11
sep

Muerte tras la espada – Chanbara & Jidai-geki Eiga Poster (XI)

Retomamos nuestro recopilatorio de Posters relacionados con el Chanbara y el Jidaigeki japonés empezando por el principio. Nos vamos a los tiempos iniciáticos del cine ne Japón para acercaros algunos clásicos entre los clásicos del género.

Kosuzume Toge (1923)
Kosuzume Pass
Director: Koroku Nomata
Gyakuryu (1924)
Gyakuryu
Director: Buntaro Futagawa
ginpei gyakuryu
Orochi (1925)
The Serpent
Director: Buntaro Futagawa
The Frightful Era of Kurama Tengu (1928)
Kurama Tengo – Kyofu Jidai
Director: Teppei Yamaguchi
orochi kurama tengu
Kurama Tengu (1928)
Kurama Tengu
Director: Teppei Yamaguchi
Dai-ichi-wa (1928)
Samurai Town
Director: Masahiro Makino
kurama tengu roningai
Koina no Ginpei yuki no wataridori (1931)
Koina no Ginpei, Migratory Snowbird
Director: Tomikazu Miyata
Jirokichi the Rat (1931)
Jikorichi the Rat
Director: Daisuke Ito
ginpei the rat

08
sep

Mari Annu

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mari annuA pesar de que solo realizó unas pocas películas entre finales de los 1960 y principios de los 1970, la belleza exótica, Mari Annu, se las arreglo para dejar una marca indeleble en todos los aficionados al cine de acción de la Nikkatsu participando en la obra maestra de Seijun SuzukiKoroshi no Rakuin” (“Branded to Kill”). En esta película encarna a Misako, la poderosamente atractiva, y extrañamente “fatale”, objeto de irrefrenable deseo del asesino encarnado por la estrella Jo Shishido. “Koroshi no Rakuin” es una película plagada de momentos memorables, y muchos implican esa irreal y exótica aura de Mari Annu (acentuada por extraños y brillantes encuadres de la mano del maestro Suzuki). Ella es, al igual que la propia película, inolvidable una vez vista.

Nacida de padre indio y madre japonesa en 1948 en Kobe (Japón), tendría tan solo 19 años cuando alcanzó el estrellato en la película de la Nikkatsu. Aunque muchas fuentes indica que ella fue “un descubrimiento totalmente nuevo y original de Seijun Suzuki” en 1967, lo que es cierto es que Mari comenzó su carrera cinematográfica (sin acreditar) en una película de la Toho en 1964, “Jitensha Dorobo” (“Bicycle Theft”). A esto le siguió un papel algo más sustancial (y acreditado) en 1965 en el éxito de la Shochiku “Hadaka no Seishun” (“Naked Youth”). No está claro si el propio Suzuki la vio en esta película y decidió ficharla para “Koroshi no Rakuin”, o si fueron los ojeadores de la Nikkatsu quienes la ficharon en primero lugar y la recomendaron al director. Ambas historias han circulado en diferentes medios, y son igualmente plausibles.

Casi inmediatamente después de “Koroshi no Rakuin”, Mari Annu apareció junto a Tetsuro Tanba y Jo Shishido (una vez más) en el éxito de taquilla de Ezaki Mio, “Shichi-nin no Yaju” (“Seven Beasts”, a.k.a. “The Filthy Seven”). Durante la produccińo de esta película Ezaki llego a decir que creía que Mari tenia un gran futuro como actriz, calificándola como “muy fotogénica, “audaz”, “dura” y “muy profesional”. Como era costumbre en la Nikkatsu se comenzo una secuela, en este caso bastante peor terminada, apenas un mes después del lanzamiento de la película, peor en esta Mari Annu no pudo participar ya que estaba trabajando en el drama “Kangoku e no Shotai” (“Invitation to Jail”). Al año siguiente aparecería con una camiseta corta y muy a la moda junto al grupo de rock “The Spiders” en la ligera producción musical “The Spiders no Dai Shingeki” (“The Spiders on Parade”).

mari annu

Cuando la Nikkatsu se dirigía a toda marcha hacia la producción de Pinku Eiga a principios de la década de 1970, muchas de sus estrellas (sobre todo los que estaban desde antes de 1969) rompieron sus contratos y abandonaron el estudio. Sin embargo, la valiente búsqueda de Mari la llevo a aceptar cualquier película en la que el estudio estimaba introducirla (incluidas producciones “Roman Porno”) hasta el final de su contrato un año más tarde. Después de dejar el estudio, Mari apareció en 1972 en la producción de la Toei “Furyo Bancho: Ichimou Dajin”, Esta tardía producción del lado más salvaje de los Bosozoku (banda de delincuentes) fue la última película de Mari Annu.

Pero la actriz volvió su vista, y con relativo éxito, hacia televisión. En la pequeña pantalla apareció en una gran variedad de programas, destacando sus apariciones en la serie de “Ultraman” y “Kamen Rider” (realizando casi siempre las escenas de riesgo por ella misma, sin dobles). También se convirtió en una popular presentadora de los típicos talks show nocturnos, convirtiéndose en una celebridad televisiva aun en activo a principios de siglo. Mari Annu también es hoy día una prestigiosa escritora de libros sobre salud y belleza, además de sobre cocina India.

En este nuevo siglo se la ha visto en varios eventos público relacionados con Seijun Suzuki. En febrero de 2001 estaba presente en la rueda de prensa que anunciaba la vuelta del director al action eiga en “Koroshi no Rakuin: Pistol Opera”. También apareció con el en el escenario durante la apertura del “Style to Kill” film festival en Tokyo, y fue la invitada de honor en su clausura.

mari annu

Por si esto fuera poco en 2003 Mari Annu tuvo un dos nuevos acercamientos a la gran pantalla, con pequeños papeles en las películas “Joze to tora to sakana tachi” (“Josee, the Tiger and the Fish”) y “Ashita ga aru sa: The Movie”.

NOTA: Esta es una traducción libre y adaptada de un articulo original, en inglés, escrito por Chris Casey para Yaju no Yabai Gumi (2001).


04
sep

Sitges Film Festival 2014 – Lo que nos espera en Sitges (II)

Seguimos con nuestro repaso a lo más asiático del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2014. Hoy con algunas de las películas japonesas confirmadas por el momento, entre comedia y erotismo se mueve el asunto, más un ómnibus coreano en tono de terror.

cartel sitges 2014

Mad Sad Bad 3D
Han Ji-seung (I Saw You), Kim Tae-yong (Picnic), Ryoo Seung-wan (Ghost), 2014

Un chico que desaparece en el bosque, un adolescente que se adentra en la vida de una amiga a través de internet, y un futuro en el que los zombis se han convertido en proletarios, obreros con muchas obligaciones y pocos derechos. Tres relatos que forman la película colectiva Mad Sad Bad. (Sitges)

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The Mole Song: Undercover Agent Reiji
Takashi Miike, 2014

Reiji es el peor policía de la academia. Despedido por inútil, pronto será readmitido, con la orden de infiltrarse en un clan yakuza. El incombustible Miike ha aprovechado un manga con más de una treintena de tomos para hacer lo que mejor conoce y más le gusta últimamente: crear una imagen cartoonesca con personajes de peinados y atuendos imposibles, en una mezcla de comedia loca y acción a tope. (Sitges)

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R100
Hitoshi Matsumoto, 2014

Un hombre anodino entra en un edificio gris, donde se hace socio de un club exclusivo que le permite tener encuentros con estrictas dominatrix. Cuando estas irrumpan en su vida privada, él se verá incapaz de escapar y de rescindir el contrato con el club. (Sitges)

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Lupin The 3rd
Ryuhei Kitamura, 2014

Lupín es quizás el ladrón mas famoso y popular del manga japonés. En esta ocasión el manga no se adapta al mundo animado, sino al real, de la mano del conocido director Ryuhei Kitmura, al que acompañan nombres de la talla de Tadanobu Asano, Tetsuji Tamayama,  Gô Ayano y Meisa Kuroki. El guión versa sobre el robo, como no podía ser de otra manera.

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Torture Club
Kota Yoshida, 2014

Cuando Yuzuki es aceptada en la prestigiosa academia femenina de St. Anesty, solo puede imaginar lo mejor. Sin embargo, en la ceremonia de bienvenida es escoltada por dos compañeras hasta el sótano, donde es forzada a formar parte del Club de Tortura del instituto. Allí conocerá a Aoi, una veterana de la que se enamorará mientras intenta perfeccionar sus dotes para la tortura. (Sitges)

the torture club


01
sep

Sitges Film Festival 2014 – Lo que nos espera en Sitges (I)

El próximo día 3 de Octubre dará comienzo la edición número 47 del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2014. Nos esperan casi 10 días de buen cine entre el que se incluirá una buena dosis proveniente de Asia, que es lo que a nosotros nos interesa. Hoy comenzamos nuestro tradicional repaso previo a todo el cine asiático que podremos ver en el festival centrando nuestro foco en algunas de las películas confirmadas hasta la fecha provenientes de Hong Kong y Corea ;)

cartel sitges 2014

That Demon Within
Dante Lam, 2014

Dave, interpretado por Daniel Wu, es un policía aparentemente normal que trabaja como guardia de un hospital. Un día llega un herido de un tiroteo, realmente el sanguinario jefe de una banda de ladrones interpretado por Nick Cheung, y le dona sangre salvándolo, lo cual provoca el enfado del detective que lideraba la operación para detenerlo que había perdido varios hombres a sus manos. Poco a poco iremos conociendo realmente a Dave, sus obsesiones y como es alguien “conflictivo” dentro del cuerpo a pesar de una gran hoja de servicios.

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The Midnight After
Fruit Chan, 2014

Todo parte de un autobús, un vehículo de trasporte público donde un variopinto grupo de personajes normales (desde unos jóvenes estudiantes, a un yonki que huye de los traficantes locales, pasando por un joven introvertido o una pareja que vuelve a casa, entre otros) se montan para llegar a su casa o lugar de destino. Pero durante su viaje, al pasar por un túnel, descubren que toda la población del barrio ha desaparecido. A partir de aquí se suceden escenas tanto desde el punto de vista del thriller de terror, como momentos de comedia, todo ello bien desarrollado y equilibrado, enganchando al espectador por el “que pasará ahora” o “que ha sucedido realmente”.

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Aberdeen
Pang Ho-Cheun, 2014

Pang Ho-Cheung lleva algunos años sorprendiéndome con excentricidades de la talla de Dream Home o Vulgaria, pero no obstante es un director que sabe lo que se hace, y creo que Aberdeen es un nuevo ejemplo de esto.

Para los neofitos Aberdeen es un distrito de Hong Kong, una zona costera, antiguo pueblo de pescadores, que poco a poco ha sido engullido por la gran ciudad. Y este es quizás el tema principal del que trata la película, analizar la ciudad en si, la evolución de la sociedad de Aberdeen, de sus valores, a través de una familia donde se unen varias generaciones, desde el abuelo a los nietos, y donde cada cual tiene sus problemas y sus traumas, su forma de adaptarse al mundo. Hay tenemos a Louis Koo, Eric Tsang, Miriam Yeung, Gigi Leung y Ng Man-tat, y en menor medida a Chapman To o Carrie Ng, un elenco de lujo.

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A Hard Day
Kim Seong-hun, 2014

Volviendo del entierro de su madre, el agente Gun-su atropella a alguien. Aturdido, decide esconder el cadáver en la tumba de su madre. Los problemas, sin embargo, no quedan enterrados: uno de sus compañeros investiga a la víctima y un testigo no tardará en aparecer. Humor negro y un pulso hitchcockiano apuntalan este thriller con escenas de acción rodadas con impacto y realismo.

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One on One
Kim Ki-duk, 2014

Una niña es brutalmente asesinada, pero esta no será la única víctima de este oscuro thriller que lleva la firma del infatigable Kim Ki-duk. Uno de los siete hombres responsables de este atroz crimen es raptado, torturado y obligado a escribir una confesión. Cuando por fin es liberado, descubre que otros compañeros han corrido la misma suerte. Decide así encontrar y rendir cuentas con los responsables.

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28
ago

Yasuharu Hasebe

Yasuharu HasebeEl nombre de Yasuharu Hasebe puede no ser muy familiar para muchos de los que lean este artículo. Hasebe es un cineasta que no tiene un ejercito de fans, pero debe ser reconocido por los aficionados al cine japonés de los setenta. Entre sus mayores logros está la creación de la serie “Stray Cat Rock” dentro del subgénero del Pinky Violence, pero su trabajo se extiende mucho más allá de esto, un trabajo demoledor, iconoclasta y lleno de tabús. Sus películas dentro del Pinky Violence definirían su carrera de forma indefectible en producciones como “Rape!” y “Assault! Jack the Ripper”, donde podríamos definirlo como alguien al que le gusta romper las reglas cinematográficas. Hasebe es un director que creará opiniones encontradas y radicales en todo aquel que explore su filmografía, pero al que no se le puede negar su habilidad como narrador, su condición de artista trasgresor y su magistral ojo para lo visual.

Nacido el 4 de abril de 1932, Hasebe fue criado en una familia cariñosa y compartió una relación de confianza con su padre en particular. Criado en el Japón de la posguerra, Hasebe era una esponja con todo el cine americano y francés que caía en sus manos. Al terminar secundaria se matriculó en la Universidad de Waseda (una de las universidades privadas más prestigiosas de Japón), donde estudió literatura francesa, sería entonces cuando se convertiría en aprendiz de guionista reescribiendo historias de otros. Con el tiempo acabaría fichando por la Nikkatsu en 1958, donde perfeccionaría sus habilidades y aprendería el funcionamiento de la industria. En aquel momento aún había muy poco trabajo en televisión por eso toda su formación estaba expresamente dirigida hacia el mundo del cine. En estos años en la Nikkatsu Hasebe trabajó principalmente como asistente de director, trabajando mucho y con pocos descansos. Pasó 8 años como ayudante de dirección, participando en 50 a 60 películas durante ese período con directores como Seijun Suzuki (Branded to Kill, Tokyo Drifter, Tattooed Life), Takashi Nomura (A Colt is My Passport) y Motomu “Tan” Ida (3 Seconds Before Explosion).

Después de años de trabajo constante junto a algunos de los mejores directores de cine de género que Japón podía ofrecer en ese momento, en 1966, los poderes fácticos de la Nikkatsu decidieron que era el momento de ver lo que Hasebe podía hacer en una producción propia. La génesis de su primera película “Black Tight Killers” venia con la esperanza de los productores en crear un nuevo tipo de cine de acción. Las películas de James Bond estaba muy de moda y el guión incluye una historia con este tipo de elementos en su fondo, pero sería cierto cambio de tono y el sentido del humor incluido en el guión lo que atraería a Hasebe hacia este proyecto. Cuando llegó el momento de seleccionar a los actores, Hasebe fue capaz de mover algunos hilos y hablar con su viejo amigo (y mega-estrella) Akira Kobayashi, quien había llegado a conocer muy bien durante sus años como ayudante de dirección. Yasuharu también ha confesado que tenía cierta influencia de las películas de Seijun Suzuki, en particular su humor, así como de Kihachi Okamoto (The Sword of Doom).

black tight killers

A raíz de “Black Tight Killers”, Hasebe continuó trabajando en películas de género como “Massacre Gun” (1967), “Territorial Dispute” (1968), “Savage Wolf Pack” (1969), “Roughneck” (1969) y “Bloody Territories” (1969). “Masacre Gun” es quizás la más destacada ya que contaba de nuevo con Akira Kobayashi, aunque esta protagonizada por Jo Shishido, quien había protagonizado la influyente “Branded to Kill” (dirigida por Seijun Suzuki) al igual que “A Colt is my Passport” (dirigida por Takashi Nomura) ese mismo año. De hecho la Nikkatsu llegaría a comercializar las tres películas juntas como una especie de trilogía. La historia parece ser la del típico yakuza, con Jo Shishido y Tatsuya Fuji (un habitual del cine del director) enfadados con unos yakuzas locales después de que avergonzaran a su hermano menor. Pronto intercambiaran roles con los yakuzas y la guerra por el territorio se recrudecerá. “Territorial Dispute” es otra película típica de yakuzas que protagonizará Akira Kobayashi, esta vez como un ex-convicto que regresa a casa para intentar mantener el clan a pesar del asesinato de su jefe. Esta pequeña joya aparentemente es la primera en la que Hasebe cuenta con Meiko Kaji como actriz. No faltaría mucho tiempo antes de que ambos dieran a luz la exitosa “Stray Cat Rock”.

Por su parte “Bloody Territories” es una pieza de cine de yakuzas muy estándar, con algunos momentos pero lastrada por el convencionalismo. La película una vez más contó con el amigo de Hasebe Akira Kobayashi, que realmente ayudo a mover la carrera del director durante esta primera etapa. “Savage Wolf Pack” fue su siguiente película, un cuento de venganza donde un cazador persigue a los jóvenes moteros violadores de su hermana, que se suicidó tras los hechos. Lamentablemente este áspero relato no es fácil de encontrar fuera de las fronteras niponas.

Más adelante en su carrera Hasebe fue instado por la Nikkatsu ha realizar una película orientada a los jóvenes, descarada y picante, con la megaestrella Akiko Wada. Wada era muy conocida como sensual cantante de voz ronca e imponente figura debido a su gran estatura. Aún hoy es muy conocida en Japón, pero en estas primeras etapas de su carrera era una mercancía muy deseada. Ella no trasmitía una imagen de belleza convencional, pero tenía carisma y cierto atractivo sexual y pudimos disfrutarla en “Stray Cat Rock: Delinquent Girl Boss”. En ese momento Wada estaba representada por HoriPro, lo que convirtió la película en una especie de co-producción entre Nikkatsu y esta empresa, sobre este tema Hasebe declaró “Ellos manejaban la planificación de la película en lugar de la Nikkatsu, creo que el estudio estaba empezando a tener problemas para financiar sus grandes producciones de yakuzas y acción…”. Hasebe tuvo una gran libertad creativa en este proyecto, a pesar de haber dos empresas detrás del mismo, lo que demuestra la fe que debía haber tenido la Nikkatsu en él en aquel momento.

Stray Cat Rock Female Boss

La serie “The Alleycat Rock”/”Stray Cat Rock” se convirtió en un gran éxito, y a pesar de no ser una producción de la TOEI (los creadores originales del subgénero), se consideran las películas de referencia dentro del Pinky Violence. Esta primera entrega de la serie demostraría ser la más icónica (aunque no es tan popular como la tercera entrega), con su imaginario de pandilla de motociclistas y chicas a la moda que encapsulan perfectamente la época en la que fue realizada. Hasebe co-escribió el guión bajo el seudónimo de “Takashi Fujii” y realmente ayudo a que esta nueva ola de películas con “mensaje” orientadas a jóvenes dominaran la década. Además ayudó a lanzar la carrera de Meiko Kaji, quien se convertiría en el mascarón de proa del empoderamiento de la mujer en el cine japones durante los años setenta. En ese momento las películas de estudio corrían peligro y sentían el impacto por una parte de la importación de cine americano y por otra de la proliferación del cine erótico o pinku eiga, que era decididamente más popular que las películas de género más tradicionales que salían de los grandes estudios. Según Hasebe “En ese momento, Jo Shishido y Akira Kobayashi eran realmente las grandes estrellas en la Nikkatsu, pero el estudio sabía que, si iban a continuar con sus operaciones, necesitaban crear estrellas para la próxima generación; por eso Meiko Kaji y Tatsuya Fuji fueron seleccionados como las principales estrellas de la serie Stray Cat Rock”. Esta serie, al contrario que otros Pinky Violence más exploit, ofrecía una mirada mucho más inteligente e iconoclasta en la cultura juvenil en los años sesenta y setenta. El elemento de la explotación estaba allí, pero no era el objetivo principal.

En contraste directo con las populares producciones de la TOEI en torno al Pinky Violence basado en la acción y el erotismo, la Nikkatsu (al borde de la quiebra) decide entonces crear su propia línea de porno romántico (Roman Porno) que ofrecería una dura competencia en el mercado. Estas películas tenían un mayor presupuesto y esencialmente eran Pinku que se dirigían específicamente a parejas. Muchos empleados del estudio abandonarían el barco, nada conformes con las líneas eróticas que estaba tomando la Nikkatsu. La más notable es Meiko Kaji, que dio el salto a los estudios TOEI y se convirtió en una estrella aún más popular con la saga Female Prisoner Scorpion. En aquel momento Hasebe estaba más interesado en realizar películas de acción, que era lo que el buscaba como espectador. Durante esos años el director se pasó a la televisión, donde no le faltó trabajo. También tuvo la oportunidad de trabajar para la TOEI, después de que Meiko Kaji hablara en su favor, dirigiendo “Female Convict Scorpion: Grudge Song” (1973). La película se vio empañada por numerosos problemas con el director original de la serie, Shunya Ito, afirmando que las películas estaban muertas después de los constantes recortes presupuestarios. TOEI se contradijo a sí misma y las realizo de todos modos. Sin embargo su hogar estaba en la Nikkatsu y a su vuelta dirigió “Sukeban Deka: Dirty Mary” (1974). que era más o menos una especie de clon femenino de Harry el Sucio. Serían las siguiente producciones de Hasebe las que volverían a dar un impulso a su carera, siendo alabado por unos y maldecido por otros.

grudge song

En 1976 Hasebe ayudo a cimentar un subgénero del Pinku, el Pinky Violence. Esta nueva forma de pinku eiga, surgida bajo la bandera del roman porno, mostraría un lado más oscuro y morboso, rozando casi con el erótico grotesco. En ultima estancia, estas películas mostraban una fijación por la violación y la esclavitud, pero mantenían el ritmo metódico y la dirección de arte y ensayo que ayudo a desarrollar el pinku eiga en general. Con sus siguientes películas Hasebe definiría el erotismo trasgresor y desafiaría a todos aquellos que decidieran verlas. Durante sus años en el Pinky Violence Hasebe hizo un quinteto de películas que no están vinculadas entre si por nada que no sea la violación, pero que se suelen colocar juntas por el estado de ánimo y la atmósfera. Esta serie comenzó con “Rape!” (1976), protagonizada por Natsuko Yashiro como una joven mujer de negocios que es violada en el ascensor de su edificio de apartamentos. El resto de la película sigue a la chica y a su atacante, que finalmente se reencuentran en circunstancias diferentes. La primera entrega de esta saga sería un éxito para el director que continuaría en el mundo del Pinky violence con “Assault! Jack the Ripper” (1976) y “Rape! 13th Hours” (1977). Aunque éxitos financieros, estas películas eran de naturaleza salvaje y rozaban los límites del buen gusto. Tanto es así que la Nikkatsu decidió recortar los límites de la ultra-violencia de su Roman Porno asignando al productor Ryoji Ito para que vigilase el producto final y evitase la intervención de la censura. Afortunadamente Ito compartía ideales artísticos con Hasebe y al final trabajaron bien juntos.

Assault! Jack the Ripper” y “Rape! 13th Hour” serían considerados, en última instancia, los trabajos más extremos y dementes de Hasebe. “Assault! Jack the Ripper”, la segunda película del quinteto que comentábamos antes, cuenta la historia de un chef y una joven camarera que terminan atropellando a una joven por accidente. Cuando esconden el cuerpo descubren que la emoción de la muerte ha despertado en ellos. Lo que sigue a partir de aquí es una historia de egoísmo y muerte relacionadas con el amor. La película, a pesar de sus espeluznantes imágenes y apuñalamientos vaginales, resulta ser una especie de estudio sobre ambos personajes y sus motivaciones. “Rape! 13th Hour” es probablemente su película más inquietante. La historia en general se centra en un violador en serie llamado “Crimson” que toma a un joven empleado de una gasolinera bajo su tutela y le muestra las alegrías de la violación. Violenta y desagradable, conserva un cierto nivel de inteligencia a pesar de su dura naturaleza.

jack the ripper

Sus últimos dos proyectos dentro de este subgénero del Pinky Violence son “Osou!” (1978) (AKA: Attacked! o Attack!) y “Raping!” (1978) (AKA: Outrage! o Rampage!), ambas más suaves en sus niveles de violencia, pero casi tan sórdidas en su contenido. “Attack!” mostró a Hasebe trabajando dentro de los límites del thriller al seguir a una mujer policía que ha sufrido una violación y comienza a buscar a su agresor. La película nunca deja de ofrecer un gancho a la audiencia y por lo general la conclusión esta abierta a muchas interpretaciones según el público. Su última película de este quinteto, “Raping!”, presenta una historia que podría clasificarse de ridícula ya que se basa en una serie continua de secuencias de violación. Considerada por muchos como una crítica al género en si misma o como una simple excusa para mostrar una serie de fantasías sexuales, la película mostró las limitaciones del género y marco una especie de huida hacia delante en la carrera de Hasebe.

Con la llegada de los años ochenta y el advenimiento de VHS, la carrera de Hasebe se pasó al mercado del vídeo doméstico y su trabajo es muy difícil de localizar a partir de este período. Sin embargo, Hasebe hizo más que suficiente para encumbrarse a sí mismo entre los más grandes directores de cine de explotación de Japón durante sus mejores años. Un cineasta que tenía ideas peculiares y le gustaba correr riesgos, Yasuharu Hasebe hizo lo suyo sin miedo a asomarse al precipicio. Un cineasta visionario que mostró un enorme talento en todos los campos en los que intentó trabajar, es lamentable que su obre sea tan difícil de ver fuera de las fronteras de Japón, sin embargo sus películas están ahí para ser descubiertas.

NOTA: Esta es una traducción libre y adaptada del artículo original en Ingles escrito por Josh para VCinemaShow.


26
ago

Documental – Misterios de la antigüedad – Los Samurais

Dando vueltas por Youtube y he encontrado un magnífico canal que se dedica a recopilar documentales de todo tipo relacionados con Japón, desde gastronomía a historia, llamado Documenales Japón. Hoy quiero acercaros un documental relacionado con Los Samurais, su forma de ser, sus creencias, forma de vida y puntos oscuros. Os recomiendo dar una vuelta por el canal antes mencionado, es muy interesante.

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22
ago

Yoshitaro Nomura

Yoshitaro NomuraNacido en 1919, no se puede decir que Nomura corriera una suerte especialmente afortunada como director (con respecto a nosotros, espectadores distantes). Pese a tener un número considerable de películas, solo nos han llegado un puñado, aunque entre ellas algunas con cierta fortuna (ser editado en España es algo prodigioso). Además, por azares del destino (o no) lo que nos ha llegado es fundamentalmente su cine de intriga, en el que ciertamente fue un maestro, pero que está lejos de ser todo lo que hizo.

Hijo de Hotei Nomura, importante director del cine mudo, debió pasar buena parte de su vida en los estudios. En la Shochiku, para ser exactos, que no era precisamente la compañía japonesa más interesada en mostrar sus películas en el extranjero (lo cual explicaría lo que comentábamos). En 1951 empieza su propia carrera que comprenderá desde comedias hasta chanbara, pero lo cierto es que será su encuentro en 1959 con el escritor de novelas policiacas Seicho Matsumoto, uno de los escritores de más éxito en el Japón de aquellos años, lo que determinará su cine, al menos tal como lo conocemos.

Su primera colaboración (de un total de ocho) será The chase o Skateout, y en ella ya tenemos muchas de las claves del cine posterior del director japonés: Matsumoto más el espíritu de la Shochiku de Ofuna (es decir, historias de gentes corrientes con importante presencia o protagonismo de mujeres). Dos detectives llegarán a un pequeño pueblecito en busca de un criminal. La clave para encontrarlo es una mujer casada y ellos, en un caluroso verano, se dedicarán a vigilarla. El clima, los trenes, los lejanos planos (los espacios abiertos), el ritmo incansable de la acción, los flashbacks, le darán un tono muy especial que de un modo u otro se irá trasladando de película en película.

Entre más comedias y obras diversas, llegará Zero focus, nueva colaboración con Matsumoto. En este caso, con una intriga invernal más teatral pero no menos apasionada. Menos sensorial, más meditada, cierto, pero no menos atractiva. En un frío blanco y negro, un misterioso suicidio le permitirá trazar un intenso retrato de pasiones humanas con magníficas interpretaciones (la intensidad de sus actores es algo que tampoco estará nunca ausente de su cine).

yoshitaro nomura

Tendrán que pasar diez años hasta que volvamos a encontrarnos con él y con Matsumoto, siempre Matsumoto. The shadow within (oscuro cuento de terror con niño inquietante y tensión constante, en el que se empieza a encontrar su gusto con el simbolismo) dará paso a una de sus obras más conocidas, The castle of sand. Película de intenciones sinfónicas (literalmente), todo en ella es Nomura llevado a la enésima potencia, como si intentara comprobar cuán lejos podía llegar. Con una primera hora y media fascinante en la que predomina la historia policiaca, pasará a un tour de force final tintado de melodrama, de cine mudo, de pasiones abruptas, arrolladoras.

Village of the eight tombs será su encuentro con otro escritor de éxito de novela policaca: Seishi Yokomizo, creador del detective Kosuke Kindaichi (aquí personaje secundario de su propia historia). El resultado será una obra trepidante, más instalada en el misterio que sus anteriores películas, y con toques del cine de terror. También será algo especial The incident, en este caso por ser una película de juicios, algo que no favorece mucho su tendencia natural al ritmo en la narración. La historia de un asesinato le servirá para mostrarnos unos personajes en estado de disolución moral.

En ese mismo año, Nomura volverá a encontrarse con Matsumoto para la que estaría tentado de calificar como su obra maestra: The demon. Todos los elementos de su cine se encuentran en ella, como si fueran la suma perfecta de ellos. En esta historia (que ahora nos recordaría al Nobody knows de Kore-Eda) de unos niños dejados con su padre (hijos que ha tenido con su amante) y el posterior intento de deshacerse de ellos, su cine vuelve a encontrar todo su aliento, todo su ímpetu, toda su tensión.

Los ochenta comenzarán con la última película suya que tenemos disponible de algún modo, Writhing tongue, otra anomalía (quizás la mayor) dentro de ese pequeño fragmento de su carrera que hemos podido seguir. Película de espacios cerrados, de tiempo estanco, sobre la lucha de una niña contra el tétanos, bajo la mirada atormentada de sus padres.

The Demon

A mediados de los ochenta dejará de hacer cine (pasándose a la televisión), y en el 2005 moriría. Los premios recibidos durante su carrera son innumerables, pero eso no parece haberle dado el lugar que le corresponde en el cine japonés, seguramente. No tuvo el reconocimiento de los clásicos, no tuvo el reconocimiento de los directores de género, no tuvo el de los directores de serie B (o Z), ni el de los jóvenes que llegarían en los sesenta. Quizás porque no formaba parte de ninguno de esos grupos y no se sabía muy bien con quién juntarle o qué espacio darle. Director pues a descubrir (con no poco placer).

NOTA: estas notas biográficas fueron escritas por Silien en una retrospectiva sobre el director durante el Primer Festival Internacional de Cine Allzine.


19
ago

Muerte tras la espada – Chanbara & Jidai-geki Eiga Poster (X)

El director Kinji Fukasaku es muy conocido por sus películas de Yakuzas, pero tocó muchos palos y géneros cinematográficos, entre ellos el Chanbara, en una época un poco más tardía y con un formato que aveces incluía fantasía y magia. Hoy, en nuestro recopilatorio de posters relacionados con el cine de época japones, repasaremos los acercamientos al género de este gran director.

Yagyû ichizoku no inbô (1978)
Shogun’s Samurai
Director: Kinji Fukasaku
Ako-Jo danzetsu (1978)
Fall of Ako Castle
Director: Kinji Fukasaku
shoguns samurai fall ako castle
Ako-Jo danzetsu (1978)
Fall of Ako Castle
Director: Kinji Fukasaku
Makai Tensho (1981)
Samurai Reincarnation
Director: Kinji Fukasaku
swords-of-vengeance-fall-of-ako-castle samurai reincarnation
Satomi Hakkenden (1983)
Legend of the Eight Samurai
Director: Kinji Fukasaku
Hissatsu 4: Urami harashimasu (1987)
Sure Death Revenge
Director: Kinji Fukasaku
legend-of-the-eight-samurai sure death revenge
Chushingura gaiden yotsuya kaidan (1994)
Crest of Betrayal
Director: Kinji Fukasaku
Abe Ichizoku (1995)
The Abe Clan
Director: Kinji Fukasaku
crest of betrayal the abe clan

14
ago

Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Awards, FAMAS 2014

famas 2014

El pasado mes de Julio se concedieron los premios de la academia filipina de las artes, los Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Award, FAMAS 2013. Entre las películas más destacadas de la noche dos que hemos visto, y disfrutado muchisimo, en sendos festivales, On The Job de Erik Matti, y Boy Golden, Shoot to Kill de Chito Roño.. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

On the Job
10,000 Hours
Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Burgos
Ekstra
Four Sisters and A Wedding
Lauriana
Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor Director

Erik Matti — On the Job
Joyce E. Bernal — 10,000 Hours
Mel Chionglo — Lauriana
Jeffrey Jeturian — Ekstra
Joel Lamangan — Lauriana
Cathy Garcia-Molina — Four Sisters and A Wedding
Frasco Mortiz — Pagpag: Siyam na Buhay
Chito Roño — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story

Mejor Actor

Jeorge Estregan — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Gerald Anderson — On the Job
John Lloyd Cruz — It Takes A Man And A Woman
Dingdong Dantes — She’s the One
Xian Lim — Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo?
Coco Martin — A Moment in Time
Daniel Padilla — Pagpag: Siyam na Buhay
Robin Padilla — 10,000 Hours
Piolo Pascual — On the Job
Vic Sotto — My Little Bossings

Mejor Actriz

KC Concepcion — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Bea Alonzo — Four Sisters and A Wedding
Sarah Geronimo — It Takes A Man And A Woman
Toni Gonzaga — Four Sisters and A Wedding
Kim Chiu — Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo?
Angel Locsin — Four Sisters and A Wedding
Kathryn Bernardo — Pagpag: Siyam na Buhay
Marian Rivera — Kung Fu Divas
Julia Montes — A Moment in Time
Lorna Tolentino — Burgos

Mejor Actor de soporte

Pen Medina — 10,000 Hours
John Estrada — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Baron Geisler — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Enrique Gil — She’s the One
Joey Marquez — On the Job
Joel Torre — On the Job

Mejor Actriz de soporte

Bela Padilla — 10,000 Hours
Coney Reyes — Four Sisters and A Wedding
Gloria Sevilla — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Angel Aquino — On the Job
Aiza Seguerra — My Little Bossings
Cherie Gil — A Moment in Time

Mejor actuación infantil

Adrian Cabido — Lauriana
Clarence Delgado — Pagpag: Siyam na Buhay
Ryzza Mae Dizon — My Little Bossings
James “Bimby” Aquino-Yap — My Little Bossings

Mejor Guión

Michiko Yamamoto and Erik Matti — On the Job
Keiko Aquino and Ryllah Epifania Berico — 10,000 Hours
Catherine Camarillo and Guelan Varela-Luarca — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Ricardo “Ricky” Lee — Burgos
Antoinette Jadaone and Zigcarlo Dulay — Ekstra
Vanessa Valdez — Four Sisters and A Wedding
Ricardo “Ricky” Lee — Lauriana
Joel Mercado — Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor Fotografía

Carlo Mendoza — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Marissa Floirendo and Gilbert Vistan — 10,000 Hours
Anne Monzon and Monchie Redoble — Kung Fu Divas
David Abaya — Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor Diseño de producción

Joel Bilbao and Fritz Silorio — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Joey Luna — 10,000 Hours
Mitoy Sta. Ana — Kung Fu Divas
Japz Nocom and Yhabz Mercado — Pagpag: Siyam na Buhay
Richard Somes — On the Job

Mejor Edición

Jay Halili — On the Job
Joyce Bernal and Marya Ignacio — 10,000 Hours
Carlo Manatad, Jason Cahapay and Ryan Orduna — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Zigcarlo Dulay and Glenn Ituriaga — Ekstra
Marya Ignacio — Four Sisters and A Wedding
Marya Ignacio — It Takes A Man And A Woman

Mejor Historia

Michiko Yamamoto and Erik Matti — On the Job
Ryllah Epifania Berico and Keiko Aquino — 10,000 Hours
Catherine Camarillo and Anthony Guelan — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Ricardo “Ricky” Lee — Burgos
Ricardo Jimenez — Lauriana
Joel Mercado — Pagpag: Siyam na Buhay
Zigcarlo Dulay Antoninette Jadaone and Jeffrey Jeturian — Ekstra
Vanessa Valdez — Four Sisters and A Wedding

Mejor Sonido

Erwin Romulo — On the Job
Teresa Barrozo — 10,000 Hours
Carmina Cuya — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Raul Mitra — Four Sisters and A Wedding
Francis Concio — Pagpag: Siyam na Buhay

Mejor banda sonora

Carmina Cuya — Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
Teresa Barrozo — 10,000 Hours
Raul Mitra — Four Sisters and A Wedding
Francis Concio — Pagpag: Siyam na Buhay
Erwin Romulo — On the Job

Mejor Canción

“Midas” from Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
“Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo” from Bakit Hindi Ka Crush Ng Crush Mo?
“Di Ako Titigil” from Burgos
“Hamon Ng Buhay” from 10,000 Hours
“My Little Bossings” from My Little Bossings

Mejores efectos visuales

Pagpag: Siyam na Buhay
Kung Fu Divas
Boy Golden: Shoot to Kill, the Arturo Porcuna Story
On the Job
10,000 Hours

Premios especiales

German Moreno Youth Achievement Award

Julia Barretto
Ken Chan
Janine Gutierrez
Hiro Peralta
Jerome Ponce
James Reid

FAMAS Grand Award

ER Ejercito

Fernando Poe Jr. Memorial Award

Piolo Pascual

Art Padua Memorial Award

Boy Abunda

Dr. Jose Perez Memorial Award

Mario Dumaual

Exemplary Award for Public Service

Engineer Felizardo Jun Sevilla Jr.

Excellence Award in Criminal Justice Pao Jail Visitation Team/Legal, Medical Dental, Optical Mission

Persida Acosta

Presidential Award

Tzu Chi Foundation

Male Celebrity Star of the Night

Gerald Anderson

Female Celebrity Star of the Night

KC Concepcion

Male Movie Star of the Night

Gerald Anderson

Female Movie Star of the Night

Valerie Concepcion


12
ago

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (XIV)

Catorceava entrega de nuestro recopilatorio de posters y grafismos en torno al cine de caballería y espada chino, el Wuxia. Hoy os traigo 4 películas de principios de la década de los 1980 muy interesantes.

Duel to the Death (1982)
Director: Ching Siu tung
Duel to the Death (1982)
Director: Ching Siu tung
Duel To The Death Duel To The Death
Gang Master (1982)
Director: Chui Siu Ming
Gang Master (1982)
Director: Chui Siu Ming

gang master gang master
Descendant of the Sun (1983)
Director: Chor Yuen
Descendant of the Sun (1983)
Director: Chor Yuen
Descendant Of The Sun Descendant Of The Sun thai
Bastard Swordsman (1983)
Director: Tony Liu
Bastard Swordsman (1983)
Director: Tony Liu
bastard swordsman bastard swordsman

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