11
Sep

Entrevista con Asami y Mitsutake Kurando

Asami y Mitsutake Kurando

Desde hace ya años es tradicional que cada edición del Festival de Sitges tenga su dosis de splatter japonés, bien sea en forma de maratón temática, bien sea a través de espacios alternativos como el Brigadoon, bien sea en ambos. Dentro de este subgénero todo aficionado reconocerá a una actriz que se repite casi como una constante en este tipo de películas, Asami, ex-actriz porno y reina indiscutible del cine gore nipón -y de la que me reconozco fan incondicional-.

En la pasada edición del festival tuvimos la suerte de poder contar con su presencia en nuestro país, acompañada del director Mitsutake Kurando, que presentaba su última producción en conjunto “Gun Woman”. En los jardines del Meliá nuestros amigos de Cineasia y nosotros mismos pudimos disfrutar de una agradable conversación con ambos, donde fuimos charlando sobre algunos aspectos de la película y de sus respectivas carreras.

Asiateca: Después de ver la película la primera pregunta nos parece obligada, ¿De donde sale la idea de realizar Gun Woman?

Kurando: Hace mucho, cuando era estudiante de cine, pensaba mucho en los ladrones de joyas, y se me ocurrió que una posibilidad era esconder estas dentro de cadáveres. Yo solo era un estudiante y no pude llevar a cabe esta idea, pero durante 20 años la he tenido en mi cabeza, esconder objetos dentro de cadáveres (jajaja). Esto ha ido creciendo en mi interior hasta ahora, que lo he plasmado en cierto modo en la pantalla.

Asiateca: Al ver la película vemos que se aleja mucho del estándar del típico “splatter” japones, películas con mucha sangre, divertidas y locas. Gun Woman es más seria, más oscura ¿Era esa su intención? ¿le gusta este tipo de acercamiento?

Kurando: Por ejemplo, cuando pienso en el cine español recuerdo “No habrá paz para los malvados”, porque es el tipo de cine que me gusta. Digamos que en esta película quise mezclar elementos de películas como “Hard Bolied” con el cine más extremo japones.

Asiateca: Después de trabajar en muchas películas en Japón, ¿como fue la experiencia de salir fuera y rodar en Estados Unidos?

Asami: Desde que empecé a trabajar como actriz siempre pensaba que me gustaría ir a trabajar al extranjero, es una idea que tenía en la cabeza. La verdad es que me hizo mucha ilusión trabajar fuera de Japón, aunque el director fuera japonés. Nuestra visión de este proyecto es bastante parecida y nos hemos compenetrado muy bien.

gun woman

Asiateca: Suponemos que “Sukeban Boy” fue una película muy importante para usted…

Asami: Desde luego, realizar “Sukeban Boy” me sirvió para comenzar a hacer este tipo de películas, y si no hubiera tenido la oportunidad de trabajar en ella a lo mejor no hubiera podido realizar más películas, o conocer a Mitsutake y hacer “Gun Woman”.

Kurando: Sin duda no hubiera podido (jajaja).

Asiateca: Tuvimos aquí en Sitges hace dos años al director de la película, Noboru Iguchi, ¿Como es trabajar con él?

Asami: Noboru Iguchi es un niño grande, cuando ruedas con él no te da la sensación de estar trabajando, sino de estar jugando todo el rato.

Asiateca: El propio Iguchi nos reconoció que siempre pensaba en usted cuando tenía un nuevo proyecto en mente…

Asami: Es muy amigo mio, a veces salimos por ahí y eso.

Asiateca: No hemos podido ver su anterior película, “Samurai Avenger”, pero sabemos que lleva un concepto clásico japonés como es el Samurái Ciego al terreno del Western, del cine más americano.

Kurando: Me encantan los spaghetti western y quise cambiar estos conceptos que comentas de época y lugar y así hacer esta película.

samurai avenger

Asiateca: De hecho nos fijamos en que le gusta mezclar lo japonés con elementos foráneos, principalmente provenientes del cine americano. ¿le gusta que los conceptos fluyan de un cine al otro?

Kurando: Cuando tenía 17 años fui a estudiar a Estados Unidos y siempre he estado a caballo entre Japón y los USA. Creo que esto me ha ayudado a poder mezclar cosas interesantes o curiosas de ambas cinematografías y pensé en reflejar esto en mis películas.

Asiateca: En sus películas hay un componente físico muy importante, principalmente de acción marcial. ¿Como afronta este tipo de rodajes y el entrenamiento que requieren?

Asami: Antes de cada una de mis películas paso bastante tiempo entrenando, incluso cuando no ruedo intento hacer ejercicio aunque no sea de una forma tan intensiva como cuando tengo que rodar y concentrarme en un entrenamiento concreto. En “Gun Woman”, una semana antes de empezar a rodar, estuve haciendo un fuerte entrenamiento.

Kurando: La acción se realiza en Estados Unidos y se podían utilizar pistolas de verdad, Asami entrenó muchísimo con pistolas reales.

Asami: Más que entrenamiento físico o de acción propiamente dicho, realicé muchísimo entreno de tiro.

Kurando: En Japón las armas de juego están prohibidisimas y Asami nunca había tocado una pistola real hasta ahora.

Asami: Alguna vez había tocado alguna pistola en el extranjero como turista o curiosidad, pero encontrarme en ese ambiente de gente armada nunca.

Kurando: Incluso le salieron llagas en las manos y pensé que le daba realismo al personaje. En la película, cuando veáis todos los cortecitos de las manos de Asami durante su entrenamiento, que sepáis que son reales (jajaja).

yakuza busting girls

Asiateca: En “Gun Woman” vemos como un bajo presupuesto puede llegar a suplirse en cierto modo con mucha imaginación y buenas ideas. ¿Como es rodar películas de bajo presupuesto en Estados Unidos en este momento?

Kurando: Muy duro realmente, pero te lo voy a preguntar al revés ¿Cuanto crees que teníamos de presupuesto?

Asiateca: ¿Quizás unos 150.000€?

Kurando: Que va (jajaja), muchísimo menos, fue casi imposible. Teníamos un set en las Vegas sin ningún tipo de escenario, todo grabado en función de lo que disponíamos.

Asiateca: Realmente creemos que a pesar del evidente poco presupuesto se notan las buenas ideas, esta bien contada, se nota que le gusta el cine y le pone cariño. Eso en cierto modo suple el poco dinero.

Kurando: Muchas gracias. Cuando estrenamos “Gun Woman” en el cine en Japón, en un cine estaba el póster de “Godzilla” y el de “Gun Woman” uno al lado del otro. La gracia es que “Godzilla” tenia seguramente cientos de veces más presupuesto que nosotros (jajaja), quizás 30 segundos de “Godzilla” es toda “Gun Woman” (jajaja).

Asiateca: Asami, aunque se mueve siempre dentro del mismo género y tipos de películas, es cierto que le vemos muchos registros, acercamientos a papeles de formas muy diferentes. Dejando a un lado el apartado físico ¿Como se ha preparado en el ámbito de la interpretación? ¿De que forma prepara los personajes?

Asami: En el caso de “Gun Woman” cuando Mitsutake escribió el personaje protagonista lo hizo pensando en mi, así que cuando construí el personaje no tuve que hacer demasiado, me gustaba que fuera lo más natural posible. En otros casos no soy una actriz que me obsesione por crear un personaje, a veces a las actrices le piden que interpreten mujeres 10 años mayores y entonces se lo tienen que preparar mucho, en mi caso casi siempre he interpretado a personajes de mi edad, los he encarnado de forma muy natural y me he sentido muy cómoda.

sukeban

Asiateca: Vemos que ambos son amantes del cine y nos gustaría saber que directores o películas han influido más en sus carreras o su forma de ver el cine.

Kurando: A mi algunas películas de serie B del Hollywood de la década de 1980 me llamaron mucho la atención, y conforme me fui aficionando al cine me convertí en fan de las películas de Sam Peckinpack. Mi película favorita es “Traedme la cabeza de Alfredo García”.

Asami: Antes de entrar en este mundo no solía ver muchos tipos de películas, de serie B o exploitation. Cuando rodé “Sukeban Boy” empecé a ver películas de la década de 1970 -vi un montón de ellas-, y así descubrí a una actriz llamada Reiko Ike y la verdad es que me influyó mucho. No es que quisiera imitarla, pero si que me ha influido enormemente.

Asiateca: Y para terminar, ¿tienen algún nuevo proyecto del que nos puedan hablar?

Asami: La verdad que tengo varios proyectos por ahí de los que no puedo hablar, pero uno de ellos esta fuera de lo que todos esperáis de mi, así que estad atentos (jajaja).

Kurando: Yo tengo unos 7 proyectos, pero a ver cual de ellos consigue financiación. En Japón cada vez hay menos presupuesto para este tipo de cine, es una época dura. Creo que dos de ellos, que son de bastante acción, es posible que salgan adelante. Una de estas películas trata de una chica que es una especie de Ninja, espero que podáis verla en Sitges.

Asiateca: Nos encantaría, nos gusta mucho que estén aquí y puedan disfrutar del festival y del público.

Kurando: También tengo en mente hacer “Gun Woman 2”, pero si la hago enseguida parecerá como barato, mejor esperar un poco (jajaja)

Y así, entre risas y muy buen ambiente, nos despedimos de Mitsutake Kurando y de Asami, esperando poder coincidir de nuevo con ambos en próximas ediciones del festival.

Entrevista Asami y Mitsutake Kurando

Por Enrique Garcelán (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)


09
Sep

Animación y adaptaciones – Sitges Film Festival 2015

En esta segunda entrega en donde repasamos la programación asiática del la edición número 48 del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, vamos a centrarnos básicamente en Japón, para conocer algunas aportaciones animadas, o adaptaciones de las mismas, que estarán presentes en el festival.

En el campo de la animación ya teníamos confirmada Miss Hokushai de Keiichi Hara, pero desde ayer mismo ya sabemos que Dragon Ball Z: Resurrection ‘F’, de Tadayoshi Yamamuro, también se proyectará en Sitges. En cuanto a adaptaciones de mangas este año contaremos con dos live actions muy esperados, estrenados ambos en dos partes: Por un lado Parasyte y por otro Attack on Titan. Y por si esto fuera poco el taiwanés Huang Wen-Chang nos ofrecerá una película de animación filmada enteramente con marionetas The Arti: The Adventure Begins. Veámoslo todo con algo más de detalle.

sitges 2015

Parasyte I y II
Takashi Yamazaki, 2014/2015

Parasyte es un manga original de Hitoshi Iwaaki publicado en Japón entre 1988 y 1995. Esta obra, que mezcla horror y ciencia ficción, ha recibido varios premios y es considerada uno de los mangas más reconocidos de la historia reciente nipona. Hasta ahora este manga no había sido adaptado pero aprovechando el estreno de la primera parte del live action en el Tokyo International Film Festival de pasado año 2014 se estrenó también una adaptación animada, dirigida por Kenichi Shimizu y que consta con un total de 24 episodios. El encargado de realizar estas dos películas es Takashi Yamazaki, realizador de cintas de acción y efectos especiales como “Juvenile” y “Returner”, y gran aficionado al propio manga original.

Parasyte nos cuenta la historia del joven Sinichi (Shota Sometani). Una noche, junto al mar, unos pequeños parásitos comienzan a adentrarse en la tierra y a poseer a los humanos. Shinichi consigue que el parásito que le invade no llegue a su cerebro y que se quede en su brazo derecho. Mientras, una cruenta batalla se desata entre los parásitos y los humanos. (Sitges)

Attack on Titan I y II
Shinji Higuchi , 2015

El manga de Attack on Titan, escrito e ilustrado por Hajime Isayama y aún en edición, comenzó a editarse en 2009 y tras varios años ha generado una franquicia de enorme éxito no solo en su Japón natal, sino en medio mundo. La serie de Anime, que consta de una temporada completada, varias películas y OVAs y otra en preparación (por el momento), ha sido licenciada y emitida en diversos países (en España ha sido licenciada por Selecta Visión), y hace tan solo unos días se estrenaba en Japón la segunda parte del Live action que aquí nos ocupa, cuya primera parte creo controversias entre los fans por las libertades con respecto al manga y entre los críticos por el acabado de algunas escenas.

El director, Shinki Higuchi, es un experto en efectos especiales que ha producido películas como “The Sinking of Japan”, “The Floating Castle” y “The Hidden Fortress: The Last Princess”. En el apartado visual lo acompaña un nombre que los seguidores de este blog reconocerán, Yoshihiro Nishimura, encargado de parte de los efectos de maquillaje.

Los humanos llevan un centenar de años viviendo tras unas gigantescas murallas. Al otro lado están los titanes, seres monstruosos dispuestos a terminar con la humanidad. Un titán especialmente grande y monstruoso abre una brecha en la muralla, iniciando así un relato de supervivencia y de venganza. (Sitges)

Miss Hokusai
Keiichi Hara, 2015

Desde que vimos en Sitges la extraordinaria “Colorful” no sabíamos nada de Keiichi Hara, que ahora vuelve para encandilarnos de nuevo con “Miss Hokusai”, adaptación del manga histórico “Sarusuberi” de Hinako Sugiura. Y el reto no es fácil, porque animar en la gran pantalla las obras de un pintor tan mítico como Katsushika Hokusai no es algo que pueda hacer cualquiera, y menos mantener su espíritu intacto. Veremos el resultado en unas semanas.

Nos encontramos en el año 1814, en Edo, ahora conocido como Tokio. Una de las ciudades más pobladas del mundo con campesino, samuráis, ciudadanos, comerciantes, nobles, artistas, cortesanas y quizás también algunas cosas sobrenaturales. Tetsuzo es un artista de unos 50 años muy dotado para su tiempo. La tercera de sus cuatro hijas ha heredado el talento de su padre, y la obstinación también. A menudo pinta en vez de su padre, aunque sin llevarse ningún crédito.

Décadas más tarde, Europa iba a descubrir el talento de Tetsuzo, nombres como Renoir, van Gogh y Monet admirarán su obra, pero muy pocos son conscientes de la mujer que le ayudo toda su vida y contribuyo enormemente a su arte. Esta es la historia de O-Ei, la hija de Tetsuzo, una representación en animación de una mujer de espíritu libre ensombrecida por la figura de su padre. (masalladeorion.es)

Dragon Ball Z: Resurrection ‘F’
Tadayoshi Yamamuro, 2015

Hace dos años en el festival de Sitges pudimos vivir la vuelta de Dragon Ball a la gran pantalla tras 17 años sin ninguna película en torno a esta saga. Dragon Ball Z: Battle of Gods era casi más un remenber que otra cosa, en ella podíamos ver a casi todos los personajes de la saga aunque fuera unos segundos, y su humor y guiños nos hacían recordad esos años infantes en que veíamos al pequeño Guko y a la joven Bulma de aventuras por el mundo buscando las Bolas de Dragón. Por lo demás la película era divertida y tenia acción, pero tampoco destacaba por nada en especial (algunos esperaban quizás mucho por llevar tantos años de espera).

Dragon Ball Z: Resurrection ‘F’ (aka “La resurrección de Freezer”) es la “secuela” directa de aquella, dirigida esta vez por Tadayoshi Yamamuro pero una vez más con guión del propio Akira Toriyama. La película ha sido un éxito en su país natal, superando en taquilla a su predecesora.

La Tierra está en paz, pero parte del ejercito de Freezer sigue aun en activo y llegan a la Tierra con el único objetivo de resucitar a su líder mediante las Bolas de Dragón. Si nuestros héroes quieren salvar el planeta deberán llevar su poder al máximo nivel.

The Arti: The Adventure Begins
Huang Wen-Chang, 2015

Huang Wen-Chang, director y guionista de la serie Pili durante más de veinte años, debutó en la dirección de largometrajes con The Legend of The Sacred Stone. También realizó Wolf Castle, el primer espectáculo de marionetas representado en el National Theatre.

The Arti: The Adventure Begins transcurre en una China antigua y mítica. Su trama promete aventuras épicas, hechizos y espectaculares batallas, todos ellos, elementos muy afines a Sitges. Pero el filme tiene una particularidad: está protagonizado íntegramente por marionetas (combinadas a posteriori con efectos digitales), al igual que obras anteriores de su director.

https://www.youtube.com/watch?v=tLRLyNqY3YI


07
Sep

Fudoh: The New Generation – Deconstruyendo a Takashi Miike

shinjukuGokudō sengokushi: Fudō (1996)
Director: Takashi Miike
Guión: Toshiyuki Morioka (manga de Hitoshi Tanimura)
Actores: Shosuke Tanihara, Kenji Takano, Marie Jinno, Tamaki Kenmochi, Miho Nomoto, Riki Takeuchi, Takeshi Caesar
Fotografía: Hideo Yamamoto
Edición: Yasushi Shimamura
Productora: Excellent Film, GAGA
Yakuza-eiga, acción

Después de su ópera prima en la gran pantalla Shinjuku Triad Society (1995) de la mano de Daie, Takashi Miike retorna al cine-v en sus próximas cinco películas, todas rodadas en 1996. Fudoh: The New Generation también la dirige pensando lanzarla directamente a vídeo pero uno de sus productores consideró que la cinta tenía la calidad suficiente y decidió que el 12 de octubre de 1996 viera la luz en los cines japoneses.

La película es una adaptación del manga homónimo de Hitoshi Tanimura, autor entre otros de High-School Agent o Pachinko Don Quixote. Al no haber podido consultar la obra de Tanimura, no he podido comprobar qué es genuino de Miike en este live-action, pero lo que sí se aprecia a simple vista es que su manga le sirvió para explorar y expandir los límites del yakuza-eiga. Fruto de esta hibridación son los planos de shock value que se recrean en las escenas hiperviolentas.

fudoh fudoh
fudoh

Gokudō sengokushi: Fudō nos muestra los planes de venganza del joven heredero de una familia yakuza. Después de ver morir a su hermano mayor a manos de su propio padre, Riki Fudō está dispuesto a hacerse con el control de la isla principal de Japón y para ello su banda, formada por adolescentes y niños, matará a todo aquel que se interponga hasta llegar a su objetivo final: su padre.

En este film Miike colabora con el director de fotografía Hideo Yamamoto, con quien luego volverá a trabajar en Audition (1999), Visitor Q (2001) y Ichi de Killer (2001) y repite con el editor Yasushi Shimamura. Aunque en este film no se usan ángulos tan extremos como en Shinjuku Triad Society, sí nos ofrece algunos planos muy interesantes a base de colocar la cámara en lugares asombrosos: en la vagina de una adolescente, en una cabeza dentro de una caja con hielo seco… pero además utiliza algunos planos de almohada de una forma lírica como los cuervos de mal augurio o la luna anaranjada que nos recuerda a Shinjuku Triad Society y pronostica la lucha entre los miembros de la familia Fudō.

fudoh fudoh
fudoh

Takashi Miike ya nos había introducido el tema de la desintegración familiar en su primer largometraje, pero ahora vuelve a retomarlo en conjunción con otro tema básico de su filmografía: la pérdida de la inocencia en la infancia. «No hay otra criatura a la par del ser humano. Incluso los lobos no se cazan entre ellos, pero los humanos se comerían los unos a los otros vivos». Con esta reflexión comienza el director la película para dar paso a una escena en la que los dos hermanos juegan al béisbol. El padre está ausente en la escena. Y sin embargo Ryu, a pesar de ser su mano derecha en los negocios, sí tiene tiempo para jugar con su hermano mientras ordena ejecutar a un miembro del clan enemigo. Los lanzamientos de Ryu son decididos y potentes e insta a su hermano a «atrapar la pelota como un hombre», a lo que Ryu contesta «es muy difícil, onii-chan». El plano y el contraplano se nos muestran a cámara lenta, Miike quiere que notemos el contraste entre los dos hermanos pero también quiere enfatizar la fragilidad de Riki para que luego sintamos más de cerca cómo el personaje se rompe, cómo pierde su inocencia.

fudoh fudoh

La noche del asesinato de Ryu, el pequeño Riki presencia los hechos desde la puerta. La cámara subjetiva se alterna con los planos de reacción del pequeño, y aunque en este punto del film el espectador no ve exactamente lo ocurrido, una luna teñida de naranja —igual que en Shinjuku Triad Society— confirma la muerte de Ryu. A la mañana siguiente, veremos como su padre ofrece la cabeza del primogénito a los miembros ejecutivos del grupo Nioh. Riki tras la puerta observa la escena, cierra la puerta tras el él y se sienta pensativo mientras su silueta se disuelve en el plano. Diez años después, vemos a Riki exactamente en la misma postura. Su mente se ha quedado congelada en ese momento decisivo de su vida; ha vivido desde entonces para vengar de la muerte de hermano. Igual que Riki, sus compañeros de batalla serán todos niños que han perdido la inocencia de su infancia a causa de la violencia. A Miike no le interesan las causas ni mostrarnos el proceso de cambio que hayan podido experimentar, le interesa el personaje estigmatizado en sí, y justifica su personalidad violenta a causa de la infancia truncada: los niños huérfanos, la stripper hermafrodita, etc. Son personajes que viven en la liminalidad como los protagonistas de Shinjuku Triad Society.

fudoh
fudoh fudoh

El planteamiento del film en este caso sirve también como exposición del personaje de Riki, permitiendo a la audiencia conectar con él y presentando el conflicto principal: Riki contra su padre. Sin embargo, el hilo argumental engloba este conflicto principal dentro de un conflicto más general que es Riki contra la corrupción de los adultos o la nueva generación versus la generación anterior. Así, al final del film, el director resolverá el conflicto de Riki contra su padre pero dejará abierto el segundo conflicto facilitando así dos secuelas de las que no se hará cargo.

Para expresar la desintegración familiar, el director escoge una puesta en escena tremendamente cotidiana que se irá degradando progresivamente: la cena en familia. Una vez Iwao Fudō ha decidido que tiene que acabar con la vida de su primogénito, el director nos muestra la “última cena” de la familia. A esta escena, el espectador asiste como anfitrión ya que está rodada casi como si estuviéramos sentados a la mesa, en el sitio principal. A nuestra derecha los dos hijos de Iwao y a nuestra izquierda el padre de familia, todos los miembros se miran de frente. En las cabezas de ambos adversarios unas llamas rojas, que anuncian la guerra entre ellos. Es una escena cotidiana de familia pero la traición ya está decidida y Iwao sirve a su hijo mayor y le sentencia: «Ryu, hagas lo que hagas, no mueras». Más tarde volveremos a ver el mismo escenario, han pasado diez años y Riki ocupa la silla de su hermano, las llamas sobre su cabeza, pero los dos personajes apenas se miran en toda la cena. Iwao elocuente y enfocado en su charla sobre la guerra, desconoce que su hijo pequeño es quien está detrás de los asesinatos de los cabecillas del clan. «El más fuerte gana, esa es la ley de este mundo» anuncia, y aparece un primer plano con zoom a Riki alternado con flashbacks de planos de la noche del asesinato en las que vemos a Riki tatuarse al dios guerrero con la sangre de su hermano, inyectándose su valor, y convirtiéndose así, en un dios de la venganza. Aún los veremos una tercera vez más sentados en la mesa, en su última cena juntos antes de la lucha final. La cotidianidad de la puesta en escena contrasta fuertemente con la tensión del momento: cenan completamente en silencio pero esta vez es Riki quien sirve a su padre. Ya no es en absoluto una cena en familia sino dos enemigos cenando. Me inquieta en esta puesta en escena el timón. ¿Es casualidad o el director quiere apelar a la imagen de un barco que hace aguas?

fudoh fudoh

En la progresión de la trama, veremos la lucha de dos generaciones. No sólo dentro de la familia Fudō, sino en la escuela y en el poder por Kyushu. La nueva generación de asesinos de Riki se enfrentará al clan Nioh por el control de los negocios. El desencuentro generacional no deja de ser un subtema que proviene de la desintegración familiar, pero en este sentido Miike parece querer ofrecernos una reflexión. ¿Es mejor la nueva generación? Todo comienza como un golpe de estado ante la perversión y corrupción de la primera generación que el director ejemplifica magistralmente en la escena del templo budista. Mientras Riki ha estado recogiendo huérfanos e intentando darles un propósito en la vida, los hermanos Gondo, monjes del templo budista se han hecho con el control de la zona. Su fachada de monjes budistas no hace más que enfatizar la perversión del poder que alcanza el punto más álgido con la relación de incesto que mantiene uno de ellos con su hijo. Sin embargo, una parte de Riki se va convirtiendo progresivamente en su padre —habla cómo él, calcula sus acciones como él, mata como él— y, aunque la coartada de eliminar a Nohma y a su alianza con Corea del Norte en la guerra contra Japón y Estados Unidos parece razonable, la novia de su hermano será implacable: «La venganza llama más venganza». Miike utiliza aquí al personaje de Marie Jinno para exponer esta interesante reflexión sobre la mesa, que desafortunadamente no desarrolla de manera suficiente debido a las exigencias del guión, pero que sirve de contrapunto emotivo ante todo el sinsentido de la venganza. La quinta sucesora del grupo Ashura, camuflada bajo la apariencia de una profesora que pretende enseñar a sus alumnos cómo deben vivir su vida, también tiene un secreto. El tatuaje de su espalda que representa a Amida, la diosa de la misericordia se opone frontalmente al dios guerrero de Riki.

fudoh

A pesar de la hiperviolencia de estilo manga, el fan service y el fino humor físico del director, Miike trata con suma delicadeza los problemas de identidad de Mika: «sensei, sé que no puedo ser feliz». En esta escena, Amida ofrece a la stripper hermafrodita que asesina a sus enemigos lanzando dardos con su vagina su único momento de felicidad absoluta. Esta escena de sexo difiere completamente de la escena de sexo entre Mika y Riki, y muestra precisamente la diferencia entre cómo Riki y la profesora han asumido el dolor de un ser querido. Mientras el idilio entre las dos mujeres está rodado con sensualidad y elegancia y con una cobertura de la acción mucho más extensa, el sexo entre Miki y Rika está rodado de manera austera a base del contraste entre la pasión de ella y los ojos calculadores de él. Riki le ofrece sólo sexo y la señorita Miroku le regala un último instante de liberación antes de morir.

fudoh fudoh
fudoh

Fudoh: The New Generation abrirá las puertas al mercado internacional para el director. Después de estrenarse en el BIFF de Bruselas, el FanTasia de Montreal y el TIFF de Toronto, la cinta significó la primera incursión de Miike en España cuando se estrenó en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián en 1998. La revista Time incluso la llegó a incluir entre las diez mejores películas del año, inaugurando el culto al director. Pero sobre todo, representó el despegue de su cine y maduró algunas de sus características: hiperviolencia, personajes estigmatizados, humor físico, un concepto más amplio de la sexualidad de lo que el espectador está acostumbrado en la pantalla y exploración de los géneros cinematográficos.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


04
Sep

Miike, Sono y Tsukamoto – Sitges Film Festival 2015

Al llegar Septiembre comienza la cuenta atrás, al menos a nivel psicológico, para la llegada de la edición número 48 del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, que se celebrará entre el 9 y el 18 de Octubre. Este año los amantes del asiático hemos visto con cierto miedo la desaparición de la sección dedicada a aquellas cinematografías “Focus Asia”, pero eso no significa que el cine Asiático vaya a tener un menor espacio en el festival, sino todo lo contrario ya que se han confirmado un buen puñado de películas, más las que vendrán en estos días de septiembre, y se entregará el premio “Maquina del Tiempo” al conocido director japonés Sion Sono.

Nosotros comenzamos también nuestro particular repaso por la programación del festival para presentaros todo el cine asiático que estará presente este año en Sitges, hoy centrándonos en una primera entrega con los grandes nombres japoneses que por el momento se han confirmado.

sitges 2015

Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld
Takashi Miike, 2015

Miike vuelve a demostrar que es capaz de deconstruir y mezclar los géneros para conseguir un nuevo producto original, divertido y gamberro, con un sello personal fácilmente reconocible por los aficionados. En esta ocasión toma algo tan peculiar como los vampiros y los introduce en el género de la Yakuza japonesa con un estilo marcadamente manga, con muchísima acción, humor y terriblemente alocada. Entre los interpretes se encuentra un nombre curioso, Yayan Ruhian, que muchos reconoceréis por su participación en la indonesia The Raid.

Kamiura es un legendario jefe de la yakuza. No en vano, tiene muchos años a sus espaldas, pues es un vampiro. Amenazado por sus enemigos, Kamiura muerde a su ayudante Kageyama y le pasa sus poderes antes de morir en una violenta pelea. (Sitges)

Sion Sono es uno de los protagonistas de esta edición del festival, ya que recibirá el premio Maquina del Tiempo a su carrera cinematográfica y con algo de suerte podremos charlas con él. Este director japonés es difícil de calificar, ya que puede desde hacerte una sangrienta oda al desquiciamiento de la mente humana, hasta una comedia de 4 horas de duración llena de homenajes y momentos estrambóticos, pasando por la esperpéntica obsesión de un joven por hacer una gran película o el enfrentamiento de bandas en Tokyo a ritmo de Hip Hop. La originalidad y lo recargado de la puesta en escena no tienen límites en el mundo de Sono y por eso este año tendremos nada menos que tres películas suyas en el festival.

Love and Peace
Sion Sono, 2015

Ryoichi es un anodino oficinista que sueña con ser una estrella de la música y que adora a su tortuga Pikadon. Cuando sus compañeros comiencen a mofarse de él, se verá forzado a tirar a su querida mascota por el váter. La tortuga, por su parte, emprenderá su propia aventura. (Sitges)

TAG
Sion Sono, 2015

Sion Sono adapta la novela Riaru Onigokko (The Chasing World), de Yusuke Yamada, en esta película en donde un grupo de colegialas, entre las que se incluyen Mitsuko (Reina Triendl), Keiko (Mariko Shinoda) e Izumi (Erina Mano), deberán enfrentarse a una serie de apariciones que las acechan y cazan. Una  película sangrienta y explosiva.

https://www.youtube.com/watch?v=-08_h8LNYEI

The Virgin Psychics
Sion Sono, 2015

La tercera película del director en Sitges nos propone un viaje si cabe aún más delirante que sus anteriores propuestas. Esta comedia erótica y fantasía juvenil nos presenta al joven estudiante Yoshio Kamogawa (Shota Sometani), que un día descubrirá que tiene poderes sobrenaturales, aunque no tardará mucho en descubrir que otros también los tienen.

Fires on the Plain
Shinya Tsukamoto, 2014

El conocido director Shinya Tsukamoto nos ofrece esta vez un drama bélico, remake de la película antibelicista del mismo título de 1959 del maestro Kon Ichikawa. El film tendrá entre su reparto a Riri Furanki, Tatsuya Nakamura, Yuko Nakamura y al propio Tsukamoto.

Con la Segunda Guerra Mundial a punto de tocar su fin, el ejército de ocupación japonés en Filipinas está perdiendo peso. Los filipinos muestran una resistencia feroz y los americanos han comenzado su ofensiva. Tamura es de los pocos soldados japoneses que quedan, pero ha cruzado un umbral que lo conducirá a un reino sin amigos, enemigos ni esperanza. (Sitges)


03
Sep

La poética de Hou Hsiao-Hsien – Filmoteca Española

hou hsiao hsien

En septiembre la Filmoteca Española ha preparado una extensa retrospectiva de Hou Hsiao-hsien, uno de los directores fundamentales de cine reciente, que comprende 18 largometrajes, algunos de ellos inéditos en España. El ciclo está organizado por la Cinémathèque Royale de Bélgica/Cinematek, con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taipei, el Centro Cultural de Taiwan de París, con la colaboración del Taiwanese Film Institute y el Central Motion Picture Corporation (CMPC). En el caso de la retrospectiva del Cine Doré, hemos contado con la valiosa colaboración de la Oficina Económica y Cultural de Taipei en España. Para el ciclo se ha procedido a restaurar algunos títulos como Cute Girl (1980), The Boys from Fengkuei (1983), Green, Green Grass of Home (1983) (restauradas por la Cinémathèque Royale) y The Sandwich Man (1983), A Time to Live and a Time to Die (1985), Dust in the Wind (1987) (restauradas por el CMPC). La presentación del ciclo tendrá lugar el día 3 con la conferencia de Carlos F. Heredero “El cine de Hou Hsiaohsien: la caligrafía de lo real” que precederá a la proyección de Millenium Mambo (2001).

El ciclo se realizará en el Cine Doré de Madrid. Podéis consultar la programación general en el siguiente enlace:

http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/areas-cultura/cine/mc/fe/cine-dore/programacion.html

La poética de Hou Hsiao-Hsien

La creencia popular sobre el cine de Hou dicta una serie de observaciones generales: son cuentos íntimos que presentan a unos personajes que se ven envueltos en los grandes movimientos de la historia de Taiwán; los personajes apenas se involucran en lo que les sucede; el estilo de Hou consiste en largas tomas fijas de espacios relativamente distantes y repetidos; el significado de una escena surge de factores como la experiencia temporal o el juego de luces, más que del drama que se desarrolla ante nosotros. Muy a menudo, un resumen de la estética de Hou fácilmente podría estar describiendo a cualquier auteur del cine del siglo XX, desde Michelangelo Antonioni a Béla Tarr. Sin embargo, considero que hay cuatro principios básicos que fundamentan la construcción y el desarrollo de la estética de Hou:

  1. La memoria histórica es impersonal.
  2. Mis experiencias no me pertenecen.
  3. El centro de atención de un plano se desvía siempre hacia el fuera de campo.
  4. Somos un conjunto de símbolos y afectos a los que la luz da forma.

Estas fórmulas explican por qué los personajes de Hou son ajenos a la realidad de la que forman parte. El espectador percibe que la experiencia histórica nunca es verdaderamente subjetiva o colectiva, y su recuerdo no es ni subjetivo ni inter-subjetivo. Un aura de extrañeza envuelve al espectador ante las largas tomas fijas del director. Los hechos no tienen lugar en el espaciotiempo, el espacio-tiempo es el acontecimiento que tiene lugar ante nuestros ojos. Su representación crea su propia memoria. El mundo contemporáneo no tiene cabida para los viajes psicológicos hacia lo más profundo de la memoria. La memoria es impersonal, nuestros recuerdos meras encarnaciones inscritas en la materia. Para Hou, la historia en el cine es lo que debe componer la memoria, para prestar así un punto de orientación al sujeto, abrumado por estas visiones impersonales en las que está incluido o implicado. Los flash-backs , las elipsis incluso, nunca resultan convincentes en una película de Hou. Una historia es más bien la suma de “planos, su movimiento y variación” desde el punto de vista de un sujeto que desesperadamente trata de detener el curso del tiempo, pero sin lograrlo.

good men good women

Las incursiones históricas de Hou no se contentan nunca con permanecer en el pasado, sino que contaminan invariablemente las circunstancias actuales de un personaje; Good Men, Good Women (Hombres buenos, mujeres buenas) (1995) es un claro ejemplo. Wang (Tony Leung) en Flowers of Shangai (Flores de Shangai) (1998) y Kao (Jack Kao) en Goodbye, South, Goodbye (1996) se encuentran desgarrados por una discrepancia interna, esa “dulce disyuntiva” que, en una película de Hou, hace añicos cualquier cosa unificada. Sus fotogramas son cúmulos dispersos de símbolos y afectos. A menudo sus imágenes son como presentimientos de recuerdos futuros más que representaciones de acontecimientos contemporáneos. Jean-François Ranger habla de sus personajes “embalsamados”, “rodeados por el silencio de sueños premonitorios”. […]

El reencuadre es mínimo en la obra de Hou. La cámara no sigue a los personajes porque una vez que se han salido del límite del encuadre se metamorfosean. Hou habla de sus fotogramas como “zonas”, afirmando que “ciertos planos parecen vacíos, pero no es así”. El plano sigue conteniendo afectos, que flotan en ese espacio. “Existe un paralelismo con los grabados chinos en los que parece que hay huecos vacíos… que ayudan a dirigir la mirada. Abarcan todo lo que está representado. Yo concibo mis planos de la misma manera”. […]

flowers of shanghai

Pero se me antoja que, a fin de cuentas, los rasgos sociohistóricos de la obra de Hou son menos importantes para él de lo que parece, y que no constituyen la esencia de su originalidad. Tal y como Dudley Andrews dijo de Kenji Mizoguchi, los problemas sociales son “emanaciones de una ficción cósmica”, y se muestra a menudo la degradación social como si meramente fuera un pliegue apenas perceptible en el complejo tejido de la realidad. Para Hou, como ha señalado Kent Jones, lo que proporciona el fundamento de una posible ética es el “deslumbrante arreglo de luz y formas en espacios a medio definir, lo que sugiere una variedad de entradas a nuevas dimensiones”. Hou consigue “hacer que lo visible del fotograma se despliegue… hacia el mundo que se extiende más allá de sus parámetros”. Su forma de trabajar la luz, increíblemente original, permite crear espacios perforados o (según el término de Gilles Deleuze y Felix Guattari) intersticios: fotogramas que son como coladores por los que se escapa cualquier centro de expresión o punto de enfoque. Esto da lugar a su correspondiente narrativa con lagunas, que presenta a personajes que tienen huecos donde Occidente pone egos. Hou prefiere los contrastes, las referencias, el significado alusivo. “Lo que me interesa no es seguir la acción, “verla con claridad” sino subrayar las lagunas, los agujeros, los signos de interrogación. Me mantengo alejado de la acción, no la sigo en todos sus detalles sino que me sitúo en el sentido general de un acontecimiento”.

FERGUS DALY. “Las luces de Taiwán. Notas para un resumen de la poética de Hou Hsiaohsien”, en ROSENBAUM, Jonathan y MARTIN, Adrian. Mutaciones del cine contemporáneo, Madrid: Errata Naturae, 2010.

Creado y Mantenido por Jorge Endrino (Alikuekano). 2005-2016.
Contenido Propio Bajo Licencia Creative Commons.
Imagenes y contenido ajeno bajo Copyright de sus respectivos autores o distribuidores.