25
May

Sun Chung (parte 1/3)

sun chungSun Chung fue uno de los directores más ambiciosos y creativos que hizo películas en Asia. Un hombre de gran talento que alcanzaría una posición respetable como cineasta, pero nunca obteniendo el nivel de atención de directores reverenciados como Chang Cheh y Liu Chia Liang (al menos fuera de Asia). Sin embargo, Sun Chung tiene algunas películas de género que se encuentran entre los ejemplos más conocidos y clásicos del cine de Hong Kong. Películas como AVENGING EAGLE (1978) y HUMAN LANTERNS (1982), son obras reconocidas por la mayoría de los aficionados que siguen el cine de acción Hongkones de la “vieja escuela”. Poco se ha escrito en relación a una serie de directores que tuvieron fructíferas carreras en la Shaw Brothers y más allá, muchos de estos cineastas, y sus hojas de vida, siguen siendo en gran medida ignoradas por el grueso de los aficionados occidentales fuera de una o dos de sus películas. Uno de estos es el director Sun Chung.

Nativo de Shantung, Sun Chung creció en Taiwán graduándose en el Instituto Nacional de las Artes. El joven aspirante a director comenzó su carrera como asistente de dirección para una compañía independiente, dirigiendo en solitario el musical WILD GIRL (1968) y de la comedia TOPS IN EVERY TRADE (1969) antes de ser contratado por la Shaw Brothers. Curiosamente, Sun Chung trabajaría para otros estudios como la Summit Film Productions mientras trabajaba en la Shaw, tomando un seudónimo para estas películas independientes, Tung Ming Shan. En su mayoría fueron dramas o comedias como HONOR AND LOVE (1973), THE FOOL AND HIS MONEY (1974), MUTINY ON THE HIGH SEAS (1975) y MONEY IS EVERYTHING (1975).

Pero entre estas películas se produjo su debut dentro del gigante asiático. THE DEVIL’S MIRROR (1972) fue una película de espadachines estándar dentro de la Shaw Brothers, una de las decenas que se producían y que debido a su popularidad eran muy lucrativas para el estudio. Si bien esta primera película era un Wuxia de acción típico, tenía algo diferente que lo hizo despuntar entre la enorme cantidad de este tipo de productos que inundaba el mercado. Chiang Yang introduce algunos elementos muy extraños en su guión y Sun Chung, a pesar de que faltaban algunos años para forjar su estilo definitivo, tiene unas curiosas formas de grabar la acción en comparación con la estética de otros realizadores.

Este Wuxia fantástico con toques de terror es, a priori, muy típico – Dos clanes tiene sendos espejos mágicos, espejos que desea la bruja Jiu Xian, la ninfómana líder del Bloody Ghoul Clan. Ambos espejos en conjunto sirven para abrir la tumba del emperador Wu y obtener su legendaria espada. Uno de los espejos es robado y los clanes se acusan mutuamente, emprendiendo su búsqueda.- Como en otras películas del estilo se usan multitud de elementos de guión, si bien aquí las cosas nunca son demasiado enrevesadas. No pararemos de ver luchas con espadas, una gran cantidad de sangre, sexo, algunos efectos especiales, peculiares escuadrones de luchadores, una montaña de oro, absurdos giros de guión y uno de los villanos más excéntricos del cine de Hong Kong.

Devils Mirror

Aún con toda su energía y su inusual puesta en escena, THE DEVIL’S MIRROR no logro triunfar en taquilla, al menos en Hong Kong. Imperturbable, Sun Chung se trasladó a otros estilos como como la bizarra comedia sexual THE SUGAR DADDIES (1973), dramas más serios como COHABITATION (1975), y películas independientes como MONEY IS EVERYTHING (1975) con las estrellas Shaw Tsung Hua y Nora Miao.

Al final de 1972, pocos meses después del lanzamiento de THE DEVIL’S MIRROR, fue anunciada una película titulada THE ESCAPE que sería dirigida por Chang Cheh. Poco tiempo después, Sun Chung fue añadido como co-director. Por razones achacables a la partida de Chang a Taiwán, THE ESCAPE terminaría por convertirse en un proyecto propio de Sun Chung. El título sería modificado a THE BLOODY ESCAPE y tomaría dos años en rodarse, siendo lanzada en 1975, pero como su película de debut, esta no tuvo mucha repercusión en Hong Kong. Hay que tener en cuenta que no era fácil competir en aquellos años en la industria local, la misma Shaw Brothers llegaba a producir 40 y 50 películas al año, eso sin contar los films extranjeros y de compañías independientes.

Viendo THE BLOODY ESCAPE (1975) hoy, el estilo y el desarrollo es muy similar al de una película de Chang Cheh, una vez más no hay un estilo propio de Sun Chung en ella. La Shaw tenía una serie de directores en plantilla que por sus estilos cinematográficos podían ser intercambiables el uno con el otro. Sun Chung cayó dentro de esta categoría y eso le molestaba profundamente. Deseoso de salir de este grupo, intentó convencer a sus jefes de que le dejarán rodar una película tal y como él quería, pero para eso aún debería pasar algún tiempo. Durante los próximos dos años el director cayó en oscuros territorios, siendo su producción cualquier cosa menos comedia, dirigiendo algunos thrillers de acción tremendamente violentos.

Una de estas películas es THE SEXY KILLER (1976), estrenada en Hong Kong bajo el título THE DRUG CONNECTION. Protagonizada por la reina de la exploitation Hongkonesa Chen Ping, este clon de la blaxploitation de Pam Grier, COFFY (1973), aumentó considerablemente el nivel de sexo y violencia. La trama es la misma, pero el guión nunca nos dará espacio para respirar, o para desarrollarse, en vez de caer en melodramas. La violencia es a menudo tan exagerada que se convierte en cómica. Aquí el director muestra sus cartas y empieza a definir su estilo.

sexy killer

Poco después Sun Chung firmaría una secuela de esta, titulada LADY EXTERMINATOR (1977). Chen Ping vuelve a estar presenta al igual que Yueh Hua. Originalmente, Yueh Hua iba a ser el villeano – su primer papel en este rol-, pero en algún momento el guion se modificó y el actor tomo su papel de policía definitivo. LADY EXTERMINADOR tiene el doble de acción que la anterior película y la misma mala calidad. El personaje de Chen Ping de la primera película está en la cárcel, pero se le indultará si ayuda a un infiltrado de la policía a derribar un poderoso cartel de la droga. La película se llena de tiroteos y violencia sangrienta, incluyendo una pelea de gatas entre Chen Ping y el reciente descubrimiento de la Shaw, Shirley Yu. Este fue también el debut en la pantalla del popular actor y futuro director, Erh Sheng Tung. Una vez más Sun Chung no prensenta un sin sentido, una película que ofrece una acción eficaz pero no aporta nada nuevo, aunque si que amplía de manera satisfactoria el tono sombrío de la primera parte.

BIG BAD SIS (1976) fue otra película de Chen Ping para Sun Shung, la segunda parte de una de una especie de trilogía. Esta era un poco menos escandalosa que su interpretación china de COFFY y su secuela, pero se basaba en el empoderamiento de las mujeres y sus maquinaciones. BIG BAD SIS era una especie de semi-secuela de las dos películas de Kuei Chih Hung de la saga TEAHOUSE protagonizadas por Chen Kuan Tai. Si bien estas dos películas eran ejercicios dramáticos, BIG BAD SIS es una clara película de acción.

Chen Ping interpreta a una ex-miembro de las triadas que intenta llevar una vida recta. Enseña a algunas trabajadoras de fábricas oprimidas cómo defenderse hasta que su ex-banda averigua dónde está y va a por ella. Esto llevará a una batalla abierta, con las apariciones fugaces de Chen Kuan Tai y Wang Chung en ayuda de las mujeres.

A comienzos de 1976 una película titulada THE CRIMINALS fue todo un éxito en taquilla para la Shaw Brothers. Construido a modo de antología y usando a varios directores para cada historia, menos de un año después se realizó una secuela. Sun Chung contribuyó con un segmento en HOMICIDES: CRIMINALS 2 (1976). Lo realmente curioso de esta cinta es que el corte de Kuei Chih Hung, conocido director de las producciones más brutales y grotescas de la factoría Shaw, queda eclipsado por la sordidez del de Sun, titulado “Nude In A Box”. Este trata sobre el descubrimiento dentro de una caja del cuerpo desnudo de una niña de 17 años que ha sufrido todo tipo de mutilaciones de lo más grotescas y enfermizas. La película fue un éxito en Hong Kong y Sun Chung estaba destinado a grandes cosas, pero aún tenía algo de “basura” que necesita sacar a la luz antes de que nos mostrase de lo que realmente era capaz.

big bad sis

Algo interesante de estas modernas antologías criminales es que en muchas ocasiones estaban compuestas por cortes que habían sido destinados a un largometraje, pero que por diferentes motivos eran truncados para convertirlos en los capítulos que la saga necesitaba. ASSAULT: CRIMINALS 4 (1977) fue una de estas ocasiones, al menos el corte de Sun ChungQueen of Temple Street”. Esta película estaba destinada a ser la siguiente obra de Sun tras LADY EXTERMINATOR, lanzada a finales de 1976. Lo más triste de todo es que es quizás una de las mejores piezas dramáticas en el curriculum del director.

Este corte gira en torno a un hombre avaricioso y con problemas de juego que se sostiene en su trabajadora y bella mujer. Cayendo en un grave problema monetario este deplorable personaje vende a su esposa al líder de una banda mafiosa para que ejerza como prostituta. A partir de aquí la historia gira en torno a lo peor del ser humano, pero Sun Chung mantiene de forma magistral la insensibilidad de la historia sin caer en sadismo ni exploitation. La película también cuenta con algunos toques fotográficos llamativos y es el segmento más largo de toda la serie. Iniciándose con el corte del maestro del mal gusto Kuei Chih Hung, “Queen of Temple Street” es la antítesis de esa sádica apertura, y el solo hace de ASSAULT: CRIMINALS 4 (1977) una entrada muy potente dentro de la serie.

Debió ser frustrante para Sun Chung, un cineasta que deseaba romper con los cánones y las limitaciones del género, seguir realizando películas de exploitation. 1976 y 1977 se llenan de estas y Sun Chung tendría que ofrecernos aún una película más y esta vez de lo más extraña, y una de las peores en toda la carrera en solitario del director. FANGS OF THE COBRA (1977), aka COBRA GIRL, es similar en algunos aspectos a KILLER SNAKES (1973) de Kuei Chih Hung. Mientras que aquella era una infesta inmundicia, una agotadora experiencia de terror, esta es una amalgama casi indescriptible de diferentes elementos de género. En esencia trata de una joven y su compañera Cobra. El padre de la joven la tiene protegida férreamente del mundo exterior y solo la serpiente es lo más parecido a un amigo, pero cuando la joven conoce a un chico y se enamora de él, la cosa se complica.

Seremos testigos de un complot para conseguir el control del negocio familiar a cualquier precio. También hay una escena muy desagradable en la que una mangosta termina luchando con la Cobra. Esta escena está coreografiada de tal manera que parece una secuencia de Tom y Jerry. Si la dosis de horror, romance y suspense fuera poco, se añade a la mezcla una buena dosis de sexo lascivo. Es una película terrible pero en el fondo divertida para los aficionados al género.

judgement of an assassin

A finales de 1977 se estrena en Asia la película de Sun Chung JUDGEMENT OF AN ASSASSIN. Si bien no fue un gran éxito en taquilla, si que fue especial porque aquí se cimenta gran parte del estilo que el director mostraría en sus posteriores trabajos. El año anterior el prolífico y conocido Chu Yuan había redefinido el Wuxia con su KILLER CLANS (1976). Con escenarios de gran calidad y una intrincada historia, esta película volvería a poner de moda los swordsplay. Sun Chung siguió su ejemplo y volvió al Wuxia, el género con el que debutó en 1972.

Los Wuxias de Sun Chung eran muy diferentes a las producciones de “espadachín romántico” de Chu Yuan. Las películas de Chu se basan principalmente en novelas muy conocidas de autores como Jin Yong y Gu Long. Por su parte Sun era mucho menos prolífico y casi todos sus guiones eran originales, al igual que su enfoque a la hora de contar las historias. Su visión también sería notablemente más violenta que la de Chu. Sun gustaba de usar la técnica de la cámara lenta a la hora de afrontar partes claves de la acción, incluso a veces se retiraban fotogramas para que la cámara lenta pareciera sesgada, estos matices son muy claros en AVENGING EAGLE (1978), TO KILL A MASTERMIND (1979) y THE DEADLY BREAKING SWORD (1979). Estas cámaras lentas también se unirían a primeros planos o descentralización de los mismos para provocar fuertes sensaciones al público.

CONTINUARA…


13
May

15th Imagineindia Film Festival (Madrid)

ImagineIndia 2016

El próximo día 17 de Mayo comienza el Imagineindia Film Festival en Madrid, un festival especializado en el cine indio pero que también apunta a cines poco conocidos en nuestro país dentro de la zona euroasíatica y el subcontinente indio. Según la propia organización del festival “Imagineindia International Film Festival está sobre todo dedicado a promocionar la amistad y la colaboración entre el Subcontinente Indio, Asia, Australia y España. Su principal objetivo es presentar y llamar atención sobre los filmes y demás expresiones artísticas de estos países, para contribuir a una mejor comprensión de los mismos“. Este año tiene una programación variada que incluye, en su sección oficial, películas de India, Kazakhstan, Turquía, Irán y España entre otros. En sus secciones paralelas encontramos documentales, cortometrajes, los cláscios del cine Indio, este año dedicados a la actriz Suchitra Sen, retrospectivas de cine Ruso e Indio y una sección dedicada la pais invitado: Hungría. Un programa completo y curioso que os acercamos, en parte, hoy. Para conocer los horarios y el programa detallado de proyecciones visitad su página web.

SECCIÓN OFICIAL

Radio set
Hari Viswanath
India. 2015. 80 min
Reparto : Lakshmanan Koratur, Ramanujam Tvv

Radiopetti (Aparato de Radio), la historia de un hombre perdido en otro mundo, un mundo del pasado, que llega a sus oídos por un aparato de radio. Cómo su amor viaja por la vida con los objetos inanimados junto a su familia y amigos. ¿Dónde lo llevará este amor?

Island City
Ruchika Oberoi
India. 2015. 108 min.
Reparto : Tanishta Chatterjee, Ashwin Mushran, Vinay Pathak

Island City es una película en tres partes. Suyash gana de su oficina un premio para divertirse, lo que da derecho a un día entero de diversión en el centro comercial. Sin embargo, las cosas salen mal y termina haciendo una cosa horrible, impensable. Llegar a ser un divertido día para Suyash después de todo! Anil esta muy enfermo. Su familia decide llevar a casa ese objeto prohibido – la TV. La familia ahora, cada noche, se enchufa en la popular serie ‘Purshottam – el hombre Ideal’ y poco a poco comienza a reemplazar al dominante Anil con esta ficción. Entonces de repente, llega la noticia de que está mejorando la condición de Anil y que volverá al hogar pronto!

Ottaal
Jayaraaj
India. 2014. 80 min
Reparto : Shine Tom Chacko, Ashanth K. Shah, Vasudevan

Ottaal (la trampa) es una adaptación de una obra intemporal de Anton Chekhov, Vanka. Una historia del siglo XVIII, pero que ha viajado por el tiempo y el espacio para ser contada en la actualidad en un pequeño pueblo en el sur de la India. Kuttappayi, un joven, se siente miserable y desesperado cuando comienza a escribir una carta a su abuelo de un lugar, horrible y oscuro. Recuerdos de Kuttappayi nos lleva a los lugares pintorescos de Kuttanad, donde llega Kuttappayi y su abuelo, Valiyappachayi, con sus patos. El pueblo es de lo más agradable a pesar de lo que le lleva allí es la muerte de sus queridos padres.

Rajkahini
Srijit Mukherji
India. 2015. 160min
Cast : Rituparna Sengupta, Saayoni Ghosh, Koushik Sen

En agosto del 1947, los británicos aprobaron un proyecto de ley sobre la partición de la India. Adentrándose en la sombría historia de la partición, Rajkahini es tejida alrededor de un burdel vivienda de 11 mujeres que se encuentra en la mitad de la frontera.

Something Better to Come
Hana Polak
Dinamarca/Polonia. 2014. 95 min
Reparto : Yula, Hanna Polak

Yula, de diez años tiene un sueño: llevar una vida normal. Durante 14 años, Hanna Polak sigue a Yula como ella crece en uno de los basureros más grandes del mundo ubicado a 13 millas del Kremlin en la Rusia de Putin.

El hombre que quiso ser segundo
Ramón Alós
España. 2014. 91 min

El protagonista investiga un extraño misterio que sobrevuela la figura de Segundo de Chomón: su paradójica relación con su hermano gemelo. El misterio crece cuando algunos datos documentales sugieren que el hermano nunca existió realmente.

Toll Bar
Zhasulan Poshanov
Kazakhstán. 2015. 60 min
Reparto : Yerkebulan Daiyrov, Azat Zhumadil, Didar Kaden

Rauan trabaja en un parking de una prestigiosa zona residencial. Aidar pasa todos los días por esa barrera de paso en su lujoso coche. El auto pertenece a su padre, un rico sin más ética que la del dinero. Rauan y Aidar ambos están decididos a construir sus propias vidas ellos mismos. Viven en la misma ciudad, sus caminos se cruzan en el mismo camino, pero hay un abismo entre ellos. Están separados por una barrera de peaje entre la riqueza y pobreza. Se enfrentarán un día Aidar y Rauan, y sus mundos se enfrentarán. ¿Cuáles serán los resultados..?

The Silence
Gajendra Ahire
India. 2015. 90 min
Reparto : Nagraj Manjule, Anjali Patil, Raghuvir Yadav

La película se basa en una historia real de una niña, Chini, en Maharashtra rural. Su padre ha estado pasando por tiempos difíciles desde la muerte de su esposa. Está perdido en la vida cuando a su hija le llega su primer periodo y pide a su tío materno para llevarla a Bombay, donde viven él y su esposa. Los acontecimientos discurren por caminos no previstos.

The Sea and the Flying Fish
Mehrdad Ghafarzadeh
Irán. 2015. 78 min
Reparto : Homayoun Ershadi, Akbar Fallah, Amir Hossein Rostami

Ehsan no podía hablar ni oír pero con sus inocentes ojos podía ver el vuelo de los peces voladores sobre el mar de la libertad.

Rauf
Soner Caner, Baris Kaya
Turquía. 2016. 90 min
Reparto : Alen Huseyin Gursoy, Arif Arifogullari, Metin Asasin

Rauf, un niño, espera ganar el Gran Premio, la hermosa Zana, con la ayuda del color rosa. ¿Pero qué es realmente el color rosa, a qué se parece? ¿Podrá encontrarlo en su pueblo kurdo nevado en las montañas? Mientras tanto, un inquietante rumor barre el mundo exterior en relación a los kurdos.

Eduardo Ducay, el cine que siempre estuvo allí
Vicky Calavia
España. 2015. 55 min

Documental visual sobre la figura del productor Eduardo Ducay, que ha impulsado a lo largo de su carrera hitos cinematográficos tan importantes como “Tristana”, de Luis Buñuel, “El bosque animado” de J.L.Cuerda, la serie de televisión “La Regenta”.

HOMENAJE A SUCHITRA SEN

Suchitra Sen (Pabna, 6 de abril de 1931 − Calcuta, 17 de enero de 2014)1 fue una de las grandes actrices de cine de la India. Sus películas con el actor Uttam Kumar son consideradas clásicas del cine bengalí.

Fue la primera actriz india galardonada en un festival internacional de cine al ganar la Medalla de plata a la Mejor Actriz por Saat Paake Bandha en el 1963 Festival Internacional de Cine de Moscú. En 1972 fue galardonada con el premio Padma Shri, uno de los más altos premios civiles de la India. Hacia finales de 1970 se retiró de la vida pública y evitó todo tipo de contacto público en una vida de estricto aislamiento, lo que a menudo se comparó con Greta Garbo. En 2005, se negó a recibir el Premio Dadasaheb Phalke, el premio cinematográfico más alto en la India, con el fin de mantenerse alejada de los ojos del público.

Suchitra Sen nació en el distrito de Pabna, hoy en día en Bangladesh, el 06 de abril de 1931. Su padre tarde Karunamoy Dasgupta era el director de la escuela local, y su madre Indira Devi era una ama de casa. Fue su quinto hijo y la tercera hija. MS Sen es la nieta del famoso poeta Sree Rajonikant Sen. Recibió su educación formal en Pabna. La partición de la India llevó a su familia y a ella a Bengala del oeste, Calcuta.

Sen hizo una entrada exitosa en cine bengalí en 1952 y luego una transición menos exitosa a la industria del cine en Hindi. Hizo su debut con Shesh Kothaay en 1952, pero que nunca fue estrenado. El año siguiente la vio actuar frente a Uttam Kumar en Sharey Chuattor, una película de Nirmal Dey. Un enorme éxito de taquilla que será recordado como el lanzamiento de la pareja Uttam – Suchitra. Se convirtieron en los iconos en los dramas bengalíes durante más de 20 años, representando casi un género para sí mismos. Ha actuado en 30 de sus 60 películas con Uttam Kumar. Recibió una nominación del premio a Mejor Actriz por la película Devdas (1955), que fue su primera película en Hindi.

Sus romances y melodramas bengalíes, especialmente con Uttam Kumar, la hizo la más famosa actriz bengalí de todos los tiempos. Junto con Uttam Kumar había creado éxitos románticos clásicos:

Agnipariksha, Harano Sur, Saptapadi, Pathey Holo Deri, Kamal Lata, Saat Paake Bandha, Indrani, Sabar Upore, Suryatoran, Shaare Chuattor, Sadanander Mela, Jiban Trishna, Ekti Raat, Chaawa Paawa, Shapmochan, Bipasha, Naborag, Trijama, Rajlakshmi Srikanto, Har Mana Har, Alo Amar Alo, Ora Thakey Odhare, Grihaprabesh y otros. Que no han perdido la popularidad con el paso del tiempo.

La popularidad de esta romántica pareja creó un punto de referencia que permanece indiscutido a día de hoy. Ningún otro pareja romántica en el cine bengalí en las décadas posteriores ha podido llegar a la magia creada por Suchitra Sen y Uttam Kumar.

SAAT PAKE BANDHA (Ajoy Kar)
SAPTAPADI (Ajoy Kar)
UTTAR FALGUNI (Asit Sen)
MUSAFIR (Hrishikesh Mukherjee)

RETROSPECTIVA SHRI SHYAM BENEGAL

ANKUR (1974)
BHUMIKA (1977)
MANDI (1983)
SUSMAN (1987
SURAJ KA SATVAN GHODA (1993)
MAMMO (1994)
SAMAR (1999)
SATYAJIT RAY, FILMMAKER (1982)

IGOR SAVCHENKO, MAESTRO DEL CINE RUSO

Savchenko fue una de las figuras de mayor influencia en el desarrollo del cine ruso – soviético. De “Acordeón” (1934), el primer musical ruso, a “Taras Shevchenko” (1951), una biografía épica, muestra la variedad de sus obras, la enormidad de sus producciones y sus dotes inmensos con los actores. La mayor parte de su trabajo permanece desconocido en el occidente.

Este ciclo muestra la profundidad y la complejidad del trabajo de Savchenko y su influencia como profesor y mentor de una generación de grandes cineastas clásicos rusos como Parajanov, Khutsiyev o Bartanov.

Este legado de Savchenko nos muestra una de las épocas más complejas de la historia rusa y también nos lleva al entendimiento de los filmes realizados por directores ucranianos a lo que se conoce como “barroco ucraniano”.

GARMON (Acordeón)
Rusia. 1934. 66 min. Musical
BOGDAN KHMELNITSKI
Rusia.1941. 114 min. Historia


10
May

Nueva ola de cine coreano – Programación Casa Asia

oda a mi padre

El cine coreano no necesita presentación, pero sí que se siga demostrando su popularidad y el interés que suscita en públicos cada vez más amplios, sea cual sea su conocimiento de Corea y su cultura. El esfuerzo que han hecho cineastas e instituciones coreanas ha contribuido sin duda a difundir una imagen de este país, que ha servido para generar el interés por sus producciones cinematográficas en todos los géneros, gracias a la sólida arquitectura narrativa que caracteriza este cine.

Como en anteriores ocasiones, Casa Asia plantea esta nueva propuesta con una muestra del cine coreano más reciente, gracias al apoyo del Centro Cultural Coreano de Madrid. Películas como Oda a mi padre de Youn Je-kyun, Stay with Me de Rhee Jin-woo, o The Classified File de Kwak Kyung-taek son títulos que siguen sorprendiendo por su gramática, su fotografía y su dirección cinematográfica. En la tercera edición de este programa dedicado al cine coreano más reciente, se corrobora el poder de la imagen en movimiento de una industria que no deja de crecer alcanzando récords de audiencia, no sólo en Corea, sino en los principales festivales de cine y aquellas ciudades europeas y americanas donde ya se ha introducido en los circuitos de distribución comercial.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 7 de mayo de 2016, 20.00 h

MY LOVE, DON’T CROSS THAT RIVER, Dir. Jin Mo-young | 2014 | 85′ | VOSE

Una pareja de ancianos vive junto a sus perros, alejados del resto del mundo; usando el hanbok tradicional, recogiendo leña para mantener el calor del hogar durante el invierno y lavando la ropa en el río junto a su casa. En su tiempo libre, cantan y bailan, juegan en la nieve o simplemente pasean cogidos de la mano. Pero, tras la muerte de su perro, el abuelo enferma poco a poco, y su mujer es consciente de que les queda poco tiempo.

Sábado, 14 de mayo de 2016, 20.00 h

ODA A MI PADRE, Dir. Youn Je-kyun | 2014 | 126′ | VOSE

En los años 50, estalla la Guerra que divide a Corea. Deok–su, siendo niño, tuvo que decir adiós a su padre durante una evacuación de refugiados de Corea del Norte. Sus últimas palabras a su padre fueron la promesa de que siempre protegería a la familia en su lugar. A medida que Deok–su crece, este compromiso le lleva en 1960 a trabajar en las minas de carbón en Alemania, e incluso a la selva de la guerra de Vietnam.

Sábado, 21 de mayo de 2016, 20.00 h

THE ROYAL TAILOR, Dir. Lee Won-suk | 2014 | 127’ | VOSE

En la dinastía Choseon hay un lugar, Sanguiwon, donde se confecciona la vestimenta de la Familia Real. Dol-Seok es el mejor sastre y, por tanto, el máximo responsable de los atuendos reales. Concibe las reglas y la tradición como las guías de su trabajo. Kong-Jin es un diseñador joven y brillante, con un talento y una capacidad innata. El noble Pan-Soo, que percibe su talento, lo llevará a palacio, donde pronto surgirá el conflicto entre el respeto a las costumbres y la innovación.

Sábado, 28 de mayo de 2016, 20.00 h

STAY WITH ME, Dir. Rhee Jin-woo | 2015 | 98′ | VOSE

Iseop es el chico nuevo de la clase. Allí, se encuentra con Ha-yun, la chica problemática de la misma, que sólo quiere acabar rápido sus estudios obligatorios. Entablan amistad rápidamente. Sus diferentes personalidades chocan y provocan envidia e influencia mutua entre los dos, y les ayudan a encontrar un gran consuelo en la compañía del otro. Stay with me es un drama interesante por su exploración minuciosa de la vida y sentimientos adolescentes a través de sus dos protagonistas.

Sábado, 11 de junio de 2016, 20.00 h

10 MINUTES, Dir. Lee Yong-Seung| 2013 | 93’ | VOSE

Hang Ho-Chan es un joven estudiante de familia humilde que se está preparando para el trabajo de sus sueños: ser productor en una cadena de televisión. Durante la preparación de sus estudios, Ho-Chang empieza a hacer prácticas a tiempo parcial en una agencia gubernamental. Un día, uno de los empleados a tiempo completo dimite y el jefe de Ho-Chan le ofrece este puesto permanente. Ho-Chan vacila entre ser fiel al deseo y convertirse en un productor o conseguir un trabajo estable para ayudar a su familia. Después de pensarlo bastante, elige ser realista y aceptar la oferta de trabajo, pero alguien más opta a la plaza y ahora tiene que luchar por ella para ayudar a su familia a mantenerse a flote.

Sábado, 18 de junio de 2016, 20.00 h

THE CLASSIFIED FILE, Dir. Kwak Kyung-taek | 2015 | 107’ | VOSE

Una niña llamada Eun-joo desaparece en Busán en 1978. Sin que el supuesto secuestrador haya contactado durante las dos últimas semanas y sin pistas que seguir, la policía asume que ha muerto. La madre, desesperada, pide ayuda a un adivino, que le asegura que su hija está viva y que pueden salvarla si se ocupa del caso el veterano detective Gong Gil-yong. Éste, pese a su escepticismo, acepta el investigar la desaparición.

Cinemes Girona
C/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 3,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 euros


02
May

Sukiyaki Western Django – Deconstruyendo a Takashi Miike

SUKIYAKI WESTERN DJANGOSukiyaki Western Django (2007)
Director: Takashi Miike
Guión: Masaru Nakabura y Takashi Miike
Actores: Hideaki Itō, Masanobu Andō, Kōichi Satō, Kaori Momoi, Yūsuke Iseya, Renji Ishibashi, Yoshino Kimura, Quentin Tarantino, Takaaki Ishibashi, Teruyuki Kagawa, Shun Oguri
Productora: A-team, Dentsu, Geneon Entertainment, Sedic International, Shogakukan, Sony Pictures Entertainment, TV Asahi, Toei Company, Tokyo Recreation
Música: Kōji Endō
Director de fotografía: Toyomichi Kurita
Editor: Yasushi Shimamura

Miike reconoce que Quentin Tarantino con su caballo de Troya Reservoir Dogs (1992) fue todo un impacto para él. Así que cuando el productor Toshiaki Nazakawa de Sedic International se tomó al pié de la letra su medio broma sobre un sukiyaki western fue a Estados Unidos a negociar personalmente su tarifa como actor. El guionista Masaru Nakabura, con quien ya había trabajado en The Bird People in China (1998) entre otras, fue asignado al proyecto y a medida que ambos investigaban sobre el spaghetti western aprendieron que las raíces de este subgénero se enzarzaban en el chanbara del Yōjinbo (1961) de Akira Kurosawa. Así, Sergio Leone homenajeó esta obra del maestro en 1964 en una adaptación libre en Por un Puñado de dólares y un par de años más tarde, Sergio Corbucci volvería a inspirarse en el Sanjurō interpretado por Toshirō Mifune para rodar Django (1966), con la que crearía una larga leyenda.

Si ya en aquel entonces, el spaguetti western fue considerada una mala copia del western por los bajos presupuestos, su falta de moralidad y el exceso de violencia, es lógico que parte de la crítica haya simplemente ignorado o clasificado como trash cinema —según la definición de Jeffrey Sconce— esta obra de Miike. Sin embargo, al ser de los pocos guiones en los que se acredita al director y sopesando las decisiones cinematográficas que ha hecho en él, no es aventurado afirmar que Sukiyaki Western Django es una proclamación de lo que el director piensa sobre el séptimo arte y los cánones cinematográficos; una especie de film-manifiesto que marcó la entrada del director por primera vez en uno de los tres grandes festivales de cine.

django django

Pensemos por un momento en el significado del sukiyaki: un estofado japonés a base de ternera, tofu, salsa de soja, sake, azúcar, caldo dashi, setas, verduras y fideos. La carne de vaca no se consumió en Japón hasta la era Meiji gracias a la influencia occidental pero se comenzó a cocinar con sabores propiamente japoneses que han hecho de este plato uno de los más populares de Japón. Exactamente de la misma manera está cocinado este western de Miike en el que las fronteras del cine nacional y sus textos son más permeables que nunca.

django django

Sukiyaki Western Django sigue el argumento de Django y a la vez le sirve de precuela. Un pistolero solitario llega al pueblo fronterizo de Yuda, en la hipotética prefectura japonesa de Nevada, que está sumida en la fiebre del oro. En un primer momento decide jugar a Yōjinbo y venderse a uno de los dos clanes en los que se divide la ciudad —los Heike y los Genji— pero luego, decide ayudar a la vieja Ruriko y su nieto para así poder quedarse con el tesoro. Sin embargo, el western americano que vierte el director es muy miikeano: un exceso muy estilizado, una Bloody Benten con corazón de yakuza, el poder del hombre blanco representado en el clan Genji de clara estética vaquera, el clan Heike con estética india y un humor muy típico del director que contraviene las reglas del género.

django django

Como decía, las elecciones cinematográficas que toma Miike convierten al film en una declaración de intenciones sobre la transnacionalidad del cine: la referencia barra homenaje a Kurosawa y el spaghetti western, el rodaje en cinemascope, el tecnicolor estridente del western paródico tailandés Las Lágrimas del tigre negro (2000), la actualización de la batalla de Dannoura, la alusión al Heike Monogatari, el ataúd de Django con la ametralladora dentro, la referencia a Shakespeare y la Guerra de las Dos Rosas descrita en Enrique VI… Pero hay una coherencia estructural que es mucho más que un simple puñado de guiños cinéfilos y referencias históricas tejidas juntas. Se podría decir que Miike cumple todas o casi todas las características paracinemáticas que menciona Sconce, pero el fin justifica los medios, o más bien, los medios tienen su raison d’être.

django django (4)

Para empezar, el prólogo del film está rodado en un decorado descaradamente falso que emula el viejo oeste con un Monte Fuji en el horizonte. El decorado, fuertemente impregnado de la tradición de los grabados de madera japoneses ya nos da la primera pista. No sólo porque invoquen a los falsos decorados de madera fabricados en el desierto de Almería sino porque se relaciona a la vez con los grabados de madera japoneses y con el viejo oeste: el viejo oriente y el viejo occidente fusionados en un nuevo mundo. En este nuevo mundo, Quentin Tarantino encarna a Piringo, un pistolero con poncho mexicano que sirve de narrador de la historia o cocinero del sukiyaki. La inclusión de Tarantino de por sí ya es un guiño al espectador pero su invocación del inicio del Cantar de Heike resonará en el resto del film. «El tañir de las campanas en el templo de Gion presta su eco a lo efímero de todas las cosas. El rubor de las flores en el árbol que se bifurca revela la verdad de que florecer es marchitarse. El que está orgulloso no lo está por mucho tiempo, como un sueño en una noche de primavera. El valiente es finalmente destruido, y no será más que polvo en el viento». El tema de la frugalidad o temporalidad (mujō) es el leitmotiv del Heike monogatari, obra que narra la guerra entre el clan Taira —los Heike— y el clan Minamoto —los Genji—. La guerra entre ambos clanes, finalizaría con la batalla de Dannoura en 1185 cuando Minamoto no Yoshitsune venció al clan Heike y su jefe Taira no Kiyomorori, estableciéndose por primera vez un shogunato, el shogunato Kamakura, bajo el mando del clan Taira.

django django

El contexto histórico del filme sugiere una historia alternativa, en la que después de la segunda expedición del comodoro Perry de 1854 que provocara el fin del shogunato y el inicio de la Era Meiji, el inglés se hubiera instalado en Japón junto con la fiebre del oro americana de los 1850; no es tan descabellado si se tiene en cuenta que sustituir el inglés por el japonés fue una de las opciones que barajó la Restauración Meiji. Pero el uso de ese inglés macarrónico que tanto se ha criticado implica mucho más, puesto que es indicativo de la colonización que sufre el cine por parte del dominio americano mientras que el acento simboliza un conflicto identitario. Sin embargo, el producto de la hibridación de los dos bandos, el pequeño Heihachi, hijo de una Heike y un Genji, es mudo igual que lo es el anasazi interpretado por el propio Miike. Y esto infiere que tanto la civilización nativa como la mestiza se han quedado sin voz en un mundo colonial y capitalista.

django django

La tiranía del color que crea la fotografía de Toyomichi Kurita, con quien ya había coincidido Miike en Imprint (2006) de Masters of Horrors es igualmente simbólica. En primer lugar, el marcado amarillo del prólogo y los flashbacks en tecnicolor sugieren el dominio que ejerce la fiebre del oro sobre los personajes y los acontecimientos. Y en segundo lugar, los bandos rojo (Heike) y blanco (Genji), que componen la bandera de Japón, no sólo pintan de sus colores el pueblo sino que lo someten así a su poder. Por eso el torī de la entrada del pueblo primero se tiñe de rojo con la llegada de los Heike y luego de blanco con la llegada de los Genji. Esta tiranía del color hace que los personajes no puedan avanzar y acaben muertos —lo mismo le ocurre al cine, podríamos añadir—. Es la llegada de un forastero la que precipita los acontecimientos y reaviva el debate. El pistolero que encarna Hideaki Itō es tan anti-héroe como lo fuera Django. Cuando conoce la historia de cómo los Heiki y los Genji se apoderaron de la ciudad en busca del tesoro escondido y como el hijo de la vieja Ruriko (Kaori Momoi), Akira (Shun Oguri), fue asesinado por el jefe de los Heike, Kiyomori (Kōichi Satō), provocando que su viuda Shizuka (Yoshino Kimura) se convirtiera en la prostituta del jefe de los Genji, Yoshitsune (Yūsuke Iseya) para mantener a salvo a su hijo, el pistolero entra en la residencia shogunal e interrumpe la danza atormentada de la ramera. Justo en ese momento Shizuka, que evoca a Lady Shizuka —bailarina de la corte, amante de Minamoto no Yoshitsune y personaje del Heike Monogatari— se saca de la boca unos cascabeles, cuyo sonido rememora el de las campanas del templo de Gion que anuncian la llegada del elemento foráneo llamado a forzar el cambio: el pistolero sin nombre que sirve de carne de ternera en este estofado.

django django

Pero la habilidad del elemento foráneo por sí sola es insuficiente y el pistolero resulta gravemente herido. Es entonces cuando el chamán que interpreta Miike hace aparición del relato en una doble función narrativa y simbólica. Narrativa porque sirve para el hilar el curso de los acontecimientos y simbólica porque es aquí donde Miike revela la figura del director como el verdadero cocinero del sukiyaki, ya que con sus actos decide el curso de la batalla final. No sólo sana al moribundo pistolero sino que da el golpe mortal al sheriff con la cruz de la tumba de Mercedes Zaro. Esta referencia a la escena final en la que el Django de Corbucci lucha contra el jefe del Kukuxklan ante la tumba de su esposa cuya lápida en forma de cruz le sirve de protección, es muy significativa porque es una elección más que hace el director de forma metafórica y representada visualmente; un ingrediente más del sukiyaki. Porque aunque el director no tiene voz, sí tiene libertad de obra.

django djangodjango

Habiendo intervenido en la lucha el director, ya sólo quedan dos pistoleros: el jefe del clan Genji, un enaltecido Yoshitsune y el pistolero de Itō que librarán un bello duelo sobre la nieve. El blanco absoluto que cubre ahora el pueblo como muestra del poder del shogunato se irá deshaciendo cuando Itō mate a su último vestigio y los que quedarán vivos serán el chamán anasazi que interpreta Miike y el niño mestizo. Es una manera muy bella de interpretar la historia japonesa, puesto que Japón necesitó de Occidente para acabar con el sistema de shogunato y entrar en la modernidad y el plano de la muerte de Yoshitsune hace una referencia directa a la bandera de Japón. Y sin embargo, tal y como Miike nos recuerda, esta modernidad japonesa que sobrevive —un Heihachi que nace al estilo Momotarō— es heredera a la vez de la tradición cultural —representada por la figura de Lady Shizuka— y de las nuevas formas de cultura japonesa —Akira—. «¿Qué puedo decir? Al final, soy un anime otaku de corazón», dirá el personaje de Tarantino para justificar el nombre de su hijo. Y así Akira, nacerá de la unión del Piringo forastero de Tarantino y una heike pura, igual que el anime nace de la tradición japonesa y la técnica occidental. Y luego Heihachi nacerá de Akira y Shizuka. Es todo un proceso de hibridación generacional el que se representa para dar cuenta del Japón actual. No en vano, el sheriff escoge el japonés para exhalar sus últimas palabras.

Y así es el cine, deberíamos concluir, una amalgama de referencias intertextuales, bidireccionales y continuas. Una amalgama que continuará como bien infiere el final del film al indicarnos que Heihachi años después de recuperar la voz llegará a Italia para convertirse en Django.

Bibliografía
Cinemascope (2012). Insider’s POV: Takashi Miike On Lesson of The Evil. Cinemascopemag.com, 11 de diciembre. < http://www.moviescopemag.com/market-news/featured-editorial/insiders-pov-takashi-miike-on-lesson-of-the-evil/> [Consulta: 29 de abril de 2016]
First Look Studios (2007). “Sukiyaki Western Django: Production Notes”. ScifiJapan.com. <http://www.scifijapan.com/articles/2008/09/07/takashi-miikes-sukiyaki-western-django-production-notes/> [Consulta: 28 de abril de 2016].
Khoo, O. (2013). “Bad jokes, bad English, copy: Sukiyaki Western Django, or how the West was won”. Asian Studies Review, 37 (1), 80.
Stadler, J. (2010). “Cultural value and viscerality in Sukiyaki Western Django: Towards a phenomenology of bad film”. Continuum, 24 (5), p. 679-691.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


28
Abr

Misión Kamikaze – Carteles de Cine japonés de la Segunda Guerra Mundial (II)

Volvemos a la carga con la segunda entrega de Misión Kamikaze, nuestro recopilatorio de carteles centrados en el cine japonés basado en la Segunda Guerra Mundial. Hoy traigo películas muy muy conocidas, de las que destacaría, sin desmerecer al resto, la sobrecogedora narración bélica Fires on the Plain.

Ukigumo (1955)
Floating Clouds
Director: Mikio Naruse
Biruma no Tategoto (1956)
The Burmese Harp
Director: Kon Ichikawa
Ukigumo 1955 arpa birmana
Biruma no Tategoto (1956)
The Burmese Harp
Director: Kon Ichikawa
Biruma no Tategoto (1956)
The Burmese Harp
Director: Kon Ichikawa
arpa birmana arpa birmana
Nobi (1959)
Fires on the plain
Director: Kon Ichikawa
Nobi (1959)
Fires on the plain
Director: Kon Ichikawa
nobi Nobi
Taiheiyo no tsubasa (1963)
Attack Squadron
Director: Shue Matsubayashi
Shunpu den (1965)
Story of a prostitute
Director: Seijun Suzuki
attack squadron shunpu den 1965

Creado y Mantenido por Jorge Endrino (Alikuekano). 2005-2016.
Contenido Propio Bajo Licencia Creative Commons.
Imagenes y contenido ajeno bajo Copyright de sus respectivos autores o distribuidores.