24
nov

Golden Rooster and Hundred Flowers Awards (2014)

Los Golden Rooster se crearon en 1981 avalados por la China Film Association, mientras que los Hundred Flowers Awards, también llamados Full Blossom Awards, se crearon en 1962 de la mano del Popular Cinema Magazine, suspendiéndose durante los 70 y retomándose en los 80. Ambas galas separadas se unificaron en 1992 en el “National Film Festival” que conforma el festival más importante de toda la China continental, que este año se celebró a finales de Septiembre. La concesión de estos premios es un poco extraña ya que un año se conceden los Golden Rooster y al siguiente los Hundred Flowers, en esta ocasión le tocaba a estos últimos y aquí tenéis la lista de nominados y premiados.

Mejor Película

The Grandmaster
American Dreams in China
Four Days and Nights of Zhou Enlai
So Young
Finding Mr. Right

Mejor Director

Zhao Wei (So Young)
Wong Kar-wai (The Grandmaster)
Peter Chan (American Dreams in China)
Chen Li (Four Days and Nights of Zhou Enlai)
Xue Xiaolu (Finding Mr. Right)

Mejor Guión

Li Qiang (So Young)
Zou Jingzhi/Xu Haofeng/Wong Kar-wai (The Grandmaster)
Zhou Zhiyong/Zhang Ji/Lin Aihua (American Dreams in China)
Tian Yunzhang/Wu Baoan (Four Days and Nights of Zhou Enlai)
Xue Xiaolu (Finding Mr. Right)

Mejor Actor

Huang Xiaoming (American Dreams in China)
Wu Xiubo (Finding Mr. Right)
Nick Cheung (The White Storm)
Jackie Chan (CZ12)
Xu Zheng (Lost in Thailand)

Mejor Actriz

Zhang Ziyi (The Grandmaster)
Yang Zishan (So Young)
Tang Wei (Finding Mr. Right)
Yao Xingtong (CZ12)
Yu Nan (Silent Witness)

Mejor actor secundario

Tong Dawei (American Dreams in China)
Zhang Jin (The Grandmaster)
Han Geng (So Young)
Bao Beier (So Young)
He Wei (Four Days and Nights of Zhou Enlai)

Mejor actriz secundaria

Deng Jiajia (Silent Witness)
Hai Qing (Finding Mr. Right)
Yuan Quan (The White Storm)
Tao Hong (Lost in Thailand)
Charlie Young (Cold War)


21
nov

Festival Internacional de Cine de Gijón (2014) – Ciclo Brillante Mendoza

portada MENDOZA

Si ayer os comentaba la programación más asiática del Festival Internacional de Cine de Gijón, que comienza hoy mismo, reservo para esta entrada el magnífico ciclo que le dedican a uno de lso directores filipinos más internacionales, Brillante Mendoza. Esta retrospectiva, como la del pasado año con Hong Sang-soo, viene acompañada de un libro sobre su carrera y su cine coordinado por los amigos de CineAsia. A continuación tenéis le programa general de este ciclo.

El director filipino Brillante Mendoza es uno de los máximos exponentes y prolíficos autores del cine asiático actual, con más de una docena de títulos en los diez años que han pasado desde su debut. Mendoza recibirá un homenaje a toda su carrera con la proyección de seis de sus títulos más destacados: “Foster Child” (2007), “Serbis” (2008), “Lola” (2009), “Kinatay” (2009), “Thy Womb” (2012) y “Captive” (2012).

El realizador, que tiene como referente cinematográfico al maestro francés François Truffaut, debutó en la dirección a la edad de 45 años con “Masahista” (2005), cinta con la que ganó el Leopardo de Oro a la mejor película de vídeoarte en el Festival de Locarno y que supuso su rampa de lanzamiento internacional. Desde entonces ha recibido multitud de premios en festivales tan destacados como Berlín o Venecia y siempre ha contado con el favor de la crítica gracias a temáticas arriesgadas con las que plasma una realidad sin filtros; cuestiones como el incesto, la bigamia, la delincuencia o la prostitución.

Serbis
Filipinas, Francia, 2008
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Coco Martin (Alan), Dan Alvaro (Jerome), Gina Pareño (Nanay Flor), Jaclyn Jose (Nayda), Julio Diaz (Lando), Kristofer King (Ronald)

Durante todo un día nos alejamos de la capital, Manila, y nos acercamos a la ciudad de Angeles (situada en Pampanga, la región natal de Brillante Mendoza), donde una familia regenta un cine erótico en claros indicios de decadencia. Mientras intentan sacar a flote el negocio, donde se dan cita también los intercambios eróticos homosexuales, asistiremos a las vicisitudes de cada uno de los miembros del clan familiar: a la cabeza, Madame Flor, que está a punto de divorciarse de su marido por infiel; Miss Nayda, la hija mayor casada que tiene un affaire con el proyeccionista; Alan, un sobrino pintor, que ha dejado embarazada a su novia… Bajo la descarnada y cruda mirada de la cámara del director y con los ecos de la moralidad católica y el bullicio de la urbe retumbando alrededor, Serbis significó el reconocimiento definitivo de Mendoza en los circuitos de cine internacionales.

Captive
Francia, Filipinas, Reino Unido, Alemania, 2011
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Isabelle Huppert (Thérèse Bourgoine) , Kathy Mulville (Sophie Bernstein), Marc Zanetta (John Bernstein), Rustica Carpio (Soledad Carpio), Ronnie Lazaro (Abu Azali), María Isabel López (Marianne Agudo Pineda), Ángel Aquino (Olive Reyes), Sid Lucero (Abu Mokhif), Raymond Bagatsing (Abu Saiyed), Timothy Mabalot (Hamed), Mercedes Cabral (Emma Policarpio)

Cautiva ha sido, quizás, el proyecto más internacional de Brillante Mendoza: una coproducción entre Filipinas y varios países europeos, además de contar con la presencia de la actriz francesa Isabelle Huppert como protagonista principal de la historia. Esta vez, la acción se sitúa en el sur de Filipinas, para relatarnos el secuestro de una veintena de personas a manos del grupo Abu Sayyaf, una franja de la yihad islámica, musulmanes que reclaman la independencia de la zona de Mindanao de Filipinas. “Mindanao es de los musulmanes”, se grita más de una vez durante el periplo de cerca de un año recorriendo la selva que viven secuestrados y captores. Entre los primeros está Therese (Huppert) una trabajadora social de nacionalidad francesa que se encuentra en Filipinas en una misión de ayuda humanitaria. Basada en hechos reales, el conflicto de Mindanao sigue sin resolución hoy en día.

Lola
Francia, Filipinas, 2009
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Anita Linda (abuela Sepa), Rustica Carpio (abuela Puring), Tanya Gomez (Ditas), Jhong Hilario (Bebong), Ketchup Esuebio (Mateo)

Regresando a la vertiente más social y humanista que ya transitó en su anterior Foster Child, Brillante Mendoza realiza en Lola una historia mucho más esperanzadora. Una historia de superación y de conciliación, eso sí, sin abandonar el marco de la pobreza y la miseria de los barrios marginales y más desfavorecidos de la ciudad de Manila. A través del retrato de dos abuelas, las ‘lolas’ del título (lola, en tagalo, significa abuela), que ven cómo sus caminos se entrecruzan a causa del destino aciago que les depara a sus dos nietos, uno muerto a manos del otro en una pelea desafortunada. Mientras seguimos los pasos de una de las abuelas preparando el funeral del fallecido, acompañamos a la otra a la cárcel para llevar algo de comida a su nieto acusado de homicidio. Reconciliación, perdón… son algunos de los valores sobre los que Mendoza sostiene esta dramática historia.

Kinatay
Francia, Filipinas, 2009
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Coco Martin, Julio Diaz, Mercedes Cabral, Maria Isabel Lopez, John Regala, Jhong Hilario

El penúltimo trabajo de Brillante Mendoza (luego llegaría Sapi/Possession) se ve casi como un documental etnográfico sobre las costumbres, tradiciones, ritos y el día a día de la población musulmana en Filipinas, concretamente en Mindanao y las islas sureñas adyacentes más cercanas a Indonesia, donde reside la mayor parte de la colonia musulmana, aproximadamente un 5% de la población total de Filipinas. Deja aquí el director la cámara en mano y con una imagen mucho más sosegada, limpia (incluso en sus imágenes subacuáticas) y certera, seguimos el día a día en la vida de una pareja ya mayor y sin descendencia, en busca de una segunda esposa para el marido que le pueda dar hijos. El trabajo de interpretación de la protagonista absoluta del film, Nora Aunor, la esposa estéril y abnegada, ha recibido multitud de premios en distintos festivales, incluido el de Venecia.

Thy Womb
Filipinas, 2010
Dirección: Brillante Mendoza
Intérpretes: Nora Aunor, Bembol Roco, Lovi Po, Mercedes Cabral

El penúltimo trabajo de Brillante Mendoza (luego llegaría Sapi/Possession) se ve casi como un documental etnográfico sobre las costumbres, tradiciones, ritos y el día a día de la población musulmana en Filipinas, concretamente en Mindanao y las islas sureñas adyacentes más cercanas a Indonesia, donde reside la mayor parte de la colonia musulmana, aproximadamente un 5% de la población total de Filipinas. Deja aquí el director la cámara en mano y con una imagen mucho más sosegada, limpia (incluso en sus imágenes subacuáticas) y certera, seguimos el día a día en la vida de una pareja ya mayor y sin descendencia, en busca de una segunda esposa para el marido que le pueda dar hijos. El trabajo de interpretación de la protagonista absoluta del film, Nora Aunor, la esposa estéril y abnegada, ha recibido multitud de premios en distintos festivales, incluido el de Venecia.


20
nov

Festival Internacional de Cine de Gijón (2014) – Programación asiática

52FICX

Mañana mismo comienza la edición número 52 del Festival Internacional de Cine de Gijón, evento que durante los últimos años ha reservado un espacio bastante interesante para le cine procedente de Asia. El pasado año ya nos ofreció una retrospectiva con libro incluido en torno al cine del coreano Hong sang-soo, y este año hará lo mismo con el director Brillante Mendoza, retrospectiva y libro. Pero antes repasaremos las películas asiáticas presentes en la programación general del festival, que son muchas y buenas.

Sección Oficial

Melbourne
Irán, 2014
Dirección: Nima Javidi
Intérpretes: Payman Maadi, Negar Javaherian, Mani Haghighi, Shirin Yazdanbakhsh, Roshanak Gerami

Amir y Sara son una joven pareja de Teherán a punto de partir hacia Australia para continuar sus estudios en Melbourne. Sin embargo, unas pocas horas antes de la salida de su vuelo, los dos se ven envueltos en un drama imprevisto. La niñera de los vecinos tuvo que marcharse y les ha dejado el bebé a su cargo. En el fragor de los preparativos del viaje no se percatan de que la criatura no sólo no duerme plácidamente sobre la cama de su dormitorio, sino que además tampoco respira, porque de modo inexplicable está muerta. Lo que debía ser un favor inocuo se torna pesadilla sin fin. El verdadero viaje de Amir y Sara arranca lejos del aeropuerto, en el propio hogar. Su apartamento, ahora semivacío, ya despersonalizado, cobra claustrofóbicas dimensiones de purgatorio, transformándose en toda una encrucijada existencial.

Trap Street
China, 2013
Dirección: Vivian Qu
Intérpretes: Lu Yulai (Li Qiuming), He Wenchao (Guan Lifen)

La exitosa productora china Vivian Q, responsable de la premiada Black Coal Thin Ice, escribe y dirige aquí su opera prima como realizadora, logrando un increíble equilibrio entre el género negro y el drama romántico, a través de la historia de un joven topógrafo que se enamora accidentalmente de una chica que trabaja para una extraña empresa del estado, ubicada en una calle que por alguna razón no figura en los mapas oficiales. La historia, que va volviéndose más oscura y opresiva a medida que avanza el metraje, no deja de esconder una inteligente crítica a las oscuras actividades que impunemente lleva a cabo el gobierno chino, de espaldas a la población del país, protegido por barreras oficiales.

Hill of Freedom
Corea del Sur, 2014
Dirección: Hong Sang-soo
Intérpretes: Ryo Kase, Sori Moon, Younghwa Seo, Euisung Kim

Kwon, profesora de lengua, recibe en su viejo puesto de trabajo de Seúl un sobre con varias cartas de Mori, un antiguo colega japonés que dos años atrás le había propuesto matrimonio. Ante el rechazo de ella, el hombre regresó a Japón, pero ahora se halla de nuevo en Corea para buscarla. El regreso de Mori ha coincidido con un viaje de Kwon a las montañas; así que, mientras trata de encontrarla por toda la ciudad, le escribe cartas donde refiere sus curiosas experiencias coreanas. Las misivas no tienen fecha y están escritas en forma de diario. Tras leer la primera de ellas, Kwon se cae escaleras abajo, conmocionada, desordenando el mazo fortuitamente. ¿Este accidente pesará sobre el significado del contenido todavía no leído? ¿Logrará ese desorden atenuar el impacto de la mujer cuando lea las cartas? Amantes, epístolas, palabras, gentes que conversan bebiendo botellas de soju… Fiel a sí mismo, el maestro Hong Sang-soo habla de hombres y mujeres, aunque sobre todo de posibilidades.

Titli
India, 2014
Dirección: Kanu Behl
Intérpretes: Shashank Arora (Titli), Lalit Behl (Daddy), Shivani Raghuvanshi (Neelu), Ranvir Shorey (Vikram), Amit Sial (Bawla)ç

Inspirada inicialmente por un suceso real acerca del que el director leyó en un periódico, Titli nos cuenta una historia de los barrios bajos de Dehli en la que el miembro más joven de una familia de ladrones de coches intenta escapar de ese ambiente de delincuencia y de su opresivo hermano. Tratando de centrar al joven, su familia le busca un matrimonio concertado con la joven Neela, que resulta estar igual de frustrada que él por la vida que lleva, así que ambos forman un extraño equipo para salir de sus vidas actuales y sus respectivas familias y seguir así sus sueños con libertad.

Animación

Magical Sisters Yoyo and Nene
Japón, 2013
Dirección: Takayuki Hirao

Yoyo y Nene son dos hermanas brujitas que viven en un universo mágico, donde tienen un próspero negocio para eliminar maldiciones y hechizos. Acaban de finalizar una peligrosa misión, cuando en medio de su mundo empiezan a aparecer rascacielos destruyendo el bosque y derrumbándolo todo a su alrededor. Mientras intentan averiguar qué está ocurriendo, se abre un agujero entre dimensiones y Yoyo, atrapada en un ascensor embrujado, aparece en el Japón moderno, en casa de unos chicos cuyos padres se han transformado en extraños monstruos a causa de una maldición. Pronto comprende que nuestro mundo y el suyo están a punto de destruirse mutuamente, si no consiguen descubrir qué está pasando y pararlo. Espectacular adaptación del manga Noroiya Shimai de Hirarin, que nada tiene que envidiar a las mejores propuestas del sello Ghibli.

Giovanni’s Island
Japón, 2014
Dirección: Mizuho Nishikubo

Para muchos habitantes de Japón fueron peores los acontecimientos que sucedieron a la Segunda Guerra Mundial que la guerra en sí misma. Es el caso de los habitantes de la pequeña isla de Shikotan que, tras la derrota nipona en el conflicto, pasó a ser absorbida por la Unión Soviética como parte del Óblast de Sajalín. Es ese preciso momento el elegido por el célebre director Mizuho Nishikubo para ambientar esta historia basada en hechos reales, rodada en un precioso 2D de aspecto tradicional, que nos presenta a dos jóvenes hermanos, Junpei y Kanta, en su intento por adaptarse y sobrevivir en las circunstancias desesperadas que les ha tocado encontrarse. Mizuho opta por un enfoque tremendamente realista para esta historia, donde no hay héroes ni villanos, y donde utiliza el aspecto amable de su animación para rescatar del olvido con total veracidad este episodio desconocido de la historia de su pueblo. Crueldad, tristeza y dolor, pero también amistad, esperanza y el poder de la imaginación. Como la vida misma.

On the White Planet
Corea del Sur, 2014
Dirección: Hur Bum-wook

La ciencia ficción no suele mostrarnos una visión demasiado optimista del futuro, probablemente porque es un género que parece brillar con más fuerza cuanto peor es el momento actual en el que le toca vivir a sus autores. No es de extrañar, por tanto, que en los últimos años la literatura, el cómic, y desde luego el cine, estén dando obras estupendas en este terreno. On the White Planet, de Hur Bum-wook, es un perfecto ejemplo de ello: una historia adulta, ambientada en un futuro de la Tierra donde todo carece de color desde hace años, volviendo el planeta un lugar inhóspito que ha obligado a los seres humanos a volverse crueles e inmorales. La única excepción a esta dictadura monocromática es la piel del protagonista, un joven que desconoce porqué él no ha sido afectado por el incidente, y el color rojo de su sangre.

The Satellite Girl and Milk cow
Corea del Sur, 2014
Dirección: Chang Hyung-yun

Il-ho es un satélite que observa la Tierra desde el espacio, curiosa por el funcionamiento del corazón humano. Kyung-chun es un aspirante a músico que tiene el corazón roto tras ser abandonado por su novia, y por ello termina convertido en una vaca lechera. En ese momento es cuando aparece el malvado Incinerador, dispuesto a robar los órganos de aquellas personas con el corazón roto. Viendo que Kyung-chun está en peligro, Il-ho desciende a la Tierra para convertirse en una niña y ayudarle a escapar. Pero estos dos nuevos amigos no estarán solos ya que contarán con el apoyo del Mago Merlín, aunque este haya adoptado la forma de un rollo de papel higiénico. Una lluvia de ideas atrevidas y originales para toda la familia, de la mano de debutante Chang Hyung-yun, que viene de ganar en Sitges hace unas semanas.

Otras secciones

The World of Kanako
Japón, 2014
Dirección: Tetsuya Nakashima
Intérpretes: Koji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Joe Odagiri, Miki Nakatani
Sección: Géneros Mutantes

Fujishima es un antiguo policía alcohólico, violento y amoral. Expulsado por problemas mentales, ha perdido también su trabajo de vigilante cuando recibe una llamada de su ex-esposa: su hija, Kanako, ha desaparecido. Su desaparición está relacionada con un sangriento triple asesinato del que también es testigo Fujishima. Decidido a encontrarla, Fujishima penetra en el mundo secreto de Kanako. Un universo adolescente de sexo perverso, violencia, yakuza, corrupción policial, acoso escolar y chantaje, que le arrastrará a una pesadilla infernal. Tetsuya Nakashima, autor de Confessions, golpea implacablemente al espectador con un arrollador, ultraviolento y oscuro thriller, de construcción compleja e inventiva cinematográfica imparable, contaminado de serie negra y horror, digno de Tarantino, Miike o Park Chan-wok.

Still the Water
Japón, Francia, España, 2014
Dirección: Naomi Kawase
Intérpretes: Nijiro Murakami (Kaito), Jun Yoshinaga (Kyoko), Miyuki Matsuda (Isa), Tetta Sugimoto (Tetsu), Makiko Watanabe (Misaki), Jun Murakami (Atsushi), Fujio Tokita (Kamejiro)
Sección: Gran Angular

Naomi Kawase es una de las voces más personales y con una sensibilidad más especial del actual panorama cinematográfico internacional. En Still the water combina con singular acierto una historia con raíces en el género negro, con la aparición en el mar de un misterioso cadáver descubierto por el joven protagonista Kaito, con un acercamiento casi documental para narrarnos la vida espiritual y los ritos tradicionales de los habitantes de la isla Amami-Oshima donde transcurre la historia y que acaba convirtiéndose en un personaje más de la obra. Temas esenciales de sus anteriores películas como la relación entre la vida y la muerte o la especial conexión entre el ser humano y la naturaleza, están presentes también en este largometraje adornado con imágenes de tremenda belleza. La trama principal, en la que Kaito y su novia Kyoko intentan comprender el misterioso descubrimiento del primero, transcurre ajena al verdadero viaje que están emprendiendo juntos… el paso de la juventud al mundo adulto.

Court
India, 2014
Dirección: Chaitanya Tamhane
Intérpretes: Vira Sathidar, Vivek Gomber, Geetanjali Kulkarni, Pradeep Joshi, Usha Bane, Shirish Pawar, Bipin Maniar, Panna Mehta
Sección: Rellumes

Cuando aparece el cadáver de un trabajador del campo en Mumbai, un viejo cantautor y activista político es absurdamente acusado de incitarle al suicidio a través de la letra de sus canciones. A medida que el juicio va avanzando el director nos va mostrando, con un guión tan inteligente como reivindicativo, las vidas privadas de todos los afectados por el suceso, ofreciéndonos así un detallado fresco de la sociedad de la India, al tiempo que se cuestiona un sistema legal obsoleto e irracional.

Hope
Corea del Sur, 2013
Dirección: Lee Joon-ik
Intérpretes: Seol Kyung-gu, Um Ji-won, Lee Re, Kim Hae-sook, Kimg Sang-ho, La Mi-lan
Sección: Rellumes

La pesadilla de cualquier padre se ve transformada en realidad cuando un día Dong Hoon recibe una llamada de la policía. Su hija de ocho años ha sido sexualmente asaltada por un borracho y se encuentra hospitalizada. Las heridas físicas son graves pero duelen mucho más las emocionales. Así, So-Won, la niña, decide encerrarse en sí misma tras la terrible experiencia. Y a la par, su familia decide centrarse en la recuperación en vez de la venganza. Inspirada en el caso Nayoung, en el que una niña fue asaltada y su agresor condenado a doce años de prisión, Lee Joon-ik, director del filme, elabora una historia de esperanza y unión familiar a partir de la tragedia. Ganadora de los premios a mejor película, guión y actriz secundaria en los Blue Dragon Film Awards de Corea del Sur, Hope (So-won) es un filme que intenta demostrar que, a pesar de las circunstancias, algunas familias son capaces de sobreponerse al dolor para seguir viviendo.

Concrete Clouds
Tailandia, hong Kong, 2014
Dirección: Lee Chatametikool
Intérpretes: Ananda Everingham, Apinya Sakuljaroensuk, Janesunda Parnto, Prawith Hansten
Sección: Convergencias

1997, Mutt vuelve a Bangkok por el funeral de su padre. Los recuerdos le atan al lugar y decide quedarse para buscar a una antigua novia. Un film sobre el poder de la memoria y sobre como ésta no deja de ser una ficción, encapsulada, en este caso, en videoclips pop que aportan cierta ligereza lúdica a una cinta con la sensibilidad en las nubes del título.

Manuscripts Don’t Burn
Irán, 2013
Dirección: Mohammad Rasoulof
Intérpretes: Según el director de la película, tanto el equipo técnico como el artístico han decidido no ser citados en créditos, debido a la censura y al temor a las represalias en Irán.
Sección: Convergencias

Pocas, muy pocas cinematografías han sabido estar tan al lado de su pueblo como la iraní. Pero, probablemente, una de las más duras es ésta de Mohammad Rasoulof, una película que recuerda lo más duro, directo y áspero del cine político europeo (Costa Gavras o Ken Loach). Manuscripts Don’t Burn es la historia de una ejecución, de una tortura, de un terror psicológico y de la persecución a un escritor, a un poeta conocido y disidente. No olvidemos que estamos en Persia, en Oriente, en Irán, en un país donde los poetas gozan no sólo de prestigio sino de servir de oráculos de la sociedad contemporánea. De la misma manera que en Europa se consulta a reverendos, curas y sacerdotes, en Irán se adivina o se dice que se adivina consultando a sus poetas. Que un poeta sea el protagonista de esta historia ya dice mucho y que hasta su propio torturador le confiese que lee sus textos y metáforas es como la última quimera de un estúpido disparate.


18
nov

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (XV)

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Retomamos nuestro recopilatorio de posters y grafismos en torno al cine de caballería y espada chino con la que es la entrega número quince. Hoy os traigo un casi monográfico de la película de Tsui HarkZu Warriors of the magic mountain“, acompañada de “Shaolin Intruders” y “The Roving Swordman“. Espero que les guste.

Shaolin Intruders (1983)
Director: Tong Gaai
Shaolin Intruders (1983)
Director: Tong Gaai
shaolin intruders Shaolin Intruders
Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark
Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark

zu warriors Warriors From The Magic Mountain
Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark

Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark

Warriors From The Magic Mountain Warriors From The Magic Mountain
The Roving Swordsman (1983)
Director: Chor Yuen
The Roving Swordsman (1983)
Director: Chor Yuen
The Roving Swordsman The Roving Swordsman

13
nov

Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga – FANCINE 2014

fancine 2014

El próximo día 20 de noviembre dará comienzo el Festival de Cine Fantástico de la Universidad de Málaga, FANCINE 2014, espacio único ya que es uno de los pocos festivales de cine de género que nace directamente de una institución universitaria en todo el mundo. Durante los días de su celebración la capital malagueña se llenará de todo tipo de fantástico.

Aquí, como es habitual, repasaremos la presencia asiática en las diferentes secciones, pero os sugiero que paséis por la página web del festival para que veías todo lo que os ofrece, ya que más de una película ya pudimos verla en Sitges y la programación de este año es muy muy buena… no os lo perdáis.

Sección Informativa

Mad Sad Bad
Corea del Sur, 2014
Dirección: Han Ji-seung, Kim Tae-yong, Ryoo Seung-wan
Reparto: David Lee, Park Jung-Min, Son Soo-Hyun, Kim Dong-Young, Park Ki-Woong, Nam Gyu-Ri, Kim Soo-Ahn, Park Mi-Hyun

Mad Sad Bad es una película colectiva formada por tres relatos diferentes: un niño que desaparece en el bosque, un joven que se adentra en la vida de una amiga a través de Internet y un mundo ambientado en el futuro donde los zombies se han convertido en proletarios, trabajadores con demasiadas obligaciones y pocos derechos.

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Monsoon Shootout
India, 2013
Dirección: Amit Kumar
Reparto: Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Jayant Gadekar, Vijay Varma, Neeraj Kabi, Geetanjali Thapa, Omkar Das Manikpuri

Monsoon Shootout explora el impacto que las decisiones que se toman tienen en las vidas de los demás. Como las fuertes lluvias monzónicas azotan las tierras baldías de Mumbai, Adi, un policía novato en su primera asignación se enfrenta a una decisión que altera la vida cuando tiene que decidir si disparar o no disparar. La película presenta tres escenarios, todos ellos como consecuencia de la decisión que Adi toma. Cada decisión lo lleva en un viaje que lo enfrenta a un sistema que exige un compromiso sobre su moral. Finalmente, de cualquier manera, Adi llega a comprender que cada elección tiene su precio.

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Space Pirate Captain Harlock
Japón, 2013
Dirección: Shinji Aramaki
Animación: Toei Animation

La historia se centra en el joven Yama, un joven que se decide a enrolarse con el famoso pirata del espacio, que lleva casi 100 años luchando contra la Coalición Gaia tras la “Guerra del retorno al hogar”. Realmente Yama es un agente infiltrado de la Coalición con ordenes de matar a Harlock.

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The World of Kanako
Japón, 2014
Dirección: Tetsuya Nakashima
Reparto: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto

El ex detective Akikazu Fujishima trata de buscar a su hija Kanako que ha estado desaparecida durante unos días. Pero pronto se entera de la vida secreta de su hija…

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Otras secciones

Killers
Japón, Indonesia, 2013
Dirección: Timo Stamboel, Timo Tjahjanto
Reparto: Kazuki Kitamura, Oka Antara, Rin Takanashi, Luna Maya, Ray Sahetapy

En Tokyo, un asesino en serie está matando a mujeres y colgando sus violentos crímenes online. En Jakarta, un vigilante sube su asesinato a la red para que el mundo lo vea. Un juego psicótico del gato y el ratón se produce cuando los dos hombres luchan por notoriedad. Pronto será tan evidente que será sólo cuestión de tiempo que los dos asesinos se enfrenten cara a cara.

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Rigor Mortis
Hong-Kong, 2013
Dirección: Juno Mak
Reparto: Chin Siu-Hou, Kara Hui, Richard Ng, Anthony Chan, Hoi-Pang Lo, Hee Ching Paw, Fat Chung

Rigor Mortis está ambientada en una torre de vivienda pública de Hong Kong cuyos ocupantes pronto descubriremos que abarcan la gama de los vivos a los muertos, a los no-muertos junto con los fantasmas, vampiros y zombies…

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The Target
Corea del Sur, 2014
Dirección: Chang
Reparto: Jin Guo, Yeo-Jeong Jo, Jin-wook Lee, Ryu Seung-Ryong, Jun-Sang Yu

Un asesino ex mercenario es incriminado por el asesinato de un reconocido empresario. Está acompañado por un médico que está desesperado por salvar a su esposa embarazada que está secuestrada, juntos se embarcan en una peligrosa búsqueda de 36 horas.

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12
nov

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (V)

cartel sitges 2014

Terminamos hoy nuestras crónicas asiáticas con todo lo que pudimos ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. En esta última entrega hablamos sobre Lupiin, Tokyo Tribes y The Raid 2. Con esto concluimos nuestro repaso al cine asiático que pudimos ver en Sitges, y empezamos casi ya otro repaso, al cine asiático que NO pudimos ver en Sitges pero que ya hemos visto en otros festivales o mediante DVD o lo que sea. Al menos realizaremos 2 entregas de esta serie ya que nos perdimos mucho cine en Sitges porque ya lo habíamos visto en otros sitios.

Lupin III

Lupin the Third
Japón, 2014
Director: Ryuhei Kitamura
Intérpretes: Shun Oguri, Jerry Yan, Tetsuji Tamayama.

Una de las adaptaciones de un manga más esperadas por mí este festival de Sitges era la versión de Ryuhei Kitamura del mítico Lupin, de hecho deje de ver la maratón de Kenshin por ver esta, y ahora quizás me arrepiento… os explicaré por que durante estas líneas.

Para quien no conozca Lupin, es un manga del autor Monkey Punch que se publicó en Japón entre 1967 y 1972. Este manga narraba las aventuras del nieto del mítico ladrón de guante blanco Arsene Lupin y de sus compañeros, un variopinto grupo que personajes que se dedicaban a robar, generalmente frustrando los planes de otros criminales. La primera adaptación a la animación la realizaron nada más y nada menos que Hayao Miyazaki e Isao Takahata, en una serie que se emitió durante la recta final de la publicación del manga. Desde la década de 1970 hasta nuestros días se han sucedido numerosas series, películas, OVAs, videojuegos, obras de teatro y hasta un musical basados en este personaje, que es todo un mito entre los aficionados a la animación japonesa.

Esta es la primera vez que este personaje se lleva a acción real, bebiendo a la vez del manga y del anime, y he de decir que la película, aunque entretenida y divertida en general, adolece de algunos puntos negativos que me dejaron un sabor agridulce tras verla.

En la primera parte de la película se introduce un gran robo inicial y la línea argumental que guiará toda la cinta, realizando la presentación de los personajes. Toda esta sección se podría decir que no es Lupín, tiene un tono mucha más serio, con acción pero de la que le gusta a Kitamura no de la que le pega a Lupín, sin muchas salidas de tono, más realista y típica. Los personaje no son lo que uno espera, lo que uno quiere. Así sigue la cosa hasta que aparece Goemon, y entonces ya la cosa va cambiando, la película toma ritmo, Shun Oguri va sintiéndose más cómodo en el papel y va sacando gestos, sonrissas… se va convirtiendo en Lupín. En ese momento empiezan a pasar locuras, aparece la comedia y desde este punto la película adquiere eso que queríamos ver, un estilo mucho más similar al manga.

Digamos que una película a medias. Con una primera parte un poco plana y una segunda divertida y entrañable. Un ejercicio divertido pero que te deja un poco frío, y que espero que si se hace una segunda película la cosa mejore, y mucho, visto como termina esta.

tokyo tribe

Tokyo Tribe
Japón, 2014
Director: Sion Sono
Intérpretes: Akihiro Kitamura, Tomoko Karina, Motoki Fukami, Ryohei Suzuki, Riki Takeuchi, Dais Young, Shôta Sometani

Y llegamos al final de nuestro Sitges con la maratón sorpresa del Sábado, que este año tenia un sabor muy asiático y lleno de hype al descubrirse los dos títulos sorpresa que estaban presente en ella, Tokyo Tribe y The Raid 2, la primera de ellas muy esperada por los aficionados tras la locura desatada el pasado año por Sion Sono con Why you don´t play in hell?.

Esta es una película que, como otras del director, seguramente no tenga término medio, o te guste o la odies, y es que Sion Sono es un director que muchas veces se va al extremo, o más bien a los excesos, ya lo demostró con la nombrada Why you don´t play in hell? y esta sigue esa misma línea, si bien en aquella el director mostraba un mensaje subyacente reflexionando sobre la creación cinematográfica, aquí la cosa se queda en la forma, pero que forma.

Adaptación del manga de Santa Inoue, la acción trascurre en un Tokyo más distópico de lo habitual, dominado por las bandas urbanas, las luces de neón, y la estética undergruond, en donde una serie de tribus urbanas regentan sus territorios y se enfrentan por dominar Tokyo. Hay que decir que toda esta historia se basa en un universo ya creado y unos personajes ya definidos por relatos anteriores, ya que el manga que adapta la película es una segunda parte de otro anterior. No obstante Sono se saca de la manga una espectacular introducción inicial donde se nos presentan las bandas y los diferentes personajes, y que es toda una declaración de intenciones sobre lo que realmente veremos el resto de la película, un musical narrado a ritmo de Hip Hop, excesivo en su aspecto y forma, violento en su tramo final y muy divertido en su totalidad. Un torrente de scratch y rima, de situaciones rocambolescas por la supervivencia de las bandas, de personajes en ocasiones extremos y sobre todo un estilo visual muy poderoso y bastante humor y compañerismo.

Realmente esta no es una película fácil, la gente puede huir de ella por sus excesos, por estar narrada a base de hip hop, por su revelación final, que puede resultar estúpida hasta casi la ofensa para más de uno. Pero si entras en ella, si no te asustan los excesos y ese estilo manga tan marcado, las luces de neon, lo gamberro de su puesta en escena, las abuelas raperas y mover la cabeza de adelante a atrás durante casi todo el metraje de la película, sin duda esta es un imprescindible.

raid 2 berandal

The Raid 2
Indonesia, 2013
Director: Gareth Evans
Intérpretes: Iko Uwais, Yayan Ruhian, Arifin Putra, Oka Antara

La segunda película sorpresa de este año en Sitges es nada más y nada menos que The Raid 2, el hype hecho película para todos los que disfrutamos con su primera parte. He de reconocer que no debería hablaros de ella aquí, ya que no me quede a verla durante la maratón del Sábado noche en Sitges ya que la había visto ya en Udine hace unos meses. Además los que sigáis el blog sabréis que soy de los pocos, alguno más hay, que no nos gusta esta película, que la vemos vacía, pretenciosa y aburrida, donde solo merece la pena la acción y también tiene sus pegas. He leído lo que ya escribí de ella en su día y he decidido dejarlo tal cual, porque retocarlo o volver a escribir sería quizás contraproducente sin volver a verla, y sinceramente no me apetece en este momento volver a ella, aunque lo haré ya que se la pondré a algún amigo y me costará darle una segunda oportunidad.

The Raid fue una de esas películas minoritarias que creció como si fuera un monstruo gracias a las nuevas tecnologías, creando una expectación inusitada por las imágenes que nos habían ofrecido las redes sociales. Luego no defraudo, y es, a efectos prácticos y a pesar de que no ha inventado nada que los hongkoneses no hubieran inventado ya, una de las grandes películas de acción de la última década, cruda, directa, que iba a lo que iba y ofrecía lo que prometía. Esta segunda parte sin embargo es un ejercicio pretencioso, mal realizado y aburrido, donde Gareth Evans se ha perdido en estilismos y guiones vacíos y ha olvidado la esencia que lo ha llevado a donde está.

En The Raid 2 se ha querido dar mucha más importancia a un guión y una historia que en la primera parte, donde la acción lo copaba prácticamente todo. Esto no sería malo si el guión no fuera vacío e insustancial, si la historia no fuera algo mil veces visto, mal desarrollado y en general aburrido. Una historia manida y a veces estúpida, que evoluciona hacia una especie de adaptación de un mal cómic cuando quiere superarse a si misma para ofrecer lo que el “fandom” espera y se plaga de asesinos estrambóticos o un “malo” en mi humilde opinión ridículo. A esto se le unen los estilismos, los recursos visuales y la forma de tratar muchas escenas, que si bien buenas por separado, juntas hacen una especie de batiburrillo sin pies ni cabeza, como si Gareth fuera el típico director de cortos que toma escenas grandiosas y recursos de muchas películas, las junta y hace un engendro que en el fondo no tiene nada de original o atractivo. El director quiere ser alguien que no es.

¿Pero que estoy diciendo? Si lleva el nombre de The Raid queréis acción y no tontunas de guión aunque estas ocupen más de una hora y media de metraje ¿no?. Pues acción hay, pero no el festival de la primera parte, sino que aquí las escenas se mezclan con la historia, lo cual hace que cuando crees que va a empezar fuerte, siempre se vuelva a parar y te deje un poco a medias. Parte de la acción además está muy desaprovechada, peleas metidas porque tocaba sin mucha relación con lo que esta pasando. Si quieres una historia, se consecuente con ella. A efectos prácticos la acción es mucho más salvaje que en la primera parte, cosa que a mi al final me saturó un poco, porque si en la tercera hostia dislocas un brazo, en la quinta incrustas una cabeza en una tubería y en la décima rajas una pierna de abajo a arriba… ¿que te queda para las dos horas y diez minutos restantes? Pues mas de lo mismo en cantidades industriales. En mi opinión The Raid lo tenia más equilibrado y ajustaba mejor la acción para sorprender, además de que estaba menos manipulada digitalmente, que en esta segunda parte bufffff.

“Pero eres un criticón, acción hay y mucha”, es cierto, acción tendréis y es lo único salvable de la película, sobre todo esa primera introducción en los lavabos de la cárcel, la persecución en coche que es impresionante y brutal, y parte de la pelea final, que al menos tiene una coreografía más o menos visible. También cierto enfrentamiento con unos productores de películas porno tiene buenas escenas.

En definitiva, que los momentos de acción que pueden ser interesantes no salvan una película pretenciosa, vacía y aburrida en general, una película donde Gareth Evans quiere ser un director que no es y (parafraseando a Enrique Garcelan) “ha quedado atrapado en en un traje que no es el suyo, ha querido ser “fashion”, cuando a diario te vistes con bermudas y camiseta de manga corta.”


10
nov

Cuentos de Tokio y Una familia de Tokio – De Ozu a Yamada

tokyo monogatari Una_familia_de_Tokio

Tōkyō monogatari (Cuentos de Tokio)
1953/Japan
Directed by Yasujirō Ozu
Screenplay by Yasujirō Ozu, Kōgo Noda
Stars: Chishu Ryu, Chiyeko Higashiyama, Setsuko Hara, So Yamamura, Haruko Sugimura, Kinoko Niyake, Kyoko Kagawa
Production Co: Shochiku
Original music by Takonori Saito
merodrama, shoshimin-eiga

Tōkyō kazoku (Una Familia de Tokio)
2013/Japan
Directed by Yōji Yamada
Screenplay by Yōji Yamada, Emiko Hiramatsu
Stars: Isao Hazizume, Kazuko Yoshiyuki, Tomoko Nakagima, Yu
Aoi,Yui Natsukawa, Satoshi Tsumabuki, Mashaiko Nishimura, Shigeru Muroi, Shozo Hayashiza
Etsuko Ichihara, Bunta Sugawara
Production Co: Shochiku
Original music by Joe Hisaishi
merodrama, shoshimin-eiga

Por el 50 aniversario de la muerte de Yasujirō Ozu, Shochiku quiso rendirle un homenaje por todo lo alto actualizando una de sus mejores películas. Y, rompiendo una lanza en favor de Tokyo Family, creo que es así como hay que entender la película de Yōji Yamada. No como un remake sino como un homenaje a quien está considerado uno de los mejores directores de la historia del cine. Mucho se ha criticado a Yamada, ya sea por los pocos cambios introducidos en el guión o por el intento de mantener ciertas características de estilo del cine de Ozu, pero la realidad es que cuando se compite con la que fuera considerada en 2012 en la revista Sight & Sound magazine, según los directores, la mejor película de la historia y, según los críticos, la tercera; es imposible superar el original. Nada más lejos de su intención: si Yamada rememora fielmente el estilo y las escenas de Ozu es por admiración con el que fuera su maestro en Shochiku.

Yasujirō Ozu (Tokyo, 1903-1963) empezó su carrera como ayudante de dirección en Shochiku donde además escribía sobre cine en publicaciones como Kinema Junpo. Su primera oportunidad para dirigir llegó en la era del cine mudo de manos del director y productor de Shochiku, Shiro Kido, y se trataba de un jidaigeki ahora perdido. Luego hizo comedias, melodramas e incluso yakuza-eiga (Hijosen no Onna, 1933) hasta un total de 54 películas, pero es por su cine después de la Segunda Guerra Mundial, el más “ozu-esco” y contrario a Hollywood, por el cual es internacionalmente reconocido. “Yo sólo sé cómo hacer tofu. Puedo hacer tofu frito, tofu hervido y tofu estofado. Chuletas y otras cosas de lujo, eso es para otros directores“, así se definía el director. Es cierto que su cine no era muy taquillero en la época y, precisamente por eso, Shochiku no quiso exportarlo a pesar del creciente interés en el cine japonés después del éxito de Rashōmon. Sin embargo Kido seguía apoyando el cine humanístico de Ozu y Ozu respondía con la misma lealtad “Estoy con Shochiku y los empleados de Shochiku son todos mis amigos, así que tengo que pensar en lo qué es bueno para Shochiku“.

yasujiro ozu

Fue a partir de una retrospectiva de su cine organizada por el crítico Donald Richie en la Berlinale de 1963 que su cine empezó a ser reconocido mundialmente siendo Tokyo Story su película más aclamada porque está llena de todos esos detalles típicos de Ozu que la convierten en una verdadera obra maestra: ritmo pausado, profundamente intimista y esencialmente melancólica pero sin caer en el exhibicionismo sentimental. El gran crítico Roger Ebert decía que Cuentos de Tokio “ennoblece el cine. Dice, sí, una película puede ayudarnos a dar pequeños pasos en contra de nuestras imperfecciones“. Una gran mérito para el hombre que hizo tofu toda su vida.

Yōji Yamada empezó a trabajar en Shochiku en 1954, después de acabar sus estudios en la Universidad de Tokyo, como asistente del propio Ozu y Yoshitaro Nomura. Su primer guión lo escribió en 1958 y su primera película como director fue Nikai no Tanin en 1961. Aunque es más conocido por la saga Tora-san —la más larga de la historia del cine— sus mayores éxitos los ha cosechado con The Twilight Samurai (2002). Pero si Ozu es el director del tofu en lo que respecta al shoshimin-eiga, Yamada es el de los fideos ya que, para huir de la desmotivación derivada de hacer siempre el mismo tipo de cine, se compara con un cocinero que intenta hacer un buen bol de fideos cada vez.

Como decíamos anteriormente, hay pocos cambios respecto al original algo que juega en desventaja para Yamada pero es precisamente en esas pequeñas diferencias en lo que sale ganando el director.

Argumento y guión

En ambos casos, la trama trata de cómo una pareja de ancianos decide visitar a sus hijos en Tokio. Por fin, tienen la oportunidad de conocer a sus nietos y de comprobar cómo sus hijos han cambiado, tanto que parece que sus padres les estorban y los envían a un hotel durante su estancia. Los hijos no entienden que los padres no quiere hacer turismo por Tokyo sino retomar ese vinculo con sus hijos. Desilusionados, deciden volverse a su ciudad natal pero la esposa cae enferma y muere dejando solo a su marido.

Los grandes temas de Ozu son la destrucción de las familias, y con ellas el deterioro de la identidad nacional, a causa del trabajo y la modernización y la piedad filial confuciana. Una crítica velada al capitalismo y la globalización que da lugar a una sociedad en la que no hay tiempo para cultivar los vínculos familiares. Y es que Ozu provenía de una familia destrozada por la modernización, ya que mientras su padre trabajaba en Fukugawa, él vivía con su madre y sus dos hermanos en Matsuzaka. El vínculo del director con su madre era tal, que nunca se casó y vivió siempre con su madre cumpliendo su deber según la piedad filial confuciana. Debido a su historia particular, los protagonistas de sus películas suelen ser familias con vínculos afectivos débiles, pero no se utilizan los típicos elementos melodramáticos del shoshimin-eiga, sino que se hace hincapié en la debilidad de esos vínculos contraponiendo varias generaciones de la misma familia. Así, el espectador puede reflexionar sobre las tensiones entre la modernidad y los valores tradicionales japoneses. En Cuentos de Tokio, se ve muy clara la importancia de la piedad filial confuciana cuando conversan el hijo pequeño del matrimonio y su jefe y éste le recuerda que una vez que mueran sus padres, no podrá hacer nada por ellos. También vemos este mismo diálogo entre Shigeko (la hija mayor) y su marido en Tokyo Family pero no me da la sensación de que surta el mismo efecto, debido al carácter del marido de Shigeko, que resulta bastante desconsiderado con sus suegros y antipático al espectador. Yamada, además, quiere añadir un tema más en esta obra y es la despoblación de las áreas rurales y la construcción del crecimiento económico sacrificando el ambiente familiar y esto último lo hace a través de Koichi que sacrifica a su familia por el éxito de su carrera profesional.

tokyo monogatari

Mientras que en Tokyo Story el país se está recuperando del desastre que ha supuesto la Segunda Guerra Mundial, Tokyo Family tiene como telón de fondo el terremoto del 11 de septiembre en Fukushima. Pero en este punto, también falla Yamada y es que la película resulta ser más un homenaje a Ozu que no un reflejo de los valores de la sociedad post-11s. Según Yamada “el terremoto debería haber sido interpretado como una oportunidad para reconsiderar el estatus actual de nuestra vida. Tenemos que esforzarnos para estrechar los vínculos familiares mientras vivimos de manera humilde”.

El paso del tiempo es una constante tanto en el original como en el remake, aunque mucho más marcada en Ozu. Vemos varias metáforas del paso del tiempo: 1) Los trenes balas simbolizando la línea de la vida; 2) Cuando Shukichi regala a Noriko el reloj de su esposa fallecida es como si le regalara su tiempo, un tiempo que pasa de generación en generación de manera cíclica. Este ciclo se aprecia cuando en el viaje de retorno de Noriko a Tokyo ésta saca el reloj, rehaciendo el viaje que en su momento hicieron Shukichi y su esposa, cerrando el ciclo. 3) A la Noriko de Ozu siempre la acompañan los relojes, ya sea en el trabajo o en la escena final con Shukichi, los relojes le recuerdan que el tiempo pasa y que debe rehacer su vida. 4) La última escena de Kyoko en Tokyo Story, la hija pequeña de los Hirayama y maestra de la próxima generación que mira el reloj mientras observa como sale el tren de su cuñada Noriko. Detrás de ella los niños y un calendario.

En cuanto al guión, Ozu siempre prefirió los guiones minimalistas rechazando las tramas y los hilos narrativos, y en Tokyo Story, nos demuestra que el día a día es más que suficiente para escribir un buen drama. En sus guiones siempre se hace uso de las elipsis narrativas. A menudo vemos como los personajes hablan de algo que ha ocurrido pero que el espectador no ha visto porque lo que le importa a Ozu es cómo el personaje se enfrenta a esos hechos no el hecho en sí. Por ejemplo, cuando los padres hablan de que han visitado a su hijo en Osaka, o las continuas referencias al difícil matrimonio de Noriko con su fallecido esposo o incluso a las dificultades implícitas del matrimonio de ancianos. Estas elipsis narrativas también las mantiene Yamada aunque es memorable su manera más directa y actual de tratar la muerte de Tomiko. La escena en la que padre e hijo dejan llorando sola la muerte de su madre a Shigeko en un frío pasillo de hospital o la sublime actuación de Isao Hashizume en el papel de Shukichi en las escenas finales, desde la discusión con sus hijos después del funeral de su esposa hasta la conversación con Noriko.

Personajes

Los Hirayama de Ozu tienen cinco hijos: su hijo mayor Koichi, la hija mayor Shige dueña de un salón de belleza, su nuera Noriko viuda de su hijo Shōji desaparecido en la Segunda Guerra Mundial, su hijo pequeño Keiko y su hija pequeña Kyoko que es quien vive y cuida de los ancianos.

tokyo monogatari

El director confió dos de los papeles centrales a actores esencialmente ozuescos en sus interpretaciones, es decir, que en sus interpretaciones reducían al mínimo la acción y el movimiento: Chishu Ryu en el papel de Shūkichi y Setsuko Hara en el papel de Noriko. Ryu, era un habitual de Ozu y encarnaba al propio director dentro de sus filmes —de hecho no es casual que Shūkichi tuviera problemas con el alcohol —. En cuanto a Setsuko Hara, hizo varias películas para Ozu entre ellas la ‘trilogía Noriko’ de la que es parte Cuentos de Tokio junto con Principios de verano (1951) y Primavera tardía (1949) en la que se presenta a tres mujeres solteras llamadas Noriko de la época de postguerra. Setsuko Hara interpretaba como nadie la típica mujer japonesa de la época, a medio camino entre la liberación de la mujer y los valores tradicionales de su rol social. De su trabajo para Ozu destacan dos características: que siempre interpretaba a una mujer cuyo matrimonio suponía una parte central de la trama pero nunca contraía matrimonio, de hecho era conocida como “la Eterna Virgen” porque nunca se casó —el sobrenombre implica cierta independencia del núcleo familiar—; y su enigmática sonrisa.

Del elenco de Ozu quisiera también destacar el personaje de Sugimura Haruko (Shige) que tiene una doble función: la de hacer brillar la figura de Noriko en contraposición a su personaje y la de recordar a otro tipo de mujer japonesa. La mujer que ha aceptado por completo la modernización y ha olvidado los valores tradicionales y que no está dispuesta a hacer los sacrificios que ha hecho Noriko ni se resigna a aceptar la decepción de la vida como hace ella.

Los Hirayama de Yamada tienen tres hijos: su hijo mayor Koichi, la hija mayor Shigeko y su hijo pequeño Shōji. Sin duda, tres es un número mucho más realista para reflejar la actual sociedad japonesa…

Puede que Isao Hashizume no sea un actor tan emblemático como Ryu pero me ha parecido francamente buena su interpretación y me ha ayudado a entender mucho más al personaje. De hecho Yamada revela una similitud entre el carácter de Koichi y su padre que ayuda mucho a perfilar a ambos personajes. En lo que respecta a Noriko era virtualmente imposible igualar a Setsuko Hara y precisamente por eso, Yamada debió de restarle protagonismo. La sosegada Noriko de Hara tiene infinitamente más matices que la Noriko de Yū Aoi, nerviosa e insegura. Refleja sin duda a una buena chica pero no hay un ápice de resignación o melancolía en su sonrisa, ni hay metáfora del tiempo que valga (aunque reciba el reloj de Tomiko) ni la tragedia de Fukushima ha marcado su carácter como lo ha hecho la Segunda Guerra Mundial con Hara. Sin embargo, el mayor acierto de Yamada en cuanto a los personajes es la introducción de Shōji. Shōji encarna perfectamente la incertidumbre a la que está condenada la juventud en la crisis económica actual, además su personaje humaniza el de Shūkichi y compensa un poco la gran falta de Noriko.

tokyo kazoku

Recursos estilísticos

Se puede decir que la poética del cine de Ozu está vinculada al budismo Zen y a la tradición cultural japonesa, como si de un haiku o un óleo se tratara. No en vano,su cine está impregnado de la melancolía del concepto japonés mono no aware (sensibilidad o empatía).

Cuando Ozu filmaba una familia, prefería usar planos de interiores, en casas de estilo japonés y con un plan bajo, a la altura de un adulto sentado en un tatami: su famoso plano de vista de tatami. Los usaba para dar la impresión de intimidad para con los personajes y de complicidad para con el espectador.

Cada escena sigue el mismo patrón: plano largo del actor, plano medio, vuelta al plano largo si es una escena larga y luego al plano medio, y acaba con un plano largo.

Si filmaba la conversación de dos personajes los sentaba alineados, en lugar de confrontarlos para dar una sensación de harmonía y para implicar al espectador en la conversación; y en vez de usar contraplanos con 180o, usaba planos sucesivos del espacio en 360 grados.

En cuanto a las transiciones entre planos, al director no le gustaban los fundidos ni otro tipo de transiciones, sino que prefería los cortes limpios precedidos de sus famosos “planos de almohada” que usaba poéticamente como si fueran pillow words en un haiku. Este tipo de planos cortan el hilo argumental durante unos segundos para focalizar la atención en un elemento visual, a menudo un paisaje o una habitación, que invitan al espectador a la reflexión. En Cuentos de Tokio también sirven a veces para reubicar el lugar en el que se toma la nueva acción o para que se produzcan las elipsis narrativas.

No hay movimientos de cámara durante las escenas, a excepción de la visita turística del matrimonio por las calles de Tokio. La ausencia de movimiento es un recurso que nos hace volver al primer cine japonés, pensado como extensión del teatro, en el que el actor actuaba como si estuviera en un escenario teniendo a la cámara como audiencia. Al mover la cámara continuamente durante el tour, Ozu quiere dar una sensación de agobio y estrés, típico de las grandes ciudades.

Por último, el uso de la música también es muy característico. No la utiliza como apoyo emocional en las escenas dramáticas, sino que se confina a las transiciones entre planos. Además prefería usar melodías alegres después de las escenas tristes.

tokyo kazoku

Para alabarle, Yamada hace uso de los mismos recursos que Ozu e incluso hay planos prácticamente calcados: Shūkichi contemplando la puesta de sol y dándose cuenta de la muerte de su mujer y de que está solo, el plano de la familia en el funeral de Tomiko, el plano de los dos ancianos contemplando el mar presos de la decepción en el que deciden volver a su hogar, etc… Para mí no hay mejor homenaje al director que rememorar algunos de los que son sus mejores planos y diálogos y aunque no todo es perfecto en la película de Yamada si el remake sirve para que al espectador tenga ganas de volver a ver el original, es porque cumple su cometido.

Fuentes:

EBERT, R. “Tokyo Story Movie Review & Film Summary (1953)”. En: Reviews. (9 de noviembre de 2013) <http://www.rogerebert.com/reviews/great-movie-tokyo-story-1953> (en línea).
HOLLAND, N. “Yasujiro Ozu, Tokyo Story, Tōkyō monogatari 1953″. En: A Sharper focus. <http://www.asharperfocus.com/TokyoStory.html> (en línea).
SCHILLING, M. “Re-examining Yasujiro Ozu on film”. En: The Japan Times. (7 de diciembre de 2013).
<http://www.japantimes.co.jp/culture/2013/12/07/films/re-examining-yasujiro-ozu-on-film/#.U072Tl6uEUU> (en línea).
SCHILLING, M. “Tokyo Kazoku (Tokyo Family): disaster begets repercussions in Yamada’s family home”. En: The Japan Times. (11 de enero de 2013)

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


07
nov

34th Korean Film Critics Association Awards

hill of freedom

El pasado 3 de Noviembre se anunciaron los ganadores de los 34th Korean Film Critics Association Awards, o lo que es lo mismo los premios de la crítica de Corea del Sur a lo mejor del pasado año. Este año la cosa ha estado muy repartida, pero cabe destacar el premio a mejor película para Hill of Freedom y el de mejor director a Zhang Lu por Gyeongju. Además el premio a la interpretación masculina fue a parar al incombustible Choi Min-sik por su papel en Roaring Currents y el de interpretación femenina fue a Chun Woo-hee por su papel en Han Gong-ju, que hace bien poquito pudo verse en el Festival de Sitges. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película
Hill of freedom

Mejor Director
ZHANG Lu (Gyeongju)

Mejor Actor
CHOI Min-sik (Roaring Currents)

Mejor Actriz
CHUN Woo-hee (Han Gong-ju)

Mejor Actor de reparto
KWAK Do-won (The Attorney)

Mejor Actriz de reparto
JO Yeo-jeong (Obsessed)

Mejor Guión
LEE Su-jin (Han Gong-ju)

Mejor Fotografía
CHOI Chan-min (Kundo: Age of the Rampant)

Mejor Banda Sonora
JO Yeong-wook (Kundo: Age of the Rampant)

Mejor Dirección Artística
JANG Choon-seob (Roaring Currents)

Mejor película independiente
KIM Kyung-mook (Futureless Things)

Premio de la federación internacional de la crítica de Corea
YEON Sang-ho (The Fake)

Mejor Director novel
YANG Woo-suk (The Attorney)

Mejor Actor novel
PARK Yoo-chun (Haemoo)

Mejor Actriz novel
LIM Ji-yeon (Obsessed)

Premio de la crítica al mejor novato
Song A-reum

Premio honorífico
JUNG Il-sung Jung (Director de Fotografía)


06
nov

Casa Asia Film Week (2014) – Sección Panorama

CAFW_2014

Ayer os adelantábamos la programación presente en la sección oficial del Casa Asia Film Week, certamen que se celebrará a partir del día 12 de noviembre ne Barcelona. Hoy toca repasar la sección panorama, con un variado conjunto de películas de todo tipo. Ya sabeis, para programación y horarios pasaos por la página web de Casa Asia o los Cinemes Girona

Hitoshi Matsumoto. La Trilogía

Hitoshi Matsumoto o, como es conocido comúnmente, Matchan, es un comediante japonés. Nació y creció en Amagasaki, en las afueras de Osaka. Es uno de los cómicos más famosos de la televisión japonesa que saltó a la fama en los años 80. Debutó como actor en 1982 como uno de los componentes del dúo cómico Downtown, junto con Masatoshi Hamada. Ha combinado su faceta televisiva con otras aspiraciones artísticas, que incluyen la poesía, la música y, a partir de 2007, el cine, cuando realizó su primera película, Big Man Japan, a la que siguieron Symbol (2009) y Scabbard Samurai (2011).

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Zinda Bhaag
Dir. Meenu Gaur y Farjad Nabi | Con: Amna Ilyas, Naseeruddin Shah, Khurram Pataras |2013 | 120 minutos | India/Pakistán |Drama

Tres hombres jóvenes tratan de escapar de la realidad de su día a día y, sin esperarlo, conseguirán el éxito de la manera que nunca se habrían imaginado. Zinda Bhaag es la historia de tres amigos, pero también la historia del día a día en la vida de muchos hombres y mujeres jóvenes de Pakistán, chicos y chicas que sienten que su vida está atada y de la que no pueden escapar.

Meenu Gaur, nacida en Calcuta, India, es doctora en Estudios de Cine por la Escuela de Estudios Orientales y Africanos (SOAS) en Londres. Allí reside, donde conoció a Mazhar Zaidi, periodista pakistaní y productor del filme, con el que empezó a realizar documentales y cortometrajes. Su film más destacado es Zinda Bhaag, que le ha valido el reconocimiento de la crítica de todo el mundo.

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El llanto de la gacela
Dir. Maritza García y Marius Wehrli | Con: Muhammad Khalid, Wajid Ali Shah, Bahadur Hussain Sabir, Javed Mughal, Maritza García|2014 |52 min|Pakistán | Documental

Una peculiar copistería, regentada por pakistaníes, en pleno corazón del Raval, es el refugio de muchos inmigrantes del Punjab. Allí, Maritza conoce a Wajid, Hussain y Mohammad, que acaban de llegar a Barcelona en busca de una vida mejor. El lugar es la guarida donde construyen sus sueños, se curan de las desilusiones y confiesan sus fracasos. A medida que pasa el tiempo, cada uno tiene que tomar su propio camino, un largo proceso que muestra sus triunfos y sus fracasos en la sociedad occidental y la búsqueda de ellos mismos en un barrio que se transforma igual que ellos. Un exquisito viaje, donde la poesía urdú, cantada y escrita por ellos a su amada, es la vía más auténtica para expresar sus verdaderas emociones.

Maritza García nació en Ciudad de México, donde estudió Ciencias de la Comunicación. Luego se desplazó a Bacelona para cursar un master en Documental Creativo en la Universidad Autónoma de Barcelona. De 2006 a 2010 fue colaboradora de El País, así como realizadora, guionista y productora independiente de más de 10 programas para la televisión de México, especialmente sobre pueblos indígenas y culturas tradicionales. El llanto de la gacela es su primer documental televisivo.

The Network
Dir. Eva Orner | 2012 | 97 min | Afganistán | Documental

The Network es la historia de la primera cadena de televisión independiente en Afganistán, TOLO TV, y la historia familiar que hay detrás de ella. Lanzada en 2004, TOLO TV se ha convertido en la cadena más exitosa y grande del país, con 800 trabajadores y produciendo desde noticias a dramas, comedias y programas diarios. A medida que Afganistán se enfrenta a la retirada de las tropas extranjeras, y con la seguridad en el país disminuyendo, la película intenta descubrir qué futuro deparará a TOLO TV y a sus trabajadores, la mayoría mujeres.

Eva Orner, nacida en Australia y licenciada en Artes, es productora y directora de cine ganadora del Oscar a mejor Documental por Taxi to the Dark Side (2008). Sus éxitos no terminan aquí ya que, siempre con una mirada controvertida, ha realizado documentales como Untold Desires, ganadora del Mejor Documental en los premios de la Academia de Cine Australiano, o Strange Fits of Passion, nominada con el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes, entre otras.

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Buzkashi Boys
Dir. Sam French | Con: Fawad Mohammadi, Jawanmard Paiz, Wali Talash |2012 | 28 min | Afganistán | Drama

Ambientada en el dramático paisaje del Afganistán contemporáneo, la película narra la historia de dos amigos que pasan de la infancia a la edad adulta en uno de los países más destruidos por la guerra. Rafi, cuya familia ha trabajado durante muchos años en la herrería, se niega a seguir los pasos de su padre. Su mejor amigo, Ahmad, un huérfano pobre, intenta sobrevivir a su cruda realidad pidiendo en la calle. Con la intención de escapar de sus miserables destinos, los dos amigos sueñan con convertirse en los campeones del deporte nacional en Afganistán, el buzkashi, un estilo de polo a lomos de un caballo con la cabeza de una cabra muerta como pelota. Cuando Ahmad decide robar un caballo para demostrar que pueden conseguir su sueño, la situación se descontrola.

Sam French es un cineasta con más de 15 años de experiencia en cine y televisión. Nació en una provincia de Filadelfia y se graduó en William College en 1998. Empezó sus estudios de cine en Nueva York y poco después pasó por la USC Film School en Los Ángeles. En 2011 dirigió Buzhashi Boys, una de las primeras películas de ficción filmadas enteramente en Kabul, mezclando personal afgano y occidental. Esta película fue el primer proyecto del Afghan Film Project, que Sam cofundó en 2010 para ayudar a los cineastas de Afganistán y fomentar la industria cinematográfica del país.

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We Came Home
Dir. Ariana Delawari | 2013 | 80 min. | Afganistán | Documental

Miércoles 12 de noviembre, a las 20.00 h Nacida y criada en Los Ángeles por una cariñosa familia que nunca había olvidado sus raíces afganas, la vida de Ariana se pone patas arriba después del 11-S, cuándo sus padres se trasladan de vuelta a Kabul para ayudar con la reconstrucción de la ciudad. Delawari pasa una década documentando su transición, su herencia afgana y su propio despertar, a través de la música. Delawari entrelaza bellamente imágenes de la historia de su familia con otras de la grabación de su álbum Lion of Panjshir (publicado por David Lynch). Ariana quiere ir más allá de los estereotipos afganos que a menudo se ven en los medios de comunicación. Aquel que destaca por encima de todo y profiere esperanza contra viento y marea es su padre, Noor Delawari, actual gobernador del Banco Central de Afganistán.

Ariana Delawari es una artista multimedia: cineasta, músico, fotógrafa, actriz y escritora. Se graduó en la Escuela de Cine de USC y unos meses después de su graduación, se encontró en un avión para viajar a Afganistán por primera vez y comenzó así el documental sobre los diez años posteriores al11-S en la patria de su padre. Delawari es activista humanitaria y ha sido, por ejemplo, la primera mujer en cantar rock en Afganistán en 30 años.

Chocolate Strawberry Vanilla
Dir. Stuart Simpson | Con: Glenn Maynard, Kyrie Capri, Aston Elliot | 2013 |85 min | Australia |Comedia

Una comedia negra sobre el conductor de una solitaria furgoneta de helados, Warren Thompson. La venta de helados en el barrio más duro de Melbourne no es un trabajo fácil. Rodeado de gente de mal vivir y acosado por un distribuidor local de drogas, Warren no tiene más remedio que evadirse con una obsesión enfermiza que tiene hacia la actriz Katey George.

Stuart Simpson es cineasta y director de fotografía, conocido por impresionar con sus películas de bajo presupuesto y máxima creatividad. Buena muestra de ello son sus largometrajes El monstro del mar! (2010), The Demonios Among Us (2006) y Chocolate Strawberry Vanilla (2013).

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Beijing Flickers
Dir. Zhang Yuan | Con: Duan Bowen, Lv Yulai, Shi Shi, LI Xinyun, Han Wenwen | 2012 | 96 min | China | Drama

Beijing, 2012. San Bao es abandonado por su novia y despedido de su trabajo el mismo día. Y por si fuera poco, su casero le echa de su vivienda en mal estado, que apenas puede pagar. Bao decide suicidarse dos veces, pero ninguna de las dos lo consigue. Termina en un hospital con un poeta travesti/bailarín como compañero de habitación. Cuando consigue salir del hospital, se da cuenta de que no es el único que se encuentra en una situación tan decadente: sus amigos están igual o peor. Cada uno de ellos intentará luchar y salir a flote en una metrópolis moderna, próspera, glamurosa e internacional llamada Beijing.

Zhang Yuan, director de cine independiente y productor, nació en Nanjing, China, en 1963. Se graduó con una licenciatura en Cinematografía en la Academia de Cine de Beijing en 1989. En 1990, Zhang produjo y dirigió su primer largometraje, Mama, que posteriormente ganó el Premio del Jurado y una Mención Especial en el Festival des Trois Continentes de Francia en Nantes. Su segundo largometraje, Beijing Bastards, estrenado en 1993, obtuvo una Mención Especial en el Festival de Cine de Locarno y el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Singapur. A lo largo de su trayectoria ha ganado 10 premios de las 17 nominaciones y está considerado como uno de los pioneros de la Sexta Generación de Directores Chinos.

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Firestorm
Dir. Alan Yuen | Con: Chen Yao, Ka Tung Lam, Andy Lau | 2013 | 118 minutos | Hong Kong|Thriller

Lui, un experimentado oficial de policía, siempre busca de forma obstinada la justicia. Cuando Nam y su grupo de ladrones utilizan un coche blindado a plena luz del día y no dudan en asesinar inocentes en su huida, Lui no tiene más remedio que utilizar las tácticas más siniestras para atraparlos. Con la ayuda del informante To se enfrentará a la banda en las calles de Hong Kong, cambiando la definición de guerra urbana.

Alan Yuen es veterano en la industria cinematográfica de Hong Kong: guionista de referencia para el director Benny Chan, productor de películas de bajo presupuesto como Passion (1995) o Thunder Cop (1996), y en 2002 realizó los efectos especiales de Princess. A punto de cumplir 40 años, aceptó el reto de dirigir su primera película y no fue fácil: la película con el mayor presupuesto del año y una de las grandes estrellas del cine en Hong Kong como protagonista. El estreno de Firestorm fue un éxito no sólo en Hong Kong, también en Malasia, Singapur, Tailandia o Australia, entro otros países.

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Humpty Sharma Ki Dulhania
Dir. Shashank Khaitan | Con: Varun Dhawan, Alia Bhatt, Ashutosh Rana, Siddharth Shukla | 2014 | 133 minutos | India |Drama

Cuando una chica fiestera de Ambala viaja hasta Delhi para conseguir dinero y comprarse el mejor traje de boda, conoce a Humpty Sharma, el indomable rompecorazones local. Poco a poco irá naciendo algo más que amistad entre ambos, pero la chica debe regresar a su ciudad para casarse y su padre no está dispuesto a que la boda se cancele.

Shashank Khaitan, nacido en India, es uno de los directores de cine noveles de la industria de Bollywood más aclamados este año. Para Khaitan, que estudió en el Whistling Woods International de Mumbai – una escuela de cine, moda y comunicación fundada por el cineasta Subhash Ghai en el año 2006 – Humpty Sharma Ki Dulhania, producida por el reconocido Karan Johar (KJo), es su primera película.

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Comic 8
Dir. Anggy Umbara | Con: Indro Warkop, Teuku Rizky Muhammad, Iqbaal Dhiafakhri Ramadhan| 2014 | 98 min | Indonesia |Comedia

Fresca y absurda comedia de acción del director Anggy Umbara en la que ocho jóvenes casualmente roban un banco al mismo tiempo. Interpretada por ocho comediantes stand- up indonesios, los protagonistas tienen sus propias razones y motivos para querer robar el banco. Los ladrones van a tener que trabajar juntos con el fin de encontrar la mejor solución para todos ellos.

Anggy Umbara, nacido en 1980, empezó en la industria del cine como guionista y debutó en la dirección haciéndose cargo de un videoclip para la banda indonesia de heavy metal Purgatory. Desde entonces, ha realizado varios proyectos, especialmente videoclips y publicidad, hasta que en 2012 dirigió su primera película, Mama Cake, de la que también escribió el guión y que resultó ser un éxito.

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05
nov

Casa Asia Film Week (2014) – Sección Oficial

CAFW_2014

El Casa Asia Film Week (CAFW) vuelve a Barcelona. Del 12 al 16 de noviembre las salas de Cinemes Girona acogerán este certamen con el mejor cine asiático de los tres últimos años. Más de 40 películas, la mayoría inéditas, permitirán conocer el cine más actual que se distribuye fuera de los circuitos comerciales, y, al mismo tiempo, hacer un retrato realista de las sociedades asiáticas del siglo XXI.

Casa Asia Film Week cuenta con dos secciones diferenciadas. La Sección Oficial a concurso, que exhibirá películas de 2012 y 2014 con cerca de una veintena de títulos, y la Sección Panorama, que recogerá el resto de títulos comprendidos entre el 2011 y el 2014. El CAFW entregará tres premios: el Premio Casa Asia Film Week a la Mejor Película; el Premio Jurado Joven, escogido por estudiantes de escuelas de cine de Barcelona; y el Premio del Público. La dirección del certamen va a cargo de Menene Gras Balaguer (Casa Asia), mientras que la producción recae en Toni Espinosa (Cinemes Girona).

La segunda edición del Casa Asia Film Week abarca, por un lado, títulos representativos de los países asiáticos con una industria cinematográfica potente, como son China, Japón, India, Australia, Corea del Sur y Singapur y, por el otro, las filmografías de países que no tienen la oportunidad de ser proyectadas en circuitos comerciales y de menor distribución internacional, como son las de Mongolia, Pakistán o Malasia, haciendo además un especial foco en Irán.

En cuanto a los precios, la entrada general es de 5 € y se ha previsto un abono de 4 sesiones a 15 €. Para los estudiantes y las sesiones especiales el precio es de 3 €, el pase para un día, 10 € y el pase para todo el festival, 45 €. La compra de entradas se podrá realizar en taquilla o a través de http://cinemesgirona.cat

Película Inaugural

Seven Weeks
Dir. Nobuhiko Obayashi | Con: Toru Shinagawa, Takehiro Murata, Yutaka Matsushige, Shunsuke Kubozuka, Saki Terashima | 2014 | 171 min | Japón | Drama

Cuando el antiguo dueño de la tienda Mitsuo Suzuki muere a los 92 años, sus familiares regresan a Ashibetsu en la prefectura de Hokkaido, para presentar sus respetos. Durante el funeral, una misteriosa mujer llamada Nobuko Shimizu aparece y crípticamente pregunta si ha llegado a tiempo, antes de desaparecer rápidamente. El pasado de Mitsuo se revela, se descubren los hechos que ocurrieron el 15 de agosto de 1945, cuando los soviéticos invadieron Hokkaido. Mientras tanto, un joven de 16 años llamado Ayano quiere comprar un libro de poesía perteneciente a Nobuko. ¿Quién es exactamente Nobuko y cuál
es su relación con Ayano?

Nobuhiko Obayashi, veterano cineasta, como le gusta denominarse, es director, guionista y editor de películas y anuncios de televisión. Conocido por haber dirigido la cinta de culto Hausu en 1977, comenzó su carrera destacando con el cine experimental y surrealista japonés durante la década de los sesenta. Más tarde, entró en el mundo de la televisión y su trabajo viró hacia un estilo más convencional. Su carrera cuenta con más de medio centenar de películas, algunas consideradas de culto dentro del género experimental y surrealista, a pesar de seguir siendo prácticamente un desconocido fuera de Japón.

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Sección Oficial

Wajma
Dir. Barmak Akram |Con: Wajma Bahar, Mustafa Abdulsatar | 2013 | 85 min | Afganistán | Drama

Está nevando en Kabul y un camarero llamado Mustafa seduce a una joven estudiante llamada Wajma. La pareja empieza una relación clandestina en la que se muestran apasionados pero totalmente conscientes de las normas sociales que están rompiendo. Wajma descubre que está embarazada y duda de que Mustafa acabe casándose con ella. El padre de Wajma deberá decidir entre defender el honor de su familia o la devoción por su hija.

Barmak Akram, nacido en 1966 en Kabul, estudió Bellas Artes en París, donde reside actualmente. Músico, intérprete y compositor, su primer largometraje, Kabuli Kid (2008), ganó varios premios y fue proyectado en el Festival de Cine de Venecia. También ha realizado documentales y películas experimentales, entre las que destaca Toutes les télés du monde (2009).

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500 Miles
Dir. Ashlee Jensen | Con: Ebony Nave, Pete Valley, Rosie Keogh | 2014 | 82 min | Australia | Drama

Emily es una chica de la que el mundo parece haberse olvidado, perdida en un oscuro submundo de sexo y drogas, lucha para recuperar el sentido a su vida. No es hasta que se encuentra parada en el medio de la nada, tras robar un coche y conocer a Shane, que emprende un proceso de curación que la llevará a su propia redención.

Los cinesastas Ashlee Jensen, directora, y Terrance Young, guinoista y productor, son los responsables de este film independiente australiano. Jensen, que debuta en la dirección de cine con esta película, estudió magisterio en la universidad australiana de Sunshine Coast y ha publicado varios libros infantiles. Además es actriz y apareció en películas como en Daddy’s Little Girl (2012) o Project Eden (2012). Otro alumno de la Sunshine Coast, Terrance Young, se encarga de la producción del film y también del guión, co-escrito con Jennifer Coghlan, al que dedicaron más de una década. A pesar de contar con un presupuesto reducido de solamente 50.000 dólares, el equipo de la película usó las cámaras de alta definición RED Scarlet-X, que también se utilizan en  superproducciones como El Hobbit o Transformers.

The Great Hypnotist
Dir. Leste Chen | Con: Karen Mok Man-Wai, Xu Zheng | 2014 | 96 minutos| China | Thriller

Xu Ruining es un terapeuta increíblemente experto en hipnoterapia pero, cuando su carrera despega, se encuentra con una paciente llamada Ren Xiaoyan que le trae un problema complejo. A pesar de su aspecto delgado y débil, Xiaoyan siempre reacciona violentamente a cualquier solución que propone Xu Ruining. Se pregunta qué provoca exactamente esta actitud. ¿Es de un recuerdo doloroso en su infancia? Sin escatimar esfuerzos para averiguar lo que ha sucedido, Xu caerá en una trampa.

Leste Chen, nacido en 1981, es el director joven más prometedor de Taiwán. Su cortometraje Desinhibida fue seleccionado por la Semana Internacional de Críticos de Cine en el Festival de Cine de Venecia en 2004. Su primera película Herencia, una película de terror, fue vendida a más de 10 países, entre ellos Japón y EEUU. Su más reciente título, una comedia romántica, fue un éxito considerable en China recaudando casi 33 millones de dólares a nivel nacional. Chen es capaz de manejar una amplia gama de películas, que abarca desde los géneros comerciales a la narración artística.

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Ankhon Dekhi
Dir. Rajat Kapoor | Con: Sanjay Mishra, Seema Pahwa, Rajat Kapoor | 2014 | 107 minutos | India | Drama

Raje Bauji es un hombre de más de cincuenta años que tiene una vida sombría pero ajetreada en una pequeña casa del viejo Delhi donde reside con sus parientes lejanos. Un acontecimiento fortuito cambiará su vida de manera dramática. La hija de Bauji ha estado viendo a un chico con mala fama y cuando la familia se entera, tras una reñida deliberación, deciden encerrar a la chica y agredir al chico.

Rajat Kapoor es un actor, escritor y director indio nacido en 1961 en Delhi. Desde su juventud decidió que quería dedicarse al mundo del cine y se unió al grupo de teatro Chingari, para terminar asistiendo al Instituto de Cine y Televisión de India. Sus inicios como actor fueron difíciles y pronto se adentró en el mundo de la dirección con grandes éxitos y cosechando críticas a su favor en Monsoon Weeding, Dil Chahta Hai e Hijos de la medianoche, entre otras.

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Haji Backpacker
Dir. Danial Rifki | Con: Abimana Aryasatya, Laudya Cynthia Bella, Ray Sahetapy | 2014 | 76 min | Indonesia | Drama

Haji Backpacker es la historia de Mada, un hombre al que le acaban de romper el corazón. Es por ello que decide convertirse en mochilero y viajar libremente, abandonado a la familia, amigos y a Dios. En el bullicioso mundo exterior, Mada encuentra la felicidad pero se siente espiritualmente
vacío. Poco a poco, vagando de un país a otro, Mada descubrirá que Dios siempre está allí.

Danial Rifki es un cineasta con una buena colección de cortometrajes en su filmografía, a menudo basados en la infancia y la humanidad. Because I Love Markus, una historia sobre niños con VIH, ganó el premio a Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Indonesia en 2007 y otros trabajos, como Children of Mud, sobre los niños afectados por el alud de lodo en el barrio de Lapindo, al este de Java.

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Sun Station
Dir. Saman Saloor | Con: Alireza Mehran, Azadeh Zare’ee, Mahmud Nazaraliyan, Hamid Habibifar | 2014 | 90 min | Irán | Drama

En un pueblo aislado en la montaña, Hassan vive con Ghader en un compartimento de tren abandonado. Aunque la vida en la montaña puede parecer aburrida, Hassan se entretiene con la cultura pop que ve en la televisión. Un día reciben una nota de la Oficina de Ferrocarriles anunciándoles que deben abandonar su hogar, a la par que la salud de Ghader se deteriora. La película sigue la vida de estos hombres que experimentan la soledad y la dureza de la realidad, pero que lucharán para sobrevivir y superar todos los problemas gracias a la amistad que los une.

Saman Saloor nació en 1976, Boroujerd, una ciudad del oeste de Irán. Licenciado en la Universidad de Sureh, Saloor es uno de los cineastas iraníes más reconocidos mundialmente con más de 40 cortos, documentales y largometrajes a sus espaldas. Como guionista y director, destacan Residents of the Land of Silence (2003), A Few Kilos of Dates for the Funeral (2005), Lonely Tune of Tehran (2007) y 1359 (2010). Ha sido galardonado con el Leopardo de Oro y el Premio especial del jurado en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2006.

Snow
Dir. Mehdi Rahmani | Con: Roya Teymurian, Afshin Hashemi, Mohamad Reza Ghafari | 2014 | 86 min | Irán | Drama

Snow es la historia de la familia Vazri que se encuentra en bancarrota tras un pasado acomodado. La única hija de la familia planea casarse pero debe presentar su pretendiente a la familia. Aquí empieza una cuidadosa estrategia para que el futuro marido de la joven no descubra la crítica situación en la que se encuentra la familia Vazri. El film ha tenido un largo recorrido por múltiples festivales alrededor del mundo, consiguiendo premios y ovaciones de la crítica.

Mehdi Rahmani nació en 1979 en Isfahan, obteniendo su licenciatura en Cine en la Universidad IRIB. Actualmente, dirige documentales y películas que han sido presentadas en numerosos festivales internacionales de cine. Su primer largometraje, The Others (2010), fue proyectado en más de 10 festivales. Le siguieron Private (2013) y Snow (2014).

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The Owners
Dir. Adilkhan Yerzhanov | Con: Yerbolat Yerzhan, Aidyn Sakhaman, Aliya Zainalova | 2014 | 93 min | Kazajistán | Drama

John, su hermano adolescente Erbol y su frágil hermanita Aliya, deben dejar la casa en la que viven en la metrópolis de Almaty, Kazajstán. Afortunadamente, su madre les dejó en herencia una casa en un pueblo en la que tienen planeado instalarse. No obstante, esta propiedad la posee de manera ilegal el hermano alcohólico de una personalidad local, quien no estará dispuesto a devolverla.

Adilkhan Yerzhanov nació en 1982 en la región de Jezkazgan, Kazajstán. En 2009, terminó sus estudios en dirección de cine en la Academia Nacional de las Artes de Kazajstán, y gracias a una beca pudo continuar su formación en Nueva York. En 1999 recibió elogios por realizar la primera serie de animación kazaja, Kozy-Korpesh y Bayan-Sulu, y en 2001 realizó su primera película Rieltor, ganadora de diversos premios.

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Nomadic Childhoods
Dir. Christophe Boula| Con: Sonam Wangmo, Sampel Gyatso, Sasha Uvaroskaya, Kolya Fedotov, Otgonjargal Huygbaatar, Irka Erden Baatar |2014| 94 min| Mongolia | Drama

A través de los duros pero espectaculares paisajes del Tibet, Mongolia y Siberia, Nomadic Childhoods trata sobre tres historias conectadas espiritualmente. Tres niños de tres países diferentes conducen sus vidas por un mundo hostil en el que, a medida que crecen, deberán tomar decisiones límite para enfrentarse a fuerzas externas como el amor, el peligro y la muerte.

Christophe Boula trabajó como director de documentales para canales de French TV (France Télévisions, Arte, Mezzo, Canal+, France Ô o TV5). En 2008, dirigió un docudrama sobre la vida de Buda, The Birth of Buddhism. Actualmente, su trabajo se centra en la dirección y en los guiones de largometrajes como A valley between two worlds y Child of Yak. Nomadic Childhood es su primer trabajo de ficción.

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Josh (Against the Grain)
Dir. Iram Parveen Bilal | Con: Aamina Sheikh, Mohib Mirza, Khalid Malik, Navin |2013 | 104 min |Pakistán | Drama

Fatima, una comprometida profesora de colegio que vive en Karachi, sufre un cambio repentino en su vida cuando su niñera, Nusrat, desaparece inexplicablemente. Aunque sus amigos y familiares le piden que no se enfrente al status quo y a los poderes feudales del pueblo de Nusrat, Fatima decide hacerlo e investigar su desaparición.

Criada en Nigeria y Pakístan, Iram Parveen Bilal ha tenido la oportunidad de dirigir películas que se han proyectado en numerosos festivales internacionales desde Rotterdam a Kustendorf. Es graduada con honores en el Instituto de Tecnología de California y de la USC.

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3.50
Dir. Chhay Bora | Con: Doung Cheanick, Leang Honglee, Eunice Olsen | 2013| 107 min | Singapur | Drama / Crimen
Esta película se proyectará en VOSI (versión original con subtítulos en inglés)

Inspirada en hechos reales, 3.50 es la dramática historia de Rebeca, una directora de cine que conoce a Jora, de 15 años, vendida para que ejerza la prostitución en las zonas más pobres y vulnerables de la capital de Camboya, Phnom Penh. La película sigue a Rebeca, a Jora, un doctor y a un conductor de taxi, mientras nos muestra las tensiones y los problemas que trae consigo la pobreza.

Chhay Bora ha sido durante más de 10 años profesor de Gestión Empresarial en diferentes universidades de Phnom Penh. Pero en 2008, junto a su mujer, decidió adentrarse en el mundo cinematográfico y usar sus ahorros de 15 años para realizar Lost Love, un film basado en el genocidio camboyano. Lost Love fue un gran éxito y se convirtió en la primera película camboyana en entrar en la competición por los Oscars en casi dos décadas.

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The Teacher’s Diary
Dir. Nithiwat Tharathorn | Con: Laila Boonyasak, Sukollawat Kanaros|2014 |110 min| Tailandia |Drama

Ésta es la historia de dos profesores solteros que son asignados a la misma escuela rural pero con un año de diferencia. La chica, que va a la escuela primero, intenta escribir un diario con sus sentimientos y experiencias pero un día debe abandonar el colegio. Le sustituye un chico que descubre el diario y se enamora de la desconocida autora. ¿Se encontrarán los dos en algún momento de sus vidas?

Nithiwat Tharathorn es un director de cine tailandés que debutó junto con otros 5 directores en el 2003 con la comedia romántica Fan Chan. Su debut en solitario llegó 3 años más tarde, en 2006, con Seasons Change.

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Nuoc
Dir. Nghiem-Minh Nguyen Vo | Con: Sao Quynh Hoa, Giang Quy Binh, Thi Thack Kim Long, Thuy Hoang Tran Minh Duc, Thanh Hoang Phi | 2013 |97 min | Vietnam | Drama

La acción se sitúa en Vietnam, en un futuro no muy lejano, en que el calentamiento global y el aumento del nivel de agua de mar han obligado a cultivar en granjas flotantes. Una mujer de carácter fuerte tiene que tomar una decisión crítica sobre su ex-amante, sospechoso del asesinato de su marido.

Nghiem-Minh Nguyen-Vo nació en 1956 en Saigón, Vietnam, y se crió en un pequeño pueblo durante la guerra. Emigró a Francia a estudiar Ingeniería Aeronáutica en Poitiers y luego continuó en Estados Unidos, donde se convirtió en un físico (Ph.D., UCLA). Estaba fascinado con la interacción entre el sonido y la luz que se convirtió en su principal tema de investigación para muchos años. Su debut como director, Buffalo Boy, fue la entrada de Vietnam en 2006 para los Oscar y fue a la sección oficial en más de 50 festivales, incluyendo Toronto, Rotterdam, Palm Springs, Locarno, Chicago, y Busan.

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