05
Oct

Retrospectiva Kaneto Shindo – Filmoteca Española

Onibaba

Fundación Japón y Filmoteca Española dedican una retrospectiva al maestro del cine japonés Kaneto Shindo (1912 – 2012), autor, entre otras, de películas tan emblemáticas del cine japonés como Onibaba (1964), La isla desnuda (1960) o Kuroneko (1968). Durante esta retrospectiva se proyectarán diecisiete de sus mejores trabajos, algunos de ellos inéditos en España. Cada título de esta selección se proyectará en dos ocasiones a lo largo de los meses de octubre y noviembre, aunque por el momento solo se conoce la programación de este mes. Para estar al tanto de todos los detalles de las programaciones os recomendamos visitéis la Web de la Filmoteca Española.

Genbaku no ko / Children of Hiroshima (Kaneto Shindo, 1952).
Int.: Nobuko Otowa, Chikako Hosokawa, Masao Shimizu. Japón. 35mm. VOSI/E*. 96′.
Primer pase: Sabado 3 de octubre a las 21.40h.

Con esta obra, la protagonista, que era una profesora de guardería durante la guerra, visita a sus exalumnos después de siete años. En vez de hacer una descripción espantosa de la bomba atómica, Shindo concentra sus esfuerzos en los años de reconstrucción, en los cuales la ciudad y la gente se esfuerzan por vivir sus vidas lo más normalmente posible. Sin embargo, el daño físico y la pena emocional siguen siendo lo más presente. Esta película tuvo mucho reconocimiento en Japón y en el extranjero, como la primera película japonesa que se enfrenta a la realidad de la destrucción.

Shukuzu / Epitome (Kaneto Shindo, 1953).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno, Tanie Kitabayashi. Japón. 16mm. VOSI/E*. 130′.
Primer pase: Miércoles 7 de octubre a las 21:10h.

Hecho en parte para protestar por la legalización de la prostitución, la película a menudo se carga con su mensaje social, pero el realismo duro de Shindo y el uso de un montaje dinámico y ángulos de la cámara oblicuos dan a la película una frescura que raramente se encuentra en películas de estudio. Nobuko Otowa, encasillada en papeles de muchacha inocente, comenzó a trabajar con Shindo para aceptar papeles más agresivos.

Dobu / The Ditch (Taisuke Ito, Kaneto Shindo, 1954).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′.
Primer pase: Sábado 10 de octubre a las 19:00h.

Tsuru, una mujer con problemas mentales, es protegida por Toku y Pinchan, dos hombres que viven en una villa de emergencia, en una zanja al costado de las vías del ferrocarril. La fábrica en la cual trabajaban ha sido cerrada por una huelga, por lo que ambos hombres gastan tiempo y dinero apostando en las carreras de bicicletas. Tsuru trabajaba en una fábrica textil, pero un grupo de jóvenes robó todo el dinero de su indemnización. La particular comunidad de la zanja incluye a Chu, un actor que también está un poco loco, y Hiromi, quien viste siempre un traje elegante y de quien se dice es la amante de un hombre poderoso.

Hadaka no sima / La isla desnuda (Kaneto Shindo, 1960).
Int.: Nobuko Otowa, Taiji Tonoyama, Shinji Tanaka. Japón. 35mm. VOSE. 95′.
Primer pase: Sábado 10 de octubre a las 19:00h.

“En una isla donde el invierno da pocas pistas, es difícil retratar su llegada -salvo con la dureza de la tierra, tal vez-, por lo que Shindo prefiere hacer soplar un viento helado que sólo es audible. El tipo de soluciones que proporciona el sonido. En cambio, la presencia de la primavera es pura imaginería, y de una dicha imparable, como cuando las niñas hacen malabares entre los cerezos.” (Gabriel Lara)

Haha / Mother (Kaneto Shindo, 1963).
Int.: Nobuko Otowa, Haruko Sugimura, Takeshi Katô. Japón. 35mm. VOSI/E*. 101′.
Primer pase: Domingo 11 de octubre a las 20:00h.

Tamiko es una madre soltera. Su hijo Toshio se está quedando ciego; le han diagnosticado un tumor cerebral. Ella no tiene dinero para la cirugía y se lo pide a Yoshie, su madre. Yoshie se niega pero acuerda un matrimonio con otro pariente soltero, Tajima, a condición de que él se haga cargo del pago de la operación.

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno, Jitsuko Yoshimura. Japón. 35mm. VOSI/E*. 103′.
Primer pase: Martes 13 de octubre a las 19:25h.

“Onibaba transmite la misma sensación de miedo y desamparo que se tiene al abrir una puerta tras la que se esconde la oscuridad absoluta. Invoca el terror más elemental y primigenio.” (Javier Pulido)

Hadaka no Jukyu-sai / Live Today, Die Tomorrow! (Kaneto Shindo, 1970).
Int.: Nobuko Otowa, Daijirô Harada, Keiko Torii. Japón. 35mm. 120′.
Primer pase: Miércoles 14 de octubre a las 21:20h.

Michio Yamada, recién graduado del colegio, es mandado a Tokio para trabajar como empaquetador de fruta en unos grandes almacenes como parte de un programa gubernamental. Roba un arma de una base americana y la usa para matar a varias personas. De repente volvemos a la infancia de Yamada, hijo de un alcohólico y una mujer débil que desde niño sufre la pobreza extrema.

Chikuzan hitori tabi / The Life of Chikuzan (Kaneto Shindo, 1977).
Int.: Nobuko Otowa, Ryûzô Hayashi, Mitsuko Baishô. Japón. 35mm. VOSI/E*. 124′.
Primer pase: Viernes 16 de octubre a las 17:30h.

Adoptando la nueva técnica de mezclar documental con ficción, Kaneto Shindo dirigió esta película sobre la juventud del maestro del Shamisen, Chikuzan, un vagabundo ciego que ha deambulado por el país durante 50 años y que de repente en los años setenta, se convirtió en un mito musical.

Sakura-tai Chiru / Sakuratai 8.6 (Kaneto Shindo, 1988).
Documental. Japón. 35mm. VOSI/E*. 110′.
Primer pase: Domingo 18 de octubre a las 17:30h.

En 1988 Kaneto Shindo dedicó un documental, utilizando imágenes de archivo y entrevistas, al grupo de teatro Sakura-tai Chiru, que tuvo la mala fortuna de ir a Hiroshima a representar una obra justo cuando iba a ser bombardeada. Muchos actores murieron pero el grupo se reconstruyó.

Rakuyôju / Deciduous Tree (Kaneto Shindo, 1986).
Int.: Nobuko Otowa, Keiju Kobayashi, Kazuki Yamanaka. Japón. 16mm. VOSI/E*. 105′.
Primer pase: Viernes 23 de octubre a las 21:35h.

Rakuyoju es una meditación elegantemente compuesta, contemplativa, discreta y tranquila sobre la mortalidad, lealtad y herencia personal. Usando imágenes de rituales cotidianos y desplegando metafóras contra el cambio constante de estaciones, Kaneto Shindo refleja la transitoriedad y lo cíclico de la existencia humana. Rodando en blanco y negro y usando composiciones estilizadas, sensuales y alusivas, Shindo ilustra la sobriedad de la memoria, la perspectiva de introspección y nostalgia de los ancianos, que subconscientemente recuerdan sólo imágenes evocadoras, abstractas. Inevitablemente, en esta memoria imperfecta, y retocada de una familia desintegrada que traiciona el dolor de su propia alma desarraigada y frustrada vemos ciertos rasgos autiobiográficos de Shindo: una fruta agridulce y extraña de oportunidades perdidas y deseos inarticulables.

Bokutô Kidan / The Strange Story of Oyuki (Kaneto Shindo, 1992).
Int.: Nobuko Otowa, Masahiko Tsugawa, Yuki Sumida. Japón. 35mm. VOSI/E*. 116′.
Primer pase: Sábado 24 de octubre a las 21:30h.

Tan melancólica como ferozmente sensual, Bokuto Kidan es un compendio íntimo, erótico y apasionado de los temas frecuentes de Shindo, dirigida con una frescura claramente juvenil y una estilización viva, que desmiente su edad.

Gogo no Yuigon-jo / A Last Note (Kaneto Shindo, 1995).
Int.: Nobuko Otowa, Haruko Sugimura, Hideo Kanze. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′.
Primer pase: Miércoles 28 de octubre a las 19:15h.

Dirigida por el cineasta entonces octogenario, Kaneto Shindo, y presentando un reparto lleno de nombres centrales del cine japonés clásico, desde la frecuente actriz de Naruse y Ozu, Haruko Sugimura hasta la perenne actriz y esposa de Shindo Nobuko Otowa, A Last Note es una excéntrica fábula tragicómica, divertida y conmovedora sobre el envejecimiento, las herencias personales y la mortalidad. Las obras de Anton Chejov que cita Shindo refuerzan el tono narrativo idiosincrásicamente cómico del autor: el histrionismo inquieto de actuar con torpeza; el entretejimiento surrealista de sueños y recuerdos recurrentes o el desfile carnavalesco continuo de los protagonistas.

Ikitai / Will to Live (Kaneto Shindo, 1999).
Int.: Rentaro Mikuni, Akira Emoto. Japón. 35mm. VOSI/E*. 119′.
Primer pase: Sábado 31 de octubre a las 19:20h.

La historia de abandonar a la gente anciana en las montañas se ha preservado en la prefectura de Nagano, en el centro de Japón. Pero un gran número de leyendas similares pueden encontrarse, a modo de cuentos locales, aquí y allá, así como poemas escritos sobre este tema hace cientos de años. ¿Cómo se adapta este concepto a un mundo contemporáneo? La película muestra cómo se afronta este elemento social en la actualidad, comparado con la antigüedad.

Cine Doré (Filmoteca Española)
C/ Santa Isabel, 3, 28012 Madrid


02
Oct

Entrevista a Pang Ho Cheung

Pang ho cheung

El pasado Festival de Sitges, tras haber pasado por otros eventos como el Udine Far East Film Festival italiano, se presentaba la última película del director hongkonés Pang Ho Cheung, “Aberdeen”. Este conocido director nos ha ofrecido otras producciones en el festival. Si ir más lejos vimos su “Vulgaria” en la edición de 2013 con una buena cantidad de risas por parte del público.

En esta ocasión, de buena mañana, Gloria Fernandez y yo mismo tuvimos la suerte de poder entrevistar a Pang Ho Cheung y Subi Liang, productora y pareja del director. Entrevista en donde hablamos de su última película pero también de su obra en conjunto y de sus más y sus menos con la censura local.

Asiateca: Sabemos que esta viviendo actualmente en Beijing, trabajando en guiones para series de televisión, y en esta película vuelve a Hong Kong. ¿Es una especie de retorno o siente que nunca lo ha dejado?

Pang Ho Cheung: De hecho dejé Hong Kong a nivel cinematográfico hace ya años, pero eso no quiere decir que no vaya a grabar nunca más películas allí, simplemente puedo trabajar con otros temas. Algunas veces tendré que hacer coproducciones porque no podré rodar en China, a veces podré hacer películas en China y a veces en Hong Kong.

Asiateca: ¿Responde “Aberdeen” a esa sensación de incertidumbre que esta viviendo la sociedad hongkonesa en su relación con China?

Pang Ho Cheung: No se centra exactamente en esa aversión hacia China, sino más bien en los problemas familiares que tiene la sociedad china, pero no en particular sobre esta problemática que tienen los habitantes de Hong Kong.

AberdeenAsiateca: Esa es la conclusión que muchos hemos sacado tras ver la película, sobre todo por esa escena del cartel de “Todas Direcciones”, un poco como si Hong Kong no tuviera claro aún cual es el futuro a seguir, y nos parecía una buena lectura de su película.

PHC: Una de las partes de la película si se centra en la dirección que tenemos que tomar, pero en concreto los habitantes de Hong Kong, hacia donde deben ir, y ese es un tema principal del argumento.

Asiateca: Sabemos que, por ejemplo, la historia protagonizada por Louis Koo esta basada en un hecho real, que incluso se conoció aquí en España, aunque no con las mismas consecuencias. El resto de historias que aparecen en “Aberdeen” ¿También se basó en hechos reales? ¿Incluso la historia de la Bomba?

PHC: Muchas de las historias que vemos en la película están basadas en experiencias de amigos y familiares, o en historias reales. Incluso la historia de la bomba, todo eso es real. Cada año encuentran una o varias bombas en las calles de Hong Kong o en alguna parte de la isla. Esta película ocurre en una zona muy concreta de la ciudad, y algún tiempo después de haber estado rodando incluso encontraron una bomba bajo uno de los edificios donde estuvimos, y ese edificio lleva allí más de 40 años, simplemente nadie se la había descubierto hasta ahora. Hong Kong al fin y al cabo es un lugar muy pequeño y aún se siguen encontrando restos de la Segunda Guerra Mundial. Cada vez que veo esto en televisión me parece fascinante, y me hace pensar que cada familia, cada persona, tiene sus secretos, pero no necesariamente estan escondiéndolos, simplemente hay que saber encontrarlos.

De hecho cuando estrenamos la película encontraron dos bombas en la ciudad. Es más durante el rodaje encontramos también una ballena varada, era más pequeña de la que aparece en la película. La gente me dice que me lo invento pero no es así, podíamos haber grabado la real, habríamos ahorrado mucho dinero (jajaja).

Asiateca: “Men Suddenly in Black” es una comedia pero parecía una película de acción -y casi de espías-, “Dream Home” es un splatter en toda regla, “Love in a Puff” es una comedia romántica, “Vulgaria” es una sátira sobre el mundo del espectáculo y “Aberdeen” es un drama con toques fantásticos. ¿Le gusta jugar con lo géneros en sus diferentes películas? ¿En que género se siente más a gusto?

PHC: Cuando era pequeño mi madre me llevaba a un restaurante Buffet a comer y yo veía que había mucha comida y siempre lo mezclaba todo, mi madre me decía que no debía hacerlo y yo pensaba que “¿Por qué no?“. Realmente es algo que me gusta hacer, me gusta mezclar diferentes géneros para ver cual es el nuevo resultado de esa mezcla, crear un estilo propio. He rodado muchísimas comedias, pero también películas que tratan sobre la historia de una familia, por ejemplo “Aberdeen”. Aquí trabajo las relaciones familiares y es cierto que no lo había hecho antes, quizás porque era aún muy joven para tratar este tema (jajaja) y no estaba suficientemente preparado. Esta película para mi es muy importante porque he invertido muchos esfuerzos emocionales de mi propia familia.

Dream Home

Asiateca: Muchas de sus películas tienen un poco social, un intento de mostrar problemáticas de la sociedad actual. En “Dream Home”, por ejemplo, con la especulación inmobiliaria, en “Vulgaria” satiriza en cierto modo el tema de la financiación china del cine en Hong Kong. ¿Quiere realmente reflejar esos aspectos sociales en sus películas?

PHC: De hecho no lo hago a propósito, pero me doy cuenta que cuando estoy escribiendo una historia acabo incluyendo aspectos de mi propia vida. Por ejemplo en “Dream Home” me di cuenta de que no podía permitirme comprar una casa, y entonces me pregunté ¿Por qué?, que ocurre para que algunos de mis amigos no puedan comprarse una vivienda, pero otras personas si que podían. Me parece interesante mostrar cierta preocupación sobre aspectos sociales que te rodean. Al fin y al cabo, creo que quizás parte del público no se ha planteado estos problemas, pero cuando ven la película realmente son conscientes de ellos.

Asiateca: En “Vulgaria” el hecho de que el director se tenga que ir a China para buscar financiación para su película, ¿Es un reflejo de lo que está sucediendo actualmente en Hong Kong?

PHC: No me ha pasado a mi directamente pero si a muchas otras personas. Buscar financiación o tener que hacer el amor con un burro (jajaja) no es algo que haya tenido que hacer, pero si es una realidad, y a demás es un elemento interesante que incluir en una historia de estas características. Pero el argumento principal de esa película es sobre los cantonees, de hecho cuando hongkoneses y chinos deciden crear una coproducción, muchas veces no se centran en que están realizando una producción cantonesa. Es algo interesante que me ha sucedido a mi mismo, que no quiero realizar una película que no deseo hacer solo por tener financiación exterior.

En esta película estaba también muy implicado Chapman To, y fue a Chapman a quien le hice una propuesta muy interesante: vamos a hacer una película en donde estemos insultando en cantonés todo el tiempo, pero claro una película así no podríamos hacerla porque no superaría la censura. Si te fijas esa censura es algo irreal, porque los insultos están en nuestra vida diaria, entonces al final hice una película hongkonesa porque allí no hay la censura que en China. Al final podemos hacer los rodajes más divertidos de esta forma (jajaja).

Love in the Buff

Asiateca: Hablando de la censura. Cuando estrenó “Love in a Puff” seguimos toda la polémica que se generó al ser clasificada como CATIII en el rating de edades (Mayores de 18 años), y sabemos que se enfado muchísimo. Los que seguimos su carrera pensamos que “Vulgaria” fue una especie de rebelión contra eso, ahora me la vais a categorizar con razón.

PHC: Mmmmm… No exactamente (jajaja)… pero sigo pensando que “Love in a Puff” no es ni de lejos una película para estar en una CATIII, es una historia de amor. Otra de mis películas, “Exodus”, tiene insultos y lenguaje burdo y la mantuvieron en CAT2, y de hecho era la primera vez que pasaba con una película que contenía insultos, que generalmente estaban en CATIII. Esto muestra que en Hong Kong son bastante flexibles con este tipo de control. En “Exodus” se muestra un lenguaje así porque la gente esta muy enfadada y molesta en esas escenas. En el caso de “Love in a Puff” es muy diferente, usan los insultos de una forma cómica, cariñosa: “– Te quiero… – Que te den”, por lo tanto no es una cuestión de agresividad sino algo más cariñoso. Al final pensaba en decirles a los actores que cuando insultaran lo hicieran de manera agresiva y enfadada, pero es absurdo hacerlo así en esa película. La CATIII lo que significa es que los adolescentes no pueden ver esta película, pero al final pensé: ya está, estamos haciendo una CATIII aunque me parezca una locura, no le doy más vueltas y ya está, no importa el acercamiento o la temática, simplemente es CATIII, así es como lo ven ellos.

Luego haces una película y piensas que ni siquiera va a pasar la CATIII, porque ya sabes lo que sucede en “Vulgaria” con el burro, y creo que por el burro al final suavizamos un poco toda la historia alrededor, quedo un poco más adorable, y quizás por eso entró en CATIII, pero pensábamos que ni siquiera encajaría en esta categoría. Realmente todo el tema del burro fue complicado porque solo encontramos dos burros en las granjas estatales en China, y solo se podían usar con propósito educativo, no para rodar una película. Yo les decía que realmente necesitaba ese burro porque en el fondo el cine que hago tiene un propósito educativo, no hagáis guarrerías con los burros (jajaja), lo que quiero es educar a través de mi cine: “Don´t Fuck the Donkey” (jajaja).

vulgaria

Asiateca: Para terminar nos interesaría que nos hablase de su último proyecto, del que sabemos el nombre y poco más, “Women Who Flirt”.

PHC: La película no esta basada en una novela, sino en un manual taiwanés para enseñar a ligar. Lo vi en un show de tarde de televisión y me pareció muy interesante. En él básicamente mujeres enseñan a hombres a ligar, esos hombres necesitan aprender a amar, lo que lo convierte en una historia romántica sobre las mujeres en general. La estrenamos dentro de poco.

Mi próximo proyecto no es como director, sino que seré el actor principal en una comedia muy alocada que empezaremos a rodar tras el año nuevo chino.

Subi Liang: Si tengo que ser sincera no creo que sea un buen actor (jajaja).

PHC: El director será Jimmy Wan (Chi-man Wan), un guionista que conozco desde hace mucho tiempo y que trabajó conmigo en “Dream Home” e “Isabella”. Ha estado trabajando con Eric Tsan y tiene un nuevo proyecto sobre corazones rotos… yo nunca dije que quisiera ser actor en la película pero fue él quien insistió (jajaja).

Subi Liang: Va a ser un desastre (jajaja).

PHC: Le dije: “¿Estas seguro de esto?”, y el me dijo que si… (jajaja).

Asiateca: Quizás podamos ver “Women Who Flirt” en la próxima edición del Festival de Udine.

PHC: Si que es posible que esté en Udine, además seguro que es genial para Sitges ya que es una película que habla de fantasmas y tiene su toque de terror. Terror con humor (jajaja).

Así nos despedíamos de Pang Ho Cheung y Subi Liang, que tuvieron que irse casi corriendo a tomar el avión que los llevaba de vuelta a Hong Kong y que salía poco después. Esperaremos impacientes a ver ese papel protagonista.

pang ho cheung

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)


01
Oct

Cine japonés (2/2) – Sitges Film Festival 2015

Cerramos hoy nuestro repaso por el cine asiático que podremos ver dentro de una semana en el Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, con la segunda entrega dedicada a Japón.

Hoy nos toca repasar lo que dará de si el ya clásico evento que esperamos los aficionados al cine japonés más extremo, la maratón Japan Madness, que este año se compone de 4 producciones, un corto y 3 largos, y que nos hará pasar una noche bien loca el mismo viernes de comienzo del festival, ¡¿Para qué esperar?!. Empezaremos la velada con el corto de luchadores de sumo en tono musical Sumo Road. Tras esto, y sin orden especifico, veremos el live action, basado en el manga de Yusei Matsui, Assassination Classroom, la última película del maestro de los efectos especiales Yosihiro Nishimura, Ninja War of Torakage, y la nueva película del dudoso Seiji Chiba, Ninja Hunter. Sitges también recuperara un clásico entre los clásicos de la animación, en su versión restaurada, Belladonna of Sadness. Y terminamos con dos producciones de Kiyoshi Kurosawa: la primera de ellas es su última película Journey to the Shore, y la segunda su clásico Cure, que podrá verse en Brigadoon.

Y hasta aquí hemos llegado en esta serie de repasos. Espero que os sean de utilidad a la hora de decidiros por una u otra película y recordad, ¡¡¡Nos vemos en Sitges!!!

sitges 2015

Sumo Road – The Musical
Japón, Ken Ochiai, 2015

Las maratones Japan Madness, con lo más granado del splatter y las locuras venidas del país del sol naciente, son casi una institución para los aficionados en el festival del Sitges, y este año, al igual que el pasado, son prácticamente la inauguración de la locura el mismo viernes del festival. En esta edición no se como acabaremos dada la hora de comienzo y las películas que se proyectan, pero la primera, para abrir boca, es este “corto” de 25 minutos que ha aparecido en el programa de repente hace bien poquito. Musical con luchadores de sumo, y ya está…

Un estudiante con sobrepeso y sin amigos decide unirse al equipo de sumo de la universidad. Pero para poder entrar, deberá enfrentarse primero al líder del equipo en un combate. (Sitges)

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Assassination Classroom
Japón, Eiichiro Hasumi, 2014

Entramos en materia maratoniana con la adaptación del manga homónimo de Yusei Matsui. Assassination Classroom. El manga ha tenido bastante éxito y ha sido adaptado en una serie de animación este mismo año, cosa que ha propiciado esta adaptación de la mano del director Eiichiro Hasumi.

Un alienígena llega a la Tierra y ofrece un trato al gobierno: entrenará a una clase para que aprendan todas las formas posibles de acabar con él; si sus alumnos no resultan ser lo suficientemente “aplicados”, aniquilará el planeta en el plazo de unos meses. Eso sí, nadie esperaba que entre los estudiantes y el monstruoso profesor se pudiera establecer un vinculo tan… fuerte. (Sitges)

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Ninja War of Torakage
Japón, Yosihiro Nishimura, 2015

La segunda película de la maratón japonesa más loca es la nueva obra como director del incombustible, y mago de los efectos especiales gore, Yosihiro Nishimura, que deja un poco de lado su vena splatter más loca, como ya nos mostró en Tokyo Gore Police o Helldriver, para ofrecernos una película de época, algo más sobria pero llena de acción, un fuerte estilo manga y muchos toques del director.

Retirado de su trabajo como ninja, Torakage vive tranquilamente con su mujer y con su hijo. Cuando su niño sea secuestrado por su antiguo maestro, Torakage se verá forzado a volver a la acción: para recuperar a su familia, deberá hacerse con dos pergaminos de oro y de plata que juntos forman un tesoro único. (Sitges)

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Ninja Hunter
Japón, Seiji Chiba, 2014

La última película de esta maratón, y no las estoy nombrando en orden porque veremos a ver como nos las proyectan al final, es la última película de Seiji Chiba, director y guionista de dudosa calidad del que ya vimos en Sitges su Alien vs Ninja y personalmente me parecido como mínimo mediocre. A ver que tal…

Tao, un ninja del clan Iga, despierta en una húmeda cueva rodeado de cadáveres. Amnésico, no recuerda cómo ni por qué se encuentra allí, ni si ha sido él el autor de la masacre. A la vez que Tao trata de resolver este enigma, un rocambolesco entramado de traiciones se despliega ante nuestros ojos como un combinado explosivo. (Sitges)

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Belladonna of Sadness
Japón, Eiichi Yamamoto, 1973

Nos trasladamos ahora al Sitges Classics, que este año recupera una de esas maravillas de la animación de la década de 1970, Belladona of Sadness de Eiichi Yamamoto. Este animador fundó junto al mítico Osamu Tezuka la productora Mushi, y en ella realizaría, entre otros proyectos, la trilogía de animación para adultos Animerama, compuesta por A Thousand and One Nights, Cleopatra y esta misma Belladonna of Sadness.

Tras ser ultrajada por un señor feudal, Jeanne hace un pacto con el Diablo para obtener habilidades mágicas. Producida por Osamu Tezuka, Belladonna of Sadness es un anime de culto, con una imaginería erótica y fantástica indescriptible y con una estética entre la psicodelia y el art nouveau que adquiere un nuevo brillo en esta versión restaurada en 4K a partir del negativo original. (Sitges)

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Journey to the Shore
Japón, Kiyoshi Kurosawa, 2015

Kiyoshi Kurosawa siempre me ha gustado mucho por la forma que ha tenido de representar el mundo fantasmal en el terreno físico. Más allá de sus inquietantes primeras obras, obras maestras del terror psicológico japonés, Kurosawa siempre ha traído el mundo de los fantasmas al terrenal de una forma muy natural, ya sea en tono de terror o en otros más psicológicos. Aquí sigue en esta línea, explorando este mismo tema y alejándose ya del mundo del terror para adentrarse en el espiritual.

Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa. Kiyoshi Kurosawa firma una de sus obras más pausadas, tiernas y espirituales, que le valió el premio a la mejor dirección en Un Certain Regard en Cannes (Sitges)

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Cure
Japón, Kiyoshi Kurosawa, 1997

La película que finaliza esta serie de repasos a la programación más asiática de esta edición del festival de Sitges es también de Kiyoshi Kurosawa, pero esta vez se trata de su clásico Cure, que se proyectará en el espacio Brigadoon.

Una serie de atroces asesinatos está asolando Tokio. En todos los escenarios, el asesino es hallado junto a la víctima, incapaz de recordar nada acerca del crimen. (Sitges)

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29
Sep

Cine japonés (1/2) – Sitges Film Festival 2015

Finalizamos nuestro repaso a lo más asiático del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, con lo que nos falta, dos entregas dedicadas al cine japonés.

En la primera de estas entregas vamos a ver la versión live action del conocido manga I Am a Hero, que tendrá su premier en Sitges. También veremos la última película del director Sabu Chasuke’s Journey, la nueva, y curiosa, película de imagen “real del conocido animador Mamoru Oshii Nowhere GirlRyuzo and his Seven Henchmen, donde Takeshi Kitano nos propone una lucha de poder entre Yakuzas jubilados y Yakuzas jovenes, y la segunda película de Lisa Takeba Haruko’s Paranormal Laboratory, llena de cultura pop y el estilo tan personal de la directora. Por si esto fuera poco, y fuera de competición, podremos disfrutar de la última película del maestro de la animación Mamoru Hosoda The Boy and the Beast.

sitges 2015

I Am a Hero
Japón, Shinsuke Sato, 2014

La primera película que comentamos hoy es la esperada adaptación del manga homónimo de Kengo Hanazawa, editado en España por Norma. En ella nos encontramos a Hideo, un dibujante de manga con una vida miserable que sueña con lanzar una obra de éxito. Un día, su novia lo echa de casa y, al cabo de unas horas, se reencuentra con él convertida en un agresivo zombie. Será la primera señal de que el mundo a su alrededor sufre una epidemia a la que deberá enfrentarse en primera persona.

Como comentaba Ángel Sala en una entrevista a Cineasia en torno al line-up asiático del festival hace unos días, esta es una obra atípica, no estrenada comercialmente es Japón y que tendrá su premier mundial en Sitges. El encargado de esta adaptación es nada menos que Shinsuke Sato, que ya realizara ambas partes de la adaptación live-action del manga Gantz, además de obras animadas como Oblivion Island: Haruka and the Magic Mirror.

i am a hero

Chasuke’s Journey
Japón, Sabu, 2015

A veces, Dios es injusto. Quizá por eso, los empleados del Todopoderoso que se dedican a escribir el destino de los mortales han decidido mandar a Chas a la tierra, para que intente salvar a Yuri de la muerte que se le ha asignado. (Sitges)

El conocido actor y director japonés Sabu nos ofrece esta historia, que mezcla comedia y drama, y que estuvo seleccionada en la sección oficial de la pasada edición del festival de Berlin.

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Nowhere Girl
Japón, Mamoru Oshii, 2015

Siempre que Mamoru Oshii se pone a dirigir a mi me da un escalofrío, y es que en su haber tiene desde obras maestras indiscutibles a verdaderos tostonazos pasados de vueltas psicológicas que no hay por donde cogerlos y que solo aportan tedio, aburrimiento y perdida de tiempo, todo desde mi humilde punto de vista claro está. En esta ocasión parece dejar de lado su vena de ciencia ficción, aunque no tengo claro si del todo, para ofrecernos este thriller que tras leer la sinopsis muchos asociareis a “Carrie” de Stephen King, por poner un ejemplo. Veremos a ver que tal el resultado final, que promete una recta final inesperada (y parece que sangrienta)

En un instituto de bellas artes, la joven Ai es ridiculizada por algunos compañeros y profesores, que rechazan por pura envidia unos trabajos de indudable talento. Una atmósfera férrea y opresiva acabará por sacar toda la rabia de Ai, que se tomará la justicia por su mano. (Sitges)

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Ryuzo and his Seven Henchmen
Japón, Takeshi Kitano, 2015

Takeshi kitano vuelve a los fueros de la comedia con una propuesta bien curiosa, una comedia de acción en la que destaca la presencia del mítico actor Tatsuya Fuji en uno de los papeles protagonistas. Aquí conoceremos a Ryuzo, un jefe de la yakuza retirado que se reúne con su antiguo clan y, tras unas cuantas copas, decide volver a poner en marcha el negocio, iniciando así una curiosa guerra entre los yakuzas más jóvenes y ellos mismos, todos en edad de jubilación.

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Haruko’s Paranormal Laboratory
Japón, Lisa Takeba, 2015

Esta es la segunda película de la joven realizadora Lisa Takeba, que ya presentó el pasado año en el festival su debut The Pinkie en donde demostró que es una realizadora imaginativa, colorista y cargada de cultura pop, a nivel visual, estilístico y musical. En su nueva película parece seguir esta misma línea.

Haruko ama a su televisor. Es viejo, analógico y… de repente tiene la capacidad de transformarse en un hombre. Al principio, Haruko decide dejar a su novio-televisión en casa, pero pronto decide sacarlo y normalizar así la relación. (Sitges)

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The Boy and the Beast
Japón, Mamoru Hosoda, 2015

Hace unos días que finalizaba el festival de San Sebastian y una de las grandes películas japonesas del momento, la primera vez que una película de animación de aquel país optaba a la Concha de Oro, era la nueva obra de Momoru Hosoda, The Boy and the Beast. Quizás por este motivo aquí en Sitges este en sección oficial pero fuera de competición. Hosoda es uno de los mejores animadores que actualmente nos llegan de Japón, todas sus películas se han presentado en Stiges y todas han ganado el premio a mejor película de animación en sus respectivas ediciones.

Un día, un chico solitario conoce a la bestia Kumatetsu y decide ir a vivir con ella, fuera del mundo humano, para hacerse más fuerte. Al principio discutirán por todo, pero a través del aprendizaje irán formando un vínculo tan fuerte como el que tendría un padre con un hijo. (Sitges)

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28
Sep

Ley Lines – Deconstruyendo a Takashi Miike

Ley LinesNihon kuroshakai (1999)
Director: Takashi Miike
Guión: Ichiro Ryu
Actores: Kazuki Kitamura, Tomorowo Taguchi, Shō Aikawa, Samuel Pop Aning, Takeshi Caesar, Yukie Itou Michisuke Kashiwaya, Dan li, Ryuushi Mizukami, Ren Osugi, Naoto Takenaka, Kōji Tsukamoto, Hua Rong Weng
Productora: Daiei Motion Picture Company
Director de fotografía: Naosuke Imaizumi
Editor: Yasushi Shimamura
Música: Kōji Endō

Tom Mes comienza su crítica de esta película afirmando que es la quintaesencia del cine de Miike (Mes, 2006). No me atrevería yo a tanto, pues hablamos del año 99 y todavía le quedaba mucho por madurar como director y mucho cine por ofrecernos. Lo que sí que es cierto, es que Ley Lines reúne características de sus obras anteriores y las aglutina perfectamente a la vez que nos da una muestra de lo que va a ser su cine posterior.

Ley lines nos presenta a tres jóvenes japoneses de origen chino: Ryuichi, Chan y Shunrei. Cansados de una vida de humillación y racismo, deciden probar fortuna en Tokio donde conocerán a Anita, una prostituta china tan desgraciada como ellos. Tampoco en la ciudad tendrán suerte, ya que se verán involucrados con la mafia china que les oprime de igual manera que lo hace la sociedad japonesa. Así que los cuatro desdichados intentarán luchar contra la fatalidad y viajar a Brasil para echar por fin raíces.

En cuanto al estilo cinematográfico, se nota la presencia de Naosuke Imaizumi como director de fotografía por la cantidad de ángulos extremos que usa la cámara igual que ya ocurriera en Shinjuku Triad Society (1995). Hay que decir que aunque siguen siendo ángulos extremos no tienen la misma función que tenían en el film anterior. Allí servían para integrar al espectador, para hacerle partícipe y que experimentara desde diferentes ángulos. En Ley Lines, el espectador mira por un ángulo a hurtadillas, no hay participación alguna. También se nota la mano de Imaizumi por el uso del color, no sólo volvemos a ver un gran aprovechamiento de los claroscuros, sino que el color verde del campo se opone visceralmente al gris de la ciudad, y el rojo que enfatiza el peligro (Mes, 2006).

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Además hay recursos cinematográficos aprovechados. El ángulo absurdo desde el interior de la vagina de Anita nos recuerda al plano de la vagina de Mika en Fudoh: The New Generation (1996). El montaje más outrage de las escenas de sexo de Anita con sus clientes se remonta a Shinjuku Triad Society. Volvemos a ver filtros como el amarillo de The Bird People in China (1998) pero esta vez va un paso más allá: rojo, amarillo y verde para las escenas rodadas en el pueblo natal de los chicos frente a las tonalidades oscuras y las sombras de la gran ciudad. De Rainy Dog (1997) hereda las escenas de sexo autocensuradas con luces azules eléctricas en los genitales y las escenas y planos largos en los que la cámara sigue a Anita por Kabukichō, recorriendo los estrechos callejones de la ciudad que la esclaviza; estos planos rodados como steadycam invitan al espectador a recorrer el mundo del hampa con ella, el mismo propósito que servían cuando seguían a Yūji. Incluso la escena en la que se nos presenta a Wong —el jefe de la mafia china—, la cámara viaja sola por un callejón gris en el que destaca el rojo del restaurante en el que este se encuentra.

Nos encontramos, no obstante, con algunos recursos nuevos. Primero, el primer plano del funcionario hablando a Ryuichi que parece que no acabar nunca y luego el del policía. Miike hace esperar incómodamente al espectador para ver el contraplano de Ryuichi, violentándolo y obligándole experimentar la realidad de la que el personaje no puede escapar (Gerow, 2009). Conectándonos directamente con él. También, la escena del principio con vetas da la sensación de grabación doméstica e indica que es un flashback que expone los abusos a los han sido sometidos los personajes. Y, por fin, un experimento social muy interesante. La escena de Anita después de haber sido violada que está rodada en las calles de Tokio donde la masa no se percata de la cámara pero sí de Anita y la rehúyen y la miran con una mezcla de incomodidad y curiosidad.

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También recupera los medios de locomoción como promesa de futuro. Primero el tren ­­—ya utilizado en The Bird People in China— como elemento que enfatiza la condición errante de los personajes, nómadas en busca de una situación mejor; y luego la motocicleta —Rainy Dog—que no sólo resalta la cohesión del grupo que han formado los chicos y la prostituta sino que gracias a la música de acordeón de Kōji Endō exalta el idealismo. El tren además está unido al simbolismo de la canción que canta Ryuichi al inicio y al final de la película: «Las vías del tren se extienden más y más allá. A través del campo y más allá de la colina. Bajando el valle. A la ciudad lejana. Las vías del tren transportan nuestro sueño a la ciudad». Son las esperanzas y los sueños de los protagonistas puestas en ese tren que les llevará a otra ciudad en el que ya no serán ni marginados ni desarraigados, sino una gota más de agua. Así lo expresa la bellísima y lírica escena final de Ryuichi y Anita ensangrentados y remando en un bote en el océano en plano y contraplano, y luego en plano dúo cantando esta canción para luego pasar a un plano aéreo y perder el bote en la inmensidad del mar con la melancólica música de Endō de fondo —otra vez con filtro verde y amarillo—. Pero también las vías del tren como metáforas de las “ley lines”, las hipotéticas líneas que conectan lugares geográficos de interés y monumentos históricos por todo el mundo y que en el film conectaría a los protagonistas con su felicidad y sus sueños.

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El paraguas vuelve a diferenciar a los repudiados del resto de la sociedad, pero también el muro de la azotea les separa. La azotea se convierte en un espacio de reflexión desde donde miran el mundo y sueñan con pertenecer a él.

Como última entrega de la trilogía Kuroshakai, Ley Lines vuelve a tratar los mismos temas. Personajes transnacionales sin pasaporte y sin posibilidad de huir del mundo en el que viven —Chan ni siquiera pronuncia bien la “s” y utiliza constantemente anglicismos—. Personajes desarraigados y excluidos por la sociedad hasta tal punto que se ven arrastrados al mundo subterráneo del crimen y las mafias. Familias desestructuradas como demuestra la escasa relación de Ryuichi y Shunrei con sus padres. Igual que en Shinjuku Triad Society, Miike nos muestra un mundo criminal multicultural y plural, en el que se mezclan las culturas, como si los personajes transnacionales no tuvieran otras opciones. Cabe notar que se culpabiliza directamente a la sociedad que los excluye. Ya sea en la escena del comienzo de la película en la que vemos a los dos hermanos Ryuichi y Shunrei de niños siendo humillados por otros niños por ser de origen chino; en el experimento social con Anita; o en la escena del funcionario que duda sobre si Ryuichi es realmente japonés y le instiga: «si es japonés, siga las normas». También es la sociedad la causante de que exista un submundo. Los ciudadanos de a pié son los consumidores de tolueno y los clientes de Anita, incluso el señor masoquista que la viola es un ejecutivo con traje que mira por encima del hombre al proxeneta de Anita.

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Finalmente, se nos muestran dos caras del sexo que se diferencian por el montaje. El montaje totalmente outrage del sexo de Anita con sus clientes y el montaje de largos planos de Anita con los chicos. El primer cliente la espera ya desnudo. Miike corta y nos muestra un plano detalle de un cliente del restaurante sorbiendo fideos —montaje de atracción completamente—. Provocado el asco, volvemos al hombre sudoroso queriendo quitarle la ropa, no espera ni a que esté húmeda y el siguiente plano subjetivo desde la posición de Anita alterna la bombilla con el ir y venir del cliente. Plano detalle de Anita y luego plano detalle de ella comiendo fideos. Y volvemos a la cámara subjetiva que alterna entre la posición de Anita y la del cliente. La escena del masoquista que viola a Anita es muchísimo más radical porque el montaje no pretende el asco sino el miedo. Nos puede recordar un poco a las escenas de sexo de Shinjuku Triad Society pero entonces Miike no nos mostró la violación de Ritsuko. A partir de aquí Miike ha pasado el umbral de la hiperviolencia con la mujer y sin la mujer, con el sexo y sin el sexo. Y el sadomasoquismo no será más algo oculto y sobreentendido, sino que nos los mostrará con todo detalle. El sexo con los chicos por el contrario se nos presenta en planos más largos y llenos de risas—de hecho la escena con Chan es un plano secuencia general de casi tres minutos—, y la situación no deja de tener un sentido del humor físico que nos muestra el sexo como algo placentero y divertido. Nada que ver con las otras dos secuencias. Dos caras de la moneda que coexisten en nuestra sociedad como las luces y las sombras, aunque queramos mirar para otro lado.

Bibliografía:
GEROW, Aaron (2009). «The Homelessness of Style and the Problems of Studying Miike Takahashi». En Canadian Journal of Film Studies, vol. 18, no. 1, pp. 24-43.
MES, Tom (2006). Agitator: The Cinema of Takashi Miike. UK: FBA Press, pp. 432

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

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