04
May

Los Lunes con Miyazaki – El Castillo Ambulante

Hauru no ugoku shiroHauru no Ugoku Shiro (2004)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki (novela de Diana Wynne Jones)
Producción: Studio Ghibli, Buena Vista Home Entertainment, DENTSU Music and Enterntainment, Nippon television Network, tohokushinsha Film Corporation (TFC), tokuma Shoten, D-rights
Música: Joe Hisaishi
Animation, Adventures, Romance

Cuando la joven Sophie es rescatada por Howl durante un desfile del ejército, la Bruja del Páramo se vuelve loca de celos y lanza sobre ella un malvado hechizo que la convierte en una anciana de 90 años incapaz de revelar su maldición a nadie. De esta manera Sophie, resuelta a solucionar sus problemas, huye de la sombrerería de su familia sin despedirse y se dirige a las montañas donde encuentra el castillo de Howl y, sin permiso, se instala y se auto-proclama ama de llaves del castillo. Poco a poco Sophie se irá acostumbrando a su nueva vida, pero cuando se declare la guerra y Howl tenga que tomar parte en ella arriesgando su vida y su humanidad, Sophie deberá encontrar la manera de salvar a Howl y a sí misma.

La espantada de Mamoru Hosoda de Studio Ghibli dejó a El Castillo ambulante sin director y el proyecto hubo de pararse hasta que Hayao Miyazaki se hizo cargo personalmente. Después de Nicky, la aprendiz de bruja (1989) era la segunda vez que el director adaptaba una novela a la gran pantalla, y volvería a repetir esta fórmula posteriormente como guionista en Arriety y el Mundo de los Diminutos (2010) y en su última película El viento se levanta (2013). Sin embargo, El castillo ambulante es la única película del director adaptada de una novela occidental, en este caso de Howl’s Moving Castle de la británica Diana Wynne Jones. Hasta ahora, había aglomerado influencias de la literatura occidental muy dispares, desde Jules Verne, Jonathan Swift, Robert Louis Stevenson o Antoine Saint-Exupéry hasta Astrid Lindgren, Homero o Albert Robida. Sin embargo, este proyecto le daba la oportunidad de mostrar su amor por la arquitectura occidental, que ya se había dejado sentir en Lupin III: El castillo de Cagliostro (1979) y Nicky, la aprendiz de bruja, al mismo tiempo que suponía un reto en tanto que para adaptarla necesitaba apoderarse del argumento.

Sophie in the hat shop

Con este propósito, Miyazaki hizo varios cambios con respecto a la novela de Jones. No sólo añadió artefactos voladores inspirados en el trabajo de Albert Robida –a quién ya usó como referencia en El castillo en el cielo (1986)—o varió los emplazamientos de la película de Inglaterra a la Alsacia francesa, Gales, Suecia o los Alpes Suizos, si no que además le dio un trasfondo ideológico a toda la trama cuando hace de la guerra el eje central del argumento. Tal y como fundamenta Cavallaro, Jones sí menciona en su novela que el país en el que vive Howl, Ingary, está en guerra pero no hace de esto uno de los motivos centrales del argumento (CAVALLARO, 2014). Sin embargo, Miyazaki hace que el eje central deje de ser una historia de amor en un mundo con magia para convertirse en una historia de amor en un mundo con guerra. La guerra es omnipresente, como dice Cavallaro, y lo que empieza siendo un entusiasta despliegue de medios durante el desfile del ejército, se acabará convirtiendo en la destrucción y la deshumanización que representan los que fueron una vez magos y hechiceros que no recordarán lo que fueron una vez acabe el conflicto. Como decía anteriormente, con este cambio en la trama, Miyazaki deja de manifiesto su instrumentalización de la película como queja a la guerra que Estados Unidos había comenzado contra Irak, tal y como desvela en su entrevista con Devin Gordon cuando le pregunta por el Oscar de El viaje de Chihiro (2001) : «Actually, your country had just started the war against Iraq, and I had a great deal of rage about that. So I felt some hesitation about the award. In fact, I had just started to make “Howl’s Moving Castle,” so the film is profoundly affected by the war in Iraq». Pero no sólo se deja sentir el toque de Miya-san en el hilo argumental. Obviamente, también moldeó a los personajes.

La Sophie de Jones vive con su madrastra y sus hermanastras en la sombrerería con las que no tiene nada que ver, dado su carácter introvertido y su belleza menos evidente. Pero no olvidemos que además de ser la heroína de Jones, es una heroína miyazakiana que debe emprender un viaje heroico para madurar y sobre todo sobrepasar los géneros simplistas personificados en las mujeres de su familia, arquetipos de la shōjo –con un punto de crítica extra a la sociedad egoísta cuando retrata a la madrastra que es capaz de venderla– . A la herramienta narrativa de Jones de convertir a Sophie en anciana por arte de magia, Miyazaki consigue sacarle el máximo provecho y convertirla en un mecanismo para la deconstrucción de la shōjo –algo que, en cierta manera, ya habíamos visto La princesa Mononoke (1997)–. A este deconstrucción de la shōjo, Napier la llama “desaparición” ya que esta se desvanece cuando Sophie se convierte en una mujer de 90 años; como contrapartida, la shōjo consigue ser una mujer más adulta y madura, y se sobrepone a los miedos propios de esa edad: la vejez, la enfermedad y la muerte (NAPIER, 2005). Su maldición se va curando poco a poco y, aunque en los momentos más pesimistas vuelve a ser la abuela de 90 años, una vez roto el maleficio retendrá su pelo gris en señal del viaje heroico que ha vivido y las experiencias que ha retenido.

Howl

Howl es uno de los personajes que más difieren del original. Su naturaleza atormentada y engreída, a ratos cobarde, a ratos infantil, es el producto de alguien que ha sufrido de cerca las consecuencias de la guerra. La figura andrógina de Howl recuerda a Haku en El viaje de Chihiro pero además es un bishōnen en toda regla, con las características principales de lo que Napier llama “condición Urashima” –en relación al cuento tradicional japonés de Urashima Tarō–, joven, bello, con miedo al compromiso y con la necesidad de tener una mujer en su vida. Pero Miyazaki siempre procura romper con la convenciones de género y convierte al bishōnen vanidoso y superficial prototípico de la cultura japonesa en ave de presa cuyo propósito de destruir las armas de los guerreros le otorgan una masculinidad más intensa y oscura (NAPIER, 2005). Esta doble cara del personaje le transfiere la complejidad que el director siempre busca y le permite ahondar en su psicología: cómo Sophie le da fuerzas para luchar con Suliman y extrae de él su verdadera masculinidad, superando el complejo de Urashima. Además, es un pacifista convencido que ve a los que luchan simplemente como asesinos, sea cual sea la causa que defiendan, pero su juramento a la Academia Real de Brujería le obliga a tomar parte y a arriesgar su alma y toda su magia no será suficiente para tener a salvo a su amada Sophie y al resto de los habitantes del castillo. Él representa mejor que nadie a aquellos soldados que se ven arrastrados a participar en el sinsentido de la guerra.

Madame Suliman es retratada como la “madre terrible”, en palabras de Shore, que ha dominado la vida de Howl durante casi toda su vida. Es ella quién le enseñó magia, quien destierra a la Bruja del Páramo tornando su magia en el arma de sus celos y quien comienza la guerra en un intento de seguir dominándole (SHORE, 2014). Pero su papel también sirve como contrapunto del papel de la anciana Sophie: una vez que la conoce, Sophie ya sabe que debe curar las heridas maternas que ha dejado ella en él; debe restaurar física y metafóricamente su corazón, sumergirse en su oscuridad y conquistarlo.

Calcifer es uno de los contrapuntos cómicos de la película. Es el demonio de fuego que resulta ser una estrella fugaz que posee el corazón de Howl y a cambio hace mágico al castillo. Por un lado, representa a lo que es capaz de renunciar la humanidad a cambio de poder pero la retórica que utiliza contra Sophie cuando ella intenta sonsacarle a cerca de su relación con Howl y su maldición sugiere la retórica que utilizan los políticos para justificar sus acciones (CAVALLARO, 2014).

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Además de los personajes, hay pequeños giros de guión que hacen que la película se aleje del guión de Jones y se acerque a la filmografía del director, como por ejemplo el anillo que guía a Sophie a la infancia de Howl, que recuerda al anillo de El castillo en el cielo o el enorme parecido de Sophie con Nausicäa y Sheeta cuando se corte el pelo. Con todo, esta es una de sus películas con menos carga ideológica pero sí que marca la última etapa de su carrera y en la que se siente como trata el tema de la guerra de manera más madura y comprometida, muy en la línea del Miyazaki más oscuro y complejo que dirigió Nausicaä del Valle del Viento (1984) o Porco Rosso (1992). Ya no es una guerra idealista contra la modernidad, ni un sentimiento eco-pacifista: es un NO a la guerra alto y enérgico que expresará más abiertamente en su última obra El viento se levanta (2013). No obstante, la oscuridad del tema en El castillo ambulante queda muy mitigado por el velo de la novela de Jones y quizás no consigue expresar correctamente todo lo que quiere hacer llegar al espectador. Habrá tiempo para eso en El viento se levanta.

Bilbiografia

CAVALLARO, Dani. The Late Works of Hayao Miyazaki, A Critical Study, 2004-2013. North Carolina: McFarland, 2014
GORDON, Devin. (2005, 19 de junio). A ‘Positive Pessimist’. Newsweek [en línea] <http://www.newsweek.com/positive-pessimist-119801>
NAPIER, Susan. Anime from Akira to Howl’s Moving Castle: Experiencing Contemporary Japanese Animation. New York: Urban Media Comics: 2005, pp. 355.
SHORE, Lesley Anne. The Anima in Animation: Miyazaki heroines and post-patriarchal consciousness. Pacifica Graduate Institute. Facultad de filosofía. 2013. USA: ProQuest LLC, 2014. Tesis doctoral.

Howl

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


30
Abr

Hua Shan

Hua ShanSi hay un director que fue subestimado no solo en Occidente sino en el propio Hong Kong, ese fue Hua Shan, un talentoso director cuyas películas más conocidas fuera de Asia serían SUPER INFRAMAN (1975) y un par de películas de espadachines. Una verdadera pena, ya que los esfuerzos más sofisticados e interesantes de Hua Shan son sus descarnados, y a veces ultra violentos, dramas criminales.

Nacido en Shanghai en 1942, Hua Shan comenzó su carrera en la Shaw Brothers como asistente de fotografía en 1963. Años más tarde accedería al puesto de fotógrafo en una serie de películas de esgrima entre las que se incluyen THE WANDERING SWORDSMAN (1970) de Chang Cheh, THE WINGED TIGER (1970) de Shen Chiang, THE CHINESE BOXER (1970) de Wang Yu, THE 14 AMAZONS (1972) de Cheng Kang y la violenta cinta de acción THE CASINO (1972) de Chang Tseng Chai.

A principios de los 70 series japonesas como Ultraman y Kamen Rider habían renovado el gusto por la ciencia ficción a toda una generación de jóvenes de todas las nacionalidades y fue entonces cuando la Shaw Brothers decide crear la primera película de superhéroes realizada en China, SUPER INFRAMAN (1975). Esta producción toma todo el estilo de una película tokusatsu japonesa de la época y lo combina con una gran dosis de Kung Fu y ac­ción marcial china, dando un resultado de lo más divertido y excéntrico.

La cinta parte de una base típica del género. La princesa demonio Elzebub desea conquistar la Tierra y para ello destruye varias ciudades como señal de su poder, además en su guarida subterránea un ejército de esqueletos y demonios la esperan. Pero aún hay esperanza, en su cuartel general el doctor Liu Ying De decide realizar un arriesgado experimento, convirtiendo a Lei Ma (Danny Lee), un oficial de alto rango, en el último super héroe biónico luchador, El Inframan, capaz de hazañas increíbles y equipado con la última tecnología y armamento.

SUPER INFRAMAN (1975) fue la primera película como director de Hua Shan para la Shaw Brothers y el guion y storyboard, no olvidemos que fue la primera película china que utilizaba la técnica de storyboard que tanto se había usado en Japón, corre a cargo del escritor de ciencia ficción y fantasía Ni Kuang. Pero la Shaw también intentaría obtener ventajas de los “maestros” del género y por eso recurre a Japón utilizando parte de la banda sonora de Ultra Seven y Mirrorman (ambas compuestas por Toru Fuyuki) y todo el diseño de trajes y escenarios, que correría a cargo de la Ekisu Productions, que trabajaría igualmente en multitud de producciones tokusatsu de la Toei en esos años.

inframan

Aunque directores como Kuei Chih Hung se hicieron famosos por sus sádicas y agresivas cintas de criminales, Hua Shan también tuvo sus propios acercamientos. Aunque sus películas sobre la mafia china no aportaron nada nuevo al género, una cinta en particular podría decirse antecesora de lo que sería el conocido A BETTER TOMORROW (1986) de John Woo. Remarcando esta similitud, THE BROTHERS (1979) presenta a Danny Lee y a Tony Liu Yung como hermanos de origen humilde. Ambos viven con su familia en una choza debajo de un puente. Zhi Qiang (Lee) está más centrado y consigue ganarse una educación y entrar en la milicia, mientras Zhi Gang (Liu) trabaja en un muelle de carga. Este último se enfrenta a la mafia para proteger a los trabajadores, pero con el tiempo terminará por unirse a las Triadas y se lanza a la buena vida. La película salta entre las perspectivas de ambos hermanos, aunque centrándose en el personaje de Liu. Zhi Gang facilita la vida a su madre aunque ocultándole sus negocios, y todo se complicará cuando Zhi Qiang regrese consignado a la policía con la intención de terminar con la guerra de bandas que se avecina.

Mientras que esta película acentúa los elementos dramáticos tanto como la película de Woo, Hua Shan prefiere la acción para formar el desenlace. Un tema interesante que aparece en la película es la religión. Vemos como Zhi Qiang asiste a la iglesia con su madre y crece como un hombre centrado y respetable, su hermano reniega de la religión y termina volviéndose un criminal. Lo irónico es que a pesar de que la fe salva a su madre, no lo hace igual con la prometida de Zhi Qiang, que es brutalmente violada por una banda rival. Esto hace que el joven deje de lado la posibilidad de redención y vuelva a la violencia más descarnada.

THE BROTHERS (1979) es un buen juego de personajes solo enturbiado ligeramente por su final. No es que este mal, pero quizás hubiera pintado más un final más optimista dado todo lo mostrado en la primera parte de la cinta. Es muy parecido a la anterior película de Hua Shan BROTHERHOOD (1976). Un drama de acción sorprendentemente bien hecho, que en su primera parte muestra un retrato profundo de las ceremonias de las triadas y del juego de poder entre varios de los personajes, pero que hacia el final cambia de tono y se combinarte en una versión mafiosa de FATAL ATTRACTION (1986) con un horriblemente vicioso Hu Chin recurriendo a técnicas terriblemente violentas para conseguir sus propósitos.

brothers

Basada en una novela de Jiang Zhi-nan, BROTHERHOOD (1976) trata de un gángster que se inicia en el mundo de las Triadas. Las ceremonias de iniciación se muestran con mucho detalle y recuerdan a películas anteriores de Kuei Chi Hung como THE TEAHOUSE (1974) y BIG BROTHER CHENG (1975). Sin embargo, BROTHERHOOD (1976) acentúa la violencia en un grado alarmante. Mientras que las películas de Kuei destacan los elementos dramáticos, la de Hua pone en relieve la naturaleza cruel de los pandilleros, quedando el desarrollo de los personajes en un plano inferior, suficiente para ofrecer un cierto impacto emocional cuando es pateado, incinerado, apuñalado repetidamente con botellas rotas, le cortan las orejas o cualquier otra cosa que salga de esas mentes perversas. La película cuenta con, probablemente, las mejores escenas de lucha realizadas por Tony Liu Yung. Originalmente la Shaw quería que los villanos vivieran para realizar una secuela, pero el autor Jiang se opuso firmemente a que el personaje de Liu Yun viviera. Finalmente el personaje muere al final de la película, pero sin embargo su hermano menor no.

A principios de los años 80, Hua Shan se embarca en unos cambios de estilo que lo llevarían a realizar películas muy diferentes a sus trabajos anteriores, como por ejemplo STRUGGLE TO SURVIVE, un controvertido drama sobre la inmigración ilegal desde China a Hong Kong. También dirige algunas películas de esgrima que se inclinan hacia el mercado de la explotación, con sexo, desnudos, sangre y violencia a menudo fuera de contexto del tema de las películas. Una de las más interesantes es USURPERS OF EMPEROR’S POWER (1983; aka MYSTERY UNDER THE CANDLELIGHT). La película detalla una época turbulenta en la historia de China durante el ascenso de la dinastía Sung, mezclando lo histórico con lo fantasmagórico, creando un matrimonio incómodo de secuencias muy bien logradas y grotescas escenas de brutalidad.

Pasados los primeros compases de la década de los 80, Hu Shan deja casi por completo el mundo del cine y solo lo veríamos dirigiendo DISCIPLES OF SHAOLIN (1985) y ANGEL FORCE (1991), película de acción de las conocidas como “girls with guns” protagonizada por Moon Lee.

brotherhood


27
Abr

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (XVI)

Llegamos a la decimosexta entrada de nuestro recopilatorio de posters y grafismos en torno al cine de caballería y espada chino adentrándonos en la década de 1980 con cinco películas de lo más interesantes. Adelante con ello.

The Enchantress (1983)
Director: Chor Yuen
Secret Service of the Imperial Court (1984)
Director: Tony Liu
enchantress secret service
Long Road To Gallantry (1984)
Director: Lung Yat-Sing
Long Road To Gallantry (1984)
Director: Lung Yat-Sing

long road long road
Return Of Bastard Swordsman (1984)
Director: Tony Liu

Return Of Bastard Swordsman (1984)
Director: Tony Liu

Return of Bastard Swordsman Return of Bastard Swordsman
Journey of the doomed (1985)
Director: Cha Chuen Yee
Journey of the doomed (1985)
Director: Cha Chuen Yee
Journey of the Doomed journey of the doomed

24
Abr

Tokyo Anime Award Festival 2015

tokyo-anime-award-festival

A finales del pasado mes de Marzo se concedia los Tokyo Anime Awards, los premios japoneses en torno a la animación y referencia para muchos aficionados. Curiosamente este año la ganadora de esta edición, FROZEN, no ha sido japonesa, pero se entiende debido al enorme exito que ha tenido en el pais nipón, estando meses enteros como número uno en taquilla. A continuación tenéis la lista compelta de premiados.

Película del año

Frozen
Mención: Stand by Me Doraemon

Serie TV del año

PingPong the animation
Mención: Yo-kai Watch

Anime Fan Prize

Tiger & Bunny -The Rising-

Premios Individuales

Mejor Director: Isao Takahata (Hotaru no Haka)
Mejor Guión e historia original: Jukki Hanada (K-On!!)
Mejor Animador: Osamu Tanabe (Kaguya-hime no Monogatari), Kumiko Takahashi (Fullmetal Alchemist), Nobutaka Itou
Mejor diseño de personaje y mecánico: Takahiro Kishida (Mahou Shoujo Madoka★Magica)
Mejor dirección artística: Kazuo Oga (Mononoke Hime)
Mejor actor de doblaje: Daisuke Ono (Durarara!!), Kouki Uchiyama (Nisekoi)
Mejor música: Hiroyuki Sawano (Shingeki no Kyojin)

Premios Honoríficos

Director: Toshio Hirata (Petshop of Horrors)
Guionista: Yoshitake Suzuki (Mobile Fighter G Gundam)
Actor de Doblaje: Hiroshi Otake (Great Mazinger)
Compositor: Nobuyoshi Koshibe, deceased (Mach GoGoGo)
Animador: Tadakatsu Yoshida (Kaze no Tani no Nausicaä)
Cantante: Isao Sasaki (Uchuu Senkan Yamato 2199)
Productor: Jushichi Sano
Director de animación: Sadao Tsukioka (Ookami Shounen Ken)
Director de sonido: Kan Mizumoto (Yu Yu Hakusho)
Autor: Monkey Punch (Lupin III)
Director artístico: Masahiro Ioka (Alps no Shoujo Heidi)


20
Abr

34th Hong Kong Film Awards – Premiados

Hong Kong Film Awards

Este fin de semana se han concedido los los Hong Kong Film Awards, los premios más prestigiosos del panorama de cine Hongkonés. Una vez más una veterana Ann Hui ha obtenido el favor de la industria con su película The Golden Era, que se ha llevado mejor película y director además de un buen número de premios técnicos. La líder en nominaciones, Overhead 3, se ha llevado a su vez mejor guión y mejor actor para Lau Ching Wan. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

THE MIDNIGHT AFTER
ABERDEEN
THE GOLDEN ERA
DEAREST
OVERHEARD 3

Mejor Director

Fruit Chan (THE MIDNIGHT AFTER)
Ann Hui (THE GOLDEN ERA)
Peter Chan (DEAREST)
Dante Lam (THAT DEMON WITHIN)
Alan Mak, Felix Chong (OVERHEARD 3)

Mejor Guión

Chan Fai Hung, Kong Ho Yan, Fruit Chan (THE MIDNIGHT AFTER)
Pang Ho Cheung (ABERDEEN)
Li Qiang (THE GOLDEN ERA)
Zhang Ji (DEAREST)
Alan Mak, Felix Chong (OVERHEARD 3)

Mejor Actor

Eddie Peng (RISE OF THE LEGEND)
Sean Lau Ching Wan (INSANITY)
Huang Bo (DEAREST)
Daniel Wu (THAT DEMON WITHIN)
Sean Lau Ching Wan (OVERHEARD 3)

Mejor Actriz

Sandra Ng (GOLDEN CHICKENSSS)
Tang Wei (THE GOLDEN ERA)
Zhou Xun (WOMEN WHO FLIRT)
Vicki Zhao Wei (DEAREST)
Charlene Choi (SARA)

Mejor Actor Secundario

Wang Baoqiang (KUNG FU JUNGLE)
Lam Suet (THE MIDNIGHT AFTER)
Ng Man Tat (ABERDEEN)
Alex Fong Chung Shun (OVERHEARD 3)
Kenneth Tsang (OVERHEARD 3)

Mejor Actriz Secundaria

Kara Wai Ying Hung (THE MIDNIGHT AFTER)
Ivana Wong (GOLDEN CHICKENSSS)
Hao Lei (THE GOLDEN ERA)
Fiona Sit (GIRLS)
Nina Paw Hee Ching (INSANITY)

Novato del año

Ivana Wong (DELETE MY LOVE)
Ivana Wong (BREAK UP 100)
Ivana Wong (GOLDEN CHICKENSSS)
Jacky Cai (ABERDEEN)
Candy Cheung (DOT 2 DOT)

Mejor Fotografía

Zhao Fei (THE CROSSING I)
Lam Wah Tsuen (THE MIDNIGHT AFTER)
Wang Yu (THE GOLDEN ERA)
Ng Kai Ming (THE LEGEND RISES)
Anthony Pun (OVERHEARD 3)

Mejor Edición

David Wu (THE CROSSING I)
Manda Wai (THE GOLDEN ERA)
Cheung Ka Fai, Tang Man To (RISE OF THE LEGEND)
Patrick Tam, Curran Pang (THAT DEMON WITHIN)
Curran Pang (OVERHEARD 3)

Mejor Dirección Artística

Horace Ma (THE CROSSING I)
Man Lim Chung (ABERDEEN)
Zhao Hai (THE GOLDEN ERA)
Pater Wong (RISE OF THE LEGEND)
Man Lim Chung (OVERHEARD 3)

Mejor Vestuario y Maquillaje

Chen Tongxun (THE CROSSING I)
William Chang, Kenneth Yee Chung Man, Guo Pei, Lee Pik Kwan (THE MONKEY KING)
Man Lim Chung (THE GOLDEN ERA)
Boey Wong (RISE OF THE LEGEND)
Man Lim Chung (OVERHEARD 3)

Mejor Coreografía de Acción

Donnie Yen, Stephen Tung, Yuen Bun, Yan Hua (KUNG FU JUNGLE)
Ku Huen Chiu (THE FOUR 3)
Stephen Tung (THE WHITE HAIRED WITCH OF THE LUNAR KINGDOM)
Yuen Wo Ping (ONCE UPON A TIME IN SHANGHAI)
Corey Yuen (RISE OF THE LEGEND)

Mejor Banda Sonora

Ellen Loo, Veronica Lee (THE MIDNIGHT AFTER)
Taro Iwashiro (THE CROSSING I)
Peter Kam (ABERDEEN)
Eli Marshall (THE GOLDEN ERA)
Shigeru Umebayashi (RISE OF THE LEGEND)

Mejor Canción Original

NEVER SAY BREAK UP AGAIN (BREAK UP 100)
BRAND NEW HONG KONG (GOLDEN CHICKEN SSS)
DESTINATION (ABERDEEN)
YOUR LEGEND (RISE OF THE LEGEND)
THE QUIET STORM (INSANITY)

Mejor Sonido

Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung (KUNG FU JUNGLE)
Tu Duu Chih (THE CROSSING I)
Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung, Yiu Chun Hin, Steve Chan (RISE OF THE LEGEND)
Phyllis Cheng, Ip Siu Kei (THAT DEMON WITHIN)
Kinson Tsang (OVERHEARD 3)

Mejor Efectos Especiales

Enoch Chang (KUNG FU JUNGLE)
David Ebner, Kevin Rafferty, Ding Li Bo (THE MONKEY KING)
TongKa Wai, Ken Law, Lucky Tracy Hannah (THE MIDNIGHT AFTER)
Victor Wong, Bryan Cheung (RISE OF THE LEGEND)
Alex Lim Hun Fung, Lin Chun Yue, Yee Kwok Leung (THAT DEMON WITHIN)

Mejor Director Novel

Ruby Yang (MY VOICE, MY LIFE)
David Lee Kwong Yiu (INSANITY)
Amos Why (DOT 2 DOT)

Mejor Película de China y Taiwan

BLACK COAL, THIN ICE
PARADISE IN SERVICE
NO MAN’S LAND
CAFE. WAITING. LOVE.
COMING HOME

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