27
ene

6th Asian Film Awards – Nominados

http://media.asianfilmawards.asia/videos/2012/6th-AFA-Nominations-Trailer-no-logo.flv

Los Asian Film Awards son unos premios nacidos al auspicio del Hong Kong Film Festival y que intentan premiar lo mejor del cine asiático del pasado año. Con tan solo 5 años de vida, esta es la sexta edición, ya se han convertido en un interesante escaparate de lo mejor de la producción asiática. Muchas y buenas son las producciones que podemos encontrar este año, destacando en cuanto a nominaciones Flying Swords of Dragon Gate, The Flowers of War y Warriors of the Rainbow: Seediq Bale entre las más nominadas. Sin más os dejo con el listado completo de nominaciones.

Mejor Película

Nader and Simin, A Separation (Iran)
Postcard (Japón)
The Flowers of War (China)
Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)
Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Taiwan)
You Don’t Get Life a Second Time (India)

Mejor Director

Asghar Farhadi, Nader and Simin, A Separation (Iran)
Teddy Soeriaatmadja, Lovely Man (Indonesia)
Sion Sono, Guilty of Romance (Japón)
Tsui Hark, Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)
Wei Te-sheng, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Taiwan)
Zhang Yimou, The Flowers of War (China)

Mejor Actor

Chen Kun, Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)
Donny Damara, Lovely Man (Indonesia)
Andy Lau, A Simple Life (Hong Kong)
Park Hae Il, War of the Arrows (Corea del Sur)
Koji Yakusho, Chronicle of My Mother (Japón)

Mejor Actriz

Vidya Balan, The Dirty Picture (India)
Michelle Chen, You Are the Apple of My Eye (Taiwan)
Eugene Domingo, The Woman in the Septic Tank (Filipinas)
Leila Hatami, Nader and Simin, A Separation (Iran)
Deanie Ip, A Simple Life (Hong Kong)

Mejor Actor Secundario

Umin Boya, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Taiwan)
Lawrence Ko, Jump! Ashin (Taiwan)
Lee Je-hoon, The Front Line (Corea del Sur)
Mario Maurer, The Outrage (Tailandia)

Mejor Actriz Secundaria

Shamaine Buencamino, Niño (Filipinas)
Gwei Lun-mei, Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)
Cris Horwang, Headshot (Tailandia)
Mitsushima Hikari, Hara-Kiri: Death of a Samurai (Japón)
Yan Ni, 11 Flowers (China)

Mejor Actor/Actriz Novel

Ko Chen-tung, You Are the Apple of My Eye (Taiwan)
Eric Lin Hui-min, Starry Starry Night (Taiwan)
Maeda Ohshiro, I Wish (Japón)
Ni Ni, The Flowers of War (China)
Gita Novalista, The Mirror Never Lies (Indonesia)

Mejor Guión

Asghar Farhadi, Nader and Simin, A Separation (Iran)
Shindô Kaneto, Postcard (Japón)
Liu Heng, Yan Geling, The Flowers of War (China)
Alan Mak, Felix Chong, Overheard 2 (Hong Kong)
Chris Martinez, The Woman in the Septic Tank (Filipinas)

Mejor Fotografía

Chin Ting-chang, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Taiwan)
Vishvajith Karunarathna, Flying Fish (Sri Lanka)
Kim Woo-hyung, The Front Line (Corea del Sur)
Jake Pollock, Lai Yiu-fai (HKSC), Wu Xia (China/Hong Kong)
Rahmat Syaiful, The Mirror Never Lies (Indonesia)

Mejor Diseño de Producción

Suzanne Caplan Merwanji, You Don’t Get Life a Second Time (India)
Ryu Seong-hee, The Front Line (Corea del Sur)
Taneda Yohei, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Taiwan)
Yee Chung-man, Ben Lau, Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)
Yee Chung-man, Sun Li, Wu Xia (Hong Kong/China)

Mejor Banda Sonora

Chan Kwong-wing, Peter Kam, Chatchai Pongprapaphan, Wu Xia (Hong Kong/China)
Chen Qigang, The Flowers of War (China)
Ricky Ho, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale (Taiwan)
Rahat Fateh Ali Khan, A.R. Rahman, Neeraj Shridhar, Rockstar (India)
Sakamoto Ryuichi, Hara-Kiri: Death of a Samurai (Japón)

Mejor Edición

Curran Pang, Overheard 2 (Hong Kong)
Nelly Quettier, 11 Flowers (China/Francia)
Hayedeh Safiyari, Nader and Simin, A Separation (Iran)
Anand Subaya, You Don’t Get Life a Second Time (India)
Tang Man-to, White Vengeance (China)

Mejores Efectos Especiales

Ritesh Aggarwal, Ra. One (India)
Kamiya Makoto, Gantz (Japón)
Wook Kim, Josh Cole, Frankie Chung, Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)
Xiao Yang, Chang Song, A Law, Li Ming-hsung, Li Jin-hui, Starry Starry Night (Taiwan)
Yung Kwok-yin, Andy Kang, Wu Xia (Hong Kong/China)

Mejor Diseño de Vestuario

Amano Kyoko, Emura Kouichi, Milocrorze: A Love Story (Japón)
William Chang Suk-ping, The Flowers of War (China)
Mok Kwan-kit, Wong Ming-ha, White Vengeance (China)
Noppadol Techo, The Outrage (Tailandia)
Yee Chung-man, Flying Swords of Dragon Gate (Hong Kong/China)


25
ene

54th Blue Ribbon Awards

A través de Tokyohive nos encontramos esta misma mañana con los premiados en la 54 edición de los Blue Ribbon Awards japoneses, premios que conceden los especialistas del periodismo nipón relacionado con el séptimo arte. Destacar el premio a mejor película para Sion Sono y su impactante Cold Fish, película que me encanta y que considero una de las mejores del pasado año en Japón, y el premio a mejor director para el veterano Kaneto Shindo. A continuación tenéis la lista de ganadores.

Mejor Película
Cold Fish (Sion Sono)

Mejor Director
Kaneto Shindo (Postcard)

Mejor Actor
Yutaka Takenouchi (Oba: The Last Samurai)

Mejor Actriz
Hiromi Nagasaku (Rebirth)

Mejor Actor de Reparto
Yusuke Iseya (Tomorrow Joe y Kaiji 2)

Mejor Actriz de Reparto
Masami Nagasawa (Love Strikes!)

Premio Personaje Revelación
Mana Ashida (Marumo no Okite y Bunny Drop)

Premio Especial
Yoshio Harada (actor que murió en Julio de 2011)


24
ene

Círculo de Bellas Artes – Ciclo Masahiro Shinoda (Madrid)

Fundación Japón organiza en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes la primera retrospectiva dedicada en España al realizador japonés Masahiro Shinoda. La iniciativa de Fundación Japón, Madrid y el Círculo de Bellas Artes ofrece a los espectadores madrileños, como en otras citas anteriores (Yasuzo Masumura, Satsuo Yamamoto), un primer acercamiento a una de las figuras claves del Nuevo Cine Japonés, la histórica Nuberu Bagu, y uno de los realizadores que por los azares de la distribución comercial sigue siendo profundamente desconocido en Europa.

El nombre de Masahiro Shinoda (Gifu, 1931) está inevitablemente asociado a la Nuberu Bagu de los estudios Shochiku que tuvo en las figuras de Nagisa Oshima, Kiju Yoshida y del propio Shinoda a sus primeros y máximos representantes. En realidad, estos tres directores no tuvieron nunca la intención de crear un movimiento, y sus posiciones ideológicas como creadores fueron completamente diferentes. Sin embargo, formaron parte de una generación de jóvenes creadores a los que, durante la década de los 60, la productora Shochiku dio carta blanca para romper con las formas tradicionales de trabajar en el sistema de estudios.

En el caso de Masahiro Shinoda esto significó trabajar desde la base de los géneros tradicionales del cine japonés, el yakuza eiga o cine yakuza, el jidai geki o drama histórico, el chambara o películas de espadachines, para romper con las barrearas que esos mismos géneros imponían y  poder hablar de temas universales como la moralidad en tiempos de crisis o la desorientación de las generaciones más jóvenes. El trabajo de Shinoda es complicado de etiquetar debido a su diversidad temática, pero en sus primeros veinte años de carrera creó una serie de películas en las que se hacía eco de la desorientación y el vacío espiritual de la generación que vivió su juventud durante los años posteriores a la II Guerra Mundial. A este tema de base habría que añadir, o quizá poner en relación, una constante, el sacrificio, que alcanza en ocasiones el nivel de autodestrucción, de los personajes que pueblan su filmografía especialmente a causa de un irrefrenable deseo, ya sea causado por el amor o por el ansia de belleza. Esa misma búsqueda de belleza es igualmente aplicable a su estilo como director. Discípulo de Yasujiro Ozu y de Kenji Mizoguchi, al que admiraba profundamente, heredó del maestro la búsqueda de la perfección estética de la composición del plano. Además, ésta debe mucho estilísticamente a las formas de teatro tradicionales japonesas. La influencia del kabuki, el bunraku y el noh ha sido reconocida por el propio Shinoda a la hora de hablar de su trabajo.

Esta deuda con la tradición nos sitúa ante el trabajo de un director complejo que lejos de proponer una revolución, una ruptura con los sistemas tradicionales de valores tanto estéticos como ideológicos prefiere analizarlos y ponerlos a prueba. Este ciclo recoge siete de sus trabajos más representativos con los que presentar a una de las figuras más relevantes de la cinematografía japonesa.

Para más información pasaros por la página web de la Fundación Japón.

The dry lake (乾いた湖 / kawaita mizumi)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Eiji Shimba, Shûji Tereyama
Reparto: Shin’ichiro Mikami, Shima Iwashita, Kayoko Honjo
Duración: 88’

En 1960, el impacto político que la revisión del Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón causa en la sociedad japonesa hace que Shimojo, un joven despreocupado que vive temerariamente, abandone el movimiento estudiantil y a sus compañeros, y empiece a interesarse en organizaciones terroristas.

My face is red in the sun (夕陽に赤い俺の顔 / yuri ni akai ore no kao)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Shûji Tereyama
Reparto: Yusuke Kawazu, Shima Iwashita, Ichiro Sugai
Duración: 82’

Un empresario de la construcción contrata a un grupo de asesinos profesionales para que liquiden a un periodista que está investigando los negocios turbios que se trae entre manos. La película es una caricatura de la obsesión de la sociedad japonesa por la cultura occidental y la violencia.

A flame at the pier (涙を、獅子のたて髪に / namida o shishi tategami ni)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Shûji Tereyama y Masahiro Shinoda
Reparto: Takashi Fujiki, Mariko Kaga, Kishida Kyoko
Duración: 97’

Un joven trabaja en una empresa portuaria y debe hacer de mediador en un delicado conflicto entre el jefe de la compañía y el sindicato de los trabajadores portuarios.

Pale flower (乾いた花 / kawaita hana)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Masahiro Shinoda y Masaru Baba
Reparto: Ryo Ikebe, Mariko Kaga, Takashi Fujiki
Duración: 94’

A su salida de la cárcel, Muraki, integrante de la yakuza, se da cuenta de que su organización ha cambiado y decide alejarse de ella. Al mismo tiempo, conoce a una bella mujer adicta al juego de la que se enamora.

Assassination (暗殺 /ansatsu)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Nobuo Yamada
Reparto: Tetsuro Tamba, Eiji Okada, Ozawa Eitaro, Isao Kimura
Duración: 104’

Ambientada en 1983, la película se centra en la vida de Hachiro Kiyokawa. Kiyokawa sirve al gobierno del Shogunato del clan Tokugawa, y debe llevar a cabo la misión de combatir a las fuerzas rebeldes que pretenden reinstaurar el poder del Emperador.

Samurai spy (異聞猿飛佐助 /ibun sarutobi sasuke)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Yoshiyuki Fukuda
Reparto: Koji Takahashi, Eiji Okada, Seiji Miyaguchi
Duración: 100’

Un espía samurái que sirve al Shogunato del clan Tokugawa se ve inmerso en un conflicto cuando debe investigar a un compañero que se ha unido al bando contrario tras la unificación de Japón.

Himiko (卑弥呼 /himiko)

Director: Masahiro Shinoda
Guión: Masahiro Shinoda y Taeko Tomioka
Reparto: Shima Iwashita, Masao Kusakari, Rentaro Mikuni
Duración: 100’

Basada en antiguas leyendas japonesas, la película describe la vida de Himiko, emperatriz que gobernó el Antiguo Japón durante el siglo III, y la religiosidad de la sociedad japonesa de esta época.


19
ene

Pesadillas Post-humanas: El mundo del cine cyberpunk japonés (III)

La segunda revolución de Ishii: Electric Dragon 80.000V

Entre mediados y finales de la decada de 1990 el cine cyberpunk japonés comenzaba a decaer, siendo superado por los sangrientos yakuza de Kitano y Miike en terminos de fama internacional, quienes a su vez serían eclipsados por la nueva ola de terror sobrenatural a primeros de siglo, «J-Horror» surgido de películas como «The Ring» (1998) y «The Ring 2« (1999) de Hideo Nakata.

«Rubber’s Lover» de Fukui fue la última película cyberpunk underground de los años noventa, y virtualmente podríamos decir que de la historia. Al terminar su película, y tras una limitada edición en vídeo, Fukui deja de lado la dirección y se une a una compañía de producción de vídeo donde trabajaría la mayor parte de los siguientes diez años. Tsukamoto también se había alejado, continuando su exploración de la simbiosis entre la ciudad y los ciudadanos con una paleta más madura. Sus películas «Tokio Fist» (1995) y «Bullet Ballet» (1998) evitan prácticamente todos los arquetipos de ciencia ficción y terror que había caracterizado su obra anterior.

El cyberpunk se mantuvo vivo en el anime y el manga japonés, pero no fue hasta el cambio de milenio cuando regresó al cine. El año 2001 vio el lanzamiento de dos películas que dan al género un nuevo impulso. «Avalon» de Mamoru Oshii, un live-action co-producción entre Japón y Polonia en torno a un adictivo juego de simulación virtual. Fue la primera película de Oshii desde su adaptación anime de éxito internacional «Ghost in the Shell» (1995) – de la que también dirigiría la secuela, «Ghost in the Shell 2: Innocence» (2004).

Filmada en Polonia con actores polacos y un equipo japonés, las temáticas de «Avalon» en torno a la realidad virtual la colocan en el mismo territorio que una gran cantidad de cyberpunk estadounidense que surgieron durante la década de los noventa: «The Lawnmower Man» (1992), «Strange Days» (1995), «The Thirteenth Floor» (1999), «The Matrix» (1999) y la película de Cronenberg «eXistenZ» (1999) por ejemplo. También recuerda a muchos lanzamientos anime de temáticas similares – tanto en cine como en televisión – que vieron la luz durante la misma década ante el fenómeno real en el que Internet comenzó a hacer que el mundo pareciera aún más pequeño; La propia adaptación de Oshii de «Ghost in the Shell» y la serie «Serial Experiments: Lain» (1998) de Ryutaro Nakamura fueron particularmente indicativos de estos cambios tecnológicos y culturales. Otro ejemplo notable y precursor de gran parte del trabajo de Realidad Virtual que aparece en la década de 1990 es el anime «Megazone 23« (1985-1989), que explora la idea de un Tokyo post-apocalíptico existente como una simulación virtual futurista.

La segunda película de 2001 es «Electric Dragon 80,000V» de Shogo Ishii, que no sólo sirve como retorno de Ishii al cine punk tras una década de una producción mucho más meditativa, sino que, al igual que con «Burst City», encabezó una generación de directores con una nueva mentalidad que han desarrollado el cyberpunk japones convirtiéndolo en una bestia diferente y extraña. Al igual que con el shock sensorial del cine realizado por Tsukamoto y Fukui, Electric Dragon es una película que se siente más que se ve, estimulando las partes más primitivas del cerebro un tsunami de sonido e imagen.

La premisa es bastante simple, un niño adquiere la capacidad de canalizar y manejar la electricidad después de recibir múltiples sacudidas de terapia de electro-shock contra el comportamiento violento. Ahora es un adulto con megavatios de energía corriendo por sus venas, Dragon Eye Morrison es un investigador profesional de reptiles, buscando lagartos perdidos por los callejones. El equilibrio es alterado por la llegada de Thunderbolt Buddha, un técnico de reparación de televisores convertido en vigilante que tiene el mismo talento electro-conductor, adquirido en un accidente en su niñez mientras subía a unas líneas eléctricas. Los dos se encuentran y luchan por la supremacía en las azoteas de Tokyo.

Como fue el caso de la «Burst City», «Electric Dragón 80.000V» se inclina menos hacia la cibernética y más hacia el aspecto punk del sub-género, con Ishii siguiendo la línea maestra que empleaba es sus vídeos musicales y películas de conciertos durante los años ochenta. El título del filme hace referencia también a los viejos tiempos, en parte derivado de «Live Spot 20,000V», la sala de conciertos que desempeña el papel principal en «Burst City», y uno de los primeros cortos de Ishii, «The Solitude of One Divided by 880,000» (1978). Electric Dragon trata menos acerca de la pesadilla y mucho más sobre la expresión anárquica del universo post-moderno.

Sin embargo, algunos elementos significativos se mantienen; el opresivo entorno de Tokyo realizado en un marcado blanco y negro; la actitud fetichista hacia las líneas eléctricas, antenas, conductos de ventilación y otros aparatos tecnológicos; el hiperactivo y con frecuencia expresionista desarrollo; su bajo presupuesto y ejecución «guerrillera» y, como en «Tetsuo», el concepto de dos personajes aumentados a través de la tecnología, con poderes que no puede controlar totalmente, que llegan a un enfrentamiento.

La temática psico-sexual que dominaba el cyberpunk japonés en el pasado ha sido reemplazada por una noción igualmente primaria de magnetismo animal. La energía eléctrica de Morrison se deriva del «Dragón» que todos los seres vivos llevan en su interior. Su rabia desata la fuerza del dragón, lo que significa que puede absorber la energía de los electrodomésticos o convertir una vieja raqueta en una guitarra eléctrica; la ruidosa cacofonía de alta tensión anuncia que el espíritu del punk de Ishii está todavía está vivo y en forma. De hecho, el actor protagonista Tadanobu Asano en ocasiones actúa en banda industrial noise punk de Ishii «Mach 1,67», que realizan la banda sonora de la película. La película más tarde se utilizaría para acompañar espectáculos en vivo del grupo, una estrategia de la que Ishii fue pionero en 1983 cuando realizó el cortometraje «Asia Strikes Back» – una pieza cyberpunk poco conocida que proporciona la plantilla preferida para la puesta en marcha de locos experimentos underground hoy desaparecidos de Shozin Fukui – para acompañar el álbum y la gira del conocido, aunque de corta duración, grupo punk The Bacillus Army.

Similar al «Tetsuo» de Tsukamoto, el diálogo en «Electric Dragón 80.000V» es mínimo por lo tanto la narrativa es alimentada principalmente por la imagen y sigue un modelo similar; el protagonista ve la adquisición de su poder; el antagonista entonces desafía al protagonista a combatir y el acto final nos muestra el choque. Todo esto está envuelto en una alta energía dentro de un delgado pack de 60 minutos. La película de Ishii no es sólo es un retroceso al manifiesto ochentero del cyberpunk, sino que nos recuerda que en lugar de ser caracterizados por su dureza, los conceptos de la ciencia ficción, como fue el caso en Occidente, se definen por su independencia, su actitud y la voluntad de crear algo de la nada.

El advenimiento del «splatter punk»

En los años siguientes a “Electric Dragón 80.000V”, una nueva ola de terror/ciencia ficción de bajo presupuesto comenzó a aparecer en gran parte gracias al aumento de los canales de distribución en DVD, técnicas de producción más baratas y el alcance cada vez mayor de Internet. Películas como “Hellevator: The Bottled Fools” (Hiroki Yamaguchi, 2004), “Meatball Machine” (Yudai Yamaguchi  & Junichi Yamamoto, 2005), “The Machine Girl” (Noboru Iguchi, 2008) y “Tokyo Gore Police” (Yoshihiro Nishimura, 2008), han creado un nuevo tipo de cyberpunk centrado en el gore que ha venido a denominarse “splatter punk”.

Estas películas “splatter punk” comparten el mismo espíritu independiente de sus precursoras, sustituyendo los métodos de grabación en 8 mm y 16 mm por la más barata tecnología DV, conservando el escaso presupuesto para el maquillaje, vestuario y efectos especiales. Muchos de los efectos de estas películas muestran la mutación y la alteración del cuerpo; estos splatter revisitan las fusiones de carne y metal de Tetsuo y a las perversas armas orgánicas de Tetsuo II. De forma similar a los “splatstick” horror de los primeros trabajos de Sam Raimi y Peter Jackson, los efectos y las transformaciones se inclinan hacia lo ridículo para realzar el efecto cómico. Un personaje mutado en “Tokyo Gore Police” maneja un cañón de gran tamaño hecho de carne retorcida que sobresale de su entrepierna al igual que un pene erecto, lo que sugiere – de una manera medio en broma – la falta de definición entre el sexo y la violencia que fue postulada por Tsukamoto y Fukui. “Meatball Machine” de Yamaguchi y Yamamoto es quizás el ejercicio más cercano al cyberpunk japonés de antaño; parásitos alienígenas infectan a personas inocentes que rápidamente se convierten en macabros hombres-máquina que luchan entre si.

En muchos sentidos este “splatter punk” es también una reminiscencia de la carrera de efectos especiales que ocurrió en las películas de terror estadounidense durante la década de 1980, Cronenberg incluido. Conforme los efectos visuales avanzaban se realizaron una aparentemente interminable serie de películas tratando de superarse unas a otras con el avance de los efectos gore. Lo mismo se puede decir aquí, la apuesta parece estar continuamente evolucionando ya que cada nueva versión retuerce y transforma el cuerpo de una manera cada vez más elaborada y grotesca.

Una razón de esto es que muchos de los directores de estas películas provienen del mundo de los efectos especiales y de maquillaje: el director de “Tokyo Gore Police”, Yoshihiro Nishimura, por ejemplo, ha supervisado los efectos especiales de muchas producciones gore modernas  como “The Machine Girl” y “Robo-Geisha” (2009) de Noboru Iguchi. De hecho, muchas de estas películas nacen a través de la Fundoshi Corps, una empresa productora fundada por Nishimura, Iguchi y el productor de cine Yukihiko Yamaguchi, que se especializan en producciones de esta índole. Este ha demostrado ser un exitoso modelo de negocio que se basa en una producción continua y una fuerte base de fans internacionales en busca de contenido perverso y extraño.

Las temáticas recurrentes de la combinación de erotismo y perversión también están presentes. Sin embargo, la mayor parte renuncian al tecno-fetichismo subversivo en favor de toques más contemporáneos en torno al V-Cinene y las Pink Eiga. “The Machine Girl”, por ejemplo, utiliza una imagen tan típica como es la colegiala japonesa – un sello nacional en una gran cantidad de anime, manga e industria del V-Cinema – y lo lleva a nuevos niveles conectando una ametralladora a uno de sus miembros amputado y diversas capacidades mecánicas a partir de armamento en la parte baja de su espina dorsal; con la falda levantada por supuesto.

Por desgracia, parece que el cine live-action cyberpunk japonés ha dejado la clandestinidad audaz y experimental de donde nació. Los restos de sus ideas son ahora utilizados en violentos sobresaltos gore que están privados de la inmediatez y la cierta trascendencia filosófica de sus progenitores. El movimiento, una expresión de la actitud, la preocupación y la frustración con el mundo, la forma en que está estructurado y la tecnología – no sólo la exploración de la zona gris entre la ciencia ficción y horror – parece haber desaparecido.

Sin embargo, en 2009, Shinya Tsukamoto anunció su regreso al mundo del cyberpunk con un tercer proyecto de Tetsuo. “Tetsuo: The Bullet Man” no es sólo un cambio, sino un nuevo comienzo para Tsukamoto, ya que es su primera película en Inglés, un intento de descubrir el mundo demente de Tetsuo a un público más amplio. Se estrenó en el Festival de Cine de Venecia 2009 con bombo y platillo, lo que provocó que Tsukamoto continuara trabajando sobre este concepto. Proyecciones posteriores – el Tribeca 2010, por ejemplo – han encontrado una mayor crítica, pero la esencia vital permanece …

Al igual que la escena punk que emula y de la que nace, el cyberpunk japonés estaba intrínsecamente vinculado a un determinado tiempo y lugar. Más que un sub-género, aborda las inquietudes de una época en que la expresión de formas convencionales se quedaba corta. Pero ahora que estamos inmersos en la dependencia tecnológica del siglo XXI – la pesadilla post-humana ya es una triste realidad – ¿Puede todavía tener sentido?.


19
ene

Japan Academy Awards (2012) – Nominados

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Si ayer ya os comentábamos las listas de lo mejor de 2011 según los medios especializados en Japón hoy le toca le turno a la industria, ya que se han conocido hace unos días los nominados a los Japanese Academy Awards, los premios más importantes del panorama japonés. Este año con películas como Someday, The Last Ronin, A Ghost of a Chance, Phone Call to the Bar o Rebirt. El resultado el próximo mes de febrero.

Película del Año

“Someday”
“The Last Ronin”
“A Ghost of a Chance”
“Phone Call to the Bar”
“Rebirth”

Animación del Año

“K-ON! Movie”
“From up on Poppy Hill”
“Osamu Tezuka’s Buddha”
“Little Ghostly Adventures Of The Tofu Boy”
“Detective Conan: Quarter of Silence”

Mejor Director

Junji Sakamoto (“Someday”)
Kaneto Shindo (“Post Card”)
Shigemichi Sugita (“The Last Ronin”)
Izuru Narushima (“Rebirth”)
Koki Mitani (“A Ghost of a Chance”)

Mejor Actor

Yo Oizumi (“Phone Call to the Bar”)
Masato Sakai (“Abacus and Sword”)
Yoshio Harada (“Someday”)
Tomokazu Miura (“Crossroads”)
Koji Yakusho (“The Last Ronin”)

Mejor Actriz

Mao Inoue (“Rebirth”)
Masami Nagasawa (“Love Strikes!”)
Miki Nakatani (“Hankyu Railways – A 15-Minute Miracle”)
Eri Fukatsu (“A Ghost of a Chance”)

Mejor Actor de soporte

Yusuke Iseya (“Tomorrow’s Joe”)
Ittoku Kishibe (“Someday”)
Koichi Sato (“The Last Ronin”)
Denden (“Cold Fish”)
Ryuhei Matsuda (“Phone Call to the Bar”)

Mejor Actriz de soporte

Kumiko Aso (“Love Strikes!”)
Eiko Koike (“Rebirth”)
Hiromi Nagasaku (“Rebirth”)
Hikari Mitsushima (“Hara-Kiri: Death of a Samurai”)
Nobuko Miyamoto (“Hankyu Railways – A 15-Minute Miracle”)

Mejor Banda sonora

Yoshihiro Ike (“Phone Call to the Bar”)
Taisei Iwasaki (“Love Strikes!”)
Kiyoko Ogino (“A Ghost of a Chance”)
Takashi Kako (“The Last Ronin”)
Goro Yasukawa (“Rebirth”)

Mejor Fotografía

Norimichi Kasamatsu “Someday”
Mutsuo Naganuma (“The Last Ronin”)
Osamu Fujiishi (“Peak: The Rescuers”)
Junichi Fujisawa (“Rebirth”)
Hideo Yamamoto (“A Ghost of a Chance”)

Mejor Iluminación

Kazuhiro Iwashita (“Someday”)
Takaaki Miyanishi (“The Last Ronin”)
Takayuki Kawabe (“Peak: The Rescuers”)
Masao Kanazawa (“Rebirth”)
Akira Ono (“A Ghost of a Chance”)

Mejor Dirección Artística

“Abacus and Sword”
“A Ghost of a Chance”
“The Last Ronin”
“Hara-Kiri: Death of a Samurai”
“Rebirth”

Mejor Sonido

“A Ghost of a Chance”
“Phone Call to the Bar”
“Someday”
“The Last Ronin”
“Rebirth”

Mejor Edición

Yusuke Ishida (“Love Strikes!”)
Soichi Ueno (“A Ghost of a Chance”)
Chizuko Osada (“The Last Ronin”)
Chise Sanjo (“Rebirth”)
Shinya Tadano (“Phone Call to the Bar”)

Novato del Año

Sea Kumada (“Scabbard Samurai”)
Nanami Sakuraba (“The Last Ronin”)
Konomi Watanabe (“Rebirth”)
Yusuke Kamiji (“Slapstick Brothers”)
Kengo Kora (“The Egoists”)
Takaaki Nomi (“Scabbard Samurai”)
Hiroki Hasegawa (“Second Virginity”)

Mejor Película Extranjera

“The King’s Speech”
“Rise of the Planet of the Apes”
“The Social Network”
“Black Swan”
“Moneyball”

Premio Especial Postumo

Shigeru Okada (producer, died May 9, 2011)
Takeji Sano (lighting, died March 4, 2011)
Hideko Takamine (actress, died December 28, 2010)
Yohio Harada (actor, died July 19, 2011)
Yoshimitsu Morita (director, died December 26, 2011)


18
ene

Mainichi Film Awards (2011)

Estos días también se han conocido los ganadores de los 66th Mainichi film Awards, otro de esos premios japoneses que conceden los magazines especializados. Tanto en los Kinema Junpo como en estos me alegra muchísimo ver como el veterano Kaneto Shindo, a sus 99 años de edad, sigue en activo y recibiendo premios. El maestro siempre al pié del cañón.

Gran Premio
Ichimai no Hagaki (Kaneto Shindo)

Mejor Película
Saudade (Katsuya Tomita)

Mejor Director
Katsuya Tomita (Saudade)

Mejor Guión
Kaneto Shindo (Ichimai no Hagaki)

Mejor Actor
Mirai Moriyama (Moteki)

Mejor Actriz
Kyoko Koizumi (Mainichi Kaasan)

Mejor actor de soporte
Denden (Tsumetai Nettaigyo)

Mejor actriz de soporte
Hiromi Nagasaku (Youkame no Semi)

Sponichi Grand Prix actor novel
Shota Sometani (Usotsuki Mi-kun to Kowareta Ma-chan)

Sponichi Grand Prix actriz novel
Shiori Kutsuna (My Back Page)

Kinuyo Tanaka Award
Michiyo Okusu

Mejor Fotografía
Nobuyasu Kita (Ichimei)

Mejor Dirección artística
Hirokazu Kanakatsu (Ichimai no Hagaki)

Mejor Banda Sonora
Hikaru Hayashi (Ichimai no Hagaki)

Mejor Sonido
Satoshi Ozaki (Ichimai no Hagaki)

Mejor Película de Animación
Hotarubi no Mori e (Takahiro Omori)

Ofuji Noburo Award
663114 (Isamu Hirabayashi)

Mejor documental
Shoji to Takao (Yoko Ide)

Tsutaya Fan Award (Film local)
Suteki na Kanashibari (Koki Mitani)

Special Award
title designer Hikozo Akamatsu


18
ene

Kinema Junpo Top 10 (2011)

Estos días se han conocido los ganadores de la 85 edición de los Kinema Junpo Awards, premios concedidos por el prestigioso magazine japones. Además ya está editado el Top 10 de películas japonesas del pasado año en la misma revista. A continuación tenéis los resultados de estos primeros “galardones” del año. Y estad atentos porque entre ayer y hoy se han conocido más premios japoneses que repasaremos en los próximos días.

Premios Kinema Junpo 2011

Mejor Director:
Sion Sono

Mejor Guión:
Aruhiko Arai y Junji Sakamoto

Mejor Actriz:
Hiromi Nagasaku

Mejor Actor:
Yoshio Harada

Mejor Actriz Secundaria:
Eiko Kioke

Mejor Actor Secundario:
Denden

Mejor Actriz Novel:
Shiori Kutsuna

Mejor Actor Novel:
Toti Matsuzaka

Los 10 Mejores Films Japoneses

1. Ichimai no Hagaki (Shindo Kaneto)
2. Oshika-mura Soudouki (Sakamoto Junji)
3. Tsumetai Nettaigyo (Sono Sion)
4. Mahoro Ekimae Tada Benrikan (Omori Tatsushi)
5. Youkame no Semi (Narushima Izuru)
6. Saudade (Tomita Katsuya)
7. Tokyo Kouen (Aoyama Shinji) -tie
7. Moteki (One Hitoshi) -tie
9. My Back Page (Yamashita Nobuhiro)
10. Tantei wa Bar ni Iru (Hashimoto Hajime)


16
ene

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (I)

Seguimos con nuestro interés en torno a los posters y grafismos del cine asiático centrando esta vez nuestra mirada en un género puramente chino el Wuxia Pian o películas chinas de caballería. Esta nueva colección comienza hoy y como el resto irá alargándose en el tiempo hasta que lo veamos conveniente. ¿Os apetece un pequeño viaje a través de los héroes y villanos del cine de caballería chino? Pues adelante. Espero que lo disfrutéis.

Wu Ze Tian (1963)
Empress Wu
Director: Li Han Hsiang
Da Ji (1964)
The Last Woman of Shang
Director: Griffin Yueh Feng
Hua Mu Lan (1964)
Lady General
Director: Griffin Yueh Feng
Huo shao hong lian si zhi jiang hu qi xia (1965)
Temple of the Red Lotus
Director: Tsan Hong Tsu / Zenghong Xu
Bian cheng san xia (1966)
The Magnificent Trio
Director: Chang Cheh
Long Men Ke Zhen (1966)
Dragon Gate Inn
Director: King Hu
Da zui xia (1966)
Come Drink With Me
Director: King Hu
Dubei Dao (1966)
The One-Armed Swordsman
Director: Chang Cheh

11
ene

Programación Casa Asia – Kazajstán y el cine. 1970-2011

Casa Asia inicia la programación de cine de este año con un ciclo dedicado a Kazajstán, tras el que se hizo de Asia Central en 2011. El programa cubre el presente y el pasado, la memoria histórica y la afirmación de la identidad nacional, desde su independencia en 1991 hasta el momento actual.

El ciclo que se presenta recoge el testimonio del pueblo kazajo con un clásico de 1970, “Kyz Zhibek”, del director Sultan Khodzhikov, sobre las guerras internas del pueblo kazajo en los siglos XVI y XVII; y la trágica historia de amor convertida en leyenda “Kozy Kopnew y Bayan Sulu” del director Asanali Ashimov de 1982. A partir de aquí, los títulos restantes se sitúan entre 2005 y 2011, insistiendo en la recuperación de la historia de este país y su gran transformación económica, política y social.

La República de Kazajstán apuesta por el cine como el medio de comunicación de masas por excelencia, haciendo que su desarrollo coincida con el progreso económico y social experimentado en la última década. El noveno país más grande del mundo, con una diversidad étnica y cultural constituida por 131 nacionalidades, cuenta con una población de 16 millones de habitantes que se reparten en las diecisiete provincias. Kazajos (63%), rusos (23%), uigures, uzbekos, ucranianos, tártaros, polacos y lituanos, entre otros, conviven en este territorio geográficamente equivalente a toda Europa Occidental.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 14 de enero de 2012, a las 19.30 h

The sky of my childhood. Dir.: Rustem Abdrashov. (2011, 110’. VOSE)

La historia de El cielo de mi infancia está basada en el libro que el propio Nursultan Nazarbayev, primer presidente de la República de Kazajstán, escribe sobre algunos de los hechos más notables de su infancia. La película narra las primeras victorias y decepciones del presidente, las esperanzas y los sueños que conforman el carácter del líder actual. Desde niño, esta figura carismática sueña ser aviador y, pese a su formación para ejercer profesionalmente como piloto de aviación civil, ignoraba que el destino le impondría otro tipo de retos.

Sábado, 21 de enero de 2012, a las 19.30 h

Farewell, Gulsary!. Dir.: Ardak Amirkulov. (2008. 101’. VOSE)

Farewell, Gulsary! transcurre en el Kazajstán soviético de los años 50. La película describe este dramático periodo histórico, muy similar al de las ex repúblicas soviéticas de Asia Central en la época, a través de la historia de un granjero comunista llamado Tanabai y de la relación personal que mantiene con el caballo, Gulsary, a lo largo de su vida.

Sábado, 28 de enero de 2012, a las 19.30 h

Who are you, Mr. Ka?. Dir.: Khuat Akhmetov. (2009, 96´. VOSE)

Quién es usted Sr. Ka? es una película de acción y aventuras basada en la vida de un mafioso internacional, que después de largo tiempo fuera del país, regresa a su tierra natal. La historia narra las dificultades de adaptación y los enredos en los que se ve atrapado y por los que atraviesa este personaje a su llegada a Kazajstán, así como la admiración que su nuevo status de “hombre poderoso” suscita entre la población.

Este ciclo continuará en los meses de febrero y marzo con la siguiente programación:

Kyz Zhibek. Dir.: Sultan Khodzhikov (1970. 137’. VOSE)
Kozy Kopnew y Bayan Sulu. Dir.: Asanali Ashimov. (1982. 129’. VOSE)
Nomad. Dir.: Ivan Passer, Sergei Bodrov. (2005. 112’. VOSE)
Mustafa Shokai. Dir.: Satybaldy Narymbetov. (2008. 165’. VOSE
A tale of the pink bunny. Dir.: Farkhat Sharipov. (2010. 106’. VOSE)
The promised land-Zheruyik. Dir.: Slambek Tauekel. (2011. 110’. VOSE)
The liquidator. Dir.: Akhan Sataykev. (2011, 98’. VOSE)

Casa Asia · Auditorio Tagore
Av. Diagonal, 373
Barcelona


09
ene

FNAC Málaga Plaza – Ciclo “Homenaje a China”

El Forum FNAC Málaga Plaza organiza para este mes de Enero un ciclo de proyecciones titulado “Homenaje a China” ya que estos días se celebra el centenario del nacimiento de la República Popular China. Este ciclo se centra en producciones locales que estén centradas de una u otra forma en la vida, la gente y la idiosincrasia de aquel país asiático.

Todas las proyecciones se realizarán en las instalaciones del FNAC Málaga Plaza y serán gratuitas hasta completar aforo.

9 de Enero (19.00h): “Balzac y la joven costurera china”

Dirección: Dai Sijie.
Año: 2002.
Duración: 116 min.
Interpretación: Zhou Xun, Chen Kun, Liu Ye , Wang Shuangbao, Cong Zhijun, Wang Hongwei, Xiao Xiong, Tang Zuohui, Chen Wei, Chen Tianlu.

China a principios de los 70 sigue estando bajo el yugo de la Revolución Cultural. Dos adolescentes, Luo y Ma, hijos de intelectuales considerados por el aparato del partido como “enemigos del pueblo”, son enviados para su reeducación a una región perdida en los confines del Tibet. Un día, Luo y Ma conocen al anciano sastre y a su encantadora nieta. Luo se enamora perdidamente de la joven costurera y decide educarla contándole historias inspiradas, en un principio, en los melodramas chinos y en las películas norcoreanas. Luo y Ma se hacen rápidamente con una reputación de narrado-res eméritos. Pero la materia prima, sometida a los avatares de la programación cinematográfica de una sala de fiestas del pueblo, empieza a escasear rápidamente. La joven costurera les cuenta a los dos adolescentes que un tercer joven del programa de reeducación, el Gafotas, hijo de un escritor y de una poetisa de bastante renombre, esconde debajo de la cama, una maleta llena de novelas extranjeras. La joven costurera, Luo y Ma deciden robar la maleta y descubren en ella un verdadero tesoro. Toda una literatura eminentemente subversiva y, evidentemente, prohibida. El descubrimiento tienen que guardarlo en el más absoluto de los secretos. Luo y Ma trabajan de día y leen por la noche… a escondidas. Se teje entre los tres protagonistas una complicidad amorosa y amistosa.

16 de Enero (19.00h): “Ni uno menos”

Dirección: Zhang Yimou.
Año: 1999.
Duración: 106 min.
Interpretación: Minzhi Wei, Huike Zhang, Zhenda Tian, Enman Gao, Zhimei Sun, Yuying Fen, Fanfan Li, Zhang Yichang, Xu Zhanqing, Liu Hanzhi, Ma Guolin, Wu Wanlu, Liu Ru, Wang Shulan, Fu Xinmin, Bai Mei.

Wei Minzhi, una joven y pobre estudiante de trece años, es asignada para sustituir a un maestro, pero con la severa condición de que ninguno de los pequeños estudiantes (no mucho menores que ella) desista de asistir a las clases, so pena de no percibir su salario. La joven inicia una emotiva y desesperada búsqueda de uno de los alumnos cuando éste no se presenta en la escuela.

23 de Enero (19.00h): “Tigre y Dragón”

Dirección: Ang Lee.
Año: 2000.
Duración: 119 min.
Interpretación: Chow Yun-Fat,  Michelle Yeoh,  Zhang Ziyi,  Chang Chen,  Sihung Lung,  Pei-pei Cheng,  Fazeng Li,  Xian Gao,  Yan Hai,  Deming Wang.

Li Mu Bai, un legendario experto en artes marciales, ha decidido dejar en herencia su espada mágica, la Espada Celestial, a su mejor amigo. Además, le pide a Yu Sha, una poderosa guerrera de la que está enamorado, que custodie la espada hasta que llegue el momento de entregarla.

30 de Enero (19.00h): “La linterna roja”

Dirección: Zhang Yimou.
Año: 1991.
Duración: 125 min.
Interpretación: Gong Li,  Jin Shuyuan,  Cao Cuifeng,  He Caifei,  Ma Jingwu,  Konh Lin.

China, años veinte. Tras la muerte de su padre, la joven de 19 años Songlian se ve forzada a casarse con Chen Zouqian, el señor de una poderosa familia. Zouqian es un hombre de cincuenta años y tiene ya tres esposas, cada una de las cuales vive en una casa independiente dentro de un gran palacio castillo.

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