28
ago

Yasuharu Hasebe

Yasuharu HasebeEl nombre de Yasuharu Hasebe puede no ser muy familiar para muchos de los que lean este artículo. Hasebe es un cineasta que no tiene un ejercito de fans, pero debe ser reconocido por los aficionados al cine japonés de los setenta. Entre sus mayores logros está la creación de la serie “Stray Cat Rock” dentro del subgénero del Pinky Violence, pero su trabajo se extiende mucho más allá de esto, un trabajo demoledor, iconoclasta y lleno de tabús. Sus películas dentro del Pinky Violence definirían su carrera de forma indefectible en producciones como “Rape!” y “Assault! Jack the Ripper”, donde podríamos definirlo como alguien al que le gusta romper las reglas cinematográficas. Hasebe es un director que creará opiniones encontradas y radicales en todo aquel que explore su filmografía, pero al que no se le puede negar su habilidad como narrador, su condición de artista trasgresor y su magistral ojo para lo visual.

Nacido el 4 de abril de 1932, Hasebe fue criado en una familia cariñosa y compartió una relación de confianza con su padre en particular. Criado en el Japón de la posguerra, Hasebe era una esponja con todo el cine americano y francés que caía en sus manos. Al terminar secundaria se matriculó en la Universidad de Waseda (una de las universidades privadas más prestigiosas de Japón), donde estudió literatura francesa, sería entonces cuando se convertiría en aprendiz de guionista reescribiendo historias de otros. Con el tiempo acabaría fichando por la Nikkatsu en 1958, donde perfeccionaría sus habilidades y aprendería el funcionamiento de la industria. En aquel momento aún había muy poco trabajo en televisión por eso toda su formación estaba expresamente dirigida hacia el mundo del cine. En estos años en la Nikkatsu Hasebe trabajó principalmente como asistente de director, trabajando mucho y con pocos descansos. Pasó 8 años como ayudante de dirección, participando en 50 a 60 películas durante ese período con directores como Seijun Suzuki (Branded to Kill, Tokyo Drifter, Tattooed Life), Takashi Nomura (A Colt is My Passport) y Motomu “Tan” Ida (3 Seconds Before Explosion).

Después de años de trabajo constante junto a algunos de los mejores directores de cine de género que Japón podía ofrecer en ese momento, en 1966, los poderes fácticos de la Nikkatsu decidieron que era el momento de ver lo que Hasebe podía hacer en una producción propia. La génesis de su primera película “Black Tight Killers” venia con la esperanza de los productores en crear un nuevo tipo de cine de acción. Las películas de James Bond estaba muy de moda y el guión incluye una historia con este tipo de elementos en su fondo, pero sería cierto cambio de tono y el sentido del humor incluido en el guión lo que atraería a Hasebe hacia este proyecto. Cuando llegó el momento de seleccionar a los actores, Hasebe fue capaz de mover algunos hilos y hablar con su viejo amigo (y mega-estrella) Akira Kobayashi, quien había llegado a conocer muy bien durante sus años como ayudante de dirección. Yasuharu también ha confesado que tenía cierta influencia de las películas de Seijun Suzuki, en particular su humor, así como de Kihachi Okamoto (The Sword of Doom).

black tight killers

A raíz de “Black Tight Killers”, Hasebe continuó trabajando en películas de género como “Massacre Gun” (1967), “Territorial Dispute” (1968), “Savage Wolf Pack” (1969), “Roughneck” (1969) y “Bloody Territories” (1969). “Masacre Gun” es quizás la más destacada ya que contaba de nuevo con Akira Kobayashi, aunque esta protagonizada por Jo Shishido, quien había protagonizado la influyente “Branded to Kill” (dirigida por Seijun Suzuki) al igual que “A Colt is my Passport” (dirigida por Takashi Nomura) ese mismo año. De hecho la Nikkatsu llegaría a comercializar las tres películas juntas como una especie de trilogía. La historia parece ser la del típico yakuza, con Jo Shishido y Tatsuya Fuji (un habitual del cine del director) enfadados con unos yakuzas locales después de que avergonzaran a su hermano menor. Pronto intercambiaran roles con los yakuzas y la guerra por el territorio se recrudecerá. “Territorial Dispute” es otra película típica de yakuzas que protagonizará Akira Kobayashi, esta vez como un ex-convicto que regresa a casa para intentar mantener el clan a pesar del asesinato de su jefe. Esta pequeña joya aparentemente es la primera en la que Hasebe cuenta con Meiko Kaji como actriz. No faltaría mucho tiempo antes de que ambos dieran a luz la exitosa “Stray Cat Rock”.

Por su parte “Bloody Territories” es una pieza de cine de yakuzas muy estándar, con algunos momentos pero lastrada por el convencionalismo. La película una vez más contó con el amigo de Hasebe Akira Kobayashi, que realmente ayudo a mover la carrera del director durante esta primera etapa. “Savage Wolf Pack” fue su siguiente película, un cuento de venganza donde un cazador persigue a los jóvenes moteros violadores de su hermana, que se suicidó tras los hechos. Lamentablemente este áspero relato no es fácil de encontrar fuera de las fronteras niponas.

Más adelante en su carrera Hasebe fue instado por la Nikkatsu ha realizar una película orientada a los jóvenes, descarada y picante, con la megaestrella Akiko Wada. Wada era muy conocida como sensual cantante de voz ronca e imponente figura debido a su gran estatura. Aún hoy es muy conocida en Japón, pero en estas primeras etapas de su carrera era una mercancía muy deseada. Ella no trasmitía una imagen de belleza convencional, pero tenía carisma y cierto atractivo sexual y pudimos disfrutarla en “Stray Cat Rock: Delinquent Girl Boss”. En ese momento Wada estaba representada por HoriPro, lo que convirtió la película en una especie de co-producción entre Nikkatsu y esta empresa, sobre este tema Hasebe declaró “Ellos manejaban la planificación de la película en lugar de la Nikkatsu, creo que el estudio estaba empezando a tener problemas para financiar sus grandes producciones de yakuzas y acción…”. Hasebe tuvo una gran libertad creativa en este proyecto, a pesar de haber dos empresas detrás del mismo, lo que demuestra la fe que debía haber tenido la Nikkatsu en él en aquel momento.

Stray Cat Rock Female Boss

La serie “The Alleycat Rock”/”Stray Cat Rock” se convirtió en un gran éxito, y a pesar de no ser una producción de la TOEI (los creadores originales del subgénero), se consideran las películas de referencia dentro del Pinky Violence. Esta primera entrega de la serie demostraría ser la más icónica (aunque no es tan popular como la tercera entrega), con su imaginario de pandilla de motociclistas y chicas a la moda que encapsulan perfectamente la época en la que fue realizada. Hasebe co-escribió el guión bajo el seudónimo de “Takashi Fujii” y realmente ayudo a que esta nueva ola de películas con “mensaje” orientadas a jóvenes dominaran la década. Además ayudó a lanzar la carrera de Meiko Kaji, quien se convertiría en el mascarón de proa del empoderamiento de la mujer en el cine japones durante los años setenta. En ese momento las películas de estudio corrían peligro y sentían el impacto por una parte de la importación de cine americano y por otra de la proliferación del cine erótico o pinku eiga, que era decididamente más popular que las películas de género más tradicionales que salían de los grandes estudios. Según Hasebe “En ese momento, Jo Shishido y Akira Kobayashi eran realmente las grandes estrellas en la Nikkatsu, pero el estudio sabía que, si iban a continuar con sus operaciones, necesitaban crear estrellas para la próxima generación; por eso Meiko Kaji y Tatsuya Fuji fueron seleccionados como las principales estrellas de la serie Stray Cat Rock”. Esta serie, al contrario que otros Pinky Violence más exploit, ofrecía una mirada mucho más inteligente e iconoclasta en la cultura juvenil en los años sesenta y setenta. El elemento de la explotación estaba allí, pero no era el objetivo principal.

En contraste directo con las populares producciones de la TOEI en torno al Pinky Violence basado en la acción y el erotismo, la Nikkatsu (al borde de la quiebra) decide entonces crear su propia línea de porno romántico (Roman Porno) que ofrecería una dura competencia en el mercado. Estas películas tenían un mayor presupuesto y esencialmente eran Pinku que se dirigían específicamente a parejas. Muchos empleados del estudio abandonarían el barco, nada conformes con las líneas eróticas que estaba tomando la Nikkatsu. La más notable es Meiko Kaji, que dio el salto a los estudios TOEI y se convirtió en una estrella aún más popular con la saga Female Prisoner Scorpion. En aquel momento Hasebe estaba más interesado en realizar películas de acción, que era lo que el buscaba como espectador. Durante esos años el director se pasó a la televisión, donde no le faltó trabajo. También tuvo la oportunidad de trabajar para la TOEI, después de que Meiko Kaji hablara en su favor, dirigiendo “Female Convict Scorpion: Grudge Song” (1973). La película se vio empañada por numerosos problemas con el director original de la serie, Shunya Ito, afirmando que las películas estaban muertas después de los constantes recortes presupuestarios. TOEI se contradijo a sí misma y las realizo de todos modos. Sin embargo su hogar estaba en la Nikkatsu y a su vuelta dirigió “Sukeban Deka: Dirty Mary” (1974). que era más o menos una especie de clon femenino de Harry el Sucio. Serían las siguiente producciones de Hasebe las que volverían a dar un impulso a su carera, siendo alabado por unos y maldecido por otros.

grudge song

En 1976 Hasebe ayudo a cimentar un subgénero del Pinku, el Pinky Violence. Esta nueva forma de pinku eiga, surgida bajo la bandera del roman porno, mostraría un lado más oscuro y morboso, rozando casi con el erótico grotesco. En ultima estancia, estas películas mostraban una fijación por la violación y la esclavitud, pero mantenían el ritmo metódico y la dirección de arte y ensayo que ayudo a desarrollar el pinku eiga en general. Con sus siguientes películas Hasebe definiría el erotismo trasgresor y desafiaría a todos aquellos que decidieran verlas. Durante sus años en el Pinky Violence Hasebe hizo un quinteto de películas que no están vinculadas entre si por nada que no sea la violación, pero que se suelen colocar juntas por el estado de ánimo y la atmósfera. Esta serie comenzó con “Rape!” (1976), protagonizada por Natsuko Yashiro como una joven mujer de negocios que es violada en el ascensor de su edificio de apartamentos. El resto de la película sigue a la chica y a su atacante, que finalmente se reencuentran en circunstancias diferentes. La primera entrega de esta saga sería un éxito para el director que continuaría en el mundo del Pinky violence con “Assault! Jack the Ripper” (1976) y “Rape! 13th Hours” (1977). Aunque éxitos financieros, estas películas eran de naturaleza salvaje y rozaban los límites del buen gusto. Tanto es así que la Nikkatsu decidió recortar los límites de la ultra-violencia de su Roman Porno asignando al productor Ryoji Ito para que vigilase el producto final y evitase la intervención de la censura. Afortunadamente Ito compartía ideales artísticos con Hasebe y al final trabajaron bien juntos.

Assault! Jack the Ripper” y “Rape! 13th Hour” serían considerados, en última instancia, los trabajos más extremos y dementes de Hasebe. “Assault! Jack the Ripper”, la segunda película del quinteto que comentábamos antes, cuenta la historia de un chef y una joven camarera que terminan atropellando a una joven por accidente. Cuando esconden el cuerpo descubren que la emoción de la muerte ha despertado en ellos. Lo que sigue a partir de aquí es una historia de egoísmo y muerte relacionadas con el amor. La película, a pesar de sus espeluznantes imágenes y apuñalamientos vaginales, resulta ser una especie de estudio sobre ambos personajes y sus motivaciones. “Rape! 13th Hour” es probablemente su película más inquietante. La historia en general se centra en un violador en serie llamado “Crimson” que toma a un joven empleado de una gasolinera bajo su tutela y le muestra las alegrías de la violación. Violenta y desagradable, conserva un cierto nivel de inteligencia a pesar de su dura naturaleza.

jack the ripper

Sus últimos dos proyectos dentro de este subgénero del Pinky Violence son “Osou!” (1978) (AKA: Attacked! o Attack!) y “Raping!” (1978) (AKA: Outrage! o Rampage!), ambas más suaves en sus niveles de violencia, pero casi tan sórdidas en su contenido. “Attack!” mostró a Hasebe trabajando dentro de los límites del thriller al seguir a una mujer policía que ha sufrido una violación y comienza a buscar a su agresor. La película nunca deja de ofrecer un gancho a la audiencia y por lo general la conclusión esta abierta a muchas interpretaciones según el público. Su última película de este quinteto, “Raping!”, presenta una historia que podría clasificarse de ridícula ya que se basa en una serie continua de secuencias de violación. Considerada por muchos como una crítica al género en si misma o como una simple excusa para mostrar una serie de fantasías sexuales, la película mostró las limitaciones del género y marco una especie de huida hacia delante en la carrera de Hasebe.

Con la llegada de los años ochenta y el advenimiento de VHS, la carrera de Hasebe se pasó al mercado del vídeo doméstico y su trabajo es muy difícil de localizar a partir de este período. Sin embargo, Hasebe hizo más que suficiente para encumbrarse a sí mismo entre los más grandes directores de cine de explotación de Japón durante sus mejores años. Un cineasta que tenía ideas peculiares y le gustaba correr riesgos, Yasuharu Hasebe hizo lo suyo sin miedo a asomarse al precipicio. Un cineasta visionario que mostró un enorme talento en todos los campos en los que intentó trabajar, es lamentable que su obre sea tan difícil de ver fuera de las fronteras de Japón, sin embargo sus películas están ahí para ser descubiertas.

NOTA: Esta es una traducción libre y adaptada del artículo original en Ingles escrito por Josh para VCinemaShow.


26
ago

Documental – Misterios de la antigüedad – Los Samurais

Dando vueltas por Youtube y he encontrado un magnífico canal que se dedica a recopilar documentales de todo tipo relacionados con Japón, desde gastronomía a historia, llamado Documenales Japón. Hoy quiero acercaros un documental relacionado con Los Samurais, su forma de ser, sus creencias, forma de vida y puntos oscuros. Os recomiendo dar una vuelta por el canal antes mencionado, es muy interesante.

Imagen de previsualización de YouTube


22
ago

Yoshitaro Nomura

Yoshitaro NomuraNacido en 1919, no se puede decir que Nomura corriera una suerte especialmente afortunada como director (con respecto a nosotros, espectadores distantes). Pese a tener un número considerable de películas, solo nos han llegado un puñado, aunque entre ellas algunas con cierta fortuna (ser editado en España es algo prodigioso). Además, por azares del destino (o no) lo que nos ha llegado es fundamentalmente su cine de intriga, en el que ciertamente fue un maestro, pero que está lejos de ser todo lo que hizo.

Hijo de Hotei Nomura, importante director del cine mudo, debió pasar buena parte de su vida en los estudios. En la Shochiku, para ser exactos, que no era precisamente la compañía japonesa más interesada en mostrar sus películas en el extranjero (lo cual explicaría lo que comentábamos). En 1951 empieza su propia carrera que comprenderá desde comedias hasta chanbara, pero lo cierto es que será su encuentro en 1959 con el escritor de novelas policiacas Seicho Matsumoto, uno de los escritores de más éxito en el Japón de aquellos años, lo que determinará su cine, al menos tal como lo conocemos.

Su primera colaboración (de un total de ocho) será The chase o Skateout, y en ella ya tenemos muchas de las claves del cine posterior del director japonés: Matsumoto más el espíritu de la Shochiku de Ofuna (es decir, historias de gentes corrientes con importante presencia o protagonismo de mujeres). Dos detectives llegarán a un pequeño pueblecito en busca de un criminal. La clave para encontrarlo es una mujer casada y ellos, en un caluroso verano, se dedicarán a vigilarla. El clima, los trenes, los lejanos planos (los espacios abiertos), el ritmo incansable de la acción, los flashbacks, le darán un tono muy especial que de un modo u otro se irá trasladando de película en película.

Entre más comedias y obras diversas, llegará Zero focus, nueva colaboración con Matsumoto. En este caso, con una intriga invernal más teatral pero no menos apasionada. Menos sensorial, más meditada, cierto, pero no menos atractiva. En un frío blanco y negro, un misterioso suicidio le permitirá trazar un intenso retrato de pasiones humanas con magníficas interpretaciones (la intensidad de sus actores es algo que tampoco estará nunca ausente de su cine).

yoshitaro nomura

Tendrán que pasar diez años hasta que volvamos a encontrarnos con él y con Matsumoto, siempre Matsumoto. The shadow within (oscuro cuento de terror con niño inquietante y tensión constante, en el que se empieza a encontrar su gusto con el simbolismo) dará paso a una de sus obras más conocidas, The castle of sand. Película de intenciones sinfónicas (literalmente), todo en ella es Nomura llevado a la enésima potencia, como si intentara comprobar cuán lejos podía llegar. Con una primera hora y media fascinante en la que predomina la historia policiaca, pasará a un tour de force final tintado de melodrama, de cine mudo, de pasiones abruptas, arrolladoras.

Village of the eight tombs será su encuentro con otro escritor de éxito de novela policaca: Seishi Yokomizo, creador del detective Kosuke Kindaichi (aquí personaje secundario de su propia historia). El resultado será una obra trepidante, más instalada en el misterio que sus anteriores películas, y con toques del cine de terror. También será algo especial The incident, en este caso por ser una película de juicios, algo que no favorece mucho su tendencia natural al ritmo en la narración. La historia de un asesinato le servirá para mostrarnos unos personajes en estado de disolución moral.

En ese mismo año, Nomura volverá a encontrarse con Matsumoto para la que estaría tentado de calificar como su obra maestra: The demon. Todos los elementos de su cine se encuentran en ella, como si fueran la suma perfecta de ellos. En esta historia (que ahora nos recordaría al Nobody knows de Kore-Eda) de unos niños dejados con su padre (hijos que ha tenido con su amante) y el posterior intento de deshacerse de ellos, su cine vuelve a encontrar todo su aliento, todo su ímpetu, toda su tensión.

Los ochenta comenzarán con la última película suya que tenemos disponible de algún modo, Writhing tongue, otra anomalía (quizás la mayor) dentro de ese pequeño fragmento de su carrera que hemos podido seguir. Película de espacios cerrados, de tiempo estanco, sobre la lucha de una niña contra el tétanos, bajo la mirada atormentada de sus padres.

The Demon

A mediados de los ochenta dejará de hacer cine (pasándose a la televisión), y en el 2005 moriría. Los premios recibidos durante su carrera son innumerables, pero eso no parece haberle dado el lugar que le corresponde en el cine japonés, seguramente. No tuvo el reconocimiento de los clásicos, no tuvo el reconocimiento de los directores de género, no tuvo el de los directores de serie B (o Z), ni el de los jóvenes que llegarían en los sesenta. Quizás porque no formaba parte de ninguno de esos grupos y no se sabía muy bien con quién juntarle o qué espacio darle. Director pues a descubrir (con no poco placer).

NOTA: estas notas biográficas fueron escritas por Silien en una retrospectiva sobre el director durante el Primer Festival Internacional de Cine Allzine.


19
ago

Muerte tras la espada – Chanbara & Jidai-geki Eiga Poster (X)

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El director Kinji Fukasaku es muy conocido por sus películas de Yakuzas, pero tocó muchos palos y géneros cinematográficos, entre ellos el Chanbara, en una época un poco más tardía y con un formato que aveces incluía fantasía y magia. Hoy, en nuestro recopilatorio de posters relacionados con el cine de época japones, repasaremos los acercamientos al género de este gran director.

Yagyû ichizoku no inbô (1978)
Shogun’s Samurai
Director: Kinji Fukasaku
Ako-Jo danzetsu (1978)
Fall of Ako Castle
Director: Kinji Fukasaku
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Ako-Jo danzetsu (1978)
Fall of Ako Castle
Director: Kinji Fukasaku
Makai Tensho (1981)
Samurai Reincarnation
Director: Kinji Fukasaku
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Satomi Hakkenden (1983)
Legend of the Eight Samurai
Director: Kinji Fukasaku
Hissatsu 4: Urami harashimasu (1987)
Sure Death Revenge
Director: Kinji Fukasaku
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Chushingura gaiden yotsuya kaidan (1994)
Crest of Betrayal
Director: Kinji Fukasaku
Abe Ichizoku (1995)
The Abe Clan
Director: Kinji Fukasaku
crest of betrayal the abe clan

14
ago

Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Awards, FAMAS 2014

famas 2014

El pasado mes de Julio se concedieron los premios de la academia filipina de las artes, los Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Award, FAMAS 2013. Entre las películas más destacadas de la noche dos que hemos visto, y disfrutado muchisimo, en sendos festivales, On The Job de Erik Matti, y Boy Golden, Shoot to Kill de Chito Roño.. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

On the Job
10,000 Hours
Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Burgos
Ekstra
Four Sisters and A Wedding
Lauriana
Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor Director

Erik Matti — On the Job
Joyce E. Bernal — 10,000 Hours
Mel Chionglo — Lauriana
Jeffrey Jeturian — Ekstra
Joel Lamangan — Lauriana
Cathy Garcia-Molina — Four Sisters and A Wedding
Frasco Mortiz — Pagpag: Siyam na Buhay
Chito Roño — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story

Mejor Actor

Jeorge Estregan — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Gerald Anderson — On the Job
John Lloyd Cruz — It Takes A Man And A Woman
Dingdong Dantes — She’s the One
Xian Lim — Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo?
Coco Martin — A Moment in Time
Daniel Padilla — Pagpag: Siyam na Buhay
Robin Padilla — 10,000 Hours
Piolo Pascual — On the Job
Vic Sotto — My Little Bossings

Mejor Actriz

KC Concepcion — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Bea Alonzo — Four Sisters and A Wedding
Sarah Geronimo — It Takes A Man And A Woman
Toni Gonzaga — Four Sisters and A Wedding
Kim Chiu — Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo?
Angel Locsin — Four Sisters and A Wedding
Kathryn Bernardo — Pagpag: Siyam na Buhay
Marian Rivera — Kung Fu Divas
Julia Montes — A Moment in Time
Lorna Tolentino — Burgos

Mejor Actor de soporte

Pen Medina — 10,000 Hours
John Estrada — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Baron Geisler — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Enrique Gil — She’s the One
Joey Marquez — On the Job
Joel Torre — On the Job

Mejor Actriz de soporte

Bela Padilla — 10,000 Hours
Coney Reyes — Four Sisters and A Wedding
Gloria Sevilla — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Angel Aquino — On the Job
Aiza Seguerra — My Little Bossings
Cherie Gil — A Moment in Time

Mejor actuación infantil

Adrian Cabido — Lauriana
Clarence Delgado — Pagpag: Siyam na Buhay
Ryzza Mae Dizon — My Little Bossings
James “Bimby” Aquino-Yap — My Little Bossings

Mejor Guión

Michiko Yamamoto and Erik Matti — On the Job
Keiko Aquino and Ryllah Epifania Berico — 10,000 Hours
Catherine Camarillo and Guelan Varela-Luarca — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Ricardo “Ricky” Lee — Burgos
Antoinette Jadaone and Zigcarlo Dulay — Ekstra
Vanessa Valdez — Four Sisters and A Wedding
Ricardo “Ricky” Lee — Lauriana
Joel Mercado — Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor Fotografía

Carlo Mendoza — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Marissa Floirendo and Gilbert Vistan — 10,000 Hours
Anne Monzon and Monchie Redoble — Kung Fu Divas
David Abaya — Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor Diseño de producción

Joel Bilbao and Fritz Silorio — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Joey Luna — 10,000 Hours
Mitoy Sta. Ana — Kung Fu Divas
Japz Nocom and Yhabz Mercado — Pagpag: Siyam na Buhay
Richard Somes — On the Job

Mejor Edición

Jay Halili — On the Job
Joyce Bernal and Marya Ignacio — 10,000 Hours
Carlo Manatad, Jason Cahapay and Ryan Orduna — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Zigcarlo Dulay and Glenn Ituriaga — Ekstra
Marya Ignacio — Four Sisters and A Wedding
Marya Ignacio — It Takes A Man And A Woman

Mejor Historia

Michiko Yamamoto and Erik Matti — On the Job
Ryllah Epifania Berico and Keiko Aquino — 10,000 Hours
Catherine Camarillo and Anthony Guelan — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Ricardo “Ricky” Lee — Burgos
Ricardo Jimenez — Lauriana
Joel Mercado — Pagpag: Siyam na Buhay
Zigcarlo Dulay Antoninette Jadaone and Jeffrey Jeturian — Ekstra
Vanessa Valdez — Four Sisters and A Wedding

Mejor Sonido

Erwin Romulo — On the Job
Teresa Barrozo — 10,000 Hours
Carmina Cuya — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Raul Mitra — Four Sisters and A Wedding
Francis Concio — Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor banda sonora

Carmina Cuya — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Teresa Barrozo — 10,000 Hours
Raul Mitra — Four Sisters and A Wedding
Francis Concio — Pagpag: Siyam na Buhay
Erwin Romulo — On the Job

Mejor Canción

“Midas” from Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
“Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo” from Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo?
“Di Ako Titigil” from Burgos
“Hamon Ng Buhay” from 10,000 Hours
“My Little Bossings” from My Little Bossings

Mejores efectos visuales

Pagpag: Siyam na Buhay
Kung Fu Divas
Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
On the Job
10,000 Hours

Premios especiales

German Moreno Youth Achievement Award

Julia Barretto
Ken Chan
Janine Gutierrez
Hiro Peralta
Jerome Ponce
James Reid

FAMAS Grand Award

ER Ejercito

Fernando Poe Jr. Memorial Award

Piolo Pascual

Art Padua Memorial Award

Boy Abunda

Dr. Jose Perez Memorial Award

Mario Dumaual

Exemplary Award for Public Service

Engineer Felizardo Jun Sevilla Jr.

Excellence Award in Criminal Justice Pao Jail Visitation Team/Legal, Medical Dental, Optical Mission

Persida Acosta

Presidential Award

Tzu Chi Foundation

Male Celebrity Star of the Night

Gerald Anderson

Female Celebrity Star of the Night

KC Concepcion

Male Movie Star of the Night

Gerald Anderson

Female Movie Star of the Night

Valerie Concepcion


12
ago

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (XIV)

Catorceava entrega de nuestro recopilatorio de posters y grafismos en torno al cine de caballería y espada chino, el Wuxia. Hoy os traigo 4 películas de principios de la década de los 1980 muy interesantes.

Duel to the Death (1982)
Director: Ching Siu tung
Duel to the Death (1982)
Director: Ching Siu tung
Duel To The Death Duel To The Death
Gang Master (1982)
Director: Chui Siu Ming
Gang Master (1982)
Director: Chui Siu Ming

gang master gang master
Descendant of the Sun (1983)
Director: Chor Yuen
Descendant of the Sun (1983)
Director: Chor Yuen
Descendant Of The Sun Descendant Of The Sun thai
Bastard Swordsman (1983)
Director: Tony Liu
Bastard Swordsman (1983)
Director: Tony Liu
bastard swordsman bastard swordsman

07
ago

Ti Lung

Ti lungEn los buenos tiempos del cine de artes marciales de la vieja escuela en Hong Kong, probablemente no hay una imagen más representativa y recordada que la de Ti Lung con el torso desnudo en una de sus peleas de “uno contra muchos” en las que su personaje arrasa heroicamente a sus oponentes empuñando una espada, un cuchillo, un hacha, una lanza o simplemente sus manos desnudas. Se trata de una vorágine de pura energía marcial, un espectáculo de brutal magnetismo que pocos podían superar. Descubierto por el mítico director Chang Cheh, parece que en muchas ocasiones lo quería para esto mismo, esas intensas y sangrientas peleas en el clímax de la acción, tal y como se puede observar en una de sus primeras grandes tragedias marciales, “Blood Brothers” (1973). Pero incluso después de que pasaran estos tiempos y sus días con el torso desnudo, Ti Lung sigue siendo uno de los grandes del cine marcial. Lo interesante de su carrera es que Ti Lung, al contrario que ocurriría con otros grandes de las artes marciales que quedaron a la deriva tras el cierre de la Shaw Brothers, participaría en numerosas películas y es protagonista de box-office que lo han mantenido en la brecha hasta nuestros días como una de las figuras más apreciadas del cine marcial por los fans locales y occidentales de este tipo de películas.

Ti Lung, cuyo nombre real (en pinyin) en Tam Furong, nace en agosto de 1946 en Guangdong (Canton). Estudió en la Hong Kong’s Eton School y tras graduarse trabajó un breve periodo de tiempo en una sastrería. Se adentró en el mundo del cine al presentarse a una audición para el papel principal de “Dead End” (1969) del director Chang Cheh. Finalmente consiguió el papel, interpretando a un joven delincuente, y se convirtió en actor de la Shaw Brothers. Como era normal su nombre se cambió para adaptarse mas al de una estrella de cine. En chino Ti Lung significa “Dragon Ti” (o Di) y es el nombre de una antigua tribu que causo muchos problemas a la dinastía Han, antes de ser conquistados. Pero hay otra posible explicación ya que en chino Ti Lung suena como “De Lon”, en relación directa con el conocido actor francés Alain Delon, muy de moda en aquella época. Sea como fuere, y a pesar de que Ti Lung era quizás más actor que artista marcial, está claro que poseía unas genuinas cualidades en el campo del combate. Se le describe como un luchador flexible y cualificado y además se sabe que estudió Wing Chun con un maestro de renombre. Es destacable su dominio, al menos en pantalla, de la lanza y la espada.

Después de un par de películas como “Return of the One Armed Swordsman” (1969) y “Have Sword Will Travel” (1969), comenzaría una larga relación con el actor David Chiang, con el que ya trabajaría en “Dead End”, en la película “Vengeance” (1970). En realidad solo comparten unas escenas en la película, pero sería el inicio de una serie de películas en las que se les vería casi siempre juntos y dirigidos por Chang Cheh, en una ola de dramas sangrientos, tragedias marciales cargadas de angustia y fraternidad, en las que ambos actores eran emparejados casi como si fueran uno solo. Ti Lung alto, moreno, impetuoso, muy masculino y estoico; Chiang pequeño, con look desgarbado y astuto; Era una combinación interesante de contrastes y por tanto los convertían en una pareja perfecta.

Cada uno actuaba en compenetración con el otro, aunque frecuentemente Chiang eclipsó a Lung como verdadero centro dramático del film. Las partes de Ti Lung también se definen a menudo por el sufrimiento que tiene que soportar, tanto físico como mental, y a menudo es esta angustia o sufrimiento lo que hace que el personaje de Chiang entre en acción. Es la forma de representar este sufrimiento lo que Ti Lung hace muy bien, y es sello propio en un gran número de sus películas. Ti Lung y David Chiang hicieron una buena docena de películas juntos en el espacio de 3 años, y al menos la mitad fueron lideres de taquilla en su lanzamiento. “Heroic Ones” (1970), “Fuel of Fist” (1971), “Duel of Iron Fist” (1971), “New One Armed Swordsman” (1971), “Deadly Duo” (1972) y “The Angry Guests” (1972) por decir algunas. Desde luego eran los artistas de moda de la época y los más taquilleros hasta que un nuevo jugador entró en el tablero, Bruce Lee.

ti lung

Durante este periodo Ti Lung participaría, junto a Chiang por supuesto, en otras películas como “The Water Margin” (1972) o incluso “Blood Brothers” (1972), cintas en las que curiosamente parece perder parte del magnético carisma de películas anteriores, pero que por el contrario ofrecen una presencia más seria y madura, dándole si cabe más majestuosidad. Al año siguiente tuvo la oportunidad de participar en la coproducción Anglo/HK de artes marciales “Shatter”. Ti Lung tuvo la oportunidad de habar inglés, trascender las fronteras de su país y recabar el éxito internacional, pero poco pudo hacer con el mal resultado de la película en general. A mediados de la década de 1970 la industria del cine marcial clásico entra en decadencia, se busca reducir costes y la Shaw libera a muchos de sus actores de sus contratos de exclusividad. A diferencia de Chiang, que después de liberarse solo participaría con la Shaw en contadas ocasiones, Ti Lung seguiría trabajando intensamente con el estudio, convirtiéndose en uno de sus grandes activos.

Su asociación casi continua con la Shaw Brothers le permitió trabajar con realizadores distintos de Chang Cheh, con quien había trabajado casi en exclusiva hasta entonces. Así pudo optar a una mayor variedad de roles como el del joven emperador Quin para el director Li Han Hsiang en el díptico “The Empress Dowager”/“The Last Tempest” (1974) o el papel protagonista del thriller de horror “Black Magic” (1975). Sin embargo permaneció fiel a Chang a pesar de todo. Chang Cheh firmó un acuerdo con la Shaw para realizar películas en Taiwan con el dinero del estudio de forma casi autónoma, y Ti Lung viajo en varias ocasiones a la isla para ponerse a sus órdenes, generalmente como parte de un gran elenco actoral como en “Five Shaolin Master” (AKA: Five Masters of Death) (1975), “All Men are Brothers”(1976), “Shaolin Temple” (1976), “Seven Man Army” (1976) y “Naval Commandos” (1977). Tentado por el ámbito de la dirección, fue Chang Cheh quien produjo sus películas “Young Lovers on Flying Wheels” (1974) y “The Young Rebel” (1975), esta última protagonizada junto a su eterno compañero David Chiang. Años antes Ti Lung participaría en el propio debut de Chiang en la dirección en “The Drug Addict” (1974), y tendría una aparición en otro debut, el del coreógrafo de Chang Cheh hasta la fecha Lau Kar-Leung, “Spiritual Boxer” (1975).

Ti Lung colaboró en algunas ocasiones más con Chang Cheh en su vuelta a Hong Kong y la Shaw Brothers a finales de 1977 como en “Ten Tigers of Kwantung” (1978) y la serie de películas de “Brave Archer” (1978-1983), pero los grandes días del director quedaban ya atrás. En su lugar, Ti Lung se vio trabajando para otro gran talento de la época en el estudio, Sun Chung, con el que hizo tres películas: “Avenging Eagle” (1978) donde un asesino atormentado se rebela contra su jefe, ganando un premio a su actuación, “Kung Fu Instructor” (1979) y “Deadly Breaking Sword” (1979). Pero en este momento, su asociación más prolífica y exitosa fue con el director Chor Yuen, haciendo casi una docena de películas marciales en unos ocho años. Comenzando con “Magic Blade” (1976), con un Lung oscuro, intenso y atormentado, siguiendo la línea de los swordplays dramáticos adaptación de las novelas Wuxia de Gu Long. Otras películas serían “The Sentimental Swordsman” (1977), “The Jade Tiger” (1978), “Clans of Intrigue” (1978), “Legend of the bat” (1978), “Return of the Sentimental Swordman” (1981) y “Perils of the Sentimental Swordsman” (1982). Otra interesante asociación con un director Shaw sería con Tong Gai, socio de Lau Kar Leung en las coreografías de Chang Cheh, así como coreógrafo de los sworplays de Chor Yuen. Su debut como director fue “Shaolin Prince” (1983), que vio a Ti Lung hacer pareja nada menos que con el hermano menor de David Chiang, Derek Yee. Esta película le dio por fin la oportunidad de llevar a la pantalla un papel menos estoico y más astuto, eclipsando así a su compañero de reparto. “Shaolin Intruders” vería la luz poco después y finalmente “Opium and the Kung-Fu Master” (1984), en la que Ti Lung interpreta a un maestro de artes marciales adicto a las drogas.

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Con el paso de los años las películas de artes marciales clásicas disminuían en popularidad y los productos de la Shaw Brothers se veían rancios y anticuados en comparación con otras películas de acción kung fu de actores como Jackie Chan o Sammo Hung. A principios de la década de 1980 la producción Shaw se desplomaría y, independientemente de la calidad real de sus productos, en 1984 el estudio cerraría su división cinematográfica. Esto dejó a Ti Lung y otros actores y directores en una situación difícil, totalmente encasillados en géneros que ya no gustan al público. Así sus posibilidades de trabajo se redujeron notablemente y Ti Lung ahogaba las penas en alcohol.

Su gran oportunidad vendría cuando fue elegido para protagonizar una serie de películas de un antiguo director adjunto de Chang Cheh llamado John Woo. “A Better Tomorrow” esta imbuida del espíritu del heroísmo trágico, el honor y la amistad masculina promovida en su día por Chang Cheh, pero ambientada en una época actual y con pistolas en lugar de espadas. En estos días Ti Lung no podía interpretar al joven oscuro y carismático de antaño, pero seguía siendo un maestro en representar el sufrimiento y el tormento de los viejos tiempos. La película sería un éxito y cambió el cine de Hong Kong para siempre, dando un impulso tremendo a la carrera del actor. Podríamos verlo entonces en la secuela de “A Better Tomorrow” (1987), “People Heroes” (1989), “City Wars” (1989), “Run don’t Walk” (1989), y “Killer Blues” (1990). En 1989, participó en “Just Heroes”, un film benéfico junto a una docena de viejos actores de Chang Cheh en beneficio de la jubilación de los grandes maestros clásicos.

Con la vuelta de las películas de artes marciales de época a principios de la década de 1990 Ti Lung hace una tentativa de volver al género para probar fortuna. Así regreso en una adaptación a la gran pantalla de Gu Long llamada “A Warrior Tragedy” (1993) además de una película inspirada en la obra de Chang Cheh “The Bare-Foot Kid” (1993) y “Blade of Fury” (1993), un quasi-remake no acreditado del clásico de Ti Lung “Blood Brothers”. En general el actor mostró estar en buena forma, pero casi ninguna de estas películas fue un éxito ni de crítica ni de taquilla. Sin lugar a dudas su mejor oportunidad la tuvo al participar en la película de Jackie Chan “Drunken Master II”, colaborando una vez más con el director Lau Kar Leung.

Con la finalización del movimiento del Heroic Bloosheed y el fin de ciclo del cine de artes marciales épico, Ti Lung se retira temporalmente del cine a mediados de la década de los 1990. Con la llegada del nuevo milenio el actor volvió a aparecer en películas, generalmente con esa porte madura y seria que le caracteriza, como “The Kid” (1999), “High K” (2000), “Paramount Motel” (2000), “One Last Dance” (2005), “My Wife Is a Gangster 3” (2006) o “Three Kingdoms: Resurrection of the Dragon” (2008), por nombrar algunas, siendo aún hoy un actor en activo y muy respetado dentro del cine de la ex-colonia británica. Su hijo, Shaun Tam también ha seguido sus pasos, siendo actor y cantante.

Nota: Esta es una traducción libre y adaptada de un artículo (en inglés) escrito por Yves Gendron.


04
ago

Filmoteca Española – Cine Asiático Agosto 2014

filmoteca española

Comenzamos las semana dando un repaso a algunas películas asiáticas incluidas en la programación de Agosto de la Filmoteca Española en el cine Doré de Madrid. No perdáis la oportunidad de verlas en pantalla grande.

Miércoles día 13

22:30. Sala de Verano.
Ajeossi (El hombre sin pasado, Lee Jeong-beom, 2010). Int.: Won Bin, Kim Sae-ron, Kim Tae-hoon. Corea del Sur. B-R. VOSE. 119′

La única conexión del ex-agente especial Cha Tae-sik con el mundo es una niña que vive cerca de su casa. La madre de la pequeña trabaja para una organización mafiosa que se dedica al tráfico de drogas y le confía a él la mercancía. Cuando los traficantes se dan cuenta, secuestran a la madre y a la niña… Una de las películas de acciones más espectaculares de los últimos años.

Segunda proyección día 17.

Jueves día 14

22:00. Sala 1.
Hai shang chuan qi / I Wish I Knew (Historias de Shanghai, Jia Zhang Ke, 2010). Documental. China. 35mm. VOSE. 115′

Jia Zhang-ke realiza un recorrido por Shanghai, una metrópolis golpeada por los avatares de la historia. Dieciocho personas de Shangai, Taipei y Hong Kong recuerdan su vida en Shangai. Sus testimonios, narrados como los dieciocho capítulos de una novela, reconstruyen la historia de esta ciudad desde 1930 hasta 2010.

Segunda proyección día 20.

Jueves día 21

22:00. Sala 1.
Kiseki (Milagro, Hirokazu Kore-Eda, 2011). Int.: Ohshirô Maeda, Koki Maeda, Hiroshi Abe. Japón. 35mm. VOSE. 126′

El dúo cómico infantil Maeda Maeda lo componen dos niños que viven separados porque sus padres están divorciados: uno vive con su madre en Fukuoka, y el otro con el padre en Kagoshima. Los dos sueñan con la reconciliación de sus progenitores. Cuando conocen la noticia de la inauguración de una línea de tren que unirá ambas ciudades, se aferran a una superstición, según la cual cuando los primeros trenes se crucen, ocurrirá un milagro. “Milagro posee esta pequeña música nostálgica, este estiramiento del tiempo, esta emoción retenida que son la marca de un cineasta que hay que seguir.” (Jean-Dominique Nuttens)

Segunda proyección día 23.

Domingo día 31

20:45. Sala 1.
Hwanghae/ The Yellow Sea (Na Hong-jin, 2010). Int.: Ha Jung-woo, Yun-seok Kim, Jo Seong-ha. Corea del Sur. B-R. VOSE. 141′

Frontera entre Rusia, China y Corea del Norte. Acosado por las deudas, casi en la miseria, un hombre acepta un contrato para asesinar a alguien. Es su último recurso para cubrir las necesidades de su familia. Conoce pocas cosas sobre su víctima, pero nunca hubiera imaginado que acabaría siendo engullido por un engranaje criminal. “Na Hong-Jin se confirma como alma gemela de Park Chan-Wook y Michael Mann en esta estruendosa explosión de energía, brutalidad y nihilismo.” (Nando Salvá)

Segunda proyección en septiembre.


28
jul

Li Han Hsiang

Li Han HsiangLi Han Hsiang nació en 1926 en Liaoning, China. Li dedicaría gran parte de su tiempo a las artes plásticas y tras estudiar pintura en Beijing e interpretación en Shanghái, llegaría a Hong Kong y se uniría a la industria del cine local en 1948. Tras trabajar como actor de reparto en algunas películas, decorador y otras labores de set, mostraría su talento en su debut oficial como director “Blood in Snow” en 1956, y se establecería con el tiempo como un director de primer orden con sus epopeyas históricas y “Huangmei diao” para la Shaw Brothers.

Sus primeros trabajos, “Lady in Distress” (1957), protagonizada por la estrella Linda Lin Dai, es una deliciosa obra que captura la cultura popular china, y su debut oficial “Blood in Snow” (1956), muestran las posibilidades de filmación artesanal de Li.

Sus “huangmei diao” son apreciados tremendamente. El elenco de “The Love Eterne” (1963), encabezado por la actriz del género Ivy Ling Po, había creado un par de generaciones de fieles e hipnotizados seguidores. Otro clásico: “The Kingdom and the Beauty” (1959), integra la pasión de Li por la grandeza palaciega con el colorido de la vida popular. En “The Dream of the Red Chamber” (1977) Li ficho a Brigitte Lin como protagonista masculino, añadiendo una actuación memorable a su colorida carrera.

Tampoco debemos perder de vista la epopeya épica en torno a la legendaria “Empress Wu Tse-tien” (1963), una obra maestra temprana que levanta diversas opiniones entre la crítica. La película, un intenso drama de proporciones shakespearianas, se incluyó como una de las 200 mejores obras clásicas chinas en 2002.

En 1963 se trasladó a Taiwán para formar la Grand Motion Picture Company, que transformó la industria del cine de Taiwán en un breve espacio de cinco años. En este periodo se concentro en el negocio, dejando las labores de dirección a un grupo de talentos reclutados. Sin embargo, se las arregló para dirigir “The Winter”, que ahora se considera una de las mejores películas en idioma chino de la década de 1960.

Entre las películas románticas producidas en Taiwán, “At Dawn” (1968), un ataque frontal contra un sistema judicial corrupto. La película es también un testimonio de la importancia de Li como productor y jefe de estudio, dando la oportunidad a prometedores jóvenes directores, como Song Cunshou, de embarcarse en proyectos con poco atractivo comercial. “The Winter” (1969), obra maestra del cine de Taiwan, es una historia cálida y conmovedora.

the love eterne

Hsi Shih: Beauty of Beauties” (1965), que destrozó los recursos de la Grand Motion Pictures y obligo a Li a dejar Taiwán, es una película de gran impacto con unas notables interpretaciones de sus protagonistas Jiang Qing y Chao Lei. Li regresó a Hong Kong, reuniéndose de nuevo con la Shaw Brothers en 1972 y dirigiendo una serie de rentables comedias y cuentos erótico. Después de restablecer su reputación, demostró su habilidad en el rodaje de dramas históricos como “The Empress Dowager” y “The Last Tempest”. Prodigando un considerable presupuesto en los decorados palaciegos, “The Empress Dowager” (1975) y su pieza compañera “The Last Tempest” (1976), captura el mal estado de ánimo de los residentes del palacio y el inminente fin de la dinastía Qing.

Además de la grandeza de sus escenarios, su ingenio a la hora de la narración es otra de las más apreciadas cualidades de Li. Con Michael Hui y Tina Li, “The Warlord” (1972) es una comedia absurda, dejando Li su impronta en su estructura episódica, ligada mediante delirantes sketches. Con la misma fórmula de divertidas anécdotas que se encuadran en un contexto histórico verían la luz “The Legends of Cheating” (1971) y la película erótica “Legends of Lust” (1972).

La actriz Hu Chin le debe su fama a Li al encarnar el personaje de la mujer sexualmente agresiva Pan Jinlin en “Golden Lotus” (1974). Esta cinta dio inicio al estilo “Fengyue” – películas de sexo suave encuadradas en épocas históricas. También adaptó una novela erótica de Jin Ping Mei, “Tiger Killer” (1982), añadiendo acción Kung Fu mediante la presencia de Ti Lung.

En 1982 se llegó a un acuerdo con el gobierno chino para rodar “The Burning of the Imperial Palace” y “Reign Behind a Curtain” en el Palacio Imperial de Beijing. Estas películas se convirtieron en grandes éxitos, siendo además reconocidas por la crítica, consolidando aún más el lugar de Li como una figura clave del cine chino. “The Burning of the Imperial Palace” (1983) y su pieza hermana “Reign Behind a Curtain” (1983), ambas protagonizadas por Tong Leung Kai-fai y Liu Xiaoqing, representan un hito importante del cine de Hong Kong en la producción conjunta con la China continental. Las películas no sólo mostraban fascinantes imágenes palaciegas, una dramática representación del poder, sino que además Tony Leung Kai-Fai ganaría el premio a mejor actor en los Hong Kong Film Awards.

En 1996, Li sufrió un ataque al corazón y murió durante la producción de la serie de televisión “Burning of Efang Palace”, dejando tras de sí un legado de notable creatividad.

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Un visionario, un innovador y un narrador, Li Han Hsiang fue una de las figuras más importantes del cine de Hong Kong. Tuvo una gran influencia en los cines de Hong Kong, Taiwán y China continental, sobresaliendo en una amplia variedad de géneros, incluyendo epopeyas históricas, suntuosos Huangmei diao (películas de ópera local), interesantes historias sobre el juego, ingeniosas comedias ligeras y erotismo sugerente. Cineasta versátil, Li también fue pintor, escritor, aficionado de antigüedades y un devoto de la dinastía Qing y la historia temprana de la República. Era famoso por su fetichista atención al detalle y su habilidad para trabajar con los actores y actrices que conducía generalmente al estrellato.


25
jul

Shaw Horror Posters – Exploitation y Horror en la Shaw Brothers (II)

Continuamos hoy un nuestro recopilatorio de posters y grafísmos en torno al Cine de “terror” en la Shaw Brothers, un cine que se llena de terror, sangre, exploitation y muchas cosas más. Esta entrega comprende 8 posters de otras tantas películas que no deberíais perderos.

Fearful Interlude (1975)
Director: Kuei Chih Hung
Oily Maniac (1976)
Director: Ho Meng Hua
Fearful Interlude OILY MANIAC
Spirit of the Raped (1976)
Director: Kuei Chih Hung
Bewitched (1980)
Director: Kuei Chih Hung
Spirit of the Raped Bewitched
Bloody Parrot (1981)
Director: Hua Shan

Hell has no Boundary (1982)
Director: Richard Yuen Kuen

bloody parrot hell has no boundary
Human Laterns (1982)
Director: Sun Chung

Curse of Evil (1982)
Director: Kuei Chih Hung

Human Lanterns Curse of Evil

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