28
ene

60th Filmfare Awards – Nominados

Filmfare

Este fin de semana se conceden los Filmfare Awards, quizás los premios más conocidos y rimbombantes de la India, organizados por un conocido grupo editorial, como es normal en aquel país por otra parte. La semana que viene repasaremos los ganadores pero hoy toca ver los nominados a las diversas categorías principales, casi todas ellas concedidas por votación popular.

Mejor Película

2 States
Haider
Mary Kom
PK
Queen

Mejor Director

Abhishek Varman – 2 States
Anurag Kashyap – Ugly
Rajkumar Hirani – PK
Vikas Bahl – Queen
Vishal Bhardwaj – Haider

Mejor Actor

DAamir Khan – PK
Akshay Kumar – Holiday
Hrithik Roshan – Bang Bang
Randeep Hooda – Rang Rasiya
Shahid Kapoor – Haider

Mejor Actriz

Alia Bhatt – Highway
Kangana Ranaut – Queen
Madhuri Dixit – Dedh Ishqiya
Priyanka Chopra – Mary Kom
Rani Mukerji – Mardaani
Sonam Kapoor – Khoobsurat

Mejor Actor Secundario

Abhishek Bachchan – Happy New Year
Kay Kay Menon – Haider
Riteish Deshmukh – Ek Villain
Ronit Roy -2 States
Tahir Raj Bhasin – Mardaani

Mejor Actriz Secundaria

Amrita Singh – 2 States
Dimple Kapadia – Finding Fanny
Juhi Chawla – Gulaab Gang
Lisa Haydon – Queen
Tabu – Haider

Mejor Banda sonora

Amit Trivedi – Queen
Arko Pravo Mukherjee, Honey Singh, Mithoon and Pritam – Yariyaan
Himesh Reshammiya, Meet Bros Anjjan and Honey Singh – Kick
Mithoon, Ankit Tiwari and SOCH – Ek Villain
Shankar-Eshaan-Loy – 2 States

Mejores Letras

Amitabh Bhattacharya – Zehnaseeb (Hasee Toh Phasee)
Gulzar – Bismil (Haider)
Irshad Kamil – Patakha guddi (Highway)
Kausar Munir – Suno na sangemarmar (Youngistaan)
Rashmi Singh – Muskurane ki wajah (CityLights)

Mejor Playback masculino

Ankit Tiwari – Galliyan (Ek Villain)
Arijit Singh – Mast magan (2 States)
Arijit Singh – Suno na sangemarmar (Youngistaan)
Benny Dayal – Locha-E-Ulfat (2 States)
Shekhar Ravjiani – Zehnaseeb (Hasee Toh Phasee)

Mejor Playback femenino

Jyoti Nooran and Sultana Nooran – Patakha guddi (Highway)
Kanika Kapoor – Baby doll (Ragini MMS 2)
Rekha Bhardwaj – Humari atariya pe (Dedh Ishqiya)
Shreya Ghoshal – Manwa lage (Happy New Year)
Sona Mahapatra – Naina (Khoobsurat)


27
ene

Nits de Cinema Oriental (Vic 2015) – Las Nits más Indias

Naja Naja

La duodécima edición del Festival Nits de cine oriental va tomando forma y ya se pueden desvelar algunos de sus secretos. Por ejemplo, las fechas en las que se celebrará, del 14 al 19 de julio, o el país protagonista, que este año será la India. De la tierra del bollywood y el curry también llega la encantadora Naja Naja, la cobra que dará vida a la imagen del certamen. Otra novedad de este 2015 es la creación de una línea editorial especializada en cine asiático que arrancará con un libro dedicado a los westerns asiáticos. Y en cuanto a la programación, no os avanzaremos ningún título, pero en el canal de Youtube de las Nits encontrareis un teaser para jugar a las adivinanzas.

El cine indio, tanto el independiente como las superproducciones; su gastronomía y sus variadas y espectaculares danzas han estado siempre muy presentes en las diferentes ediciones de las Nits pero nunca hasta ahora habían disfrutado del papel relevante que da ser el país protagonista del certamen. Con cerca de un millar de películas al año, la India es el primer productor de cine del mundo.

Imagen de previsualización de YouTube

Ir al cine en la India es un acontecimiento social de primera magnitud y los espectadores participan activamente en la película como se ha podido comprobar en alguna ocasión en las sesiones al aire libre de las Nits en la Bassa de los Hermanos. Su cine ofrece una gran variedad de géneros y sus superestrellas son veneradas dentro y fuera de las fronteras del país.

No faltan motivos para hacer de la India el país protagonista de las Nits, pero si alguien quiere más también hay que destacar la presencia en Osona de una numerosa y activa comunidad india que a través de la Asociación Social y Cultural de la India hace años que participa en el festival. Es también, pues, un reconocimiento a su labor.

Encantados por Naja Naja

La cobra india, famosa por las dos manchas en forma de gafas dibujadas en su espalda y por el capuchón que despliega alrededor de la cabeza cuando está excitada o amenazada, es respetada y temida a la vez en la India, y tiene su propio espacio en la mitología hindú como poderosa deidad.

Pero Naja Naja, como también se la conoce, es célebre sobre todo por su balanceo dentro de una cesta de mimbre al sonido de la flauta de los encantadores de serpientes. Un movimiento fascinante y sensual que esperamos que cautive a un gran número de público y lo conduzca hasta las Nits de Vic.

tear of the black tiger

Bienvenidos, forasteros

Hace tiempo que desde la Asociación Nits de cine oriental damos vueltas al hecho de crear un sello editorial especializado en cine asiático y finalmente ha llegado la ocasión. La oportunidad nos llega de la mano de la editorial Tyranosaurus Books y de su editor Josep M. Rodríguez, y de uno de los programadores del certamen, Domingo López, responsables del libro Wild Wild East que estrenará la nueva colección llamada Nits Books.

Wild Wild East
Del curry western al soja western
Justicieros que montan caballos desbocados, sombreros de ala redonda, sheriffs corruptos, damas duras de pelar, duelos al sol y peleas en el saloon. Todas estas características del western norteamericano se exportaron con éxito en Europa. Más allá del mundo occidental, en el continente asiático, el cine del oeste gozó de tanta popularidad que rápidamente se transfiguró, adaptándose al paladar del consumidor local. Tailandia, India o Taiwán fueron algunos de los países en los que el salvaje oeste tomó formas insólitas, conservando con fidelidad sus características genéricas, pero adobado con las especies locales.

Wild Wild East es el primer libro que se publicará en todo el mundo sobre este apasionante subgénero. Un repaso a un género bastardo que ha originado algunas de las mejores obras del cine popular asiático.

Sobre el autor…
Domingo López (Barcelona, 2 de enero de 1972) es autor o coautor de libros como Made in Hong Kong, La Marca de Frankenstein o Johnnie To: redefiniendo el cine de autor. Ha dedicado toda su vida profesional a la difusión de cinematografías desconocidas a través de publicaciones como 2000 maníacos o CineAsia, varias distribuidoras videográficas y en sus colaboraciones en radio y televisión. Es codirector del programa Hollybrut en Paramount Channel y coprogramador del Festival Nits de cine oriental de Vic.

Sobre la editorial…
Tyranosaurus Books es una editorial independiente especializada en narrativa de ciencia ficción, terror, novela negra y explotation (con una preferencia clara por la hibridación de géneros), el ensayo de cine y la novela gráfica, también relacionados con el género. Se fundó en 2009 en Les Franqueses del Vallès.

Entre sus numerosas publicaciones destaca Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español (1897-2010) de Diego López y David Pizarro; Rob Zombie. Las siniestras armonías la sordidez de Daniel Rodríguez, o novelas como El hombre que nunca sacrificaba las gallinas viejas de Dario Vilas (premio Nocte a la mejor novela nacional de terror) y El hombre spam de Talbot Torrance.

nits2015


26
ene

Los Lunes con Miyazaki – Nausicaä del Valle del Viento

nausicaaKaze no Tani no Naushika (1984)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki (manga de Hayao Miyazaki)
Producción: Hakuhodo, Nibariki, Tokuma Shoten, Topcraft
Música: Joe Hisaishi
Animation, adventures, post-apocalyptic sci-fi, steampunk

Los Dioses Guerreros acaban con el ecosistema durante una cruenta guerra apocalíptica llamada Los siete días de fuego. Mil años después, sólo los pueblos de Tormekia, Pejite y el Valle del Viento sobreviven en la tierra, amenazados con ser engullidos por el bosque del Fukai, un bosque plagado de plantas y hongos que expulsan veneno a la atmósfera, salvaguardado por insectos gigantes. Ante tal amenanza, Pejite y Tormekia luchan entre sí provocando la ira de los insectos que pueblan el Fukai, mientras la princesa Nausicaä gobierna el Valle del Viento con harmonía y paz. Pero todo cambiará cuando una nave de Tormekia colapse en el Valle del Viento portando un peligroso pasajero.

En este contexto, se desarrolla el único film de género post-apocalíptico de Hayao Miyazaki. Deamer afirma que Nausicaä del Valle del Viento es, junto con Akira de Katsuhiro Otomo, una película de realismo acción-imagen en la que se nos muestra como la historia del universo y de las civilizaciones impactan la una con la otra (DEAMER, 2014). El tema de la armonía entre el ser humano y la naturaleza se inspira en el animismo shintoísta y es muy recurrente en las películas del Studio Ghibli, de hecho veremos como MIyazaki lo desarrolla luego en La princesa Mononoke (1997), pero nunca más volveremos a ver en toda su filmografía la consecuencia de romper drásticamente esta armonía. Por supuesto, el apocalipsis nuclear se trata en muchas películas japonesas pero Deamer argumenta que Miyazaki crea, en este caso, una posibilidad para la humanidad de escapar del ciclo de destrucción heredado de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki y de las amenazas de la Guerra Fría entre Estados Unidos y Rusia. Pejite y Tormekia serían, en esta visión, sucesores de la narrativa binaria de los estados guerreros, dos pueblos tecnológicamente más avanzados que el Valle del Viento, atrapados en el conflicto y que habrían olvidado por qué luchan; mientras que el Valle del Viento que vive en armonía con la naturaleza se erigiría como el encargado de revelar que no existe oposición entre naturaleza y humanidad, sino que forman un ecosistema. En esta misma tónica de crítica a la historia contemporánea también evolucionan otros dos filmes de Miyazaki: Porco Rosso (1992) y El viento se levanta (2013); pero sin duda esta es la más dura con la humanidad.

Nausicaä del Valle del Viento está basada en el manga del mismo nombre de Miyazaki que comenzó a serializarse en 1982 en Animage. El director ya se interesa por la Nausicaä de Homero cuando hace Lupin III: El castillo de Cagliostro (1979), de la que toma prestada la escena en la que salva a Lupin en el mar. Pero esta vez, además, toma prestado mucho más. La Nausicaä de Homero está en conexión con la naturaleza y cumple en La Odisea la función de reconectar a Ulises con la civilización. De igual modo, la Nausicaä de Miyazaki se encuentra en perfecta sintonía con el viento y es la única capaz de calmar a los ohm, y su función en el film es precisamente la de retornar a la humanidad a un estado más civilizado (VON FRANZ 1995 citado por SHORE 2014). Pero el personaje de Nausicaä, para mí la heroína más perfecta de todas las que ha creado el director, tiene un trasfondo psicológico mucho más complejo.

nausicaa

A la estética heredada de la Clarisse de Lupin III, la Nausicaä de Homero en mente y el tributo a la princesa de una leyenda del folclore japonés de la era Heian La princesa que amaba a los insectos (“Tsutsumi Chunagon Monogatari”), hay que sumarle la interesante teoría del viaje heroico de la mujer que aplica Maureen Murdock a las heroínas de Miyazaki (MURDOCK 1990 citado por SHORE 2014). Murdock compara las heroínas de Miyazaki con la conciencia global que siempre busca el equilibrio. Estas heroínas sufren de la llamada herida del patriarcado cuando se separan de su vínculo materno para pervivir en las sociedad patriarcales y realizan una viaje introspectivo para sanar esa herida mediante la reconexión con el vínculo materno. Shore (SHORE, 2014) se sirve de esto para interpretar el viaje de Nausicaä de esta manera: la herida del patriarcado de Nausicaä se produce cuando ella es muy pequeña y trata de esconder un bebé ohm a los adultos pero finalmente se lo arrebatan para matarlo. Ella ha olvidado este recuerdo pero los ohm conectan con su conciencia a través de sus antenas y se calman con Nausicaä gracias a este recuerdo. Pero cuando Nausicaä cae en las arenas movedizas, cae en la conciencia de la Tierra y se sumerge en su propia conciencia y retoma este recuerdo que, sin embargo, le da fuerzas para querer conciliar al mundo. Descubre entonces que la humanidad contaminó la tierra y que mientras los árboles son los que limpian este veneno, los insectos les protegen; y es al reencontrarse con su vínculo materno es cuando encuentra la solución pacífica al conflicto. “No es una protagonista que derrota al oponente, sino una protagonista que entiende y acepta”. (McCARTHY 2002 citada por SHORE 2014).

Existe un personaje femenino que contrasta con la personalidad de la protagonista: la princesa de Tormekia, Kushana, que sirve como opuesto binario de Nausicaä. Kushana es la sombra de la luz de Nausicaä. Si Nausicaä está en armonía con la naturaleza, Kushana se ha fusionado con la tecnología para convertirse en una guerra biónica en su afán dominador heredado del imperialismo occidental. Sin entrar en detalles, decir que en el manga se explica por qué Kushana actúa como actúa, ya que Miyazaki nunca hace un personaje malo porque sí. Pero me gusta mucho como el director juega con la metáfora Kushana-Teto. Kushana es como un zorro-ardilla asustado, herida por la sociedad en la que vive; y así es como la trata Nausicaä: la salva como a Teto después de haber sido la causante de la muerte de su padre y le deja que la muerda hasta calmar su ira. En esta línea, se podría decir que, perdonando la muerte de su padre, Nausicaä ha trascendido la dinámica de los estados combatientes para poder reconciliarlos.

nausicaa

Los personajes masculinos no destacan en la película. Kurotawa y el maestro Yupa son cruelmente relegados a un segundo plano. Y aunque Mito y el resto de consejeros nos ofrecen alguna frase celebre que ensalza la confianza y el amor que sienten por Nausicaä, la realidad es que Miyazaki no profundiza en sus personalidades. Ni siquiera en la del príncipe Asbel de Pejite que no tiene todos los matices que tiene en el manga y, aunque está guiado igualmente por la venganza, en el film pierde fuelle.

Claro, si el director pretendía erigir el vínculo materno como clave para acabar con el círculo de destrucción de la amenaza nuclear, es lógico que sacrifique a los personajes masculinos de esta manera. Pero que conste que no estoy haciendo una lectura feminista. Es cierto, tal y como indica Shore (SHORE 2014) que las heroínas de Miyazaki son radicalmente opuestas a las de Disney que viven en consonancia con una sociedad patriarcal, mientras que las de Miyazaki buscan un equilibrio entre el vínculo materno y el paterno. Pero lo que pretende el director, a mi forma de ver, es conectar a su heroína con la imagen de “madre sabia, buena esposa” de la conceptualización de la maternidad en la tradición japonesa, que en síntesis homenajea a la madre del director. Miyazaki nos ofrecería, así, una reinterpretación positiva del concepto y lo reactualizaría para la sociedad contemporánea. Por eso, no es fortuito que sea la madre de Asbel quien ayude a escapar a Nausicaä ni que sean las mujeres de Pejite las que defiendan a sus hijos, mientras los hombres heridos prefieran seguir luchando y demostrar el orgullo de Pejite, o que los hombres de Tormekia sólo estén interesados en matar a Yupa para obtener la fama.

Con todo, Nausicaä es de las obras más complejas y bellas del director. Denota su pasión por la aviación, su filosofía shintoísta, su crítica más mordaz a la historia contemporánea pero también su más absoluto compromiso con la humanidad. Gracias a los 742 millones de yenes que recaudó en las taquillas japonesas, Miyazaki y Takahata consiguieron, por mediación de Toshio Suzuki, que el presidente de Tokuma Shoten les ofreciera el apoyo necesario para la creación del Studio Ghibli. Además, esta sería la primera colaboración entre el director y Joe Hisaishi. Muy alto dejaría el listón esta película.

Bibliografía
DEAMER, David. Deleuze, Japanese Cinema, and the Atom Bomb: The Spectre of Impossibility. Bloomsburry Publishing: USA, 2014.
DEWEESE-BOYD, Ian. “Shojo Savior: Princess Nausicaä, Ecological Pacifism, and the Green Gospel”. En: Journal of Religion and Popular Culture. Toronto: University of Toronto Press, 2009.
ROBLES, Manuel. Antología del Studio Ghibli: de Nausicaä a Mononoke (1984-1997). Vol. 1. [s.l.]: Manga Books, abril de 2010.
SHORE, Lesley Anne. The Anima in Animation: Miyazaki heroines and post-patriarchal consciousness. Pacifica Graduate Institute. Facultad de filosofía. 2013. USA: ProQuest LLC, 2014. Tesis doctoral.

nausicaa

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


23
ene

21st Annual life OK Screen Awards

screen-awards

Los premios de la India suelen ser los más madrugadores, junto con algunos japoneses, y hace unos días se concedieron los Annual Screen Awards, conocido anteriormente como los Star Screen Awards, que, como es costumbre en la India, están organizados por un prestigioso grupo editorial. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

PK
Queen
Haider
Ankhon Dekhi
Highway
Ugly

Mejor Director

Rajkumar Hirani (PK)
Anurag Kashyap (Ugly)
Imtiaz Ali (Highway)
Vishal Bhardwaj (Haider)
Vikas Bahl (Queen)
Rajat Kapoor (Ankhon Dekhi)

Mejor Actor

Aamir Khan (PK)
Randeep Hooda (Highway)
Hrithik Roshan (Bang Bang)
Varun Dhawan (Humpty Sharma Ki Dulhaniya)
Sanjay Mishra (Ankhon Dekhi)
Shah Rukh Khan (Happy New Year)
Shahid Kapoor (Haider)

Mejor Actriz

Alia Bhatt (Highway)
Deepika Padukone (Finding Fanny)
Parineeti Chopra (Hasee Toh Phasee)
Priyanka Chopra (Mary Kom)
Kangana Ranaut (Queen)
Rani Mukerji (Mardaani)

Mejor Actor secundario

Darshan Kumar (Mary Kom)
Girish Kulkarni (Ugly)
Inaamulhaq (Filmistaan)
Rajkumar Rao (Queen)
Vineet Kumar Singh (Ugly)

Mejor Actriz secundaria

Dimple Kapadia (Finding Fanny)
Lisa Haydon (Queen)
Seema Pahwa (Ankhon Dekhi)
Tabu (Haider)
Tejaswini Kolhapure (Ugly)

Mejor Actor en papel negativo

Kay Kay Menon (Haider)
Manav Kaul (CityLights)
Riteish Deshmukh (Ek Villain)
Tahir Raj Bhasin (Mardaani)
Vijay Raaz (Dedh Ishqiya)

Mejor Actriz en papel negativo

Huma Qureshi (Dedh Ishqiya)
Juhi Chawla (Gulaab Gang)
Madhuri Dixit Nene (Dedh Ishqiya)
Mona Ambegaonkar (Mardaani)

Mejor Director novel

Abhishek Varman (2 States)
Nitin Kakkar (Filmistaan)
Omung Kumar (Mary Kom)
Sajid Nadiadwala (Kick)
Sandeep A Varma (Manjunath)

Mejor Actor novel

Armaan Jain (Lekar Hum Deewana Dil)
Darshan Kumar (Mary Kom)
Freddy Daruwala (Holiday: A Soldier Is Never Off Duty)
Sasho Satiiysh Saarathy (Manjunath)
Tahir Raj Bhasin (Mardaani)
Tiger Shroff (Heropanti)

Mejor Actriz novel

Kiara Advani (Fugly)
Kriti Sanon (Heropanti)
Niharika Singh (Miss Lovely)
Patralekha (CityLights)

Mejor Papel cómico

Abhishek Bachchan (Happy New Year)
Boman Irani (Bhoothnath Returns)
GovindA (Happy Ending)
Sandhya Mridul (Ragini MMS 2)
Sharib Hashmi (Filmistaan)

Mejor Artista infantil

Anshika Shrivastava (Ugly)
Chinmaya Agrawal (Queen)
Parth Bhalerao (Bhoothnath Returns)
Partho Gupte, Ashfaque Bismillah Khan, Salman Chhote Khan, Maaman Memon,Tirupathi Krishnapelli (Hawaa Hawaai)

Mejor Banda sonora

A R Rahman (Highway)
Julius Packiam (Kick and Mardaani)
Raju Singh (Ek Villain)
Rohit Kulkarni (Mary Kom)

Mejor Música

AR Rahman (Highway)
Amit Trivedi (Queen)
Himesh Reshammiya, Meet Bros Anjjan, Yo Yo Honey Singh (Kick)
Mithoon & Ankit Tiwari (Ek Villain)
Pritam Chakraborty, Mithoon, Yo Yo Honey Singh and Arko Pravo Mukherjee (Yaariyan)
Vishal-Shekhar (Happy New Year)

Mejor Playback masculino

Ankit TiwarI Galliyan (Ek Villain)
Arijit Singh Main tenu samjhawan (Humpty Sharma Ki Dulhania) and Muskurane ki wajah (CityLights)
Labh Janjua London thumakda (Queen)
Mika Singh Jumme ki raat (Kick)

Mejor Playback femenino

Jasmine Sandlas Mar jawaan (Kick)
Jyoti and Sultana Nooran Patakha guddi (Highway)
Kanika Kapoor Baby doll (Raagini MMS 2) and Lovely (Happy New Year)
Rekha Bhardwaj Hamari atariya (Dedh Ishqiya)

Mejores Letras

Amitabh Bhattacharya Zehnaseeb (Hasee Toh Phasee)
Irshad Kamil Pataka guddi (Highway)
Kausar Munir Suno na sangmarmar (Youngistaan)
Kumaar Main tenu samjhawan (Humpty Sharma Ki Dulhania)
Mithoon Banjara (Ek Villain)
Rashmi Singh Muskurane ki wajah (CityLights)

Mejor Fotografía

Anil Mehta (Finding Fanny)
K U Mohanan (Miss Lovely)
Rafey Mahmood (Ankhon Dekhi)
Bobby Singh (Queen)
Pankaj Kumar (Haider)

Mejor Acción

Anal Arasu (Heropanti, Kick)
S Ravi Varman (Action Jackson)
Greg Powell (Holiday – A Soldier Is Never Off Duty)
Parvez Shaikh (Bang Bang!)

Mejor Guión

Sandeep A Varma (Manjunath)
Gopi Puthran, S Hussain Zaidi, Vibha Singh (Mardaani)
Saiwyn Quadras (Mary Kom)
Vikas Bahl, Chaitali Parmar, Parvez Shaikh (Queen)
Anurag Kashyap (Ugly)

Mejor Historia

Abhijat Joshi, Rajkumar Hirani (PK)
Ashim Ahluwalia (Miss Lovely)
Nitin Kakkar (Filmistaan)
Rajat Kapoor (Ankhon Dekhi)
Ram Kumar Singh & Chandraprakash Dwivedi (Zed Plus)

Mejores Diálogos

Anvita Dutt, Kangna Ranaut (Queen)
Gopi Puthran, S. Hussain Zaidi, Vibha Singh (Mardaani)
Nitesh Tiwari, Piyush Gupta, Nikhil Mehrotra, Shreyas Jain (Bhoothnath Returns)
Rajkumar Hirani, Abhijat Joshi (PK)
Vishal Bhardwaj (Dedh Ishqiya)

Mejor Edición

Abhijit Kokate and Anurag Kashyap (Queen)
Aarti Bajaj (Highway, Ugly)
Sanjib Datta (Mardaani)
Sanjay Leela Bhansali and Rajesh G Pandey (Mary Kom)

Mejor Vestuario

Anaita Shroff Adajania (Finding Fanny)
Rushi Sharma, Manoshi Nath (Queen, PK)
Darshan Jalan, Isha Ahluwalia (Ankhon Dekhi)
Niharika Khan (Rang Rasiya / Colors of Passion)

Mejor Sonido

Anilkumar Khobragade, Prabal Pradhan (Mardaani)
Resul Pookutty (Highway, Pk, Kick)
Steven Parker (Bhopal: A Prayer For Rain)

Mejor Diseño de producción

Nitin Desai (Rang Rasiya)
Acropolis (Kick)
Vivek Jadhav & Sukant Panigrahy (Bhopal: A Prayer for Rain)
Subrata Chakraborty & Amit Ray (Haider)
Tabasheer Zutshi (Miss Lovely)

Mejores Coreografías

Ahmed Khan Jumme ki raat (Kick)
Bosco-Caesar Tu meri (Bang Bang) and Entriyaan (Gunday)
Farah Khan and Geeta Kapoor Manwa lage (Happy New Year)
Sudesh Adhana Bismil (Haider)
Ganesh Acharya Whistle baja (Heropanti)


19
ene

Los Lunes con Miyazaki – Lupin III: El Castillo de Cagliostro

El castillo de CagliostroRupan sansei: Kariosutoro no shiro (1979)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki y Tadashi Yamazaki (manga de Monkey Punch)
Producción: Toho Studies, Tokyo Movie Shinsha
Animación, aventuras.

Lupin y Jigen han saqueado un casino pero mientras huyen de la policía, Lupin advierte que el dinero es obra del famoso falsificador Goat Bills que se cuenta que está relacionado con el Ducado de Cagliostro. Deciden pues resolver el misterio y se dirigen a la aventura. Esta vez, sin embargo, lo que robará Lupin es el corazón de la bella Clarisse.

El manga de Monkey Punch que protagonizaba el mujeriego y excesivo nieto del personaje literario de Maurice LeBlanc, Arsène Lupin –en contraste, un perfecto caballero y ladrón de guante blanco– fue un completo éxito durante los 60-70.  Tanto, que el estudio Tokyo Movie Shinsha lo convirtió en una serie animada para la televisión en 1971 y en España lo pudimos ver en Telecinco a partir de 1991. Pero, en los cinco meses que Hayao Miyazaki tuvo para hacer la película, no sólo suavizó el trazo de los personajes y los hizo más jóvenes y más románticos, sino que los hizo suyos de principio a fin y, aunque no tuvo una buena recepción entre los fans del manga, con el tiempo ha sido reconocida como la mejor película de la saga.

Miyazaki retoma el guiño de Monkey Punch a LeBlanc y se inspira en su novela Arsène Lupin: La Comtesse de Cagliostro de la que toma al personaje principal femenino Clarisse. Pero Clarisse no es simplemente la Clarisse de LeBlanc, Miyazaki utilizará la descripción de la Nausicaä de La Odisea de Homero de Bernard Evslin en su libro Gods, Demigods & Demons: An Encyclopedia of Greek Mythology para recrear la escena en la que Clarisse cuida de un Lupin malherido y así formar la psicología del personaje y, de paso retendrá la idea de Nausicaä para su manga y su próxima película. Pero Miyazaki no sólo deja su marca personal en la personalidad de Clarisse, también vemos a un Lupin y a una Fujiko diferentes de los descritos por Monkey Punch. El Lupin de Miyazaki deja su personalidad lujuriosa y egoísta a un lado para salvar por amor a Clarisse y el director comienza así una filmografía que pretende ser un canto a la esperanza; esperanza de libertad, esperanza de cambio y esperanza de redención. Pero de igual manera que Clarisse es la oportunidad de redención de Lupin, Lupin es la oportunidad de cambio de Clarisse. Y así, vemos como una Clarisse inocente y pura es capaz de madurar durante la película y de aceptar responsabilidades y riesgos. Miyazaki desarrollará más tarde esta idea de madurez e independencia en Nausicaä del Valle del Viento (1984) y Nicky, la aprendiza de bruja (1989). En el caso de Fujiko su personaje, menos traicionero y sexual que el original, se contrapone a Clarisse porque demuestra que ella sí tiene las habilidades para vivir en el mundo en el que vive Lupin y, de paso, le recuerda a este que él ya no es el chico ingenuo que solía ser cuando conoció a Clarisse por primera vez y que ese ya no es su mundo. Miyazaki se inspirará en esta relación entre Fujiko y Lupin y explorará más el tema de la relación entre una mujer experimentada y sofisticada y un chico ingenuo en Porco Rosso (1992).

lupin

Observamos también en esta película como introduce dos elementos que acompañarán a Miyazaki en el resto de su filmografía. El primer elemento son los aviones, como el hidroavión de Cagliostro que roban Lupin y el detective Zenigata; y el segundo elemento es el paisaje de una Europa idílica. Durante todo el film, vemos unas escenas realmente bucólicas, acordes con el tesoro romano que esconden y, que contrastan con las vertiginosas escenas de acción. Y, hablando de escenas de acción, hay dos que merecen una mención especial. En primer lugar, la escena de la persecución inicial por las montañas para alcanzar a Clarisse y salvarla de los secuaces de Cagliostro, la que dicen hizo las delicias de Spielberg. Y la segunda es la escena de lucha en el reloj que más tarde Disney homenajeará en El gran ratón detective (1986); un reloj que marca el final del tiempo del malvado duque pero a la vez un renacer de Clarisse y del Ducado de Cagliostro.

También el final del filme es una versión particular de Miyazaki. La convicción de Clarisse de que volverá a ver a Lupin algún día nos traslada otra vez a la novela de LeBlanc donde Arsène Lupin que oscila entre el amor por Clarisse y la pasión que siente por Joséphine –encarnada por Fujiko en el anime–, finalmente se casa con Clarisse. Este será el primer mensaje de esperanza de la filmografía de Miyazaki: la esperanza de que podemos cambiar y convertirnos en mejores personas.

Bibliografía
FRETWELL, Robert. “Souring Above Civilisation: Social Dissent in the Films of Hayao Miyazaki”. En: Agora: Student Submitted Research in Philosophy. UWE Philosophy Student’s Society, vol. II, 2012-2013, pp. 53-60.
McCarthy, Helen. Hayao Miyazaki: master of Japanese animation: films, themes, artistry. Berkeley: Stone Bridge, 2008.
MONTERO, Laura. El mundo invisible de Hayao Miyazaki. Palma de Mallorca: Dolmen Editorial, 2012.

lupin

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


15
ene

21st Hong Kong Film Critics Society Awards

the midnight after Don't Go Breaking My Heart 2

Los ganadores de los Hong Kong Film Critics Society Awards, o lo que es lo mismo los premios de la crítica de Hong Kong, se han conocido hace tan solo unas horas. La película de ciencia ficción The Midnight After ha sido la gran vencedora llevándose los premios a mejor película y mejor director para Fruit Chan. Por lo demás repiten premio el equipo de guionistas de Johnnie To con Don’t Go Breaking My Heart 2, el premio a mejor actor se lo ha llevado Lau Ching Wan por su papel en Overhead 3 y el de mejor actriz ha ido para el papel de Vicky Zhao en Dearest.

Mejor Película
The Midnight After

Mejor Director
Fruit Chan (The Midnight After)

Mejor Guión
Wai Ka Fai, Ryker Chan y Yu Xi (Don’t Go Breaking My Heart 2)

Mejor Actor
Lau Ching Wan (Overhead 3)

Mejor Actriz
Vicky Zhao (Dearest)

Top 10 Películas recomendadas
The Crossing Part 1 (John Woo)
Dearest (Peter Chan)
Don’t Go Breaking My Heart 2 (Johnnie To)
Dot 2 Dot (Amos Why)
The Golden Era (Ann Hui)
Kung Fu Jungle (Teddy Chen)
The Midnight After (Fruit Chan)
Overheard 3 (Felix Chong/Alan Mak)
Sara (Herman Yau)
That Demon Within (Dante Lam)

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