odio que crece en una especie de vena posesiva. Y es que Kanako, encarnada también de forma muy efectiva por Nana Komatsu, tiene una especie de psicopatía que la hace ver el mundo de otra manera y llega a manipular con su sensualidad y diversas mascaras a hombres y mujeres para conducirlos a un poco del que difícilmente pueden salir. Ahí esta su padre, y ahí están muchos de los personajes que veremos.

Nakashima plantea una película sin ningún descanso al espectador, donde siempre van ocurriendo cosas, detalles, elementos que nos harán conocer esa verdadera historia. Pero la película adquiere unos derroteros desiguales en su segundo tramo, el carácter excesivo del director se va de las manos y la película cambia de registro en muchas escenas, apareciendo toques de acción y humor que poco tiene que ver con la sórdida y oscura historia que se está contando. Esta serie de locuras y salidas de tono la hacen una película más desigual, aunque no necesariamente para mal.

En definitiva, una película arrolladora, oscura y sórdida, con todo lo que uno espera de Nakashima pero quizás en demasiada cantidad por momentos. Una buena película pero no tan redonda como otras obras suyas como Confessions.

Nuoc 2030

2030
Vietnam, 2014
Director: Nguyen-Võ Nghiêm-Minh
Intérpretes: Quynh Hoa, Quý Bình, Thach Kim Long

Sitges siempre nos trae algunas curiosidades, películas que por su temática o por provenir de cinematografías muy desconocidas o exóticas, como es este caso, te llaman la atención. Leyendo muy animadamente el programa del festival esta película vietnamita se presentaba como un thriller de venganza con tintes de ciencia ficción en un futuro cercano, eso ya es más que llamativo, aunque al final el resultado no fuera explícitamente el esperado.

Esta producción nos traslada al año 2030, donde el calentamiento global ha provocado la subida del mar y Vietnam está prácticamente bajo las aguas. En esta ambientación una mujer entierra a su marido que ha sido asesinado y comienza una investigación que lo conduce al jefe de una plantación hidropónica que resulta ser un antiguo amante suyo.

Estas premisas son bastante interesantes, pero el resultado se queda un poco a medias. Lo más curioso de la película es su ambientación, en donde se nos presenta un constante paisaje marino, intentando cuadrar los detalles y no dejarlo solo en la superficie, una ambientación muy conseguida y atrayente. No hay duda de que la película contiene un gran componente de denuncia hacia el calentamiento global y ciertas prácticas humanas, pero todo esto queda como una ambientación, sin profundizar demasiado en ello.

La narración general, a priori la búsqueda de una mujer de los asesinos de su marido, pronto se convierte en una historia de amor contada en dos partes a modo de flashback, en donde veremos las relaciones de la protagonista con los dos hombres de la película, su marido y un joven investigador. El guión no es precisamente original en este aspecto, pero las competentes interpretaciones del trio actoral y los detalles de la ambientación lo hacen interesante. El gran problema es que estos flashback rompen el ritmo de la historia “presente” y le hacen perder interés. Además la resolución final no me pareció demasiado buena, pero eso ya tendréis que juzgarlo vosotros.

En fin, una película con una gran ambientación y una historia que no era lo que parecía en un primer momento. Curiosa por ser de una cinematografía tan desconocida como la vietnamita, pero no es una película que cambiará vuestras vidas.


16
oct

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (I)

cartel sitges 2014

Empezamos ya nuestra crónica asiática con todo lo que pudimos ver en esta edición de Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. Tomamos un criterio puramente cronológico y os mostraremos las películas tal cual las vimos durante el festival y, debido a la gran cantidad de películas que por un motivo u otro no pudimos ver durante el evento, iré también creando unos especiales con todo lo que nos perdimos en Sitges pero que ya habíamos visto en otros festivales o eventos. Hoy comenzamos con la maratón Japan Madness que pudimos ver el viernes día 3 y con el Tsui Hark más aventurero de los últimos años.

live

Live
Japón, 2014
Director: Noboru Iguchi
Intérpretes: Yuki Yamada, Ito Ono, Yuuki Morinaga, Mari Iriki, Asami.

Esta año el Festival de Sitges comenzaba por un plato fuerte para los amantes de la Serie B japonesa ya que a las 1 de la madrugada en el Casino Prado pudimos ver la maratón Japan Madness compuesta por tres películas. Live fue la primera de ellas, Gun Woman y Torture Club, de las que hablaremos más adelante, la seguirían.

Live es la última propuesta cinematográfica del siempre incombustible Noboru Iguchi, bien conocido por haber dado a luz locuras de la talla de Dead Sushi. En este caso vemos una evolución del director hacia algo más maduro, al menos cinematográficamente, que sus anteriores trabajos. Se nota que Iguchi ya goza de presupuestos algo más altos, mejor equipo (seguramente por andar por detrás la productora Kadokawa) y mejor acabado. La película tiene planos más profesionales, con menos aspecto de “directo a vídeo”, un acabado más estable y una calidad de imagen y montaje mucho mejor. El apartado sonoro también es mejor y todo el aspecto general de la película es mucho más “profesional” (por definirlo de una manera un poco más clara). Si bien los efectos digitales gore son bastante malos, no se hasta que punto no era intención del director darles un acabado irreal y casi caricaturesco, por el contrario los efectos gore reales, de la mano del siempre infalible Yoshihiro Nishimura, son mucho mas efectivos.

Pero todo lo que he dicho hasta ahora no nos interesa a los amantes de este tipo de cine, y todos sabemos que a Iguchi le gusta jugar en pantalla como un niño grande que juega con sus muñequitos (este símil nos lo comentó la propia Asami). El director toma sus derroteros de siempre, sus efectos gore mezclados con mucha comedia, sus momentos picantones y el humor que sale en cada esquina. A esto se le suma una historia más desarrollada que de costumbre, heredada de la novela original de Yusuke Yamada que Iguchi adapta el mismo. En ella nos encontraremos en primera instancia a un chico llamado Naoko que tiene poco de buena persona, es pendenciero, maleducado y casi agresivo, portándose mal hasta con su madre. Pero un día alguien la secuestra y le propone seguir una novela para poder rescatarla, descubriendo así que no es el único en esta situación y embarcándose en una especie de carrera a muerte donde solo podrá ganar uno, y por tanto rescatar a sus familiares.

En definitiva, una película que quiere escaparse un poco de la serie B más underground para tener un relativamente buen acabado, una historia curiosa y mucha mucha diversión al más puro estilo Noboru Iguchi.

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Gun Woman
Japón, 2013
Director: Kurando Mitsutake
Intérpretes: Asami, Kairi Narita, Noriaki Kamata

La segunda película de la maratón Japan Madness fue Gun Woman, del director Mitsutake Kurando y con el protagonista de nuestra musa Asami. Este era a priori el plato fuerte ya que tanto el director como la actriz estuvieron presentándonos la película, un duo al que tuve la suerte de entrevistar y poder charlas con ellos un rato esa misma tarde y que hizo que mi admiración por Asami se convirtiera en casi adoración… pero ahora habla el fan del cine Z, dejo este tema a un lado.

2 matones viajan en coche tras un trabajo mientras cuentan alguna que otra historia, la más interesante de ellas es la de un medico ultrajado que busca venganza. Su mujer fue asesinada y el vapuleado por un loco psicópata que lo culpó pro la muerte de su padre, peor el necesita tomar su revancha y la única forma de asesinarlo en tomar una joven, convertirla en una asesina despiadada y luego usar una de las adicciones sexuales de su objetivo.

Esta película pretende embarcarse en terrenos mucho más serios y oscuros que las producciones japonesas de este tipo a las que estamos acostumbrados, una mezcla de Pinku Eiga con el Nikita de Luc Besson, eso si con un presupuesto ajustadisimo, pero con una gran ambientación y una fotografía interesante, dándole a todo el aspecto ochentero, añejo. A esto debemos añadirle una buena banda sonora y unos efectos gore muy brutos y conseguidos. Realmente para el presupuesto que se manejaba se ha conseguido un resultado tremendo.

Pero la base de la película es un papel escrito por y para Asami, con una interpretación casi carente de diálogos pero muy física en muchos aspectos, sobre todo en el ámbito del entrenamiento con armas de fuego (Como curiosidad decir que en algunos planos se muestras las llagas en la mano de Asami después de su entrenamiento, y estas eran reales). Si bien esta película no tiene una acción trepidante, si que es muy exigente. Por otra parte tenemos a Kairi Narita como el profesor que busca venganza, que compra a la chica que luego entrenará para la misma. Un personaje que ha perdido toda moralidad y que solo busca su objetivo. Chica y profesor entablaran una relación basada en el odio y la venganza, como leitmotiv de sus vida actuales. También hacer una mención a Noriaki Kamata como el psicópata objetivo de la venganza, un papel brusco y casi caricaturesco, peor muy efectivo.

Esta no deja de ser una película de bajo presupuesto, con las limitaciones que eso implica, pero tiene una temática oscura y directa, con un tramo final realmente sangriento, que seguro no dejara indiferente a nadie.

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The Torture Club
Japón, 2014
Director: Kota Yoshida
Intérpretes: Noriko Kijima, Haruna Yoshizumi, Yuki Mamiya, Mika Yano

Ser nos vendía The Torture Club como una de las películas más “polémicas” del festival, todo por ser una especie de Pinku Eiga sobre sadomasoquismo entre chicas de instituto. Es cierto que se ha pasado hasta en Cannes, y me cuesta mucho verla por aquellos lares y que no despertara polémica, pero en Sitges estamos más que curtidos en muchas lindes, entre ellas estas. Kota Yoshida ha desarrollado su carrera en películas donde el erotismo es un punto clave, y esta vez adapta un manga de Makoto Fukami para la gran pantalla.

La historia se centra en Ysuzuki, la cual ingresa en una prestigiosa academia para chicas para descubrir más pronto que tarde el Club de la Tortura, un elitista club donde sus miembros desarrollan sus aptitudes dentro del mundo de la tortura y el sadomasoquismo. Casi sin darse cuenta se verá arrastrada a este club y a sus prácticas.

Y sobre esta curiosa premisa se monta un Pinku donde prima el humor, la tortura y las escenas eróticas, centradas en momentos lésbicos. Y poco más. Realmente no me pareció que la película tuviera mucho más que eso, algo de comedia por lo raro de la premisa presentada y las conversaciones que se producen, tratando la tortura como algo normal y corriente, mucho erotismo y escenas subidas de tono, que casi siempre se rebajaban con algo de humor al final, y mucha exploitation. Quizás fue por verla a las 5:30 de la madrugada como película final de la maratón Japan Madness, pero cuando salí no entendía porque me había quedado a verla en vez de irme a la cama, es que no le encuentro casi ninguna motivación mas allá de las puramente exploitation. Otros eróticos clásicos que hemos visto en Sitges, como Star of David, eran mucho más estimulantes en cuanto a historia y desarrollo, esta no tiene eso.

Si tenéis ganas de un exploitation lésbica con toques de humor, podéis verla y ya, no os cambiará la vida ni creo que se os quedará en la retina.

young detective dee

Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon
China, 2013
Director: Tsui Hark
Interpretes: Mark Chao, Feng Shaofeng, Lin Gengxin

Sería en 2010 cuando Tsui Hark presentará en Sitges su Detective Dee, una película de acción marcial, mezcla de muchísimos géneros y toneladas de CGI, que nos narraba una de las aventuras del detective imperial Di Rengie. Aquella película pasó sin pena ni gloria debido a sus ritmo errático y la desastrosa proyección que sufrimos en cuanto a subtitulado.

En esta ocasión Hark decide hacer una precuela (de ahí lo de Joven Detective Dee del título) y nos muestra a un joven Dee recién llegado a la capital del imperio con el objetivo de convertirse en un agente de la ley. Una noche se topará con Yuchi que tiene la misión de encontrar un monstruo marino que parece haber atacado a la flota imperial. Pero como es tradicional en este tipo de producciones todo será más complicado y nos encontraremos con el intento de secuestro de una cortesana, monstruos marinos, sectas insurrectas… un poco de todo.

Esta película vuelve a apostar por una mezcla parecida a la de la primera entrega, con acción marcial, fantasía, CGIs y una mezcla de géneros más suave que en la anterior. La gran diferencia es que en esta ocasión todo el conjunto es más “cine de aventuras”, como esos Wuxias clásicos hechos para la diversión del personal, quizás sin tantas pretensiones y buscando el entretenimiento, la aventura.

La primera mitad de la película me dejó un poco frío, era más de lo mismo y encima los CGI eran bastante mediocres, pero llegado a un punto en que la historia se hila, aparecen toques de humor y ese aire de película de aventuras que mencionaba antes aparece en la mente para no irse. Entonces dejas a un lado ciertas cosas y te aprestas solo a divertirte, y por ahí me entró la película, por ese aire nostálgico de producción aventurera Shaw Brothers (he de decir que en cierto momento vino a mi mente 14 Amazonas, y es que si allí hacían un puente humano para delirio del personal que la vimos en Sitges hace ya años, ¿por qué aquí no van a poder meter elementos con ese nivel de diversión?).

En fin, esta es una película muy divertida, pura aventura que cuando arranca te engancha y con un tramo final realmente entretenido y bien trabajado. Diversión asegurada.


15
oct

Programación Casa Asia – Bangladesh en la encrucijada

Mientras estábamos como locos en el Festival de Sitges nos hemos perdido algunas cosas interesantes, entre ellas este curioso ciclo de cine Bengalí organizado pro Casa Asia. Nos hacemos eco de él porque aún podéis pillar la ultima proyección.

ciclo cine bangladesh

A pesar de la circulación internacional que han alcanzado las cinematografías de países vecinos como la India gracias al fenómeno Bollywood, que ha sido un descubrimiento relativamente reciente en Europa y en Estados Unidos, el cine bengalí ha permanecido aislado debido a los intereses de una industria y de un mercado que dominan la distribución global. Si la producción nacional ronda los 100 títulos anuales, en un país de más de 160 millones de habitantes, en su idioma y en el de muchos bengalíes, resulta necesario preguntarse cuáles son las razones por las que este cine ha sido ignorado y si existe alguna relación entre la falta de reconocimiento y la negación de su identidad cultural.

Casa Asia dedica este ciclo al director bengalí Tareque Masud (1956-2011), cineasta independiente, productor y escritor, que murió en un accidente de coche en la autopista de Manikganj a Dhaka. A pesar de su temprana desaparición, Tareque Masud contaba con una amplia filmografía representativa de un país marcado originalmente por la partición, al igual que por las circunstancias políticas e históricas que rodean el desarrollo de esta democracia parlamentaria, que ha experimentado en la última década un notable crecimiento económico y una transformación social equivalente, después de las hambrunas, los desastres naturales y la pobreza que durante años han devastado el país.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 4 de octubre de 2014, 20.00 h
MUKTIR GAAN / Song of freedom, dir. Tareque Masud & Catherine Masud. 1995. 75’. VOSE

Durante la Guerra de Independencia de Bangladesh en 1971, un grupo de activistas e intelectuales patrióticos de este país y de Pakistán se unieron para luchar por la paz. El grupo estaba formado por escritores, pintores, cantantes y actores de teatro. Se dedicaron a viajar a refugios y zonas de combate, interpretando canciones y haciendo representaciones con marionetas, tratando de expresar las profundas emociones de los bengalíes en torno a su tierra y a su cultura. Para los millones de refugiados en India y aquellos que luchaban en el frente, estas canciones y representaciones populares eran una fuente de inspiración. Las actividades del “Escuadrón cultural de la Lucha por la Libertad de Bangladesh”, fueron registradas por un cineasta y su equipo. Por falta de financiación esta película nunca se completo y quedó almacenada en el sótano de la casa del cineasta Lear Levin en Nueva York. En 1990, Tareque y Catherine Masud localizaron a Levin y se apropiaron de estas más de veinte horas de material histórico que sumaron a otras imágenes de esta guerra que encontraron en archivos de otras filmotecas, y así es como elaboraron este documental.

Sábado, 11 de octubre de 2014, 20.00 h
MATIR MOINA – The Clay Bird, dir. Tareque Masud. 2002. 94’. VOSE

Con el trasfondo de la turbulenta época de finales de los años 60, “Matir Moina” (The Clay Bird) cuenta la historia de una familia destrozada por la religión y la guerra. Basada en la propia infancia del director, esta aclamada película sigue al joven Anu, que es enviado a una estricta escuela islámica o madrasa, por su padre Kazi, profundamente religioso. “Matir Moina” es una película que trata de un tema tan central en el país como el de la tolerancia religiosa, en una época en que las divisiones políticas entre las fuerzas moderadas y las extremistas dentro de la madrasa oponen a los diferentes bandos sin que se vea una solución al conflicto. Esta película obtuvo el Premio FIPRESCI en la Quincena de Realizadores en el Festival de Cine de Cannes 2002, y se convirtió en la primera película de Bangladesh para competir por el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

Sábado, 18 de octubre de 2014, 20.00 h
Cortometraje previo a la película: El barbero, dir. Tareque Masud. 2009. 15’. VOSE

Los soldados del Ejército de Pakistán, dirigidos por un colaborador local, asaltan la casa de un luchador por la libertad. El joven al que buscan huye a través de las estrechas callejuelas de la parte antigua de Dhaka. Este se tropieza con una barbería y decide afeitarse para disfrazarse. Mientras tanto, su madre lleva a su padre malherido, herido durante el asalto del Ejército, a una farmacia cercana. El médico hindú los acoge titubeantemente; él también es un objetivo. En la barbería, el joven pronto se da cuenta que corre más peligro: los barberos son viráis de habla urdu, conocidos por su apoyo al Ejército. El destello de la navaja afilada, las apenas disimuladas bromas amenazadoras de los barberos, las miradas de complicidad del gerente, todo pone al joven en un estado cada vez más incómodo.

ONTORJATRA, dir. Tareque Masud & Catherine Masud. 2006. 84′. VOSE

“Ontorjatra” (literalmente “viaje interior”) es una exploración de una identidad rota en el mundo de la diáspora. Una madre divorciada y su hijo vuelven a Bangladesh, tras vivir 15 años en Londres, a causa de la muerte súbita del exmarido y para asistir a su funeral. La narración sigue de cerca la experiencia de madre e hijo, que llegan a un pacto con esta pérdida. Para el hijo, un adolescente educado en Inglaterra que no tiene ningún recuerdo de su padre ni de su país, el regreso a Bangladesh es un viaje de iniciación y descubrimiento. Para la madre, es más bien una mezcla de nostalgia y miedo ante el reencuentro con diferentes ramas de la familia.

Cinemes Girona
c/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio Entrada: 2,5€
Precio Abonados: 1€


14
oct

Sitges Film Festival 2014 – Palmarés

Una vez recuperados, un poco, de la maratón cinéfila que supone el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, es hora de hacer repaso de las películas premiadas en el evento, que como siempre en su mayoría no hemos podido ver, y hacer una breve valoración del evento que iremos ampliando en nuestras crónicas del cine asiático visto, y no visto, en Sitges en esta edición.

Hay que decir que este era un festival que, al menos para mi, no partía a priori con nada destacable sobre el resto. Había película interesantes, pero ninguna con ese hype extremo que destacara sobre las demás. Lo que nos hemos encontrado, al menos en las que hemos visto, es un nivel medio muy alto, casi todas las películas nos han gustado en mayor o menor medida y no hemos topado con demasiados bodrios de los que te arruinan un día cinéfilo en Sitges. Nuestro menú ha estado compuesto de mucho cine asiático, pero menos que otros años ya que por horarios (llegaron a coincidir tres películas asiáticas simultáneamente en algunos días) o por haberlas visto ya cuadramos programaciones un poco raras, tirando mucho de sección oficial a competición, y nos encontramos con rarezas y curiosidades con mucho humor y acción, poco terror clásico y películas realmente interesantes.

Además hemos podido realizar algunas entrevistas a los invitados asiáticos que han asistido al festival, destacando la presencia de una de nuestras musas de la serie Z japonesa, Asami, que acompañada por el director Mitsuke Kurando presentaron la película Gun Woman, incluida en la maratón Japan Madness (y aguantaron hasta las 4:30 de la madrugada viéndola en el cine). Esta mujer cada día me gusta más, una especie de amor platónico cinefilo… También pudimos charlar con Jang Joon-hwan, que presentaba su película Hwayi y que ya dirigiera hace más de 10 años Save the Green Planet, y con el director hongkonés Pang Ho Cheung, con el que pudimos conversar no solo sobre su Aberdeen, sino sobre su filmografía y las relaciones entre Hong Kong y China.

Y no voy a entreteneros más por el momento, para eso ya vendrán las crónicas durante las próximas semanas. Sitges es un festival de cine pero también de personas, de (re)encuentros, de conversaciones, paseos y colas a la puerta de un cine. Es un placer haberlo compartido con tan buena gente como la que me encuentro cada año por aquellas tierras. Esta no será la última…

cartel sitges 2014

I Origins, de Mike Cahill, ha ganado el premio a la mejor película de la Sección Oficial Fantàstic de Sitges 2014. El jurado ha concedido el premio especial por The Babadook, de Jannifer Kent, mientras Cub, de Jonas Govaerts ha obtenido el premio a la mejor dirección. Ha sido un palmarés muy repartido, que ha premiado el perfil fantástico del Festival.

El premio a la mejor fotografía ha sido para Jamie Marks is Dead, de Carter Smith. El premio a la mejor interpretación femenina lo han ganado, ex-aequo, Julianne Moore en su papel en Maps to The Stars de David Cronenberg, y Essie Davis por The Babadook. La mejor interpretación masculina se lo han llevado Nathan Phillips por These Finals Hours, de Zak Hilditch y Koji Yakusho por The World of Kanako, de Tetsuya Nakashima.

El premio al mejor guión ha sido para Young Ones, de Jake Paltrow y los efectos especiales distingidos han sido para The Signal, de William Eubank. Oscar desafinado, de Mikel Alvariño, se ha llevado el premio al mejor cortometraje.

Han recibido una mención especial los films Pos eso, de Sam, What We do in the Shadows, de Taika Waititi y Jemaine Clement, A Girl Walks Home Alone at Night, d’Ana Lily Amirpour i Spring, de Justin Benson y Aaron Moorhead.

Sección Oficial Fantàstic Sitges 47

Premio a la mejor película:
I ORIGINS, de Mike Cahill.

Premio especial del jurat:
THE BABADOOK, de Jennifer Kent.

Premio a la mejor dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa):
CUB, de Jonas Govaerts.

Premio al mejor actor (patrocinat por Autolica – Mercedes Benz):
Nathan Phillips por THESE FINAL HOURS, de Zak Hilditch.
Koji Yakusho por THE WORLD OF KANAKO, de Tetsuya Nakashima.

Premio a la mejor actriz:
Essie Davis por THE BABADOOK, de Jennifer Kent.
Julianne Moore por MAPS TO THE STARS, de David Cronenberg.

Premio al mejor guión:
YOUNG ONES, de Jake Paltrow.

Premio a la mejor fotografía:
JAMIE MARKS IS DEAD, de Carter Smith.

Premio a los mejores efectos especiales:
THE SIGNAL, de William Eubank.

Premio al mejor cortometraje (patrocinado por Fotogramas):
OSCAR DESAFINADO, de Mikel Alvariño.

Mención especial:

POS ESO, de Sam.
WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.
A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.
SPRING, de Justin Benson y Aaron Moorhead.

Gran Premio del Públic (patrocinado por El Periódico de Catalunya) (Sección Oficial Fantàstic en Competició)

Premio a la mejor película (otorgado por votación popular de los espectadors del Festival): WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.

Premios Sección Oficial Fantàstic Òrbita

Premio a la mejor película:
HYENA, de Gerard Johnson.

Premio al mejor director:
COLD IN JULY, de Jim Mickle.

Mención especial:
’71, d’ Yann Demange.

Premios Sección Oficial Fantàstic Panorama

Premio al mejor largometraje:
THE TREATMENT, de Hans Herbots.

Mención especial:
CREEP, de Patrick Brice.

Premios Méliès d’Argent

Premio al mejor largometraje:
GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premio al mejor cortometraje:
AUTUMM HARVEST, de Fredrik S. Hana.

Premios de la Crítica

Premio José Luis Guarner a la mejor película:
RÉALITE, de Quentin Dupieux.

Mención Especial de la crítica:
GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premios Citizen Kane

Premio al mejor director novel:
A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.

Mención especial:
WHEN ANIMALS DREAM, de Jonas Alexander.

Premios Noves Visions

Premio a la mejor película de ficción:
HAN GONG-JU, de Lee Su-jin.

Premio a la mejor película de no ficción:
NON-FICTION DIARY, de Jung Yoon-suk.

Mención especial:
THE DUKE OF BURGUNDY, de Peter Strickland.

Premios Focus Àsia

Premio a la mejor película:
MAD SAD BAD, d’Han Ji-seung, Kim Tae-yong y Ryoo Seung-wan.

Mención especial:
HWAYI: A MONSTER BOY, de Jang Joon-hwan.

Premios Anima’t

Premio al mejor llargmetratge de animació:
THE SATELLITE GIRL AND MILK COW, de Chang Hyung-yun.

Premi al millor curtmetratge d’animación:
PINEAPPLE CALAMARI, de Kasia Nalewajka.

Mención especial:
DINNER FOR FEW, de Nassos Vakalis.

Premio Brigadoon Paul Naschy

Premio al mejor cortometraje fantástico presentado en esta sección:
LINE UP, de Àlex Julià.

Premios Jurado Carnet Jove

Premio a la mejor película de Sección Oficial Fantàstic Sitges 47:
A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.
CUB, de Jonas Govaerts.

Premio a la mejor película de la sección Midnight X-Treme:
THE HOUSES OCTOBER BUILT, de Bobby Roe.

Premio Emergentes:
AMOR ETERNO, de Marçal Forés.

Premio Experimenta:
THE TRIBE, de Myroslav Slaboshpytskiy.

Premis Phonetastic Sitges Mobile Film Festival

Premio al mejor cortometraje:
SECTOR ZERO 4, de Alfonso García López.

Premio del públic:
INTRUSOS, de Iván Mourin.

Premio Blood Window

THE STRANGER, de Guillermo Amoedo.

Premis SGAE Nova Autoria

Premio a la mejor realitzación: Víctor Alonso Berbal, por PUÑO Y METAL, de la Universitat Pompeu Fabra.

Premio al mejor guión: Joaquim Barceló por DINOSAURIOS, de Joaquim Barceló y Amanda Gómez, de la Universitat Ramon-Llull-Blanquerna Comunicació.

Premio para la mejor música original: Alain Gómez Reglá y Luis Daniel González por PILATO, PILATO, de Roberto Russo, de la Escola de Cinema Bande à part.

Premi Sitges Cine365 Film

Gerardo Herrero y Carles Torrens.

Sitges 2014Dandolo todo el último día del festival, diversión asegurada.

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