16
mar

Los Lunes con Miyazaki – Porco Rosso

kurenai no butaKurenai no buta
1992
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Producción: Japan Airlanes, Nibariki, Nippon Television Network Corporation, Studio Ghibli
Música: Joe Hisaishi
Animation, adventures

Cuando el experimentado piloto militar italiano Marco Pagoto decidió dejar las fuerzas aéreas ante el auge del fascismo, fue víctima de un misterioso hechizo que lo convirtió en cerdo. “Prefiero ser un cerdo a un fascista”, asegura. Corren los años 30 y el piloto continúa vigilando los cielos del mar Adriático y boicoteando a los piratas y esto hace que sus enemigos contraten a un piloto americano para acabar con él: Donald Curtis. Con Curtis se enfrentará por el amor de Gina y por la libertad de Fio, mientras las fuerzas aéreas italianas fascistas les acechan.

La película está basada en el manga Zassō Nōto, Hikôtei Jidai (“Miscellaneous Memoranda, The Age of Seaplanes”) de Hayao Miyazaki, serializado en la revista de maquetas Model Graphix entre 1984 y 1990. En realidad, el director ya colaboraba desde hacía años en esta revista, desmenuzando modelos de los años 20 y exponiendo sus modificaciones y, a menudo, usaba cerdos antropomórficos como pilotos en esta sección, con lo que el manga no es más que una conclusión de estas colaboraciones. De hecho, la historia en el manga es mucho más ligera, ya que no deja de ser una declaración de amor por los aviones antiguos, en la que no aparece ni Gina ni ningún tipo de justificación del pasado del piloto.

El film, en cambio, combina el cine propio de la Edad Dorada de Hollywood con los cuentos clásicos más con un trasfondo mucho más complicado de lo que parece. Sin llegar a ser una crítica ácida, el director retoma el tono de Nausicaä del Valle del Viento (1984) y nos devuelve una Europa acechada por el fascismo. En un principio, estaba pensada para ser una animación de 45 minutos sobre un piloto de Japan Airlines retirado en Croacia cuyo cerebro se convierte en tofu a causa del exceso de trabajo: un corto con mucha acción y violencia, en respuesta a la plegaria de los fans que le rogaban que volviera al estilo de El Castillo de Cagliostro. De hecho, la JAL pensaba retransmitir en exclusiva la animación durante sus vuelos. Pero en el momento en el que el director comienza a trabajar en Kurenai no buta, estalla la guerra en la antigua Yugoslavia y Miyazaki decide situar la acción en el mar Adriático y dotarla de más seriedad. Por eso, Marco Pagoto (en honor a los italianos hermanos Pagot que trabajaron con Hayao Miyazaki en Sherlock Holmes) cuando ve como el fascismo asciende al poder una vez finalizada la Primera Guerra Mundial, pierde la fe en la humanidad y se convierte en cerdo. Será la primera vez que Miyazaki utilice la metamorfosis en cerdo como signo de rechazo a la humanidad; lo reutilizará luego en La princesa Mononoke (1997) o El viaje de Chihiro (2001).

porco rosso

Podríamos decir que Kurenai no buta fue el film más personal de Miyazaki hasta el estreno de El viento se levanta (2013) porque refleja sus sueños y obsesiones, no sólo por lo que a la aviación respecta, sino por la animación ya que utilizó técnicas de animación tradicional. Napier sostiene que en ambas películas Miyazaki deja fluir su “tecnología de nostalgia y negación”, una tecnología ficticia de guerra en la que se siente una mezcla de culpa, nostalgia y negación como ciudadano de una nación que ha perdido un imperio. Yo diría más bien que la aviación es un pedazo de él; no olvidemos que el pequeño Miyazaki ya dibujaba aviones cuando su padre dirigía Miyazaki Airplanes. Otra cosa es que el director sea, como muchos otros artistas y pensadores japoneses de su generación, consecuente con la memoria y responsabilidad histórica de su país. Nostalgia sí pero negación no. A propósito de la negación de la responsabilidad histórica, Moist y Bartholow, señalan un aspecto muy particular de Porco Rosso y es cómo justifica el éxito del fascismo. El film implica que los “héroes” como Marco Pagoto fueron indulgentes y no lucharon contra la amenaza fascista. La complejidad moral típica de los personajes de Miyazaki se hace más latente en este film. De todos es sabido que el director siempre intenta en sus películas no presentar personajes malos por naturaleza sino en consonancia con sus vivencias o creencias: a menudo estos personajes deben escoger opciones que atentan contra su propia individualidad, para convertirse paradójicamente en humanos individuales que participan en su sociedad y Marco Pagoto claramente no ha recorrido este camino heroíco.

Además, me atrevería a establecer una estrecha conexión entre Nausicaä del Valle del Viento (1984), Porco Rosso (1992) y El viento se levanta (2013) que hace que funcionen como una auténtica trilogía. Dicha trilogía, en la línea de la argumentación de Napier, está más conectada con un Miyazaki más complejo y menos conocido que el Miyazaki de mensaje eco-pacifista. Este es un Miyazaki que se dirige directamente al público adulto y que refleja sus traumas personales y nacionales, y que nos muestra sus opiniones sobre el Japón de la época imperial y la responsabilidad histórica. Así, en la trilogía vemos a Marco Pagoto en los años 30 donde todavía hay esperanza; la esperanza de que la humanidad recobre la fe y no haya necesidad de una Segunda Guerra Mundial. Vemos también a Jiro Horikoshi en El viento se levanta, que vive también los años de preguerra pero en Japón aunque en este film no hay ni un ápice de esperanza; sólo sueños frustrados. Y finalmente, el escenario post-apocalíptico del Valle del Viento en el que vive Nausicaä, en el que la humanidad sólo podrá redimirse a cambio de un sacrificio.

Marco Pagoto es sin duda mi héroe miyazakiano preferido; adoro los matices que ha creado en su personalidad el director. A pesar del horror de ver morir a sus compañeros durante la guerra y de haber perdido la fe en el ser humano, sigue luchando contra los piratas, luchando contra el mal, aunque no haya decidido su rol como humano individual que participa en el mundo. Por primera vez en su filmografía, el argumento se centra en una figura masculina pero para poder volver a creer en la humanidad, necesita ser salvado y ahí es donde entra la joven ingeniera de aviones Fio que le obligará a confrontar su humanidad y reconstruirá su fe y su corazón. Aunque el espectador no puede ver que Marco se convierta otra vez en un humano, la insistencia de Curtis en querer ver la cara de Marco desvela que gracias al amor de Gina y a la inocencia de Fio, el piloto vuelve a confiar en la humanidad y consigue volver a ser humano. De una manera igualmente sutil Miyazaki resuelve el desenlace de la historia de amor entre Gina y Marco. Dos pistas nos dan en la película: primero cuando Marco recuerda volar con el primer marido de Gina quien lleva el número uno en su avión indicando que es el primer marido de Gina, mientras Marco lleva el número cuatro de cuarto marido. Y segundo, al final de la película cuando Fio vuela de vuelta a Milán y se ve el avión de Marco atracado en el jardín privado de Gina, indicando que Gina cumplió al fin su promesa de casarse con él.

porco rosso

Vemos también la habitual heroína de Miyazaki en los dos personajes femeninos: Gina una mujer que, a pesar de que su vida ha estado llena de tragedias, se ha crecido ante la adversidad, en vez de convertirse en víctima; y Fio que encarna la inocencia y el espíritu de lucha. Pero también lo vemos en las mujeres de la familia Piccolo que, ante la ausencia de los hombres, han tomado las riendas del negocio y son capaces de trabajar en equipo para conseguir su objetivo. Sin duda, la habitual solución que nos propone el director ante cualquier crisis: la comunidad. Y al mismo tiempo un crítica y una pregunta lanzada al aire a modo de reflexión: ¿cuando y cómo una sociedad productiva basada en la comunidad se convierte en una sociedad totalitaria? Pero al final, como en todas las historias de Miyazaki, siempre hay esperanza.

Bibliografía

CAVALLARO, Dani.  The Anime Art of Hayao Miyazaki.  North Carolina: McFarland, 2006, pp. 212.
McCARTHY, Helen. Hayao Miyazaki: master of Japanese animation: films, themes, artistry. Berkeley: Stone Bridge, 2008.
MOIST, Kevin M.; BARTHOLOW, Michael. “When Pig Fly: Anime, Auteurism, and Miyzaki’s Porco Rosso”. En: Animation: An interdisciplinary journal, 2 (1). Pp. 27-42
NAPIER, Susan. Technology of Nostalgia and Denial, [en línea]. <http://susanjnapier.com/?page_id=21> [7 de marzo de 2015]

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


11
mar

9th Asian Film Awards – Nominados

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Hace unos días se han anunciado los nominados a los Asian film Awards, premios creados en el marco del Hong Kong Film Festival pero que ya son un referente dentro de la producción cinematográfica asiática. Curiosamente este año hay muchas películas que no comparten lasnominaciones a mejor director y mejor película, pero entre las que si lo hace destacan la india Haider y y la china The Blind Massage. A continuación os acerco la lista completa de nominados.

Mejor Película

Black Coal, Thin Ice (China)
Blind Massage (China)
Haider (India)
Hill Of Freedom (Corea del Sur)
Ode To My Father (Corea del Sur)
The Light Shines Only There (Japón)

Mejor Director

LOU Ye – Blind Massage
Shinja TSUKAMOTO – Fires On The Plain
Lav DIAZ – From What Is Before
Vishal BHARDWAJ – Haider
HONG Sang-soo – Hill Of Freedom
Ann HUI – The Golden Era

Mejor Actor

LIAO Fan – Black Coal, Thin Ice
Ryo KASE – Hill Of Freedom
Sean LAU Ching-wan – Overheard 3
Ethan RUAN – Paradise In Service
CHOI Min-sik – Roaring Currents
Takeru SATOH – Rurouni Kenshin: The Legend Ends

Mejor Actriz

BAE Doo-na – A Girl At My Door
GONG Li – Coming Home
ZHAO Wei – Dearest
Kalki KOECHLIN – Margarita, With A Straw
Rie MIYAZAWA – Pale Moon
TANG Wei – The Golden Era

Mejor Novato

DOH Kyung-soo – Cart
ZHANG Huiwen – Coming Home
Ivana WONG – Golden ChickenSSS
Hiroomi TOSAKA – Hot Road
ZHAN Huaiyun – Meeting Dr. Sun

Mejor Actor Secundario

CHO Jin-woong – A Hard Day
QIN Hao – Blind Massage
CHEN Jianbin – Paradise In Service
WANG Zhiwen – The Golden Era
Hideaki ITO – WOOD JOB!

Mejor Actriz Secundaria

HAN Ye-ri – Haemoo
Tabassum HASHMI – Haider
WAN Qian – Paradise In Service
Chizuru IKEWAKI – The Light Shines Only There
Haru KUROKI – The Little House

Mejor Guión

KIM Seong-hun – A Hard Day
DIAO Yinan – Black Coal, Thin Ice
Chaitanya TAMHANE – Court
LI Qiang – The Golden Era
Ryo TAKADA – The Light Shines Only There

Mejor Fotografía

DONG Jinsong – Black Coal, Thin Ice
ZENG Jian – Blind Massage
CHOI Chan-min – Kundo: Age Of The Rampant
KONDO Ryuto – My Man
Matt FLANNERY, Dimas Imam SUBHONO – The Raid 2: Berandal

Mejor Diseño de Producción

LIU Qing – Gone With The Bullets
Subrata CHAKRABORTY, Amit RAY – Haider
PARK Il-hyun – Kundo: Age Of The Rampant
Yuji HAYASHIDA, Eri SAKUSHIMA – Over Your Dead Body
YI Zhenzhou – The Taking Of Tiger Mountain

Mejor Banda Sonora

CUI Jian, LIU Yuan – Blue Sky Bones
ZHANG Yilin, HISAISHI Joe, DOU Peng George ACOGNY, SHU Nan – Gone With The Bullets
Mikey MCCLEARY – Margarita, With A Straw
MOWG – The Fatal Encounter
BCDMG – Tokyo Tribe

Mejor Edición

KIM Chang-ju – A Hard Day
Hiroshi SUNAGA – One Third
Patrick TAM, Curran PANG – That Demon Within
KWONG Chi-leung, Manda WAI – The Golden Era
Gareth EVANS – The Raid 2: Berandal

Mejores Efectos Especiales

Rick SANDER, Christoph ZOLLINGER – Gone With The Bullets
Takashi YAMAZAKI – Parasyte
TONG Ka-wai, Ken LAW, Randy TSE, Lucky Tracy Hannah – The Midnight After
KANG Jong-ik – The Pirates
KIM Wook – The Taking Of Tiger Mountain

Mejor Vestuario

LIANG Tingting – Brotherhood Of Blades
William CHANG Suk Ping – Gone With The Bullets
Isao TSUGE – Over Your Dead Body
CHONG Kyong-hee – The Fatal Encounter
KWON Yoo-jin – The Taking Of Tiger Mountain


09
mar

Los Lunes con Miyazaki – Nicky, la aprendiz de bruja

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1989
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki (novela de Eiko Kadono)
Producción: Nibariki, Nippon Television Network Corporation, Studio Ghibli
Música: Joe Hisaishi
Animation, seinen-eiga

Nicky ha cumplido los 13 años y, como todas las brujas inexperta a su edad, debe emanciparse durante un período de un año para encontrar su propia especialidad y completar así su período de aprendizaje. Así que coge su escoba y a su gato Jiji y busca una ciudad cercana al mar dispuesta a entender los conceptos de amistad e independencia para poder madurar por sí misma.

Nicky, la aprendiz de bruja es una adaptación de la novela infantil escrita por Eiko Kadono Majo no Takkyūbin (1985) encargada en 1987 por el Grupo Fudosha a Studio Ghibli. Sin embargo, no es hasta el estreno de Mi vecino Totoro (1988) cuando Miyazaki toma las riendas del proyecto, asumiendo también la elaboración del guión e inspirándose en la ciudad sueca de Visby para recrear la ciudad portuaria de Koriko, situada en una Europa de 1950 alternativa en la que la Segunda Guerra Mundial nunca tuvo lugar. El título de la película coge prestado el nombre y el gato negro del logo de la empresa de transportes japonesa Yamato, la cual se benefició enormemente de esponsorizar el proyecto (McCARHTY, 2008).

Dado que la obra original de Eiko Kadono consta de historias breves sobre las diferentes personas que Nicky conoce durante sus entregas, Miyazaki tuvo que crear tres elementos dramáticos clave para crear la trama de la película: el accidente con el dirigible, los problemas de Nicky con la magia, el hecho de que Nicky gane dinero con sus entregas. En este caso, como señala Napier, el primero sirve como elemento visual que reafirma el mensaje del segundo (NAPIER, 2005). A pesar de que la autora en un principio no estuvo nada de acuerdo con estos cambios (McCARTHY, 2008), estos elementos dramáticos son claves para expresar el tema central de la obra: la independencia. Pero no hablamos de la independencia económica, que Nicky consigue cuando empieza su negocio de correos, sino de la independencia espiritual necesaria para descubrir sus propios talentos y limitaciones y confiar en sí misma. En esta transición emocional de la adolescencia a la edad adulta, Nicky es asesorada por dos mujeres que sustituyen la figura de su madre: Osono, la propietaria de un negocio y Úrsula, una pintora independiente. Y, el contrapunto, correrá a cargo de Tombo, un niño ilusionado con la aviación –volvemos a ver aquí una referencia a las obsesiones propias del director—que le ofrece su amistad de manera completamente altruista. Tombo actuará en el film como el galán dispuesto a ayudar la dama y a la vez como el galán en peligro que necesita ser salvado.

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En cuanto al tercer elemento, es crucial para romper con el prototipo de cuento de hadas; Ya lo había roto con el doble rol de Tombo, pero además en este cuento de hadas el director trasciende el arquetipo de la bruja que tiene que buscarse el sustento y esto la ata al mundo real a la vez que enfatiza el mensaje de la película (NAPIER, 2005). Así, Miyazaki nos presenta una bruja muy humana que encarna a todas las jóvenes japonesas que sueñan con la libertad de las grandes ciudades pero que a menudo sienten ansiedad y soledad cuando se independizan. Nicky es en este sentido, el prototipo de heroína miyazakiana: valiente, alegre y dispuesta, que deberá recorrer su propio viaje heroico, aceptar la amistad de los demás y superar sus derrotas.

Es interesante que la historia se produzca, igual que ocurre con Mi vecino Totoro, en un historia alternativa en la que la Segunda Guerra Mundial no ocurrió. Aunque Satsuki y Mei viven en Japón y Nicky en Europa, el desarrollo de la política económica de ambos continentes es el mismo. Osono acoge a Nicky en su casa a cambio de que la ayude en la panadería, aunque exista una economía de mercado es la vida en comunidad lo que hace prosperar al mundo: el poder confiar en la ayuda y la amistad de los demás. Es decir, para Miyazaki la vida en comunidad es la solución tanto en Europa como en Asia; para él, sin la revolución Meiji y la Segunda Guerra Mundial, el movimiento socialista hubiera evolucionado de una manera exitosa.

A pesar de ser una película hecha por encargo, Miyazaki consiguió hacer un producto muy suyo. La lucha entre la modernidad y la tradición — el respeto a los mayores, el inexorable avance de la tecnología — es un tema central en muchas de las películas de Ghibli, pero en Nicky, la aprendiz de bruja, el director acepta la modernidad como algo inevitable a la vez que intenta mantener la tradición. Además, podemos encontrar dos personajes reciclados claves en el resto de su obra. Uno de ellos es la pintora Úrsula, basada en el personaje de Pippi Calzaslargas que Miyazaki intentaría adaptar en 1971 en Nagakutsushita no Pippi, de espíritu aventurero y con predilección por la naturaleza. El proyecto fue finalmente descartado pero los conceptos y el personaje serían rescatados para crear a Mimiko de Las aventuras de Panda y sus amigos (Isao Takahata, 1972) y posteriormente a la protagonista del cortometraje creado para el Ghibli Museum en 2006 House Hunting (MONTERO, 2012). Y el otro sería el personaje autobiográfico de Tombo, el niño loco por la aviación que inspiró en parte a Jiro de Se levanta el viento (2013).

Cuando Disney asume la distribución y doblaje del film lo hace a partir de la traducción que realizó Streamline Pictures para los vuelos internacionales de la Japan Airlines. Por ello hay varias incongruencias y varios cambios en el original, consensuados con Ghibli, aunque quizás el más significativo es que en la versión japonesa original Nicky pierde para siempre la habilidad de hablar con su gato Jiji mientras que en la de Disney la recupera cuando recupera su magia. Según Miyazaki, la pérdida de esta habilidad simboliza que Nicky ha conseguido madurar y ya no necesita hablar con un gato (MIYAZAKI, 2006).

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La versión de Ghibli no es la única de Majo no Takkyûbin que fue versionado en un musical en 1993 y en un live-action en 2014, pero sí la más lucrativa y la más galardonada: Nicky, la aprendiz de bruja fue un éxito en las taquillas japonesas, donde alcanzó los 18 millones de dólares y además, fue el DVD de anime más vendido en 2001. Además, el film fue galardonado a la mejor Película Animada en la 44ed. Mainichi Film Award (1990) y en la 12ed. Anime Grand Prix (1989); y con el premio especial y el premio a la popularidad en la 13ed. de la Japan Academy Prize.

BIBLIOGRAFÍA

CAVALLARO, Dani.  The Anime Art of Hayao Miyazaki.  North Carolina: McFarland, 2006, pp. 212.
McCARTHY, Helen. Hayao Miyazaki: master of Japanese animation: films, themes, artistry. Berkeley: Stone Bridge, 2008.
MONTERO, Laura. El mundo invisible de Hayao Miyazaki. Palma de Mallorca: Dolmen Editorial, 2012.
MIYAZAKI, Hayao. The Art of Kiki’s Delivery Service: A Film by Hayao Miyazaki. Viz Media, 2006, pp. 208.
NAPIER, Susan. Anime from Akira to Howl’s Moving Castle: Experiencing Contemporary Japanese Animation. New York: Urban Media Comics: 2005, pp. 355.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


06
mar

Programación Casa Asia – Ciclo de “Big In Japan”

Big Japan

Casa Asia y la Fundación Japón-Madrid brindan de nuevo a los seguidores del cine japonés y a aquellos que quieren conocer esta cinematografía por dentro la posibilidad de ver películas que han marcado hitos en su país de origen.

Los títulos que forman parte de este ciclo nos acercan a algunos de los éxitos del cine japonés reciente, sea por la adaptación de novelas populares en Japón o por tratarse de fenómenos mediáticos como la erupción volcánica en la isla de Miyake-Jima en el año 2000 o como la tragedia del terremoto y tsunami de Fukushima en 2011. Se trata de un total de 11 producciones, dos de las cuales están dedicadas al público infantil. El resto se compone de películas que abordan la vida cotidiana del país en sus diferentes aspectos: el drama suele ser el hilo conductor de la mayoría, sin que necesariamente éste se imponga como clave para la articulación de los episodios no menos reales que se narran.

Esta muestra ha sido posible gracias al apoyo de la Fundación Japón-Madrid y de los realizadores cuyos trabajos se han incluido por su indudable interés. Cabe mencionar también la aportación de los cineastas argentinos, Federico y Martín Aletta, que presentan obras hechas en Japón; la de las italianas Samantha Cito y Simona Cocozza con The Barefoot Princess, película que se confrontará con Kabuku de Yoshitarro Saito; y por último, el documental Twilight of the Yakuza del alemán Sebastian Stein sobre los yakuza. El ciclo comprende largometrajes de ficción, cortos, documentales y animación, con el fin de integrar todos los formatos.

Programa

Sábado, 28 de febrero de 2015 a las  18.00 h  |  Domingo, 1  de marzo de 2015  16.00 h

Komaneko’s Christmas: A Lost, dir. Tsuneo Goda | 2009 | 20’ | VOSI
Komaneko: The Curious Cat, dir. Tsuneo Goda | 2006 | 60’ | VOSI

Sábado, 28 de febrero de 2015 a las 20.00 h

Rock: The Island of Dogs, dir. Isamu Nakae | 2011 | 123’ | VOSE

Sábado, 7 de marzo de 2015 a las 20.00 h

Eclair, dir. Akio Kondo | 2011 | 107’ | VOSE

Sábado, 14 de marzo de 2015 a las 20.00 h

Quartet!, dir. Junichi Mimura | 2012 | 118’ | VOSE

Sábado, 21 de marzo de 2015 a las 20.00 h

Robo-G, dir. Shinobu Yaguchi | 2012 | 111’ | VOSE

Sábado, 28 de marzo de 2015 a las  20.00 h

Kabuku, dir. Yoshitaro Saito | 2013 | 41’ | VOSI
The Barefoot Princess, dir. Samantha Cito y Simona Cocozza  | 2013 | 54’ | VOSE
Con coloquio a cargo de Samantha Cito, una de las directoras de The Barefoot Princess.

Sábado, 4 de abril de 2015 a las  20.00 h

Ope Eyes, dir. Martín Aletta | 2013 | 15’ | VOSE
Ishinomaki Rock’n Roll City, dir. Federico Aletta | 2011 | 18’ | VOSE
Twilight of the Yakuza, dir. Sebastian Stein| 2011 | 52’ | VOSI

Cinemes Girona
c/ Girona, 175 (Barcelona)


05
mar

Fundación Japón – Fin del Ciclo 36 directores japoneses

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El ciclo de cine especial que Fundación Japón y Filmoteca Española prepararon con motivo de la celebración del Año Dual España – Japón llega a su fin en Madrid con una última selección de seis películas que se proyectarán durante el mes de marzo. El ciclo ha gozado un gran éxito de público que esperamos acompañe a esta sexta tanda compuesta por un grupo de películas que, como en las ediciones anteriores, busca combinar títulos de directores muy conocidos, como Hirokazu Kore-eda, Hayao Miyazaki o Takashi Miike, con trabajos menos conocidos, como Maiko Haaaan!!! o Maiko Lady.

El ciclo 36 Directores Japoneses ha estado compuesto, como indica su nombre, por treinta y seis películas, de otros tantos directores japoneses, seleccionadas a partir de las sugerencias del público. A los dieciocho títulos más votados, especialistas y críticos de cine han añadido los trabajos de otros dieciocho directores japoneses a modo de diálogo con la propuesta del público. El ciclo comenzó con una primera entrega que se proyectó coincidiendo con el comienzo de la conmemoración, en julio de 2013, y ha continuado durante los dos siguientes años, mostrando las obras más representativas, o las menos conocidas, de los maestros del cine japonés de todos los tiempos. El ciclo toca a su fin en este mes de marzo de 2015 en el que se proyectarán los últimos seis títulos de la selección.

La Filmoteca Española proyecta esta tanda del Ciclo 36 Directores Japoneses entre el 4 y el 28 de marzo:

Still Walking – Caminando (歩いても歩いても, 2008) – Hirokazu Kore-eda

“De Ozu a Naruse pasando por Kore-Eda. Todo el cine nipón, el grande (sólo faltaría citar a Kenji Mizoguchi), se da cita en la película. Dice el propio director que Still Walking nació de una necesidad muy personal. ‘En los últimos seis años, perdí a mis dos padres. Sentía que les debía algo’. Cuenta que parte de su historia está dentro de la película.” (Luis Martínez). Still Walking – Caminando se proyectará el día 04/03 a las 20.00h y el día 21/03 a las 19.30h.

Ponyo en el acantilado (崖の上のポニョ, 2008) – Hayao Miyazaki

“Hayao Miyazaki inicia con esta película una regresión a la infancia que simplifica el argumento -estamos ante una versión libérrima de La sirenita de Andersen- y aligera la forma. Ante el exagerado barroquismo de El castillo ambulante, reivindica una depuración estilística, un regreso a los orígenes del relato, que resulta más que refrescante. En tiempos de ferocidad digital, Ponyo es una celebración de la animación tradicional. El lápiz, la pintura, el diseño de línea clara, la atención por el detalle y la creatividad del animismo son ejemplares.” (Sergi Sánchez). Ponyo en el acantilado se proyectará el día 07/03 a las 17.30h y el día 17/03 a las 20.00h.

Maiko Haaaan!!! (舞妓Haaaan!!, 2007) – Nobuo Mizuta

Kimihiko Onizuka es un fanático de las maiko (las aprendizas de geisha) y un fetichista que posee un blog donde fotografía a escondidas a las debutantes. Sin embargo, nunca ha estado en una casa de geishas, por lo que un misterioso hombre que visita su página lo estimula con sus insultos y sus vejaciones, tildándolo de principiante y de iletrado en la materia hasta que, por fin, se atreve a entrar en una casa de maiko. Maiko Haaaan!!! se proyectará el día 10/03 a las 21.30h y el día 12/03 a las 19.30h.

Maiko Lady (舞妓はレディ, 2014) – Masayuki Suo

“La cultura alrededor de la geisha en Japón se cruza de forma enloquecida con los musicales de Broadway en Maiko Lady, la variación de Masayuki Suo de My Fair Lady. Magníficamente diseñado y eufóricamente coreografiado, este drama multitudinario es una invitación visual que, en más de dos horas, imprime una chispa romántica a su enorme ímpetu dramático.” (Maggie Lee). Maiko Lady  se proyectará el día 11/03 a las 20.00h y el día 15/03 a las 17.30h.

Los protectores – Shield of Straw (藁の楯, 2013) – Takashi Miike

‘Mate a este hombre y recibirá un millón de yenes como recompensa.’ Con esta publicidad publicada en todos los periódicos japoneses, el multimillonario Ninagawa pone un precio a la cabeza de Kiyomaru, el presunto asesino de su nieta. Millones de enemigos potenciales van a obstaculizar la ruta de los policías responsables de escoltar a Kiyomaru hasta Tokio, transformando el periplo en una persecución infernal que lleva al espectador al corazón de un western urbano cuyo final es incierto. Los protectores – Shield of Straw se proyectará el día 24/03 a las 21.40h y el día 28/03 a las 19.30h.

Why Don’t You Play in Hell? (地獄でなぜ悪い, 2013) – Sion Sono

“Why Don’t You Play in Hell? es una farsa empapada en sangre sobre la gloria de los rodajes de guerrilla: una comedia sobre un clan de mocosos cinéfilos, denominados “Los jodidos bomberos” que se introducen en una clan mafioso para crear “la mayor película de todos los tiempos”. También es la película más accesible del escritor/director postpunk Sion Sono: el tributo de un cineasta de mediana edad a la novela negra de contenido épico que solía fantasear con hacer.” (Simon Abrams). Why Don’t You Play in Hell? se proyectará el día 25/03 a las 20.00h y el día 27/03 a las 17.30h.

Además, coincidiendo con las proyecciones de Maiko Haaaan!!! (Nobuo Mizuta, 2007) y Maiko Lady (Masayuki Suo, 2014), películas que nos hablan de la figura de las geiko y las maiko desde muy diferentes puntos de vista, Fundación Japón organiza una serie de conferencias sobre el mundo de las geishas. Bajo el título de La fortaleza de la cultura japonesa: Los hanamachi de Kioto, estas conferencias, a cargo de la fotógrafa y periodista especializada Kyoko Aihara, nos acercarán a la realidad de este personaje estereotípico de la cultura japonesa. Estas conferencias se realizarán en diversas ciudades:

Zaragoza: Viernes 13 de marzo – 19.00h – Salón de Actos de la Biblioteca de Humanidades María Moliner. Universidad de Zaragoza. Campus Plaza San Francisco. C/ Pedro Cerbuna, nº 12. Entrada libre hasta completar aforo.

Barcelona: Lunes 16 de marzo – 18.30h – Casa Asia Barcelona. Aforo limitado. Para asistir a la actividad es necesario inscribirse enviando un correo a: educacion@casaasia.es , indicando nombre y número de DNI, NIE o pasaporte.

Granada: Martes 17 de marzo – 18.00h – Aula Magna – Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Granada. Campus de Cartuja s/n. Entrada libre hasta completar aforo.

Málaga: Jueves 19 de marzo – 17.30h – Salón de Grados de la Facultad de Estudios Sociales y del Trabajo, Avda. Francisco Trujillo Villanueva, nº 1, Universidad de Málaga. Entrada libre hasta completar aforo.

Sevilla: Viernes 20 de marzo – 17.00h – Salón de Actos del Centro Internacional – Universidad de Sevilla, Av. Ciudad Jardín 20 (Gran Plaza). Entrada libre hasta completar aforo.

Santiago de Compostela: Martes 24 de marzo – 19.00h – Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela. Entrada libre hasta completar aforo.

Madrid: Jueves 26 de marzo – 19.00h – Fundación Japón, Madrid, C/ Almagro, 5. Entrada libre hasta completar aforo.

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