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35th Blue Dragon Film Awards (2014)

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Hace escasas horas se han conocido los ganadores de los Blue Dragon Film Awards, premios populares organizados por el mayor grupo editorial coreano. Entre lso premiados cabe destacar la película “The Atterney“, que se ha llevado el galardón a mejor film y ha premiado además a Song Kang-ho como mejor actor. La otra película destacada, aunqeu solo se ha llevado u premio, ha sido “Roaring Currents“, que ha premiado a Kim Han-min, su director. Por lo demás todo muy repartido con “A Hard Day” llevándose algunos premios como el de actor secundario, guión y edición, “Kundo” con el de fotografía y banda sonora y “Han Gong-ju” con el de mejor actriz y director novel. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados de esta edición.

Mejor Película

A Hard Day
Roaring Currents
The Attorney
Miss Granny
Whistle Blower

Mejor Director

Kim Sung-Hoon (A Hard Day)
Kim Han-Min (Roaring Currents)
Lee Suk-Hoon (The Pirates)
Yim Soonrye (Whistle Blower)
Hwang Dong-Hyuk (Miss Granny)

Mejor Actor

Park Hae-Il (Whistle Blower)
Song Kang-Ho (The Attorney)
Lee Sun-Kyun (A Hard Day)
Jung Woo-Sung (The Divine Move)
Choi Min-Sik (Roaring Currents)

Mejor Actriz

Kim Hee-Ae (Thread of Lies)
Son Ye-Jin (Blood and Ties)
Shim Eun-Kyung (Miss Granny)
Jeon Do-Yeon (Way Back Home)
Chun Woo-Hee (Han Gong-Ju)

Mejor Actor secundario

Kwak Do-Won (The Attorney)
Yu Hae-Jin (The Pirates)
Lee Kyoung-Young (Whistle Blower)
Lee Sung-Min (Kundo : Age of the Rampant)
Cho Jin-Woong (A Hard Day)

Mejor Actriz Secundaria

Kim Young-Ae (The Attorney)
Ra Mi-Ran (My Love, My Bride)
Lee Ha-Nui (Tazza: The Hidden Card)
Jo Yeo-Jeong (Obsessed)
Han Ye-Ri (Haemoo)

Mejor Director novel

Guk Dong-Suk (Blood and Ties)
Shim Sung-Bo (Haemoo)
Yang Woo-Seok (The Attorney)
Woo Moon-Gi (The King of Jokgu)
Lee Su-Jin (Han Gong-Ju)

Mejor Actor novel

Kim Woo-Bin (Friend, The Great Legacy)
Park Yoo-Chun (Haemoo)
Ahn Jae-Hong (The King of Jokgu)
Siwan (The Attorney)
Choi Jin-Hyuk (The Divine Move)

Mejor Actriz novel

Kim Sae-Ron (A Girl At My Door)
Kim You-Jung (Thread of Lies)
Ryoo Hye-Young (My Dictator)
Esom (Scarlet Innocence)
Lim Ji-Yeon (Obsessed)

Mejor Guión

Kim Sung-Hoon (A Hard Day)
Yang Woo-Seok & Yoon Hyun-Ho (The Attorney)
Lee Su-Jin (Han Gong-Ju)
Shim Sung-Bo & Bong Joon-Ho (Haemoo)
Shin Dong-Ik & Hong Yoon-Jung & Dong Hee-Sun (Miss Granny)

Mejor Edición

Kim Sang-Bum & Kim Jae-Bum (The Attorney)
Kim Na-Young (Tazza: The Hidden Card)
Kim Chang-Joo (A Hard Day)
Shin Min-Gyeong (The Divine Move)
Choi Hyun-Sook (Han Gong-Ju)

Mejor Fotografía e Iluminación

Kim Tae-Sung & Kim Gyung-Suk (A Hard Day)
Kim Tae-Sung & Kim Gyung-Suk (Roaring Currents)
Lee Tae-Yoon & Oh Seung-Chul (The Attorney)
Choi Chan-Min & Yoo Young-Jong (Kundo : Age of the Rampant)
Hong Gyung-Pyo & Kim Chang-Ho (Haemoo)

Mejor Banda Sonora

Kim Joon-Seok (Tazza: The Hidden Card)
Kim Tae-Sung (Roaring Currents)
Mowg (Miss Granny)
Jo Young-Wook (Kundo : Age of the Rampant)
Jo Young-Wook (The Attorney)

Mejor Diseño artístico

Kim Ji-Soo (Obsessed)
Kim Ji-A (The Pirates)
Jang Choon-Sub (Roaring Currents)
Park Il-Hyun (Kundo : Age of the Rampant)
Lee Ha-Joon (Haemoo)

Premio Técnico

Kang Jong-Ik (The Pirates)
Song Jong-Hee (My Dictator)
Yoon Dae-Won (Roaring Currents)
Jung Doo-Hong & Kang Young-Mook (Kundo : Age of the Rampant)
Choi Bong-Rok (The Divine Move)

Premio a la popularidad

Song Seung-Heon, Shin Se-Kyung, Kim Woo-Bin, Siwan


15
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Retrospectiva de Masayuki Ochiai (落合正幸)

masayuki ochiaiNacido en Tokyo en 1958. Sus largometrajes pertenecen todos al j-horror con lo que normalmente se le tilda de director del género de terror, sin embargo en la televisión ha tocado otros géneros: drama en Last Present (movie TV para TV Asahi, 2005) o suspense en The Holy Monsters (drama para TV Asahi en 2012). En esta retrospectiva, en concreto, sólo hablaremos de sus largometrajes para no extendernos demasiado.

Su cine denota una preferencia por el aspecto visual más que por el hilo narrativo. Le gusta desarrollar la película lentamente al principio, construyendo el clímax y creando la atmósfera adecuada a base de efectos especiales y planos terroríficos. Él mismo reconocía su fijación por la belleza visual en una entrevista para Cinema.com: “Beauty, the distinctly visual aspect of the film, is very important for me. When I started directing films more than ten years ago, there were not many Japanese directors paying the kind of attention that I like towards fine visual details such as using elements as colour. Colour is extremely important to me, natural colour and lighting. In one of my films, Infection, set in a hospital, everyone was wearing white coats so I used grayish white, yellowish white and bluish white. These were subtle differences and variations on the pure white. I think those things have a huge impact on the atmosphere and quality of a film. I am very detail minded.” (Cinema.com. “Shutter: Masayuki Ochiai interview”. Cinema.com. http://cinema.com/articles/5692/shutter-masayuki-ochiai-interview.phtml [9 Dec. 2014]).

Como a todo director de j-horror, su cine está fuertemente influenciado por el teatro Noh, especialmente por el kijo-mono, donde las protagonistas femeninas se ven retratadas normalmente como víctimas frágiles que encuentran en lo paranormal el poder para vengarse de los hombres (Yau Shuk-ting, Kinnia. East Asian Cinema and Cultural Heritage: From China, Hong Kong, Taiwan to Japan and South Korea. New York: Palgrave Macmillan, 2011). En este sentido, Yuka (Saimin), Megumi (Shutter) y Kayako (Ju-on) son paradigmas perfectos del kijo-mono y la estética yūgen –una forma de estética tradicional ligada al Noh que relaciona la belleza con el sufrimiento humano–.

Pero lo que me gusta de Ochiai es que no sólo explota los fantasmas y temas típicos del j-horror, sino que pretende desarrollar el género y da siempre un paso más en sus películas. Ninguna es una idea original suya, todas son remakes, adaptaciones de películas, revivals, etc., pero Ochiai siempre aporta un giro de forma o de argumento y una fuerza visual a sus películas que le dan un toque personal. ¿Sus planos más terroríficos? Probablemente los de sus películas de body horror que son también sus aportaciones más interesantes al género.

Parasite Eve

Parasaito Ivu
1997/Japan
Director: Masayuki Ochiai
Guión: Ryōichi Kimizuka (novela de Hideaki Sena)
Reparto: Hiroshi Mikami, Riona Hazuki, Tomoko Nakajima
Producción: Fuji Television Network, Kadokawa Shoten Publising
Música: Joe Hisaishi
J-horror, body horror

En 1997 estrena su ópera prima Parasaito Ivu (aka Parasite Eve) basada en la novela homónima de Hideaki Sena publicada por la editorial Kadokawa en 1995. Es también Kadokawa Shoten con Fuji Television quien produce el film, con guión de Ryoishi Kimizuka y una impecable banda sonora de Joe Hisaishi.

La trama habla de la mitocondria que el ser humano hereda de la mujer y que provee de energía a nuestras células. Nuestra primera ancestro femenina, Eva, lleva esperando muchos siglos para ejecutar su plan y reemplazar la humanidad, evolucionando a una nueva especie. Para ello, utiliza el cuerpo de Kiyomi para llegar a Toshiaki Nagashima un biólogo especializado en mitocondrias que cuando pierda a su esposa en un accidente hará lo que sea para recuperarla: incluso cultivar sus células.

En su primera película, Ochiai ya muestra su decisión de desarrollar el género de terror mezclando el body horror con el cine de zombis, ya que Eva es un cuerpo reanimado. Pero además juega con la estética, con los colores en concreto, y contrapone el blanco para Kiyomi y el verde para Eva. Enfrentando el bien y el mal. Y es que es precisamente el corazón puro de Kiyomi lo que la hace la huésped perfecta.

hypnosis

En 1999 se pasa al terror psicológico de manos de la productora Toho con Saimin (aka Hypnosis), basada en la novela de Keisuke Matsuoka; pero esta vez Ochiai se atreve a escribir el guión con Yasushi Fukuda. Será el primero de muchos.

Tres suicidios aparentemente inconexos ocurren en el mismo día: una joven atleta durante el entrenamiento, un novio durante el banquete de su boda y un anciano mientras celebra el cumpleaños de su esposa. Sólo una cosa les conecta: sus últimas palabras han sido midoru no saru (“mono verde”). El joven psicoanalista Saga intentará ayudar al detective Sakurai a resolver el caso, cuyo principal sospechoso es un hipnotista de televisión.

Ochiai rompe otra vez con la trama del original y a mitad de película, una vez ya creado el ambiente que a él le gusta, centra la atención en el interés amoroso de Saga por una joven frágil, Yuka Irie, con un trastorno de personalidad múltiple. Aquí vemos dos influencias claras. Por un lado, se deja sentir el tributo a Cure (1997) de Kurosawa. Ambos films entremezclan los asesinatos en serie con el mesmerismo, mostrando una cultura moderna y capitalista donde la violencia se expande de manera viral porque la destrucción y la violencia reside en todos nosotros (Badley, Linda, R. Barton Palmer and Steven Jay Schneider. “Japanese Horror Cinema.” 214-229 in Traditions in World Cinema. New Jersey: Rutgers University Press, 2006. p. 225). Esto queda muy claro en la conversación final entre Yuka y Saga:“[El mono verde está] en el fondo del alma humana, la mente malvada. El mono verde vive en la mente de todos nosotros”. Además, en ambos se puede leer la crítica velada a la policía japonesa por su incapacidad ante el cruento aumento de la violencia y, en ambas hay un elemento sobrenatural o extraterrestre que podría o no ser un alien (Earles, Steve. Flowers from Hell: The Modern Japanese Horror Film. Noir Publishing, 2008. p.60). Por otro lado, vemos la clara influencia del kijo-mono y de Ring (1998) de Nakata. Yuka es la típica heroína que después de haber sufrido los abusos de varios hombres, encuentra en lo sobrenatural el poder para vengarse. De la belleza de su sufrimiento –estética yūgen– proviene, entonces, el amor de Saga, y es su incapacidad para luchar contra su propio sufrimiento lo que provoca que un onryō (espíritu vengativo) la posea.

Infection_Kansen

Kansen
2004/Japan
Director: Masayuki Ochiai
Guión: Ryōichi Kimizuka, Masayuki Ochiai
Reparto: Michiko Hada, Mari Hoshino, Tae Kimura
Producción: Aozora Investments, Enterntainment Farm, Geneon Entertainment
J-horror, body horror

En 2004 vuelve al body horror con Kansen (aka Infection). Esta vez la película se estrena como parte de una serie de seis películas de diferentes directores producidas por Takashige Ichise’s J-Horror Theater.

El guión, de Ryoichi Kimizuka otra vez, sitúa la trama en un hospital al borde del colapso financiero, con una plantilla bajo mínimos, poco preparada y con una ética un tanto cuestionable. En este panorama, el doctor Akiba y el doctor Uozumi junto con varias enfermeras intentan ocultar la muerte de un paciente por negligencia. Para subir el listón, llega un nuevo paciente con una extraña enfermedad que provoca que sus órganos se estén tornando en un líquido verde putrefacto.

En cuanto a la forma, volvemos al color. Ochiai juega con la oposición del líquido verde para los que se ven infectados y el rojo de la sangre para los que ven la realidad. En cuanto al contenido, esta vez tenemos mucha más crítica escondida. McRoy ve tres críticas en la trama (McRoy, Jay. Nightmare Japan: Contemporary Japanese Horror Cinema. New York, Rodopi, 2008. p. 178); primero está el tema de como la recesión económica provoca la explotación de los recursos laborales. Segundo, está la ironía de que un grupo de médicos y enfermeras rechacen un cuerpo putrefacto –la vida en estado puro–. Es su rechazo lo que provoca que se propague la enfermedad. Y finalmente, está la referencia a la política de contagio y supresión de información antes de 1990 sobre los experimentos químicos y biológicos del ejército japonés en civiles chinos durante la Segunda Guerra Mundial. Yo añadiría una última pregunta a modo de reflexión que nos brinda el director cuando se juzga al doctor Uozumi por sus acciones: ¿cuál es el verdadero trabajo de un médico? ¿Prolongar la vida a cualquier precio?

shutter

Shutter
2008/Japan
Director: Masayuki Ochiai
Guión: Luke Dawson
Reparto: Joshua Jackson, Rachael Taylor, James Kyson
Producción: 20th Century Fox
J-horror, thriller, psichological horror

En 2008 ante la popularidad del j-horror, 20th Century Fox decide sacar tajada y encarga a Ochiai un remake de un film de 2004 de los tailandeses Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom. El remake se estrena con el mismo nombre que el original, Shutter, y cuenta con las estrellas Joshua Jackson y Rachel Taylor que interpretan a Ben y Jane; unos recién casados que viajan a Japón porque Ben tiene un trabajo de fotografía allí y se ven acosados por un espíritu que aparece en sus fotografías. Cuando Jane (Rachel Taylor) empieza a investigar, descubre que existe una conexión entre la chica muerta que aparece en las fotografías y su marido.

El remake de Ochiai incluye, igual que el original, un onryō pero reubica la historia en Japón para crear más misterio desde el principio. Además la historia se cuenta desde el punto de vista de Jane, una extranjera en un país desconocido a la que su marido parece ocultarle algún secreto; este recurso hace que crezca la tensión y la sensación de aislamiento. A diferencia del original, además, los violadores son los hombres americanos que no respetan a las mujeres ni a la cultura japonesa mientras que la víctima es la vulnerable Megumi. Gardenour (Gardenour Walter, Brenda S. “Ghastly Transmissions: The Horror of Connectivity and the Transnational Flow of Fear.” 17-29 in Transnational Horror Across Visual Media: Fragmented Bodies. New York, Routledge, 2013, p. 23) apunta a que podríamos interpretar aquí la rocambolesca historia entre Japón y Estados Unidos. Como Estados Unidos obligó al frágil Japón a abrirse al mundo exterior e intentó asimilar su cultura y su tradición –sin olvidar los abusos y violaciones que sufrieron las mujeres japonesas durante la etapa de ocupación americana–, y como Japón se ha vengado invadiendo los hogares americanos con su cultura y sus productos tecnológicos.

En realidad, esto es lo que hace Megumi. Destruye su matrimonio, invade su casa en Nueva York y le obliga a quedarse con ella para siempre. Otro ejemplo más de kijo-mono al que se une uno de los peores miedos y, a la vez, uno de los recursos más usados: la invasión del hogar familiar.

Thriller Restaurant

Gekijō-ban: Kaidan Resutoran
2010/Japan
Director: Masayuki Ochiai
Guión: Yoshikazu Takai, Kumiko Katō, Shōji Yonemura, Miyoko Matsutani
Reparto: Ayano Kudo, Win Morisaki, Ayame Gouriki, Keisuke Tomita, Maya Sakura.
Producción: Dentsu, TV Asahi, Toei Animation
J-horror, comedy

En 2010 se atreve con una comedia de terror basada en los libros para niños Kaidan Restaurant ilustrados por Yoshikazu Takai y Kumiko Kato: Gekijō-ban: Kaidan Resutoran (aka Thriller Restaurant).

El Garçon del Kaidan Restaurant nos presenta el menú de la noche: de aperitivo “el e-mail del shinigami” en forma de corto animado donde se nos explica acerca del fenómeno paranormal que está ocurriendo el la escuela Yamazakura; y de plato principal “Kaidan Restaurant” ya en forma de live-action donde vemos la trama desarrollada. Es entonces cuando llega la detective de fenómenos paranormales, Haru Amano, a Yamazakura para encontrar a su hermana pequeña que parece haber sido enviada a la Tierra de los Espíritus por un shinigami.

Thriller Restaurant es un gran ejemplo de las posibilidades de desarrollo del cine de terror. Esta vez, el director juega con la forma y utiliza un híbrido entre animación –que sirve para crear el ambiente– y live-action. De esta manera, homenajea a la saga (cuyo anime terminó de emitirse en TV Asahi el 8 de junio de 2010) ofreciendo un capítulo más del anime que hará las delicias de los fans pero, además, aporta la recreación en forma de live-action. Aunque sigue el patrón de la serie de dividir la historia en platos –aperitivo, plato principal y postre–, no vemos el postre que en el original es un relato corto de fantasmas contado por algún personaje principal jugando al hyakumonogatari kaidankai y que concluye siempre con alguna moraleja; En el filme, quien cierra el show es directamente el Garçon que, por primera vez en la filmografía del director, es un fantasma bueno y que es quien conecta el mundo de los vivos con el mundo de los espíritus con su restaurante. Existe además un homenaje implícito al juego de cartas japonés obake karuta, en el que se coleccionan fantasmas y monstruos de la tradición japonesa, ya que los fantasmas aparecidos en la película se ven al final convertidos en cartas.

Y ya para finalizar con esta retrospectiva, llegamos a sus dos últimas películas estrenadas este mismo año 2014: Gakkō no Kaidan Noroi no Kotodama (aka Haunted School: The Curse of the World Spirit) y la tercera entrega de la saga Ju-on Juon – Owari no Hajimari (aka Ju-on: The Beginning of the End).

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Gakkō no Kaidan Noroi no Kotodama
2014/Japan
Director: Masayuki Ochiai
Guión: Masayuki Ochiia (novela de Toru Tsunemitsu)
Reparto: Ayano Konishi, Miyu Yamabe, Hitome Arai, Yuri Nakae, Mei Shoji, etc.
Producción: LT Corporation
J-horror, teen-horror

De Haunted School: The Curse of the World Spirit permitidme que no entre en demasiado detalle ya que es la única a la que no he tenido acceso. Tan sólo mencionar que está basada en la novela de Toru Tsunemitsu y que el guión es del propio Ochiai. Gakkō no Kaidan es una de las sagas de terror más reconocidas y con este revival Ochiai toca el teen-horror por primera vez. El argumento se divide en dos historias –muy característico de Ochiai–. Miyu, Ayano, Mei y Yuri son unas estudiantes que averiguan que en su instituto tuvo lugar un grave accidente y cuando quieren averiguar más empiezan a experimentar sucesos paranormales. Mientras, Hitomi se infiltra en un instituto ya abandonado para grabar una película de terror, ya que le han dicho que existe una ventana de un zorro que conecta con el mundo de los espíritus.

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Juon – Owari no Hajimari
2014/Japan
Director: Masayuki Ochiai
Guión: Masayuki Ochiai, Takashige Ichise
Reparto: Nozomi Sasaki, Sho Aoyagi, Reina Triendl, Miho Kanazawa, Haori Takahashi, Yuina Kuroshima, Daiki Miyagi
Producción: Fujishoji, Altemate, Showgate
J-horror, psichological horror

En la tercera entrega de Ju-on, Ochiai firma el guión con Takashige Ichise para reemplazar a Takashi Shimizu en la saga.

La intriga se centra en Yui, la nueva tutora de Toshio Saeki que lleva varios días sin asistir a clase, así que la profesora decide visitarle a él y a su madre. Después de la visita empieza a sufrir experiencias extrañas y decide averiguar más sobre la historia de Toshio e implica a su novio Naoto. Mientras, cuatro adolescentes entran en una casa encantada para pasar el rato y a partir de ahí sufren el acoso de Toshio.

Ochiai divide la película en pequeñas partes narradas desde el punto de vista de los diferentes personajes, siguiendo el patrón de las otras películas de la saga. De esta manera, el director combina la historia de Yui y Naoto con la historia de las adolescentes y poco a poco nos va desvelando la conexión. Muchos critican que esta tercera entrega no aporta nada al original, pero en una entrevista para inSing.com (Yek Keak, Tay. “Taking over the ‘Ju On’ curse: Interview with Masayuki Ochiai”. inSing.com. 9 Aug. 2014. http://movies.insing.com/feature/interview-with-masayuki-ochiai-ju-on-3/id-194b3101/ [10 Dec. 2014]), Ochiai afirmó que después de ver todas las películas de la saga, se dio cuenta de que no tenía que cambiar ni actualizar nada y decidió mantener el formato de Shimizu porque funcionaba por sí solo. El resultado es, sin duda, un fiel revival de la saga pero al mismo tiempo ofrece a la audiencia una explicación plausible sobre el vínculo entre Kayako y su hijo: un vínculo endemoniado que significará el comienzo de una despiadada maldición.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


12
dic

Kon Ichikawa

Kon ichikawaDe los pocos directores japoneses clásicos que tienen cierta reputación internacional, Kon Ichikawa es quizás el menos conocido y peor comprendido. El puñado de películas que recibieron distribución internacional entre la década de los 1950 y 1960 – “The Burmese Harp” (1956), “Fires on the Plain” (1959), “The Key” (1959), “Alone on the Pacific” (1962), “An Actor’s Revenge” (1963) – dan testimonio de ese rasgo que irónicamente ha sido su mayor escollo: un eclecticismo tanto en temas como en estilo que parece desafiar el propio concepto de consistencia autoral. Muchos lo han menospreciado como “solo un ilustrador”, cosa también irónica al ser el autor de este comentario Nagisha Oshima, un director cuyas películas son igualmente eclécticas en estilo y contenido. En cualquier caso, esta crítica es realmente justa. Si bien el trabajo de Ichikawa carece de la integridad obvia en Ozu, Mizoguchi o Kurasawa, su variedad exterior oculta una unidad global nada desdeñable.

De hecho Ichikawa trabajó bajo condiciones muy diferentes que otros reputados maestros del cine japones. Las presiones comerciales a las que se enfrentó parecen bastante más fuertes: es conocido que varios proyectos (incluida una de sus obras mas famosas “An Actor’s Revenge”) le fueron impuestos por el estudio como consecuencia del fracaso comercial de otras obras más personales. Sin embargo el director se las arregló para estampar su sello personal en estos trabajos. Al igual que ocurriera con realizadores como Howard Hawks, cuyas comedias, que se centraba en la guerra de los sexos, eran el anverso temático de sus películas de acción, centradas en la camaradería dentro de un mundo casi exclusivamente masculino. Ichikawa, de forma similar, divide sus películas es una especie de “Luz” y “Sombra”, como las dos caras de una misma moneda.

Aún así, ya que la crítica suele centrarse en su versatilidad, es interesante explorar las características recurrentes del cine de Ichikawa. A pesar de que no siempre escribía sus propios guiones (de hecho la mayoría de estos fueron escritos por su mujer Natto Wada, estando el oficialmente acreditado solo en contadas ocasiones), su trasfondo, experiencias y preocupaciones constantes se plasman claramente en sus películas. Nativo de la región de Kansai, situó muchas de sus películas (“The Key”, “Conflagration” [1958], “Bonchi” [1960], “The Makioka Sisters” [1983]) en sus principales ciudades, Osaka y Kyoto – esta última fue también protagonista de un corto documental que realizó en 1969. Del mismo modo, su temprana afición por la pintura, y su continua formación como animador forjaron su estilo visual. James Quandt debatió sobre el “uso de storyboards de estilo manga” de Ichikawa, su preferencia por “el control del trabajo en estudio” sobre la incertidumbre del trabajo en localizaciones, y la manera en que él mismo “diseñaba los sets, ajustaba la iluminación, retocaba el maquillaje de las actrices [y] fue a la escuela de música para poder componer scores” [1]. Tal nivel de control se aproxima a las técnicas usadas en animación, y es significativo que su debut en el cine, en 1933, fue como asistente de animación, mientras que su primer proyecto como director fue la adaptación de la obra de teatro de títeres, “The Girl at Dojo Temple” (1945). Ya en el año 2000, mediados los 80 años, Ichikawa volvió al medio animado con su película de época “Shinsengumi”. “Sr. Pu” (1953) también sería una adaptación de las tiras cómicas, y ciertamente las exageradas expresiones faciales y retorcidas posiciones corporales de sus primeras comedias lo hacen acercarse mucho a estos medios animados. Pero la influencia de lso dibujos animados y la pintura es visible durante toda su carrera, en la artificial puesta en escena de películas como “Ten Dark Women” (1961) y “An Actor’s Revenge”, el primero intensifica las metáforas estilísticas del cine negro hacia un pastiche estilo manga, el último posee influencias iconoclastas mezcla de animación, Ukyo-e y teatro tradicional entre cuyas prácticas se desarrolla la historia.

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Temáticamente el trabajo de Ichikawa también muestra una consistencia notable. Es constante su preocupación con la historia reciente de su país, y su obra comprende uno de los exámenes más mordaces del desarrollo del Japón del siglo XX. Su tratamiento de este tema es más amplio que el de Ozu (generalmente centrado en el desmoronamiento de los valores familiares tradicionales) y más directo que el de Mizoguchi, el cual, si bien políticamente incisivo, generalmente ganó impacto desde una perspectiva cubierta de una convención melodramática e histórica. Las incursiones de Ichikawa en épocas clásicas de la historia japonesa fueron escasas: con algunas excepciones (“An Actor’s Revenge”, “The Wanderers” [1973]), sus películas no contemporáneas se centraron en la historia reciente, desde el final de la época Meiji (con el cambio de siglo) hasta la Segunda Guerra Mundial. Novelas de aquellos años amueblaron sus historias, mientras que en ocasiones rehacía alguna película de la época como “The Woman Who Touched the Legs” (1926; la versión de Ichikawa apareció 1952) de Yutaka Abe, “Nihonbashi” (1929, rehecha en 1956) de Kenji Mizoguchi y “An Actor’s Revenge” (1937) de Teinosuke Kinugasa. El gesto expresa de forma concreta su admiración por los maestros de cine japonés de antes de la guerra, y el gusto de Ichikawa por las sátiras irónicas y lo absurdo pudo a su vez tener modelos como “Unrivalled Hero” (1932) del ingenioso Mansaku Itami, que el -joven- director reconocería como su película favorita.

La crítica de Ichikawa de las vacas sagradas y los oscuros secretos de su país fue, en su mejor momento, tanto ingeniosa como despiadada. Fue peor en lo solemne; ahí tenemos el sentimentalismo plomizo y didactismo torpe de “The Outcast” (1962), que durante dos horas intenta convencernos con mucha retórica de que el prejuicio es algo malo. El tema potencialmente interesante – la continua opresión, la supuesta iluminación de la época Meiji, de los Burakumin, o clase baja – se desecha, y la película se caracteriza en gran medida por la belleza de sus paisajes nevados. Tampoco, por desgracia, Ichikawa fue capaz de encontrar una respuesta adecuada al trauma que define a su generación, la Segunda Guerra Mundial – en la cual, debido a una enfermedad, no llega a servir. “The Burmese Harp” y “Fires on the Plain” difieren en el enfoque – la primera sentimental, la segunda visceral. Las películas bélicas de Ichikawa hacen sólo un reconocimiento simbólico a las atrocidades de guerra cometidas por los japoneses, y se adentran en gran medida en el supuesto victimismo japones en la Segunda Guerra Mundial – premisa que hasta hoy permanece demasiado generalizada en el país.

Por el contrario, el examen de Ichikawa sobre las fobias en tiempos de paz de su nación alcanzaron un nivel muy destacado. A menudo, la guerra fue un discreto, aunque necesario telón de fondo, o una amenaza anticipada: ya en su primera película en solitario, “A Flower Blooms” (1948), examinó la impotencia e hipocresía de la clase media más o menos liberal antes de la guerra, cuya pasividad ayudó al triunfo del militarismo. En “Conflagration”, la destrucción del famoso Pabellón Dorado de Kyoto se muestra en el contexto de de confusión de una nación derrotada, mientras que en “Bonchi”, un historia de la clase comerciante de la pre-guerra en Osaka, solo el apocalipsis de la guerra puede destruir las opresivas estructuras familiares del grupo social. Del mismo modo el potencial sentimentalismo de “Her Brother” (1960) – una historia de la respuesta de una familia a la lenta muerte de un hermano delincuente en el periodo Taisho – es desviado por la incisiva dirección de Ichikawa, quien extrae la ironía de que solo cuando el chico está moribundo su familia vive y se preocupa por él. La película es muy conmovedora, pero su subtexto es, de nuevo, una crítica irónica de la familia japonesa.

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En la década de 1950, las películas contemporáneas de Ichikawa socavaban los pilares de la sociedad japonesa de la posguerra: la familia, una vez más, pero también las grandes empresas, el gobierno y el sistema educativo. Sus héroes son a menudo “Hombres pequeños”, impotentes contra los mecanismos de su sociedad, como el recaudador de impuestos de “A Billionaire” (1954), cuyos intentos de combatir la corrupción oficial terminan en un rotundo fracaso. Esta película fue repudiada por el director tras la intervención del estudio, y en su forma actual está curiosamente inconclusa, sin embargo sigue teniendo el sello de Ichikawa. El límite, así como el realismo, de sus sátiras radica en la forma en que se expone al lado oscuro del milagro económico de la posguerra de Japón – su corrupción y sus presiones conformistas – sin proponer ninguna solución convincente. En este sentido, Ichikawa es un pragmático más que un activista. Sus finales tienden a la desesperación: así, el héroe epónimo de “Sr. Pu” con su afirmación final, “¡Qué sencillo para volverse loco!“, o las intoxicaciones masivas que concluyen “A Billionaire” y “The Key”. El melodrama de alienación adolescente, “Punishment Room” (1956) y la caústica sátira, “The Crowded Streetcar” (1957), ambas con el mismo actor protagonista, Hiroshi Kawaguchi, forman un díptico examinar la rebelión y la conformidad: el anti-héroe de la primera rechaza la moralidad de sus mayores, mientras que el desgraciado protagonista de la última se esfuerza sin éxito para satisfacer las expectativas de los padres. Ambas terminan mal: “Punishment Room” con el chico soportando la brutal venganza de los amigos de una chica a la que ha violado; “The Crowded Streetcar” con el protagonista prematuramente reducido a un fracasado que realiza trabajos serviles. Ichikawa vio en el público descontento por sus finales oscuros la prueba de sus supuestos acerca de la sociedad: hizo su famosa pregunta: “¿Acaso el deseo por un final feliz no esconde lo realmente infelices que sois?” [2]. Teniendo en cuenta este tipo de actitudes, no es sorprendente que muchos de los protagonistas de Ichikawa fueran extraños – en palabras de Max Tessier, “personas que persiguen un objetivo absurdo, a menudo solos” [3]. Los ejemplos incluyen al soldado que se convierte en monje de “The Burmese Harp”, limpiando las playas de Birmania de los restos de los soldados japoneses muertos, los atletas de “Tokyo Olympiad” (1964) o la joven de 23 años Kenichi Horie, que navegó en solitario desde Osaka a San Francisco en “Alone on the Pacific”. Hay una nota del existencialismo a la forma en que dichos personajes se justifican a través del cumplimiento de sus tareas autoimpuestas. Sin embargo Ichikawa se cuida de no disfrazar a sus extraños, por el contrario señala su humanidad. Además, admite los límites de su rebelión, como en el momento de “Alone on the Pacific”, donde el rotagonista, desnudo hasta la cintura, es suficientemente pudoroso de ir bajo la cubierta para quitarse la ropa interior, a pesar de que está a kilómetros de cualquier otro ser humano. Incluso los extraños de Ichikawa, al parecer, sienten la presión por integrarse.

La actitud escéptica de Ichikawa hacia las tradiciones e instituciones de su país enlaza con otro de los temas recurrentes en su obra: su interés en los jóvenes y en los abismos intergeneracionales. A finales de los 1950 y principios d ellos 60 su protagonista masculino regular era Raizo Ichikawa, cuya buena apariencia, comportamiento rebelde y sensible, y muerte temprana lo acercan mucho a una especie de figura de James Dean. Su adaptación de “Punishment Room” de la novela seminal de Shintaro Ishihara sobre el descontento juvenil lo vinculó brevemente al movimiento taiyozoku. Que se caracterizaba por abordar la violenta amoralidad y la promiscuidad sexual de la juventud moderna – que la película fuera “boicoteada” por amas de casa ansiosas por evitar que los estudiantes la vieran solo sirve para demostrar la realidad de la brecha generacional que examina [4]. El protagonista de “Alone on the Pacific” tiene poco en común con sus padres, y la película termina con una nota curiosamente triste cuando se duerme con su llamada de felicitación. El ejemplo más extremo de la preocupación de Ichikawa para la experiencia de la juventud es “I am Two” (1962), un examen de las pequeñas dificultades de la vida familiar narrada en primera persona por un niño de dos años. Aquí las diferentes perspectivas entre el niño y sus padres se ponen en contraste, mientras que la película también examina el abismo entre los padres – miembros de la generación que llegó a la edad adulta después de la Segunda Guerra Mundial – y la abuela, más socialmente conservadora. Las secuencias más emocionalmente intensas de la película giran en torno a su muerte, lo que define implícitamente su actitud como obsoleta.

La muerte de los padres es, en efecto, otro leitmotiv recurrente en la obra de Ichikawa. El protagonista de “An Actor’s Revenge” busca vengar la muerte de sus padres; “Punishment Room” y “Bonshi” contienen padres enfermos que más tarde mueren; en “The Wanderers”, un niño se ve obligado por el código del guerrero a matar a su padre. Esta temática adquiere una especial relevancia en “The Heart” (1955), que explora la relación de un hombre joven con su viejo mentor, una figura paterna que finalmente se suicida, sumándole a esto el telón de fondo de la muerte de su padre biológico y la muerte del Emperador Meiji, el padre de la nación. La película se convierte en un examen del conflicto entre el deber y el afecto: el protagonista abandona a su padre moribundo para volver a Tokio ante la noticia del suicidio de su mentor. Lo que esto implica – que las lealtades familiares podrían quedar en un segundo plano ante los lazos de amistad elegidos por las personas – se contrapone claramente con las expectativas tradicionales. La elección entre dos figuras paternas adquiere una implicación política más directa en “The Outcast”, donde le protagonista, que ha jurado a su padre moribundo no rebelar jamas su origen humilde, rompe esta promesa por lealtad a una figura paternal sustituta, también miembro de la clase baja y que busca la ayuda de su protegido para dar a conocer su causa. Aquí, seguir el camino del deber filial sustentaría la opresión de la clase baja; el cambio político requiere un rechazo de las lealtades tradicionales. En “Conflagration”, el padre del protagonista, quien murió al igual que Japón se abocó a la derrota en la Segunda Guerra Mundial, es asociado al Pabellón Dorado; la destrucción del joven acólito al templo es una asalto metafórico hacia su propio padre, representante del peso muerto de costumbres obsoletas de Japón. Así, la película va en contra del nacionalismo retro-fascista del autor original de la historia, Yukio Mishima, que interpreta el asalto al templo como el intento de un fanático de preservar su pureza de la influencia del mercantilismo de la posguerra. El mismo Ichikawa dijo que “no creía que el Pabellón Dorado fuera tan grandioso o bello como estructura”, y sostuvo que “la presencia de esta gran estructura no garantiza el bienestar o la felicidad de la gente que lo rodea” [5]. En su película el incendio se convierte en un acto de rebelión contra las tradiciones que han perdido su significado, pero que aún ejercen una influencia opresiva.

Dada esta crítica generalizada de las tradiciones de su país, es irónico que la propia carrera de Ichikawa iría decayendo conforme la nación se modernizó. En 1964 su documental sobe los Juegos Olímpicos de Tokio tendría su propio simbolismo incómodo: la realización del evento en Japón demostró al mundo su acercamiento a la modernidad, y coincidió con el comienzo del colapso del viejo sistema de estudios frente a la creciente presión comercial. Después de unos años improductivos a finales de los años 60 y un coqueteo a partir de entonces con la producción independiente, Ichikawa finalmente fue capaz de volver a hacer cine de forma regular, aunque bajo las condiciones de los estudios. El complejo thriller “The Inugami Family” (1976) fue el éxito comercial que le permitió seguir trabajando a través de los años 80, cuando figuras tan eminentes como Akira Kurosawa dependían de apoyos extranjeros, y otros grandes directores de su generación en su mayoría se habían retirado, muerto o desaparecido en la televisión. Sus películas posteriores a menudo conscientemente recuerdan su condición de veterano: rehizo éxitos pasados en “The Burmese Harp” (1985), y, con “Actress” (1987), recrea la Edad de Oro del cine japonés haciendo una película biográfica de su mayor actriz, Kinuyo Tanaka. “Dora-Heita” (1999) llevo a la gran pantalla un guión con más de 30 años de edad, co-escrito con Kurosawa, Masaki Kobayaski y Keisuke Kinoshita, originalmente para una compañía de producción independiente que entró en bancarrota por el fracaso comercial de “Dodeskaden” (1970) de Kurosawa. Incluso en esta película, su historia, sobre la lucha de un héroe solitario contra la corrupción generalizada, era una metáfora bastante obvia.

kon ichikawa

Kon Ichikawa, tristemente desaparecido en febrero de 2008, ha sido, junto con Kaneto Shindo, uno de los últimos eslabones tangibles a la rica herencia del cine clásico japonesa. Su relato mordaz de la tradición, la modernización y la alienación en el Japón del siglo XX seguirá siendo uno de los exámenes más elocuentes de cómo su país llegó a ser lo que es ahora.

[1].- James Quandt en Quandt (ed.), Kon Ichikawa, Cinémathèque Ontario, Toronto, 2001, pp. 3–4.
[2].- Ichikawa, referenciado por Donald Richie en “The Several Sides of Kon Ichikawa”, Sight and Sound, vol. 35, no. 2, Spring 1966, p. 85.
[3].- Max Tessier, “Kon Ichikawa – Black Humour as Therapy” en Quandt, p. 81.
[4].- Para ver la controversia provocada por esta película en su primer estreno ver Michael Raine, “Contemporary Japan as Punishment Room in Kon Ichikawa’s Shokei no Heya” en Quandt, pp. 175–189.
[5].- Ichikawa, Etrevista de Joan Mellen en Quandt, p. 76.

NOTA; Este artículo es una traducción libre y adaptada del artículo original en inglés escrito por Alexander Jacoby para Senses of Cinema.


09
dic

Sitges Film Festival 2014 – Lo que nos perdimos en Sitges (I)

cartel sitges 2014

Pues si señores, seguimos con el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014, porque es nuestra obsesión una buena parte del año. Este año nos hemos perdido un buen número de películas asiáticas durante el festival, fuera por coincidencia en el calendario, fuera porque ya las habíamos visto antes, es por eso que he decidido hacer este recopilatorio llamado “lo que nos perdimos en Sitges”, que constará al menos de dos entregas, repasando todas esas películas que se proyectaron en el festival pero no pudimos ver in situ. En esta ocasión os traemos un pack de películas Hongkonesas que pudimos ver en su totalidad en el Far East Film Festival de Udine y que tal cual os pego aquí las crónicas que escribí en su momento sobre ellas.

Firetorm

Firestorm
China / Hong Kong, 2013
Director; Alan Yuen
Intérpretes: Andy Lau, Hu Jun, Lam Ka Tung

Una de las últimas películas de acción producidas en Hong Kong, venía precedida de críticas, sobre todo en Berlin, que la calificaban como una de las mejores de los últimos tiempos. Para mi es una relativa decepción, una película donde la trama es una excusa y la acción lo supedita todo, pero con muchos puntos oscuros que no la hacen tan buena como debería.

El argumento general gira en torno a Lui Ming-chit, al cual da vida Andy Lau, un policía recto y de alta moral, que gusta de cumplir las normas y tiene unos principios muy definidos. En un caso se ve envuelto en un supuesto accidente provocado por unos criminales que asaltan furgones blindados, descubriendo que un antiguo compañero suyo parece estar con los malhechores, y presenciando la muerte de un civil inocente. A partir de aquí comienza una persecución infatigable por parte de Lui, que incluirá persecuciones, tiroteos, infiltrados y mucho más.

Y es que Firestorm es una película que nos traerá a la mente ese cine tan típicamente hongkonés donde el guión poco importaba y solo importaba la acción, una historia simple que es la excusa para los tiroteos, los accidentes y las explosiones. El problema aquí viene en que a veces se quiere hacer una película verosímil, con tácticas policiales, algo de realismo en los tiroteos, etc… y en otras ocasiones, muchas en realidad, se les va de las manos y la acción crece de forma incontrolada, los policías llegan de una punta de Hong Kong a otra en un instante, a Andy Lau le explota un coche en la cara (o se tira de un edificio, o le pegan 6 tiros) y se vuelve a levantar a por más prácticamente sin despeinarse… vamos que tiene aguante. Aparte hay que hacer una mención a los horribles efectos digitales utilizados en los disparos, que casi parecen rayos láser de la guerra de las galaxias, a mi me sacaron cualquier halo de realismo de encima, pero entiendo que esto es un poco personal.

En el apartado interpretativo ahí tenemos la eterno Andy Lau haciendo prácticamente de él mismo, con su pose de costumbre y una especie de malsana obsesión con la sopa (que creo que es algún tipo de chiste interno que no entendí), acompañado por Hu Jun y Lam Ka-tung, pero sin nada realmente destacable en este apartado.

No hay mucho más que destacar que la acción a ratos buena a ratos loca, la película se desarrolla un poco plana y si nos dejamos llevar lo pasaremos bien, sino nos parecerá un poco regulera… hasta que lleguemos al final, una de las cosas más memorables que he visto en años… increíble, no diré nada más.

Aberdeen

Aberdeen
Hong Kong/China, 2014
Director: Pang Ho-cheung
Interpretes: Miriam Yeung, Louis Koo, Gigi Leung, Eric Tsang

Pang Ho-Cheung lleva algunos años sorprendiéndome cono excentricidades de la talla de Dream Home o Vulgaria, pero no obstante es un director que sabe lo que se hace, y creo que Aberdeen es un nuevo ejemplo de su saber hacer.

Para los neofitos Aberdeen es un distrito de Hong Kong, una zona costera, antiguo pueblo de pescadores, que poco a poco ha sido engullido por la gran ciudad. Y este es quizás el tema principal del que trata la película, tal y como nos contaba el director, analizar la ciudad en si, la evolución de la sociedad de Aberdeen, de sus valores, a través de una familia donde se unen varias generaciones, desde el abuelo a los nietos, y donde cada cual tiene sus problemas y sus traumas, su forma de adaptarse al mundo. Hay tenemos a Louis Koo, Eric Tsang, Miriam Yeung, Gigi Leung y Ng Man-tat, y en menor medida a Chapman To o Carrie Ng, un elenco de lujo.

Tras más de veinte minutos de película se sobreimpresiona el título de la misma, tomando como base un cartel de autopista de “Todas Direcciones”, y es que el director nos decía que esa había sido un poco su inspiración, el hecho de que un camino te lleve a todas las direcciones. A partir participaremos en un viaje entre lo real y lo onírico, una visión de la ciudad a través de sus personajes y de los problemas e inquietudes sociales de Hong Kong. Pang Ho-Cheung no deja momentos de humor, drama familiar, sueños y visiones, usando acontecimientos reales acaecidos en la ciudad para darle un acercamiento más directo al publico local (por ejemplo el caso de un marido que se divorció de su mujer al descubrir que había recibido cirugía plástica antes de casarse con él se usa como base para una de las subtramas, o el tema de la bomba encontrada en una obra, o incluso la ballena encallada en la playa).

Una película atractiva, que me ha gustado bastante, que tiene grandes momentos y un final que vuelve a tirar de optimismo, de que el futuro está siempre delante nuestro y hay que reconciliarse con él. Una película con detalles y matices. Muy recomendable.

the midnight after

The Midnight After
Hong Kong, 2014
Director: Fuit Chan
Intérpretes: Simon Yam, Wong You Nam, Janice Man, Kara Hui

En su paso por Udine el director Fruit Chan demostró se una persona con buen humor, a pesar de que sus películas más conocidas en occidente suelen tirar de terror y thriller. En esta ocasión construye un thriller en tono de comedia y horror un poco loco que tiene muy buenos momentos.

Todo parte de un autobús, un vehículo de trasporte público donde un variopinto grupo de personajes normales (desde unos jóvenes estudiantes, a un yonki que huye de los traficante locales, pasando por un joven introvertido o una pareja que vuelve a casa, entre otros) se montan para llegar a su casa o lugar de destino. Pero durante su viaje, al pasar por un túnel, descubren que toda la población del barrio ha desaparecido. A partir de aquí se suceden escenas tanto desde el punto de vista del thriller de terror, como momentos de comedia, todo ello bien desarrollado y equilibrado, enganchando al espectador por el “que pasará ahora” o “que ha sucedido realmente”.

Conforme la película avanza el ritmo decae, hay varios momentos de conversación o uno de “tortura” que se hacen pesados y casi aburridos. Conforme se acerca el final la cosa torna hacia la locura, con cosas realmente raras (mejor no hablar mucho y así lo descubrís), hecho no necesariamente malo, pero que a mí no me terminó de convencer. Cuando el film termina ves que el guión hace aguas por algunos sitios, las explicaciones son entre inexistentes e inverosímiles para las cosas que han sucedido, algunas escenas quedan descolgadas… vamos que no esperes verosimilitud, es más bien para dejarse llevar.

A pesar de que parece que estoy recalcando un poco los puntos negativos, la película en general es recomendable, funcionando en su primera mitad, quizás más, muy bien tanto en el thriller como en los toques de comedia.

that demon within

That Demon Within
Hong Kong / Xina, 2014
Director: Dante Lam
Intérpretes: Nick Cheung, Daniel Wu, Liu Kai-chi, Lam Kar-wah

La segunda película que Dante Lam traía este año a Udine es That Demon Within, y me alegro mucho ya que el mismo nos reconocía que Unbeatable y esta eran una especie de dualidad, las dos caras de una moneda. A pesar de no tener nada que ver, si Unbeatable nos ofrecía un mensaje de esperanza, esta nos lo ofrece de desesperanza.

Dave, interpretado por Daniel Wu, es un policía aparentemente normal que trabaja como guardia de un hospital. Un día llega un herido de un tiroteo, realmente el sanguinario jefe de una banda de ladrones interpretado por Nick Cheung, y le dona sangre salvándolo, lo cual provoca el enfado del detective que lideraba la operación para detenerlo que había perdido varios hombres a sus manos. Poco a poco iremos conociendo realmente a Dave, sus obsesiones y como es alguien “conflictivo” dentro del cuerpo a pesar de una gran hoja de servicios. Y no quiero decir más, ya que parte de la gracia de esta película es descubrir su desarrollo.

Esta es una de las películas más oscuras del director, el cual nos comentaba que esta era una especie de cierre de una trilogía de películas oscuras que empezaba con The Beast Stalker y seguía con The Stool Pigeon. Su arranque es simplemente brutal, con una banda sonora tremenda y una fuerza visual muy potente, a esto hay que sumar unas escenas de acción tremendas y unos tiroteos muy directos. El desarrollo es bueno, si bien tiene algunos bajones de ritmo, normal cuando te centras en explorar la mente de una persona, cosa que a Dante Lam le gusta hacer.

Aparte de la acción o el apartado técnico y la BSO, la película se basa en Daniel Wu, y es que creo que no he visto a Wu así en mi vida, realmente hay momentos en que da un miedo terrible, delgado, con ojeras, y esa cara de aparente niño bueno medio loco… bufff, me ha encantado su interpretación, a pesar de que si pensáis en la película después de verla veréis como el guión tiene algunos fallos muy gordos en su premisa. Por último, aunque no afecte al conjunto, no puedo dejar de decir lo horrible que me parece el fuego digital, a ver si se cortan las manos los del CGI.

En fin, una gran película, que te hace pasar momentos realmente inquietantes, a pesar de sus pequeño fallos, y con un sobresaliente Daniel Wu.


04
dic

Escuela Oficial de Idiomas de Madrid – Proyección de “Ojos Abiertos” y “Ishinomaki”

ojosabiertos

Desde la EOI de Madrid nos informan de que el próximo día de 5 de Diciembre a las 19 horas se realizará una proyección que consta de dos interesantes y premiados cortometrajes Argentinos, grabados en Japón, realizados por Martin y Federico Aletta. Estas proyecciones, que tendrán una presentación previa, se realizarán en la sede de la EOI (C/ Jesus Maestro nº 5, Madrid)

“Ojos Abiertos”
2013. Dur: 15 min. HDV.
País: Argentina, Japón
Escrito y Dirigido por: Martín Aletta.
Elenco: Junshin Soga, Shozen Kajima, Chizuru Lee.

En la ciudad de Tokio, Ryo y Nakamura se dirigen a sus trabajos en la compañía férrea suburbana. Sus funciones están relacionadas con cubrir los inconvenientes producidos por los suicidios en las vías. Ryo se encarga de remover los restos humanos. Nakamura cobra a la familia del muerto las multas correspondientes a la interrupción del servicio. Saki, una joven, deambula por su ciudad contemplando el funcionamiento de una sociedad ensimismada. Su andar la lleva a caminar por el andén de una estación donde Ryo la encontrará alarmado. Una mirada entre ellos les hará empezar el día de otro modo.

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Por su parte Ishinomaki “Rock n’ Roll City” es un documental de Martín y Federico Aletta que narra un viaje, un viaje personal por uno de los pueblos japoneses más devastados por el Tsunami japonés. Este desastre no solo afectó a los habitantes de aquella zona, sino a los voluntarios que han trabajado por sacar adelante la que hoy es una ciudad fantasma. Actualmente esta ciudad se reconstruye tanto de forma material como espiritual, a través de expresiones artísticas, religiosas y humanas. La ciudad encuentra en la música una fuerza para salir adelante y volver a la vida, haciendo honor a su nombre, cuya traducción casi literal sería “Rock n’ Roll City”.

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03
dic

51st Taipei Golden Horse Awards (2014) – Premiados

Hace ya unos días que se conocen los ganadores de la edición número 51 de los Taipei Golden Horse Awards, los principales premios concedidos en Taiwan y uno de los más prestigiosos de Asia. Ya os comentábamos como entre las más destacadas en las nominaciones estaban “Black Coal, Thin Ice”, “KANO” y “Blind Massage”, pero al final ha sido esta última la que se ha llevado la mejor parte consiguiendo el premio a mejor película y mejor guión adaptado. por lo demás todo muy repartido.

Mejor Película

Fool
Black Coal, Thin Ice
The Golden Era
Blind Massage
KANO

Mejor Documental

Cotton
The Walkers
The Last Moose of Aoluguya

Mejor Director

Midi Z (Ice Poison)
DIAO Yinan (Black Coal, Thin Ice)
Ann HUI (The Golden Era)
WANG Xiaoshuai (Red Amnesia)
LOU Ye (Blind Massage)

Mejor actor principal

CHEN Jian-bin (A Fool)
Sean Lau (The White Storm)
Liao Fan (Black Coal, Thin Ice)
Masatoshi NAGASE (KANO)
Chang Chen (Brotherhood Of Blades)

Mejor actriz principal

CHEN Shiang Chyi (Exit)
GWEI Lun-Mei (Black Coal, Thin Ice)
GONG Li (Coming Home)
TANG Wei (The Golden Era)
ZHAO Wei (Dearest)

Mejor actor de reparto

Wang Xue Bing (A Fool)
Ng Man Tat (Aberdeen)
CHEN Jian-bin (Paradise In Service)
Leon DAI ((Sex) Appeal)
JIN Shi Jie (Brotherhood Of Blades)

Mejor actriz de reparto

HAO Lei (The Golden Era)
Paw Hee Ching (Insanity)
Lang, Tsu–Yun (Sweet Alibis)
CHEN Yi-Han (Paradise In Service)
Wan qian (Paradise In Service)

Mejor director novel

CHEN Jian-bin (A Fool)
CHIENN Hsiang (Exit)
XIN Yu-kun (The Coffin In The Mountain)
Umin Boya (KANO)
Li Xiao-feng (Nezha)

Mejor nuevo talento

Ann Hsu (Design 7 Love)
ZHANG Huiwen (Coming Home)
ZHANG Lei (Blind Massage)
TSAO Yu-Ning (KANO)
Matthew Wei Han-Ting (Meeting Dr. Sun)

Mejor Guión original

XIN Yu-kun, Feng Yuanliang (The Coffin In The Mountain)
DIAO Yinan (Black Coal, Thin Ice)
LI Qiang (The Golden Era)
WANG Xiaoshuai, FANG Lei, LI Fei (Red Amnesia)
YEE Chih-Yen (Meeting Dr. Sun)

Mejor Guión adaptado

CHEN Jian-bin (A Fool)
CHAN Fai-hung, KONG Ho-yan, Fruit CHAN (The Midnight After)
ZOU Jingzhi (Coming Home)
MA YINGLI (Blind Massage)
Li Xiao-feng, WangMu, Pan Yu (Nezha)

Mejor Fotografía

DONG Jinsong (Black Coal, Thin Ice)
DU Jie (No Man’s Land)
ZENG Jian (Blind Massage)
Mark LEE Ping Bing ((Sex) Appeal)
Zhang Ji (North by Northeast)

Mejores efectos visuales

Hi-Organic motion graphic studio (Design 7 Love)
NG Yuen-fai, Chas CHAU Chi-shing, TAM Kai-kwan (The White Storm)
TONG Ka-wai, Ken LAW, Lucky Tracy Hannah (The Midnight After)
Wook Kim, PARK Young Soo (Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon)
Henri WONG, Hugo KWAN, Walter WONG (As The Light Goes Out)

Mejor dirección artística

Kenneth MAK (Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon)
LIU Qiang (Black Coal, Thin Ice)
Fu Yingzhang (Uncle Victory)
HAO Yi (No Man’s Land)
HUANG Mei Ching (Paradise In Service)

Mejor Maquillaje y vestuario

Bruce YU, LEE Pik-Kwan (Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon)
HAO Yi (No Man’s Land)
Amanda DENG, LIN Xin-yi, TU Mei-ling (KANO)
Fang Chi Luen, Li-Wen Hsu, CHIA-LIN KAO (Paradise In Service)
LIANG Tingting (Brotherhood Of Blades)

Mejor coreografía de acción

LI Chung Chi (The White Storm)
YUEN Bun, LIN FENG (Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon)
Jack WONG (As The Light Goes Out)
Donnie YEN, Stephen Tung Wai, YUEN Bun, Yan Hua (Kung Fu Jungle)
Lin Sang (Brotherhood Of Blades)

Mejor banda sonora

Owen Wang, Annie Lo, Nieh Lin Chieh (The Twelve Nights)
KAWAI Kenji (Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon)
Qigang CHEN (Coming Home)
Nathan WANG, DONG Dongdong, Jiang Yongjun (No Man’s Land)
He Miaoshu (North by Northeast)

Mejor canción original

心照一生
Lyric : RubberBand, Tim Lui Composer : RubberBand Performer : RubberBand
(The White Storm)
Destination
Lyric : Wyman WONG Composer : Jason Choi, Anthony WONG Performer : Anthony WONG
(Aberdeen)
Mr. Bird
Lyric : Umin Boya Composer : Suming.Rupi Performer : 演員合唱
(KANO)
Happiness
Lyric : Wawa Composer : David Tao Performer : David Tao
((Sex) Appeal)
The Road We Pass
Lyric : PU Shu, HAN Han Composer : PU Shu Performer : PU Shu
(The Continent)

Mejor edición

YAU Chi Wai (H.K.S.E.) (The White Storm)
YANG Hongyu (Black Coal, Thin Ice)
DU Yuan (No Man’s Land)
KONG Jinlei, Jolin ZHU (Blind Massage)
Zhu Li Yun, Tu Yiran (Brotherhood Of Blades)

Mejores efectos sonoros

Kinson TSANG, YIU Chun-hin, CHOW Yuk-lun (The White Storm)
TAO Jing (Coming Home)
FU Kang (Red Amnesia)
FU Kang (Blind Massage)
TU Duu-Chih, TANG Hsiang-Chu (Paradise In Service)

Filmmaker Taiwanés del Año

Jimmy HUANG

Premio a la carrera

TIAN Feng

Premio de la Audiencia

KANO

FIPRESCI Award

KANO


01
dic

51st Daejong Film Awards (2014)

Daejong Film Awards 2014

El pasado día 21 de noviembre se fallaron los Daejong Film Awards, uno de los grandes premios del cine coreano auspiciados por el Ministerio de Cultura. En esta ocasión Los Grand Bell Awards, como también se les conoce, han estado bastante repartidos aunque el premio a mejor película se lo ha llevado la que es desde hace mucho un hito histórico dentro del cine coreano como la película más taquillera jamas hecha en Corea, “Roaring Currents“. A continuación tenéis la lista completa de ganadores.

Mejor Película

“A Hard Day”
“Roaring Currents”
“The Attorney”
“Hope”
“Whistle Blower”

Mejor Director

Kang Hyung-Chul (“Tazza: The Hidden Card”)
Kim Sung-Hoon (“A Hard Day”)
Kim Han-Min (“Roaring Currents”)
Lee Joon-Ik (“Hope”)
Yim Soonrye (“Whistle Blower”)

Mejor Actor

Gang Dong-Won (“Kundo : Age of the Rampant”)
Park Hae-Il (“Whistle Blower”)
Song Kang-Ho (“The Attorney”)
Jung Woo-Sung (“The Divine Move”)
Choi Min-Sik (“Roaring Currents”)

Mejor Actriz

Son Ye-Jin (“The Pirates”)
Shim Eun-Kyung (“Miss Granny”)
Uhm Ji-Won (“Hope”)
Jeon Do-Yeon (“Way Back Home”)
Chun Woo-Hee (“Han Gong-Ju”)

Mejor Actor Secundario

Kwak Do-Won (“The Attorney”)
Kim In-Kwon (“The Divine Move”)
Yu Hae-Jin (“The Pirates”)
Lee Kyoung-Young (“Whistle Blower”)
Cho Jin-Woong (“A Hard Day”)

Mejor Actriz Secundaria

Kim Young-Ae (“The Attorney”)
Ra Mi-Ran (“Hope”)
Yoon Ji-Hye (“Kundo : Age of the Rampant”)
Jo Yeo-Jeong (“Obsessed”)
Han Ye-Ri (“Haemoo”)

Mejor Actor Novel

Park Yoo-Chun (“Haemoo”)
Ahn Jae-Hong (“The King of Jokgu”)
Yeo Jin-Goo (“Hwayi”)
Siwan (“The Attorney”)
Choi Jin-Hyuk (“The Divine Move”)

Mejor Actriz Novel

Kim Sae-Ron (“A Girl At My Door”)
Kim Hyang-Gi (“Thread of Lies”)
Esom (“Scarlet Innocence”)
Lee Ha-Nui (“Tazza: The Hidden Card”)
Lim Ji-Yeon (“Obsessed”)

Mejor Director Novel

Shim Sung-Bo (“Haemoo”)
Yang Woo-Seok (“The Attorney”)
Lee Do-Yoon (“Confession”)
Lee Su-Jin (“Han Gong-Ju”)
July Jung (“A Girl At My Door”)

Mejor Guión

Yang Woo-Seok & Yoon Hyun-Ho (“The Attorney”)

Mejor Fotografía

Kim Tae-Sung (“A Hard Day”)

Mejor Diseño Artístico

Jo Hwa-Sung (“The Fatal Encounter”)

Mejor Banda Sonora

Mowg (“Miss Granny”)

Mejor Edición

Shin Min-Gyeong (“The Divine Move”)

Mejor Vestuario

Jo Sang-Gyeong (“Kundo : Age of the Rampant”)

Mejor Iluminación

Kim Gyeong-Suk (“A Hard Day”)

Premio a la Carrera

Jung Jin-Woo

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26
nov

Fundación Japón (Madrid) – Proyección de películas japonesas

cine

Fundación Japón de Madrid invita a los espectadores a disfrutar de una selección de películas japonesas que han disfrutado de éxito en Japón, principalmente películas con un contenido familiar dadas las fechas. Ya sea por haber triunfado en las taquillas, por adaptar populares novelas o por estar protagonizadas por fenómenos mediáticos, estas películas nos acercan a algunos de los éxitos del cine japonés reciente.

Viernes 28 de noviembre – 19.00h

Robo-G
Dirección: Shinobu Yaguchi
Año: 2012
Duración: 111’
Versión original en japonés subtitulada en castellano

Sinopsis: La última película del director y guionista Shinobu Yaguchi, creador de una cadena de éxitos, como Happy Flight, recoge su particular visión del cine y su gran sensibilidad para la comedia. Shinjiro Igarashi (Kamikaze Taxi), regala una maravillosa interpretación en su primer papel protagonista como un anciano muy tozudo.

Kobayashi (Gaku Hamada), empleado de una empresa de electrónica de consumo, recibe la orden de desarrollar un modelo de robot bípedo pero falla estrepitosamente. Ante tal fracaso decide llevar a cabo un plan descabellado, hacer pasar por un autómata a un humano vestido con un traje de robot. Para cumplir este papel encuentra a un anciano (Igarashi) que entra perfectamente en el traje, pero…

Jueves 4 de diciembre – 19.00h

Kabuku (VOSI)
Dirección: Yoshitaro Saito
Año: 2013
Duración: 41’
Versión original en japonés subtitulada en inglés.

Antes de la proyección, el Profesor Carlos Rubio, uno de los mayores especialistas en literatura y teatro japonés, nos ofrecerá una perspectiva de lo que significa el teatro kabuki.

Sinopsis: Un documental único en el que podemos presenciar tanto la actuación como los preparativos de la primera vez que el mito del teatro kabuki Kamejiro Ichikawa, actualmente Ichikawa Enosuke IV, representó la mítica escena Shinokiri.

En agosto de 2010 Kamejiro Ichikawa se enfrentó al reto de representar por primera vez la Sección Cuarta de Yoshitsune Senbonzakura – Kawatsura Hogan Yakata no ba – el clímax de la escena El palacio de Kawatsura Hogan de la obra Yoshitsune de los mil cerezos de 1748 – popularmente conocida como Shinokiri. Un reto que superó con éxito en el escenario principal del Teatro Nacional de Tokio envuelto por la excitación de un momento histórico.

En este intenso documental el espectador puede ver todos los detalles de una gran representación de kabuki que normalmente no se puede presenciar, desde los ensayos previos a los preparativos que se realizan fuera de escena el día de la actuación, pasando por las impresiones de los artistas o los trucos y la tramoya utilizados durante la actuación.

Jueves 11 de diciembre – 19.00h

Rock: Wanko no shima
Dirección: Isamu Nakae
Año: 2011
Duración: 123’
Versión original en japonés subtitulada en castellano

Sinopsis: Esta exitosa película se basa en hechos reales acaecidos tras la erupción volcánica en la isla de Miyake-jima en el año 2000. La cinta nos cuenta la especial relación que la familia que regentaba la pensión de la isla, desarrolla a lo largo de los años con un perro que permanece en la isla tras ser golpeada por el desastre y ser evacuados todos sus habitantes.

Jueves 18 de diciembre – 19.00h

Éclair
Dirección: Akio Kondo
Año: 2011
Duración: 107’
Versión original en japonés subtitulada en castellano

Sinopsis: Ambientado en Japón durante y después de la Guerra del Pacífico, Eclair nos cuenta la historia de superación de un huérfano que consigue sobrevivir a la dureza de su situación gracias a los pequeños detalles, como los dulces, la música y a la amabilidad de una profesora que encuentra en su camino. La película se rodó en su mayoría en localizaciones del norte de Japón, en especial, en la prefectura de Miyagi permitiéndonos recordar espacios hoy desaparecidos, como la ciudad de Ishinomaki.

LUGAR: Fundación Japón de Madrid
DIRECCIÓN: C/ Almagro 5, Planta 4
WEB: http://www.fundacionjapon.es


24
nov

Golden Rooster and Hundred Flowers Awards (2014)

Los Golden Rooster se crearon en 1981 avalados por la China Film Association, mientras que los Hundred Flowers Awards, también llamados Full Blossom Awards, se crearon en 1962 de la mano del Popular Cinema Magazine, suspendiéndose durante los 70 y retomándose en los 80. Ambas galas separadas se unificaron en 1992 en el “National Film Festival” que conforma el festival más importante de toda la China continental, que este año se celebró a finales de Septiembre. La concesión de estos premios es un poco extraña ya que un año se conceden los Golden Rooster y al siguiente los Hundred Flowers, en esta ocasión le tocaba a estos últimos y aquí tenéis la lista de nominados y premiados.

Mejor Película

The Grandmaster
American Dreams in China
Four Days and Nights of Zhou Enlai
So Young
Finding Mr. Right

Mejor Director

Zhao Wei (So Young)
Wong Kar-wai (The Grandmaster)
Peter Chan (American Dreams in China)
Chen Li (Four Days and Nights of Zhou Enlai)
Xue Xiaolu (Finding Mr. Right)

Mejor Guión

Li Qiang (So Young)
Zou Jingzhi/Xu Haofeng/Wong Kar-wai (The Grandmaster)
Zhou Zhiyong/Zhang Ji/Lin Aihua (American Dreams in China)
Tian Yunzhang/Wu Baoan (Four Days and Nights of Zhou Enlai)
Xue Xiaolu (Finding Mr. Right)

Mejor Actor

Huang Xiaoming (American Dreams in China)
Wu Xiubo (Finding Mr. Right)
Nick Cheung (The White Storm)
Jackie Chan (CZ12)
Xu Zheng (Lost in Thailand)

Mejor Actriz

Zhang Ziyi (The Grandmaster)
Yang Zishan (So Young)
Tang Wei (Finding Mr. Right)
Yao Xingtong (CZ12)
Yu Nan (Silent Witness)

Mejor actor secundario

Tong Dawei (American Dreams in China)
Zhang Jin (The Grandmaster)
Han Geng (So Young)
Bao Beier (So Young)
He Wei (Four Days and Nights of Zhou Enlai)

Mejor actriz secundaria

Deng Jiajia (Silent Witness)
Hai Qing (Finding Mr. Right)
Yuan Quan (The White Storm)
Tao Hong (Lost in Thailand)
Charlie Young (Cold War)


21
nov

Festival Internacional de Cine de Gijón (2014) – Ciclo Brillante Mendoza

portada MENDOZA

Si ayer os comentaba la programación más asiática del Festival Internacional de Cine de Gijón, que comienza hoy mismo, reservo para esta entrada el magnífico ciclo que le dedican a uno de lso directores filipinos más internacionales, Brillante Mendoza. Esta retrospectiva, como la del pasado año con Hong Sang-soo, viene acompañada de un libro sobre su carrera y su cine coordinado por los amigos de CineAsia. A continuación tenéis le programa general de este ciclo.

El director filipino Brillante Mendoza es uno de los máximos exponentes y prolíficos autores del cine asiático actual, con más de una docena de títulos en los diez años que han pasado desde su debut. Mendoza recibirá un homenaje a toda su carrera con la proyección de seis de sus títulos más destacados: “Foster Child” (2007), “Serbis” (2008), “Lola” (2009), “Kinatay” (2009), “Thy Womb” (2012) y “Captive” (2012).

El realizador, que tiene como referente cinematográfico al maestro francés François Truffaut, debutó en la dirección a la edad de 45 años con “Masahista” (2005), cinta con la que ganó el Leopardo de Oro a la mejor película de vídeoarte en el Festival de Locarno y que supuso su rampa de lanzamiento internacional. Desde entonces ha recibido multitud de premios en festivales tan destacados como Berlín o Venecia y siempre ha contado con el favor de la crítica gracias a temáticas arriesgadas con las que plasma una realidad sin filtros; cuestiones como el incesto, la bigamia, la delincuencia o la prostitución.

Serbis
Filipinas, Francia, 2008
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Coco Martin (Alan), Dan Alvaro (Jerome), Gina Pareño (Nanay Flor), Jaclyn Jose (Nayda), Julio Diaz (Lando), Kristofer King (Ronald)

Durante todo un día nos alejamos de la capital, Manila, y nos acercamos a la ciudad de Angeles (situada en Pampanga, la región natal de Brillante Mendoza), donde una familia regenta un cine erótico en claros indicios de decadencia. Mientras intentan sacar a flote el negocio, donde se dan cita también los intercambios eróticos homosexuales, asistiremos a las vicisitudes de cada uno de los miembros del clan familiar: a la cabeza, Madame Flor, que está a punto de divorciarse de su marido por infiel; Miss Nayda, la hija mayor casada que tiene un affaire con el proyeccionista; Alan, un sobrino pintor, que ha dejado embarazada a su novia… Bajo la descarnada y cruda mirada de la cámara del director y con los ecos de la moralidad católica y el bullicio de la urbe retumbando alrededor, Serbis significó el reconocimiento definitivo de Mendoza en los circuitos de cine internacionales.

Captive
Francia, Filipinas, Reino Unido, Alemania, 2011
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Isabelle Huppert (Thérèse Bourgoine) , Kathy Mulville (Sophie Bernstein), Marc Zanetta (John Bernstein), Rustica Carpio (Soledad Carpio), Ronnie Lazaro (Abu Azali), María Isabel López (Marianne Agudo Pineda), Ángel Aquino (Olive Reyes), Sid Lucero (Abu Mokhif), Raymond Bagatsing (Abu Saiyed), Timothy Mabalot (Hamed), Mercedes Cabral (Emma Policarpio)

Cautiva ha sido, quizás, el proyecto más internacional de Brillante Mendoza: una coproducción entre Filipinas y varios países europeos, además de contar con la presencia de la actriz francesa Isabelle Huppert como protagonista principal de la historia. Esta vez, la acción se sitúa en el sur de Filipinas, para relatarnos el secuestro de una veintena de personas a manos del grupo Abu Sayyaf, una franja de la yihad islámica, musulmanes que reclaman la independencia de la zona de Mindanao de Filipinas. “Mindanao es de los musulmanes”, se grita más de una vez durante el periplo de cerca de un año recorriendo la selva que viven secuestrados y captores. Entre los primeros está Therese (Huppert) una trabajadora social de nacionalidad francesa que se encuentra en Filipinas en una misión de ayuda humanitaria. Basada en hechos reales, el conflicto de Mindanao sigue sin resolución hoy en día.

Lola
Francia, Filipinas, 2009
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Anita Linda (abuela Sepa), Rustica Carpio (abuela Puring), Tanya Gomez (Ditas), Jhong Hilario (Bebong), Ketchup Esuebio (Mateo)

Regresando a la vertiente más social y humanista que ya transitó en su anterior Foster Child, Brillante Mendoza realiza en Lola una historia mucho más esperanzadora. Una historia de superación y de conciliación, eso sí, sin abandonar el marco de la pobreza y la miseria de los barrios marginales y más desfavorecidos de la ciudad de Manila. A través del retrato de dos abuelas, las ‘lolas’ del título (lola, en tagalo, significa abuela), que ven cómo sus caminos se entrecruzan a causa del destino aciago que les depara a sus dos nietos, uno muerto a manos del otro en una pelea desafortunada. Mientras seguimos los pasos de una de las abuelas preparando el funeral del fallecido, acompañamos a la otra a la cárcel para llevar algo de comida a su nieto acusado de homicidio. Reconciliación, perdón… son algunos de los valores sobre los que Mendoza sostiene esta dramática historia.

Kinatay
Francia, Filipinas, 2009
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Coco Martin, Julio Diaz, Mercedes Cabral, Maria Isabel Lopez, John Regala, Jhong Hilario

El penúltimo trabajo de Brillante Mendoza (luego llegaría Sapi/Possession) se ve casi como un documental etnográfico sobre las costumbres, tradiciones, ritos y el día a día de la población musulmana en Filipinas, concretamente en Mindanao y las islas sureñas adyacentes más cercanas a Indonesia, donde reside la mayor parte de la colonia musulmana, aproximadamente un 5% de la población total de Filipinas. Deja aquí el director la cámara en mano y con una imagen mucho más sosegada, limpia (incluso en sus imágenes subacuáticas) y certera, seguimos el día a día en la vida de una pareja ya mayor y sin descendencia, en busca de una segunda esposa para el marido que le pueda dar hijos. El trabajo de interpretación de la protagonista absoluta del film, Nora Aunor, la esposa estéril y abnegada, ha recibido multitud de premios en distintos festivales, incluido el de Venecia.

Thy Womb
Filipinas, 2010
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Nora Aunor, Bembol Roco, Lovi Po, Mercedes Cabral

El penúltimo trabajo de Brillante Mendoza (luego llegaría Sapi/Possession) se ve casi como un documental etnográfico sobre las costumbres, tradiciones, ritos y el día a día de la población musulmana en Filipinas, concretamente en Mindanao y las islas sureñas adyacentes más cercanas a Indonesia, donde reside la mayor parte de la colonia musulmana, aproximadamente un 5% de la población total de Filipinas. Deja aquí el director la cámara en mano y con una imagen mucho más sosegada, limpia (incluso en sus imágenes subacuáticas) y certera, seguimos el día a día en la vida de una pareja ya mayor y sin descendencia, en busca de una segunda esposa para el marido que le pueda dar hijos. El trabajo de interpretación de la protagonista absoluta del film, Nora Aunor, la esposa estéril y abnegada, ha recibido multitud de premios en distintos festivales, incluido el de Venecia.

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