13
jun

Godzilla (Gareth Edwards, 2014)

Ya sabéis que no soy muy dado ha realizar comentarios o críticas de películas salvo en festivales, eventos clave que merecen ser contados y recordados. Pero tenia algo pendiente desde hace aproximadamente un mes que debía hacer y se ha retrasado por motivos laborales, y es hablaros de mi humilde opinión sobre Godzilla, la ultima película del monstruo japones que se traslada a América por su 60 cumpleaños, dirigida por Gareth Edwards.

Aunque hace tiempo que no escribo o comento el tema, no debería ser ajena a los lectores de este pequeño espacio mi pasión por el Kaiju Eiga en general y por Godzilla en particular, no obstante ahí arriba lo tenéis, como leiv motiv e imagen de Asiateca desde hace muchos años. Con esto quiero decir que el hype que tenia sobre esta película era tremendo y que mi visión y opinión sobre ella es totalmente parcial, sesgada y llena d espoilers (no sigáis leyendo sino queréis saber ciertas cosas de la película), como no podía ser de otro modo.

Godzilla 2014

Pero pongámonos en materia. Gareth Edwards es un joven director proveniente del mundo del cine independiente que ya hizo una película de monstruos hace unos años llamada “Monsters” y que resulto una especie de “road movie” (no se muy bien como definirlo) que contaba las andanzas de una pareja por una zona de México invadida, o más bien infectada, por especies alienígenas. Lo curioso de esta película es que no es una película de monstruos entendida dentro de los cánones del género, sino que es una película intimista con la pareja de actores y su viaje como protagonistas, guardando su fuerza en lo visual y lo casi onírico (al menos así la recuerdo). Esta película seguro que decepcionó a todo aquel que esperaba una cinta de monstruos más típica (como sucedió a parte del público tras su pase en el festival de Sitges), pero a mi me resulto muy curiosa.

Este 2014 es el 60 aniversario del nacimiento del saurio gigante en 1954, y los primeros trailers apuntaban a que esta celebración (made in EEUU) podría recurrir a una cinta parecida a la original, con Godzilla como único protagonista monstruoso y cierta trascendencia social y fuerza narrativa en los personajes humanos. Luego nos enseñaron ciertas imágenes de un monstruo volador con cierto parecido a Gyaos de la saga de Gamera y ya la cosa me descolocó aún más, incrementando más las ganas de verla y la gran pregunta “¿Que me voy a encontrar?”.

Y lo que me encontré es una película con una estructura fílmica y narrativa muy similar a los Godzillas japoneses de los 90, pero sublimando las escenas de acción entre monstruos hasta unos niveles altísimos. Esta me parece una película de momentos, de escenas que se quedan grabadas a fuego en la retina, de fotogramas que recordaré toda la vida dentro de la saga del saurio gigante. Pero una película no puede basarse solo en eso y por ello esta tiene puntos oscuros, muy oscuros.

La cinta podría estructurarse en tres partes, una introducción, una parte central y el desenlace (aunque suene a evidencia). La introducción, si bien nos presenta una historia típica, me parece bien narrada y posee el buen hacer de los actores Bryan Cranston y, en menor medida, Juliette Binoche, que con tan solo unos minutos en pantalla te llegan, te hacen sentir esa historia que estamos viendo. La cosa desaparece rápido al terminar esta introducción y entonces surge uno de los problemas, la falta de un personaje con carisma que mueva la película, ya que Aaron Taylor-Johnson no llega a decir mucho en cuanto a este respecto. Mención aparte el desaprovechadisimo papel de Ken Watanabe, que solo pone cara de preocupación y poco más.

Godzilla

Y es que es el guión uno de los grandes lastres de la película, un guión típico, lleno de clichés y con un desarrollo un tanto ingenuo, un guión que podría haber dado mucho más de si. En toda la parte intermedia ese guión pierde fuelle, hace cosas raras solo para favorecer ciertas escenas y no voy a desgranar todas esas pequeñas incongruencias que puedo recordar ahora (bombas nucleares que parecen no explotar nunca y cosas del estilo). ¿Que me gusta entonces de todo esto? La fuerza visual de muchas de sus escenas, me gusta el gran uso del CGI y los efectos especiales, me gusta la forma de plasmar los escenarios, de sumergirse en su interior y mostrar la grandilocuencia de los monstruos. Me gusta mucho la forma que ha elegido Edwards de mostrar la destrucción, y ciertas escenas dramáticas, de forma indirecta, me gusta la narración indirecta en general en esta película, resta ciertas posibilidades a mostrar destrucción de forma grandilocuente, pero crea un clima especial.

Una de las críticas que se han hecho a esta película es que Godzilla aparece muy poco, y en parte estoy de acuerdo, yo lo hubiera sacado un poquito más, no mucho, ya que los MUTOs aparecen en escena de forma bastante asidua. Hablando de monstruos, me ha gustado el intento de Edwards de trasmitir cierta expresividad y sentimientos en los monstruos, aunque queda sutil, fomenta ciertas reacciones y creo les da un toque de realismo.

Perdido entre un guión raro, muchos efectos visuales y escenas para recordar, personajes sin carisma y ganas de acción llegan esos 30 últimos minutos, la aparición estelar de Godzilla en toda su extensión y no en escenas sueltas, y la puesta en escena de la parafernalia CGI definitiva. Sin duda lo mejor de toda la película, con momentos “WOW” a raudales y escenas impresionantes, con un final demasiado políticamente correcto, pero en general satisfactorio. Creo que todos recordaremos el impresionante descenso en paracaídas de los militares, ese cruce de miradas entre el protagonista y Godzilla entre le polvo de la destrucción o, al menos yo lo haré, ese primer rayo que lanza Godzilla.

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Mi opinión sincera sobre la película es que al terminar de verla me gustó mucho, pasados los días me gusta algo menos porque ese guión tan flojo y la falta de carisma de los personajes, unido a que la acción tarda en aparecer, lastran mucho la película. Pero el film en general me parece muy digno, me gustan las continuas referencias que se hacen al universo Godzilla, con la fecha de 1954 como un punto clave, con un homenaje, solo en nombre, al Doctor Serizawa de la película original, o a muchos detallitos de la película (como un mariposario con el nombre de Mothra).

No debemos olvidar que esto es un Blockbuster americano, y Edwards pretende ir un poco más allá, ofreciendo algo más. Creo que esta película muestra un camino interesante y con mucho potencial, que en esta ocasión se ha perdido un poco en giros y recovecos, desaprovechando elementos y emborronando un poco el resultado, pero que sigue ahí, si se aprende y evoluciona correctamente podrían salir cosas muy buenas de la prometida trilogía de este Godzilla americano.


12
jun

Cinema Bis. Nikkatsu: Roman Porno violento

Si la serie Roman Porno lanzada en 1971 por la Nikkatsu –más de 700 películas producidas hasta 1988- permitió el nacimiento de auténticos autores como Tatsumi Kumashiro (Woods are wet: Woman hell) o Noboru Tanaka (Rape and death of a housewife), fue a la sombra de estos últimos que brillantes artesanos, respaldados por estupendos técnicos herederos de la tradición de la edad de oro del cine japonés, salidos de los equipos de Mizoguchi, Yuzo Kawashima, Imamura… sostuvieron estas estrategias de producción así como su diversidad genérica.

El primero, Yasuharu Hasebe, es considerado como un maestro del cine de acción. Diplomado en literatura francesa, entra en la Nikkatsu en 1958, en la que se convierte en asistente de Seijun Suzuki (Youth of the beast, Tokyo drifter) y Takashi Nomura (A colt is my passport), antes de debutar como director en 1966 ( Black tight killers). Conocido por sus colaboración con el gran guionista de acción Shuichi Nagahara, a quien se le deben obras maestras de la talla de A colt is my passport o The most dangerous game, Hasebe se impone rápidamente como una de las puntas de lanza del estilo Nikkatsu New Action (la saga Stray cat rock), al lado de Yukihiro Sawada, director del Roman Porno de acción Retreat through the wet wasteland. Alimentado por la serie B americana y admirador de Siegel, le debemos incluso una versión Roman Porno de Dirty Harry (Dirty Mary). Menos interesado por la descripción de los sentimientos que por la acción pura, no realizará más que nueve Roman Porno antes de volver a la televisión y contribuir al éxito del V-cinema para la Toei en los años noventa. Rodando las escenas de sexo como si fuesen escenas de acción, sus Roman Porno rebasan las fronteras del género. Con Assault! Jack the Ripper, su película más extrema, sustituye las escenas clásicas de amor por escenas de violaciones y muerte, que hacen de la relaciones amorosas un desecadenamiento surrealista de violencia barroca que haría pasar Natural born killers de Oliver Stone por pequeños delincuentes.

Al contrario que Hasebe, que se movió fundamentalmente en el cine de acción, Koyu Ohara es uno de esos artesanos entre los más versátiles y prolíficos (cuarenta y ocho Roman Porno de 1972 a 1985). Entra en el estudio el mismo año (1961) que Noboru Tanaka y Masaru Konuma, que le apodan «Funky», uniendo camisas hawaianas y gafas de sol, como un verdadero «golden boy» de estudio. A gusto en todos los géneros (jidaigeki, SM, comedia musical, películas de jóvenes,…), rueda alguno de sus más grandes éxitos comerciales (Pink hip girl). Coronado por una reputación de director rápido que sabe responder a los presupuestos económicos del estudio, Ohara realiza un cine de entretenimiento sin plegarse a las exigencias artísticas. Como White Rose Campus que se muestra como un ejercicio de perversión paródico de las road-movie y del «film de colegiales», en el que la realización nerviosa no tiene nada que envidar a la obra maldita de Bava, Cani arrabbiati.

Bajo el signo del sexo y la violencia, esta doble sesión muestra, más allá de la alta calidad artística del Roman Porno, toda la elasticidad de un género que fue para sus creadores un verdadero terreno de experimentación y libertad creativa desatada.

Dimitri Ianni (Cinémathèque française)


Título: Assault! Jack the Ripper
Título V.O: Bôkô Kirisaki Jakku
Director: Yasuharu Hasebe
Año/País: 1976 / Japón
Duración: 72 minutos
Género: Pinku eiga/violent pink
Reparto: Tamaki Katsura, Yutaka Hayashi, Yuri Yamashina, Natsuko Yashiro, Rei Okamoto, Luna Takamura

 

Título: White Rose Campus: Then everybody gets raped
Título V.O: Shirobara gakuen: Soshite zen’in okasareta
Director: Koyu Ohara
Año/País: 1982 / Japón
Duración: 66 minutos
Género: Roman porno (Erótico)
Reparto: Nami Misaki, Ayako Ohta, Tsutomu Akashi, Yuichi Minato, Tomoyuki Taura


10
jun

Festival de Granada Cines del Sur (2014) – Palmarés

Carteles Cines del Sur

Durante la semana pasada se ha celebrado el Festival de Granada Cines del Sur, uno de mis festivales favoritos por calidad cinematográfica, cercanía y buen ambiente, peor al que tristemente este año no he podido asistir. Sea como fuere hoy quiero acercaros el palmares de esta edición, que cuenta con dos presencias asiáticas muy destacables, la ganadora de festival 40 DAYS OF SILENCE, de SAODAT ISMAILOVA, de Uzbekistán y la india LIAR’S DICE, de GEETU MOHANDAS.

ALHAMBRA DE ORO:
40 DAYS OF SILENCE, de SAODAT ISMAILOVA, Uzbekistán, Alemania, Francia, Holanda.
Por asumir riesgos narrativos con una propuesta novedosa donde todos los elementos son fundamentales en la construcción de la historia y en el desarrollo de los personajes.

Con gran audacia formal la película apela a una experiencia sensorial que va más allá de lo tradicionalmente visual y hace que el silencio, que históricamente la sociedad patriarcal ha atribuido a la mujer, sea un silencio elocuente y no de resignación.

ALHAMBRA DE BRONCE:
LIAR’S DICE, de GEETU MOHANDAS, India
Por su original y logrado uso del género establecido de la road movie con un sólido empaque formal y su capacidad de generar múltiples interpretaciones. La película construye un singular grupo de personajes que apelan a los espectadores más allá de las fronteras geográficas y culturales.

MENCIÓN ESPECIAL:
IT’S US, de Nick Reding, Kenia.
Por su apuesta por transformar la realidad, y de contar con el humor como elemento transgresor.

El Jurado ha dado la enhorabuena al festival Cines del Sur por el excelente nivel de la selección oficial, que ha hecho tan ardua como placentera su labor y que permite conocer cinematografías invisibles y que, habitualmente, no tienen cabida en las salas. Y ha animado a las instituciones y al público a seguir apoyando esta enriquecedora iniciativa.

Por su parte, Noelia Ruiz portavoz del JURADO JOVEN, compuesto por dieciocho miembros de la Universidad de Granada ha anunciado la decisión de otorgar el premio ALHAMBRA DE PLATA a “Heritages” de Philippe Aractingi.
Por ser una película emotiva, que narra con gran efectividad y sentimiento el problema de la emigración desde el punto de vista de los propios protagonistas de la historia. Por la originalidad en el tratamiento de la historia, con un uso maravilloso del collages y la mezcla de técnicas; por la cercanía y la empatía que crea la familia al contar su historia, sin olvidarnos del genial papel que juega la hija pequeña del director. Con todos estos ingredientes consigue arrojar cierta esperanza y tratar sin una crudeza exagerada un tema que ciertamente es dramático.


03
jun

Un español en Udine – Crónica asiática del #FEFF16 (III)

feff16

Continuamos nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Para no variar seguimos de forma cronológica con lo que pudimos ver el día 28 de abril, 4 películas dispares compuestas por una supuesta comedia negra e irónica sin gracia, una simpática aunque olvidable comedia Indonesia, la ganadora del Oso de Oro en el pasado festival de Berlin y una de las comedias más delirantes y picantes de la temporada. Aquí lo tenéis.

Sweet Alibis

Sweet Alibis
Lien Yi-Chi, 2014

Esta edición del Far East Film Festival ha estado un poco marcada, al menos en nuestro periplo de visionados, por las comedias, o más bien por las supuestas comedias, ya que a cosas locas y divertidísimas como Golden Chickensss, 3D Naked Ambition, de la que os hablare en este mismo artículo, From Vegas to Macao o Pee Mak, se mezclaban con otras cosas, comedietas de medio pelo, supuestas comedias japonesas en las que nadie se ríe o curiosas mezclas de géneros con resultado no demasiado satisfactorio. Esta última descripción es la que se podría aplicar a la taiwanesa Sweet Alibis.

Esta película empieza como un thriller policíaco, con un dúo protagonista compuesto por un policía solitario, despreocupado y algo desaliñado, y una policía que es la hija del jefe del distrito, novata pero muy entusiasta. Todo comienza con la muerte de un perro, caso que irá degenerando hasta implicarse en él desde una pareja de gemelos de lo más dispar, un turbulento triangulo amoroso o una pequeña mafia local. Ya sea por asesinato, tráfico de drogas o venganza, los acontecimientos nunca serán lo que parece.

Esta aparentemente atractiva sinopsis, que salvo la ridícula canción principal de la banda sonora, comienza de forma curiosa e interesante, para ir evolucionando de forma dispar, volviéndose algo ridicula, sin garra, y terminando de forma bastante mediocre. La gracia de la película es la mezcla de géneros, en donde el director rompe muchas reglas de los mismos para mezclarnos de forma en ocasiones bastante chula, en otras bastante ridícula, pero la cosa era esa, no saber muy bien como tomarse lo que estas viendo. Supongo que si entras en el juego bien, pero yo desde luego no entré y me pareció bastante mediocre y olvidable, es más me ha costado recordar detalles de la misma ahora que me he puesto ha escribir sobre ella.

cinta brontosaurus

Brontosaurus Love
Fajar Nugros, 2013

Y ahora nos enfrentamos a otra de esas comedias con poca gracia, esta vez con la curiosidad de venir de Indonesia, una cinematografía no excesivamente vista en occidente. Raditya Dika, el actor principal y guionista de esta película, es un personaje muy conocido y querido en Indonesia debido a un blog que escribió contando sus vivencias mientras estudiaba en Australia, vivencias recopiladas en un Best-seller llamado Kambing Jantan que también se convirtió en película.

Basada en otro libro de Raditya Dika, el original es una colección de relatos cortos que recuerdan las experiencias amorosas del autor en el amor. En la película, estos cómicos episodios no son más que una premisa, condensada en un capítulo inicial que introduce al protagonista Dika, interpretado por el propio Raditya Dika, y como su desilusión por encontrar el amor lo lleva a escribir un libro sobre estos desencuentros. Después de una curiosa promoción es contactado por un productor, reconocido pro sus películas de terror, para adaptar al cine su libro, y entre tanto conoce a Jessica, la chica que puede convencerlo de cambiar sus opiniones sobre el amor.

Esta comedia con toques románticos y de situación no es realmente para reírse durante todo su metraje, es más bien una película simpática de bajo presupuesto, con algunos gags bastante graciosos pero en general plana y sin mucho que recordar una vez que se ha visto. Se pasa un rato entretenido, te ríes algo y poco más. Donde esconde algún punto interesante es en su visión satírica del cine comercial indonesio. Ese personaje del director Soe Lim, que quiere hacer dinero solo haciendo películas de terror que dan más risa que otra cosa, convirtiendo cualquier historia en algo que el cree que le dará dinero, es una extrapolación de la moda que ha asolado el sudeste asiático con subproductos de terror desde hace ya muchos años.

Black Coal Thin Ice

Black Coal, Thin Ice
Diao Yinan, 2014

Nos encontramos ante la flamante ganadora del Oso de Oro de Berlin, y eso ya hacia que tuviese muchas ganas de verla. Si además su premisa nos muestra un thriller policíaco, más de ambientación que de acción, la cosa pintaba muy bien, y la verdad Diao Yinan no ha decepcionado y su película es presenta ciertas dosis de tensión y una gran ambientación.

La cosa, como no podía ser de otra manera, comienza con un asesinato. Ambientada en una zona rural del norte de China, un grupo de policías encuentra una parte humana en una planta de procesamiento de carbón, para descubrir luego otras repartidas por toda la región, quedando el caso sin resolver. Años más tarde uno de los policías de aquel caso, borracho y hastiado de la vida, conversa con un compañero que investiga otro caso de asesinato, estando involucrada una mujer que también había estado relacionada con ese primer caso años atrás. Mientras investiga a la mujer y descubre una serie de sospechosos relacionados con el caso, este policía irá poco a poco enamorándose de la chica.

La película comienza como un film noir típico, con el descubrimiento de las partes humanas, una pequeña investigación e incluso un tiroteo. Es interesante ese primer tiroteo, grabado de una forma muy curiosa, con una naturalidad fría, mostrando a una policía que se cree invulnerable y que por tanto son descuidados y prepotentes, sufriendo las consecuencias de esta creencia. Hay quien ve crítica social hacia el sistema chino en la película de Yinan, yo realmente no se la veo, veo más bien una ambientación realista, que muestra lo que hay en China, no una crítica expresa hacia el sistema en si, peor este primer tiroteo me parece interesante ya que le propio director nos habló de este tema en el Talks del festival. Nos comentaba como en occidente la policía teóricamente servia a los ciudadanos mientras que en China la policía servia al gobierno. Algo que pude tenerse en la mente mientras se ve la película.

Pero retomemos el tema. No esperéis ver un film de acción y tiroteos, lleno de personajes carismáticos, femmes fatales o sangre y asesinatos, esto es más bien un thriller con toques de autor, con un guión no muy rebuscado pero bien plasmado en pantalla y una puesta en escena realmente sobresaliente. Su ritmo pausado, una fotografía oscura, decadente, con una ambientación que termina siendo el plato fuerte de la película, casi opresiva en si misma, y una fotografía realmente absorbente, es lo que nos mantendrá pegados en pantalla dejándonos llevar por la historia.

Esta es una película muy recomendable, para los que buscan un thriller distinto pero muy bien trabajado.

3d naked ambition

3D Naked Ambition
LEE Kung-lok, 2014

Ya os comentaba como las comedias fueron uno de nuestros platos fuertes del festival, y particularmente hemos tenido una buena ración de comedias eróticas, con la ya comentada Golden Chickensss y con esta 3D Naked Ambition, sin el 3D pero con un Chaman To desatado y una mezcla de humor y sexo divertidisima.

Nos trasladamos a Hong Kong para conocer a Wyman Chan, interpretado por Chapman To, un escritor de literatura erótica y guionista que ve como el pirateo e Internet están haciendo mella en el negocio del cine porno. Asociándose con sus amigos deciden viajar a Japón para grabar cine AV (Adult Video) y asi poder ganar dinero y exportarlo a Hong Kong. Pero al llegar todo se tuerce y Wyman terminará convirtiéndose en el actor porno más de moda en Japón realizando películas donde es un juguete sexual de las mujeres.

Y con este guión lo que se espera es lo que se encuentra, una comedia divertidisima que mantiene el ritmo durante toda la película, es más va in crescendo con una parte final delirante. Todo su metraje se llena de gags de humor absurdo y de situación, con un toque de comedia Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) muy hongkones, con unos diálogos si bien no ingeniosos si chispeantes, torciendo situaciones hacia derroteros casi absurdos y muy divertidos. Todo está lleno de referencias y guiños, desde el nombre artístico del protagonista Mario Ozawa, en referencia a una de las grandes pornstars japonesas Maria Ozawa, hasta la aparición de Sandra Ng como nuestra Golden Chicken favorita, incluyendo un cameo en la parte final de Louis Koo como el competidor del personaje de Chapman To, interesante porque el propio Koo es el protagonista de Naked Ambition, película de 2003 dirigida por Hing-Ka Chan y Dante Lam, en la que está inspirada esta. A todo esto hay que añadir muchas escenas eróticas y de ámbito sexual, casi todas ellas protagonizadas por Chapman To y actrices AV reales de la escena japonesa.

Pero si algo brilla en esta película es Chapman To, un actor con experiencia y cómico casi por vocación, que hemos visto en pequeños papeles en varias de las películas de esta edición de Udine, y que estando entre el público ya se dejaba ver con su humor y carisma.

En definitiva, una comedia terriblemente divertida y picantona que garantiza risas y diversión.


30
may

Festival de Granada Cines del Sur (2014) – Programación Asiática

Cines del Sur

El próximo domingo día 1 de Junio dará comienzo el Festival de Granada – Cines del Sur, uno de mis festivales favoritos. Este es un festival pequeñito, pero con una calidad increíble, donde he visto grandisimas películas en alguna de las mejores secciones oficiales de todos los festivales españoles (y no exagero en nada), un festival que este año recupera una de las cosas que no he podido vivir en persona, las pantallas abiertas, con cine al aire libre en los marcos incomparables de Granada. Este año no podré asistir, pero tendremos enviado especial, nuestro compañero y amigo Jose Luis, que nos dará cumplida cuenta de todo lo que de de sí el evento asiáticamente hablando, programación específica que repasamos hoy aquí de forma rápida..

Inauguración

KÖKSÜZ (NOBODY’S HOME)
Turquía. 2013. 81min.
Director: Deniz Akçay
Intérpretes: Ahu Türkpençe (Feride), Lale Başar (Nurcan), Savaş Alp Başar (İlker), Melis Ebeler (Özge)

Tras la desaparición de su marido, Nurcan se queda a cargo de su hija mayor, Feride, y sus dos hijos adolescentes, İlker y Özge. Nurcan se casó muy joven, antes de haber desarrollado su propia personalidad. Sus años de matrimonio con un marido dominante la llevan a adoptar el papel de víctima desamparada. En su ausencia, Nurcan obliga a Feride a asumir más responsabilidades, al tiempo que se olvida obstinadamente del trauma de sus dos hijos menores. Consciente de los defectos de su madre, la joven Feride se ve en la necesidad de erigirse como cabeza de familia. Sin embargo, ya tiene la carga de ser la hija mayor de una familia disfuncional y, con esta responsabilidad añadida, Feride está cada vez más alienada.

Nobody’s Home es la historia de cuatro personajes con dificultades para volver a ser una familia tras una gran pérdida, los cuales acaban por destruirse ellos mismos día tras día.

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Sección Oficial

CHILLA (40 DAYS OF SILENCE)
Uzbekistán, Alemania, Francia, Holanda. 2013. 88min.
Director: Saodat Ismailova.
Intérpretes: Rukhshona Sattarova (Bibicha), Barohat Shukurova (Khamida), Saodat Rahimova (Bibi Saodat), Farida Olimova (Sharifa).

En un pueblo aislado, rodeado por altas montañas, viven cuatro mujeres de diferentes generaciones bajo un mismo techo, unidas por una joven llamada Bibicha. Perseguida por su pasado, con un futuro desconocido y un presente angustioso, Bibicha decide hacer un voto de silencio. Ninguna conoce sus motivos pero todas deciden apoyarla en su viaje interior hacia la madurez.

Retrato cuasi etnográfico de la vida cotidiana en las montañas uzbekas, 40 Days of Silence nos ofrece un relato sobre una tradición mantenida y liderada por mujeres en la que, inevitablemente, los hombres marcan su constante presencia a pesar de estar ausentes físicamente. Onírico y hermoso, el film de la directora uzbeka Saodat Ismailova nos propone una reflexión sobre las tensiones entre la tradición y la modernidad.

BING DU (ICE POISON)
Taiwán, Myanmar. 2014. 95min.
Director Midi Z
Intérpretes: Ke-Xi Wu (Sanmei), Shin-Hong Wang (conductor), Cai Chang Zhou (padre), Shu Lan Yang (madre de Sanmei), Shang Da Li (tío del conductor).

En el norte de Myanmar, en el estado de Shan, un joven agricultor y su padre apenas pueden sobrevivir con su escasa cosecha de maíz, de modo que tienen que bajar de las montañas al pueblo para pedir dinero prestado a sus familiares que trabajan en las minas de jade o en plantaciones de opio. Sin embargo, estos también se ven arruinados a causa de una serie de documentos extraviados, de engaños y de corrupción. Finalmente, el padre acaba empeñando su vaca por una motocicleta para que su hijo pueda ganarse la vida como taxista. Su primera clienta es Sanmei, que ha vuelto a Myanmar para enterrar a su abuelo. Cuando Sanmei acepta un trabajo como contrabandista de drogas, convence al joven granjero para que sea su conductor.

Con sensibilidad, un humor sutil y un estilo majestuoso y minimalista al mismo tiempo, Ice Poison examina discretamente los sentimientos de alienación de estos dos jóvenes, así como sus miedos a perder el modo de vida que llevan.

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ASABANI NISTAM!(I’M NOT ANGRY!)
Iran. 2014. 110min.
Director: Reza Dormishian.
Intérpretes: Baran Kosari (Setareh), Navid Mohammadzadeh (Navid), Reza Behboudi (señor Javadi), Misagh Zare (señor Bagheri), Milad Rahimi (Ahmad), Vahid Ghazi Zahedi (Vahid Tarantino)

Navid es un ciudadano kurdo-iraní que vive en Teherán. Durante las protestas que siguieron a las elecciones de 2009, conoce a Setareh. Los jóvenes continúan su activismo político en la universidad hasta que Navid es expulsado de la institución. Por si esto fuera poco, el padre de Setareh le pide que se mantenga alejado de ella, alegando que su precaria situación económica va a arruinar el futuro de su hija. Desesperado, Navid pide un periodo de gracia para encontrar un trabajo y un techo que ofrecerle a su pareja. Sin embargo, su búsqueda en la frenética Teherán solo le hará ser más consciente de los diferentes estratos sociales que cohabitan en la capital. A medida que pasa el tiempo, su frustración se va transformando en agresividad.

LIAR’S DICE
India. 2014. 103min.
Director Geetu Mohandas.
Intérpretes: Nawazuddin Siddiqui, Geetanjali Thapa, Manya Gupta.

Kamala vive con su hija Manya en Chitkul, un pueblo tranquilo cerca de la frontera indotibetana. Tras pasar varias semanas sin noticias de su marido Harud, la joven esposa y su hija emprenden un viaje en su busca. Durante su odisea, Kamala conoce a Jampa, un contrabandista de espíritu libre, originario del Tibet, que gana dinero fácil con el juego de apuestas “Los dados del mentiroso” (Liar’s Dice). Por motivos egoístas, Jampa acepta ayudar a Kamala y Manya a llegar a su destino.

Con esta narración, la realizadora Geetu Mohandas expresa cierto sentido de futilidad de la vida y su indignación con el sistema, al tiempo que explora las dinámicas en las relaciones entre hombres y mujeres. Liar’s Dice es una narración lineal de la historia de un viaje, con las alarmantes condiciones socio-políticas que vive la India actual como trasfondo.

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Clausura

TOKYO BITCH, I LOVE YOU
Japón. 2013. 70min.
Director: Kōki Yoshida.
Intérpretes: Yu Yanagi (Hatsue), Kenshi Takemoto (Yoshinori), Yoi Kojima (Tomoko),
Yūko Kageyama (Sakurako), Kōichi Ito (Ippei).

Hatsue es una trabajadora del sexo que tiene un affair con Yoshinori, un hombre al que inicialmente conoció como cliente. Yoshinori se siente reprimido en su vida conyugal y sus secretos encuentros amorosos con Hatsue le proporcionan paz y tranquilidad. Hatsue evita, por lo general, entablar acercamiento emocional alguno con los demás. Sin embargo, cuando está con Yoshinori, siente que tiene una relación sentimental como la de cualquier otra mujer. Un día, uno de los compañeros de trabajo de Yoshinori le pide que haga de avalista de un préstamo, hecho que lleva a su esposa a descubrir su relación con Hatsue.

Esta adaptación del clásico del bunraku (teatro japonés de marionetas), Los amantes suicidas de Sonezaki, de Chikamatsu Monzaemon, traslada la narración al Tokio contemporáneo.

Pantalla Abierta (Pasiegas)

ILO ILO
Singapur. 2013. 99min.
Director: Anthony Chen.
Intérpretes: Yann Yann Yeo (Hwee Leng), Tian Wen Chen (Teck), Angeli Bayani (Teresa), Koh Jia Ler (Jiale)

Ambientada en el Singapur de 1997 durante la crisis financiera asiática, Ilo Ilo relata el drama cotidiano de la familia Lim: el problemático estudiantede primaria, Jiale, y sus estresados padres, Heck y Leng. La pareja, de clase media acomodada y con otro bebé de camino, contrata como criada y niñera interna a Teresa, una inmigrante filipina. Desde el principio, Teresa es una extraña tanto dentro de la familia como en Singapur, y sufre lidiando con las travesuras de Jiale e intentando integrarse en su nueva comunidad. Con el paso del tiempo, ambos llegan a formar fuertes lazos pero, justo cuando Teresa empieza a sentirse parte de la familia, se producen una serie de circunstancias imprevistas que volverán a suponer un reto a la ‘nueva normalidad’ alcanzada.

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ZINDAGI NA MILEGI DOBARA
India. 2011. 154min.
Director: Zoya Akhtar.
Intérpretes: Hrithik Roshan (Arjun), Abhay Deol (Kabir), Farhan Akhtar (Imraan), Katrina Kaif (Laila), Kalki Koechlin (Natasha), Ariadna Cabrol (Nuria), Naseeruddin Shah (Salman Habib)

Kabir se acaba de comprometer con Natasha. Para su despedida de soltero quiere cumplir la promesa que hizo con sus dos mejores amigos de la infancia: hacer juntos un viaje de tres semanas recorriendo España por carretera. El problema es que el paso del tiempo y el trabajo han creado una gran distancia entre ellos. Kabir, Imraan y Arjun parten hacia Barcelona y se lanzan en una aventura que no solo les hará limar sus diferencias, sino que también hará que se enfrenten a sus miedos. A medida que van recorriendo diferentes ciudades de España, los tres amigos verán las cosas bajo una nueva perspectiva. Obligados a quitarse las máscaras y confesar las mentiras cotidianas con las que se han visto forzados a convivir, descubrirán que “solo se vive una vez”, tal y como reza el título del film.

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Retrospectiva Ritwik Ghatak

AJANTRIK (THE PATHETIC FALLACY)
India. 1958. 96min.
Director Ritwik Ghatak
Intérpretes: Kali Bannerjee (Bimal), Gangapada Basu (tío), Satindra Bhattacharya (sobrino)

En Ranchi, una pequeña ciudad industrial y minera situada en la frontera entre Bengala y Bihar, Bimal se gana la vida al volante de un taxi. Iracundo y excéntrico, el conductor mantiene una relación tan obsesiva con su coche, un Chevrolet de los años treinta, que casi parece amorosa. El vínculo es tan estrecho que llega incluso a poner un nombre: Jagaddal, que en bengalí significa “inamovible”.

Estructurada en ocho momentos diferentes de la vida de Bimal, The Pathetic Fallacy es una fábula poética y antimaterialista que mezcla drama e ironía a partes iguales.

MEGHE DHAKA TARA (THE CLOUD-CAPPED STAR)
India. 1960. 126min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Supriya Choudhury (Neeta), Anil Chattopadhyay (Shankar), Bijon Bhattacharya (Vater), Gita De (madre_mother), Niranjan Ray (Sanat), Dwiju Bhawal (Mantu)

La joven Neeta y su familia, refugiados del este de Pakistán, viven en los suburbios de Calcuta. Siempre dispuesta a ayudar a los demás, su entorno se aprovecha constantemente de su bondad a pesar de que padece tuberculosis. Obligada a posponer su boda y convertida en el único apoyo económico de su familia, Neeta tiene que luchar por superar esta adversa situación mientras que su madre comienza a sugerir a su prometido que se case con la hija menor.

La innovación de los efectos sonoros y la magnífica plasmación de las emociones han convertido a esta primera parte de la llamada “Trilogía de la Partición” en un melodrama imprescindible, donde el director Ritwik Ghatak reflexiona sobre la pobreza, la desilusión y el exilio.

KOMAL GANDHAR (A SOFT NOTE ON A SHARP SCALE)
India. 1961. 134min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Supriya Choudhury (Anasua), Abanish Banerjee (Rhringu), Anil Chatterjee (Rishi), Chitia Mandal (Jaya), Gita De (Shanta), Satindra Bhattacharya (Shibnath)

Segundo episodio de la “Trilogía de la Partición”, este film se llama Komal gandhar por un poema del célebre escritor Rabindranath Tagore que en español significa “Sí bemol”. Con fuertes tintes autobiográficos, la historia se centra en la rivalidad entre dos compañías de teatro pertenecientes al IPTA (Indian People’s Theatre Association). A través de la compleja relación amorosa entre Bhrigu, el taciturno líder de uno de los grupos, y de Anusuya, una actriz de la formación rival, Ritwik Ghatak ilustra los traumas de la Partición, la incertidumbre surgida tras la Independencia y una crítica abierta a las premisas radicales que tomaron forma entre los años cuarenta y cincuenta en el seno del IPTA.

RAMKINKAR BAIJ (RAMKINKAR BAIJ. A PERSONALITY STUDY)
India. 1975. 30min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Ramkinkar Baij.

En julio de 1975, Ritwik Ghatak inició el rodaje de un documental sobre la vida y obra del escultor indio Ramkinkar Baij. Lamentablemente, el director murió antes de concluir el proyecto y de él solo han quedado para la posteridad un total de treinta minutos. A lo largo del metraje, Ghatak presenta no solo el lado más personal del artista sino que también subraya su posición de icono político. En una mezcla de vida, arte y reflexión política, Ramkinkar Baij explica ante la cámara los problemas a los que tuvo que hacer frente a lo largo de su trayectoria vital.

Tan Lejos, Tan Cerca

BIR ZAMANLAR ANADOLU’DA (ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA)
Turquía. 2011. 150min.
Director: Nuri Bilge Ceylan.
Intérpretes: Muhammet Uzuner (Cemal), Yilmaz Erdogan (Naci), Taner Birsel (Nusret), Ahmet Mumtaz Taylan (Arab Ali), Firat Tanis (Kenan), Ercan Kesal (Mukhtar), Erol Eraslan (Yaşar), Murat Kiliç (İzzet), Safak Karali (Abidin).

Una noche, en un recóndito paraje de la estepa de Anatolia, en el interior de Turquía, un presunto asesino guía a un grupo de policías, acompañados por el juez Nusret y el médico Cemal, hasta el lugar donde enterró a su víctima. Pero una vez allí, no encuentran el cuerpo. Es entonces cuando prosigue la búsqueda a través de carreteras infinitas y desiertas, en un viaje que hará que la culpa y la sospecha comiencen a diluirse entre ellos, y que conducirá a las verdaderas causas del crimen.

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L’IMAGE MANQUANTE (LA IMAGEN PERDIDA)
Camboya, Francia, 2013. 96min.
Director: Rithy Panh.
Intérpretes: Randal Douc.

El documental más reciente del cineasta camboyano Rithy Panh refleja una búsqueda que ha llevado a cabo durante muchos años: la búsqueda de una fotografía tomada entre 1975 y 1979 por los Jemeres Rojos cuando gobernaban en Camboya. Una imagen perdida, desconocida, que ha intentado encontrar en vano en archivos, en viejos papeles, en las aldeas de Camboya.

Adaptación del libro La eliminación, co-escrito junto a Christophe Bataille, La imagen perdida reconstruye a través de inmóviles figuritas de barro la infancia del director, un infancia perdida y llena de muerte que fue compartida por todo el pueblo camboyano y silenciada por el gobierno.

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METRO MANILA
Filipinas, Reino Unido. 2013. 114min.
Director: Sean Ellis.
Intérpretes: Jake Macapagal (Oscar), John Arcilla (Ong), Althea Vega (Mai), JM Rodríguez (Alfred Santos)

Oscar Ramirez vive con su esposa Mai y sus dos hijas en los arrozales de las montañas del norte de Filipinas, rodeados de miseria y escasez. Buscando un futuro mejor, deciden mudarse a la asfixiante ciudad de Manila, donde se verán abrumados por su bulliciosa población. Oscar encuentra un empleo estable en una compañía de camiones blindados, pero pronto descubre que es un trabajo peligroso con un alto índice de mortalidad. Sin embargo, necesita el dinero y tendrá que enfrentarse a nuevos problemas, tanto en su trabajo como en su vida.

El valor que prevalecerá será el amor por su familia: la familia por encima de la tentación a sucumbir a lo que Oscar sabe que está mal, la familia por encima de su propia persona.

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