19
Ene

22nd Hong Kong Film Critics Society Awards

Port of Call The Taking of Tiger Mountain

Este pasado fin de semana se concedieron los Hong Kong Film Critics Society Awards, o lo que es lo mismo los premios de la crítica de Hong Kong. El drama sobre un extraño crimen Port of Call ha sido la gran vencedora llevándose los premios a mejor película y mejor interpretación tanto masculina como femenina. Por su parte Tsui Hark se lleva ek premio a mejor director por The Taking of Tiger Mountain. Finalmente la película de Sylvia Chang, Murmur of the Hearts, se ha obtenido el premio a mejor guión. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados, además del top de películas meritorias según los críticos.

Mejor Película

Port of Call
The Taking of Tiger Mountain
Murmur of the Hearts
Office
Ten Years

Mejor Director

Tsui Hark (The Taking of Tiger Mountain)
Sylvia Chang (Murmur of the Hearts)
Ringo Lam (Wild City)
Johnnie To (Office)
Philip Yung (Port of Call)

Mejor Guión

Sylvia Chang, Yukihiko Kageyama (Murmur of the Hearts)
Philip Yung (Port of Call)
Huang Jianxin, Tsui Hark, Yang Li, Lin Chi-An, Zhe Dong, Bing Wu (The Taking of Tiger Mountain)
Leung Lai-yin, Wong Ying (SPL II)
Hannah Cheung, Adrian Kwan (Little Big Master)

Mejor Actor

Michael Ning (Port of Call)
Lawrence Ko (Murmur of the Hearts)
Zhang Hanyu (The Taking of Tiger Mountain)
Aaron Kwok (Port of Call)
Nick Cheung (Keeper of Darkness)
Siu Hin Ng (She Remembers, He Forgets)

Mejor Actriz

Jessie Li (Port of Call)
Angelica Lee (Murmur of the Hearts)
Miriam Yeung (Little Big Master)
Sylvia Chang (Office)
Elaine Jin (Port of Call)

Top películas meritorias

The Taking of Tiger Mountain
Murmur of the Hearts
Ten Years
SPL II: A Time for Consequences
Office
Keeper of Darkness
She Remembers, He Forgets


18
Ene

The Happiness of the Katakuris – Deconstruyendo a Takashi Miike

katakurisKatakuri-ke no kōfuku (2001)
Director: Takashi Miike
Guión: Kikumi Yamagishi, Ai Kennedy (traducción)
Actores: Kenji Sawada, Keiko Matsuzaka, Shinji Takeda, Naomi Nishida, Kiyoshirō Imawano, Tetsurō Tanba, Naoto Takenaka, Tamaki Miyazaki
Productora: Dentsu, Eisei Gekijo, Ganmo, Gentosha, Little Garage, Mainichi Broadcasting System (MBS), Shochiku Company, Spike K.K.
Director de fotografía: Hideo Yamamoto
Editor: Yasushi Shimamura

Después de un breve regreso al yakuza-eiga con Agitator (2001), Shochiku volvería a contar con Miike. El director ya había dirigido para el gran estudio la adaptación de una novela de Riichi Nakaba en 1997 con Young Thugs: Innocent Blood y su precuela de 1998 Young Thugs: Nostalgia. Esta vez, Shochiku le pediría que se encargara del remake de la ópera prima del director y guionista Kim Jee-woon, The Quiet Family (1998).

La felicidad de los Katakuri narra la historia de Masao Katakuri, quien es despedido de su trabajo de toda la vida y con el dinero de la indemnización decide montar una pequeña pensión con su familia en la montaña, cerca del lugar en el que van a construir una carretera. Pero nadie parece acercarse por esa zona, los viajeros prefieren a la cercana Karuizawa, y los primeros visitantes que tienen es un grupo de mujeres que están realizando un viaje espiritual y que les auguran desgracias. Por fin llega el primer huésped, pero se suicida con la llave de la habitación sin dejar una nota de suicidio y los Katakuri deciden ocultar su cuerpo en el bosque por miedo a ahuyentar a la futura clientela. A partir de aquí, la familia deberá seguir unida para ocultar las muertes que sucederán después en la pensión y evitar así caer en desgracia.

Katakuris Katakuris Katakuris

La adaptación que nos ofrece Miike es una adaptación libre, no sólo porque acomoda el guión a un contexto japonés sino porque se podría decir que es una interpretación muy personal de la historia de Kim Jee-woon. Para empezar los personajes que nos presenta son diferentes. La familia Kang la componen el padre y la madre, el hijo mayor de 20 años, la hija mediana, la hija pequeña de 17 años y el hermano pequeño del padre de familia. Sin embargo, la familia Katakuri es una familia media japonesa, que debido al estallido de la burbuja inmobiliaria de los 90 ha tenido que reestructurarse. El padre ha perdido su empleo vitalicio, el sustento de la familia así que los Katakuri se han visto obligados a trabajar unidos para salir de la crisis, incluyendo a la madre, al abuelo, al hijo recién salido de la cárcel y a la hija divorciada con una niña de tres años; en total cuatro generaciones en una misma casa. Miike personifica en ellos las muchas familias japonesas que tuvieron que agruparse durante el colapso de la burbuja. Este cambio de personajes ya es muy significativo porque lo que Kim Jee-woon plantea como una comedia de humor negro, Miike lo aprovecha a modo de reflexión social con mucho, mucho positivismo. Los planos oscuros de Jee-woon se convierten en pura luz de manos de Miike, el “Hotel Brumoso” en la “Pensión de los amantes blancos”, la importancia de la banda sonora en un musical y el humor negro en un canto a la felicidad y a la risa.

A Miike las familias desestructuradas le vienen de fábula, pero esta no es una familia tipo miikeana, es sólo una familia que pasa por un momento de inflexión y que debe reinventarse y conciliar los diferentes intereses de cada uno de sus miembros. Los Khang llevan trece años en “Hotel Brumoso” y su único anhelo es deshacerse de la soledad y el aburrimiento que sienten. Esto queda muy explícito en la narración utilizada en estos films. Mientras Jee-woon utiliza a la hija de 17 años como filtro de la historia, Miike prefiere a la pequeña de tres años; y ambas niñas exponen con su voz over el tema principal del film. Mina simplemente está cansada de que nada ocurra en el hotel, pero la madurez psicológica de Yurie contrasta con su edad y deja entrever la intención del director. No sólo quiere divertirnos con el humor negro, también quiere que seamos conscientes de lo que buscan todos los personajes de Miike y, por ende, el ser humano: la felicidad. Mientras Yurie entierra en el jardín a su pez muerto, la voz en over dice: «Por entonces empecé a preguntarme: ¿cómo se crea una familia feliz? Decimos familia pero cada miembro es un individuo con sus propios sueños y problemas. Se dice que la naturaleza y la crianza influyen en cómo crecemos, pero con mi familia sé que me convertiré en una persona muy guay».

Katakuris Katakuris Katakuris

El punto de vista de Yurie le sirve a Miike para justificar los efectos visuales, la presentación de los personajes y un par de escenas realizadas en animación stop motion con plastilina a causa del bajo presupuesto, pero también le sirve para convertir el film en un musical que contará con el genial Mick Jagger japonés, Kiyoshirō Imawano. La niña se imaginará el asesinato de una huésped en Karuizawa como parte de la cadena alimentaria, verá a los componentes de su familia siempre bajo un filtro de luz blanco-azulado brillante y convertirá en un número musical la exhumación de los cadáveres a causa de la lluvia. Miike ya había jugado con los montajes rítmicos en otras ocasiones, incluso se había atrevido con algún número musical en Andromedia (1998) o Blues Harp (1998), mas en La felicidad de los Katakuri da rienda suelta al montaje. Sin embargo, esta parodia no sólo consiste en el cambio de enunciación, la diégesis que construye Miike es una hipérbole con mayúsculas. Donde Jee-woon presenta una pareja que se suicida con veneno por amor, Miike ve un luchador de sumo que aplasta a su novia adolescente cuando le da un ataque al corazón. Y donde Jee-woon ve un flirteo en el porche de la casa a la luz de la luna, Miike ve un estafador que seduce a una mujer soñadora en un vertedero.

Katakuris Katakuris Katakuris

El uso de la luz es un gran cambio respecto al guión original. La casa de los Katakuri, aunque esté en una montaña llena de escombros es una casita encantadora llena de luz y con cielo muy azul, muy a tono con la energía positiva de la radiante señora Katakuri que no tiene nada que ver con la mezquina coreana señora Khang. La puesta en escena en general nos indica otra gran diferencia. La oscuridad del encuadre de Jee-woon retrata a una familia aburrida con un objetivo común pero que pierde de vista lo esencial y acaba luchando en dos bandos y manchándose las manos de sangre, aunque finalmente se reconcilien. Miike, por el contrario, parte de unos seres individuales que se reencuentran gracias a las muertes que suceden a su alrededor y aprenden, por ende, el valor de la vida, de la lucha por coexistir de la humanidad. Además se apoya en la naturaleza como recurso dramático, como ya lo hiciera en The Bird People in China (1998). Los planos de lunas, muy típicos en la filmografía del director, esta vez se convierten en un eclipse para anunciar el desastre natural; los cuervos, también muy socorridos por Miike; el vertedero en el que Richâdo Sagawa intenta conquistar a Shizue que simboliza su engaño; y sobre todo, el idílico emplazamiento de la secuencia final que incluye un arco-iris a todo color que expresa la felicidad que por fin ha alcanzado la familia. En este sentido, el propósito del director japonés es infinitamente más axiomático y existencial, como existencial es el mensaje final de la voz en over de Yurie: «el hombre es sólo una de las criaturas de la naturaleza y quizás algún día la humanidad pierda en el juego de la selección natural. Pero hasta entonces el hombre sigue viviendo, sincera y conmovedoramente. Eso es vivir». Un verdadero grito a seguir viviendo y riendo.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


14
Ene

Noboru Ando

noboru-andoNoboru Ando nació en Higashi, Okubo, Tokyo el 24 de Mayo de 1926, siendo el mayor de los cuatro hijos de un padre de ascendencia samurái. Después de ir a al escuela primaria en Yokohama, ingresó en la secundaria en Manchuria, donde trabajaba su padre, aunque volvió a Tokyo a vivir con unos familiares cuando fue expulsado. Tan solo tres meses después fue nuevamente expulsado de otra escuela y comenzó a asociarse con malas compañías hasta que fue detenido por robo y enviado al reformatorio de Tama. Ingresó en el ejército durante el programa de formación de pilotos entre 1943 y 1945, y se ofreció voluntario para la unidad de pilotos suicidas, aunque la guerra finalizó antes de que pudiera entrar en acción. Cuando regresó ingresó en la Universidad de Hosei, aunque siguió comportándose como un mafioso y lo dejó en 1948.

Ando fundó su propia familia Yakuza, la Azuma Kogyo, en 1952, compuesta principalmente por chicos malos universitarios. En su apogeo, cuando reinaba en los cabarets y clubs nocturnos del distrito de Shibuya, la banda contaba con más de 300 miembros, además tenían compañías legítimas de inversiones y de ocio, como discotecas. Sus lugartenientes eran identificables por sus trajes grises. Al jefe Ando se le identificaba por una cicatriz prominente en la mejilla izquierda, resultado de una disputa con un gangster coreano en su juventud.

En 1958 la banda de Ando fue contratada para cobrar una deuda de un prominente empresario llamado Hideki Yokoi. Yokoi, un cliente difícil, no solo no pagó los servicios, sino que insulto al jefe yakuza. Ando envió a un asesino armado con una pistola y Yokoi resulto gravemente herido a la vez que Ando huía de la policía y de la prensa sensacionalista japonesa. Finalmente fue arrestado en Hayama después de 35 días a la fuga e ingresó seis años en la cárcel por intento de asesinato. A su salida, en diciembre de 1964, disolvió formalmente su familia yakuza tras la muerte de uno de sus amigos y lugartenientes.

street mobsterPoco después Ando recibió una propuesta de los estudios Shochiku y participo como actor en “Blood and Rules”, suerte de película biográfica sobre él mismo. La película sería todo un éxito y pondría al nuevo actor en el panorama del star system local, que empezaba a abandonar el tradicional cine de samuráis por producciones de acción y crimen más modernas y atractivas para el gran público. A continuación participó en tres películas de Tai Kato. En “A Man’s Face Shows His Personal History” (1966) interpretaba a un médico, y ex-asesino, cuya clínica estaba amenazada por una banda de mafiosa coreano-japonesa. A esta le siguieron “Opium Heights: Hell Squad Attack” (1966), sobre la corrupción en tiempos de la Guerra de China, y “Sentence: Eighteen Years” (1967).

Las películas de Ando de la década de 1960 se adhirieron a las normas de los ninkyo eiga (películas de caballería), que expresan una evolución del código samurái de honor en un ambiente más moderno, el viejo conflicto entre el deber y el deseo como base de la tensión dramática. En los brutales jitsuroku eiga (películas realistas) de la década de 1970, la yakuza se convirtió en un antihéroe, el rechazo de la lealtad del grupo y vivir sólo para sí mismo en un mundo de lucha y traición.

En 1967 Koji Shundo, productor de los estudios Toei y ex-yakuza, ficho al actor. Ando apareció en un total de 51 películas para la Toei, incluyendo “Abashiri Bangaichi: Fubuki no Toso” (1967) y “Gendai Ninkyoshi” (1973) de Teruo Ishii; “Kumicho” (1969), “Sympathy for the Underdog” (1971), “Street Mobster” (1972), “New Battles Without Honor and Humanity” (1974) o “Graveyard of Honor” (1975) de Kinji Fukasaku; y “The Wolves” (1971) o “Violent Streets” (1974) de Hideo Gosha.

A lo largo de los años protagonizó varias películas que narraban su propia historia y la de su familia yakuza, formando una especie de trilogía autobiográfica compuesta por “Yakuza & Feuds: The True Account Of The Ando Gang” (1973), “True Account Of The Ando Gang: Story Of Attack” (1974) y “The Sex Life & Flight Of Gangster Noboru Ando” (1976), describiendo esta última sus aventuras amorosas mientras huía de la policía.

Después de aparecer en la película de Sadao NakajimaThe Big Boss’s Head” en 1979, Ando se retira de la actuación, aunque ejercía esporádicamente labores de producción como en la cinta de 1988 “Bruise” de Shunichi Kajima. Además de esto Ando tuvo una fugaz carrera como cantante y escritor. En 1997 volvió a la actuación con la película “The True Face of Shinjuku: The Story of the Shinjuku Delinquent Gangs”, producción directa a vídeo. En 2002 realizó tareas de supervisión en la cinta de Takashi MiikeDeadly Outlaw: Rekka”.

Sympathy for the Underdog  Noboru ando

Noboru Ando murió el 16 de diciembre de 2015 de una neumonía en un hospital de Tokyo a la edad de 89 años. Para él actuar fue muy sencillo como resultado de su paso por los bajos fondos: “En japonés, la única diferencia entre yakuza (mafioso) y yakuza (actor) es un carácter hiragana”. En una entrevista con el escritor Mark Schilling llegaría a afirmar: “Todos los yakuza tienen que ser actores para sobrevivir”. Pocos fueron capaces de pasar de una forma tan fluida del mundo de la yakuza real a la yakuza cinematográfica, y pocos supieron dar tanto carisma y realismo a sus interpretaciones.


13
Ene

FAN Festival 2016

fan16

Entre los próximos 14 y 17 de enero se celebra en Pamplona el FAN Festival 2016, el Festival de Anime de Navarra, que este año llega a su treceava edición. El Planetario de Pamplona y los cines Golem Yamaguchi serán sus sedes oficiales, el primero de ellos acogerá charlas, exposiciones y actividades y el segundo proyecciones con lo último del panorama de animación japonesa.

Podéis consultar la programación completa y la escaleta de horarios en la web oficial del Festival o descargaros el programa de mano en PDF. Nosotros os resumiremos un poco que películas y series podrán verse en el evento durante el próximo fin de semana y que actividades estarán a vuestra disposición.

Eve no Jikan (El tiempo de Eve)
Director: Yasuhiro Yoshiura
País: Japón. 2010
Duración: 106 minutos

En un futuro no muy distante los androides tienen apariencia humana y salvo por un halo en la cabeza nada los diferencia. Sin embargo muchos humanos los tratan como si fuesen simples herramientas, aunque existen personas que los tratan como si fuesen iguales. Rikuo, un joven estudiante de piano que tiene un prometedor futuro como concertista, descubre que Sammy, su androide, actúa de forma extraña. Revisando su registro de actividades descubre una dirección desconocida. Junto a un amigo, Masaki, cuya relación con los robots es muy conflictiva, siguen los pasos de Sammy hasta llegar a una cafetería, “The Time of Eve”. Nagi, la camarera, les informa que la regla principal del lugar impone la no discriminación de nadie, sean humanos o androides.

Bakemono no ko (The Boy ans the Beast)
Dirección: Mamoru Hosoda
País: Japón. 2015
Duración: 119 minutos

Kyuta es un chico que se ha quedado solo y no está dispuesto a admitir el futuro que han trazado para él. Por eso deambula por las calles de Shibuya, en Tokyo, repletas de gente que no se percata de que muy cerca de ellos existe un pequeño callejón que lleva directamente a otra dimensión. Kyuta descubre ese lugar que le conduce hasta el mundo de los bakemonos, unos monstruos cambiantes uno de los cuales, llamado Kumatetsu, se convertirá en su maestro y en uno de los seres más importantes de su vida.

Puella Magi Madoka Magica The Movie: Rebellion
Dirección: Akiyuki Shinbou,Yukihiro Miyamoto, Atsuhiro Iwakami, Yasunori Morii
País: Japón. 2013
Duración: 120 minutos

Las Magical Girls estaban destinadas a luchar contra las brujas, heraldos de destrucción que ponen las semillas de la desesperación, y al final debían terminan cerrando el círculo y convirtiéndose en brujas ellas también. Pero Madoka Kaname rompió este terrible círculo que se había repetido tantas veces y, con su sacrificio, el mundo entró en un nuevo orden. La Ley del Ciclo guía ahora a las Magical Girls salvándolas de la desesperación, gracias al sacrificio de Madoka Kaname, que un día fue una chica normal que vivía los días más felices de su vida. Homura Akemi, otra Magical Girl, sigue la lucha en el mundo que Madoka dejó tras ella.

Saint Seiya: Legend of Sanctuary
Dirección: Keiichi Sato
País: Japón. 2014
Duración: 95 minutos

Muchos años después de una larga lucha Saori Kido, una niña preocupada por sus misteriosos poderes, es salvada por un muchacho, Seiya, del ataque de un asesino. Gracias a este suceso Saori se da cuenta de cual es su destino y su misión y decide viajar hasta el Santuario con Seiya y sus Caballeros de Bronce. Una vez en el Santuario tendrán que emprender una feroz batalla contra los poderosos Caballeros de Oro.

Ghost in the Shell: The New Movie
Dirección: Kazuya Nomura
País: Japón. 2015
Duración: 100 minutos

Osamu Fujimoto, asesor e hijo de un primer ministro asesinado, va a colaborar con la Mayor Kusanagi y con la sección 9. El motivo de esta colaboración es descubrir quién está detrás del asesinato de su padre, un suceso que ha sido bautizado como el mayor acontecimiento desde la guerra.

Lupin versus Detective Conan
Dirección: Hajime Kamegaki
País: Japón. 2013
Duración: 108 minutos

Durante una cacería es asesinada la reina Sakura, soberana del reino de Vespania. Todo parece indicar que la muerte se debió a un accidente del que ha sido responsable su propio hijo, el príncipe Gill, que inmediatamente se suicida. Así, el trono de Vespania pasa a la princesa Mira, que renuncia porque considera que no es la legítima heredera. Para aumentar la popularidad de la princesa se organiza un viaje alrededor de Japón y una fiesta en la que Conan Edogawa descubre un intento de envenenar a la princesa, la cual decide escapar. Mientras tanto Lupin localiza un mineral oculto en el reino de Vespania y que es invisible para los radares.

Ataque a los Titanes 1. El arco y la flecha escarlatas
Director: Tetsuro Araki
País: Japón. 2014
Duración: 119 minutos

La humanidad se encuentra al borde de la extinción debido al poder de unos horribles monstruos que se alimentan de personas y que son conocidos como los Titanes. No es fácil resistir el ataque de tan terribles criaturas y solo unos pocos lo consiguen. Estos supervivientes se encargaron en su día de construir un refugio rodeado de un muro de cincuenta metros de alto que impidiera el paso de los titanes pero, con el paso del tiempo, se han ido relajando y piensan que nunca se encontrarán con un monstruo capaz de vencer la muralla que han creado. El problema es que esa criatura existe y que es capaz de volver a desatar el caos.

Ataque a los Titanes 2. Alas de la libertad
Director: Tetsuro Araki
País: Japón. 2015
Duración: 119 minutos

Tras el ataque de unos seres peligrosos y devoradores conocidos como los Titanes, los supervivientes de la humanidad se refugiaran en un espacio rodeado por muros de cincuenta metros que les protegían de sus atacantes. Eren Jaeger es un joven cansado de estar confinado entre las altas paredes que le rodean y que sueña con el mundo exterior. Pero la llegada del Titán Colosal, más alto que el propio muro, acabará con sus ansias de libertad y hará que Eren se proponga vengarse de los Titanes en nombre de la humanidad.

Dragon Ball Z. La Resurrección de F
Dirección: Tadayosi Yamamuro
País. Japón. 2015
Duración: 93 minutos

Tras la muerte de Freezer, Sorbet queda a cargo de su ejército. Decidido a viajar a la tierra para resucitar a Freezer, elige al soldado Tagoma para que le acompañe. Invocando a Shenlong le arrebatan las Bolas de Dragón a Pilaf y su banda y consiguen que resucite a Freezer. Éste cae a la Tierra partido en pedazos que Sorbet y Tagoma recogen y ponen en una cámara de avivamiento donde Freezer se va regenerando y comienza a recordar su derrota ante Goku.

Miss Hokusai
Director: Keiichi Hara
País: Japón. 2015
Duración: 90 minutos

1814. Edo (actualmente conocido como Tokyo) es una de las ciudades más pobladas del mundo. Allí viven nobles, artistas, cortesanos, campesinos y samuráis. Entre los habitantes de esa ciudad se encuentra Tetsuzo, un artista de más de cincuenta años que atiende a sus clientes y que ocupa su tiempo creando sorprendentes obras de arte que pueden medir más ciento ochenta metros cuadrados o estar realizados en un grano de arroz. Un tanto sarcástico y con poco interés por el dinero una de sus cuatro hijas, O-Ei, ha heredado su talento y su tesón y el arte de ambos es tan poderoso que a veces les puede acarrear más de un problema: “Somos padre e hija; con dos pinceles y cuatro palillos podemos hacer lo que queramos”

Saint Young Men
Dirección: Noriko Takao
País: Japón. 2013
Duración: 90 minutos

Cristo y Gautama Buda se encuentran de vacaciones en la Tierra y están viviendo juntos en un apartamento en Tokio. Los dos personajes tratan de entender a la sociedad actual, pero no es tan sencillo y algunos elementos propios del cristianismo y del budismo se ponen de manifiesto en su día a día complicando sus rutinas. Pero ellos están dispuestos a pasarlo bien y viven como dos jóvenes japoneses contemporáneos, uno de ellos más holgazán e impulsivo y el otro más tranquilo y racional.

Ciclo de Cine Coreano

Además de estas producciones japonesas el Festival incluye dos películas coreanas incluidas en una especie de ciclo presentado por Eunyoung Cho, representante del Centro Cultural Coreano en España.

Green Days
Directores: Jaehoon An, Han Hye-jin
País: Corea del Sur. 2011
Duración: 102 minutos

Yi-Rang es una joven insegura que vive en una zona rural de Corea del Sur a finales de los años 70 y que trata de aparecer como una chica normal y no ponerse demasiados retos para no sufrir derrotas. En su vida se cruza una chica de Seúl, que llega a su instituto y que parece bastante autosuficiente, y también un chico tímido, bastante seguro de sí mismo y un tanto soñador. El momento vital de Yi-Rang nos habla de un tiempo de crecimiento y maduración, complicado y emotivo al mismo tiempo.

On The White Planet
Dirección: Hur Bum-wook
País: Corea del Sur. 2014
Duración: 74 minutos

En el Planeta Blanco las cosas no tienen color y todo es en blanco y negro. Desde la tierra hasta las plantas, los seres humanos o incluso la sangre adquiere un tono monocromo. Pero la aparición de un extraño chico que tiene la piel coloreada modificará algunas cosas. Se trata de un adolescente huérfano, atormentado por la pérdida de su familia y que combate con gran furia a los cobardes habitantes del lugar. Una banda de forajidos le invita a formar parte del grupo pero sus amables palabras no son tan sinceras como pudiera parecer.

Por si los largometrajes supieran a poco al aficionado, también se proyectarán diversas series, no tengo claro si completas o solo algunos capítulos a modo de presentación -supongo que la segunda opción-, que van desde La Heroica Leyenda de Arslan hasta Tokyo Ghoul, pasando por Sword Art Online II, Psycho-Pass, One Punch Man, No Game No Life, Haikyu!! Los Ases del Voley, El Reino de los Vampiros (Seraph Of The End), Gangsta y Comet Lucifer.

En cuanto a actividades fuera de las proyecciones se celebrarán cuatro interesantes conferencias, principalmente encuadradas el sábado día 16. La primera de ellas, a cargo de Manu Guerrero, se centra en “la música del anime”; En la siguiente Javi Guerrero analizará la última película hasta la fecha de los Caballeros del Zodiaco, en esta charla titulada “Un día para el recuerdo. Así fue el estreno de La Leyenda del Santuario en España”; En “Akihabara. De ciudad eléctrica a paraíso del mangaIñaki Pueyo y Samuel J. González hablarán sobre la evolución de este conocido barrio de la ciudad de Tokyo; y para terminar José Luis Puertas, responsable de Yowu, hablará del pasado, el presente y el futuro de la industria de la animación japonesa y de cómo han cambiado muchas cosas en los últimos años.

Además de todo esto se realizará una exhibición de Kendo, arte marcial tradicional japonés de lucha con espada, y talleres de cocina japonesa, dibujo de Manga, Shiatsu y Xilografía japonesa. Para completar esta interesante programación Selecta visión y Yowu presentarán sus novedades y licencias para esta temporada, María Jesús Elizondo y Francisco López presentarán el libro “El Sable Japonés” y se realizará un interesante concierto temático durante la inauguración del Festival.


11
Ene

Ichi the Killer – Deconstruyendo a Takashi Miike

ichi_the_killerKoroshiya 1 (2001)
Director: Takashi Miike
Guión: Sakichi Satō (manga de Hideo Yamamoto)
Actores: Tadanobu Asano, Nao Ōmori, Shin’ya Tsukamoto, Paulyn Sun
Productora: Omega Project, Omega Micott Inc., Emperor Multimedia Group (EMC), Star max, Alpha Group, Spike Co. Ltd., Excellent Films
Director de fotografía: Hideo Yamamoto
Editor: Yasushi Shimamura

Habiendo llegado a Koroshiya 1, creo necesario grabar a fuego estas palabras de Miike: «Creo que soy un arreglista, no un autor. Como no tengo base, mi enfoque a la hora de filmar una película es el de traer hacia mí algo que pertenece a otro lugar» (Miike en Sato & Mes, 2001). Me reitero con esto en lo que afirmaba al inicio de esta retrospectiva, Miike traslada la historia a la gran pantalla pero, esa historia, esos personajes, no son de él, sino del mangaka Hideo Yamamoto. Por eso, atribuirle a este film un significado sobre el consumo de la violencia en la gran pantalla no me parece de recibo porque ese no es el mensaje de Yamamoto. De haber un mensaje, sería el de cómo la sociedad negra de Shinjuku —haciendo uso de la terminología miikeana— es capaz incluso de contaminar al héroe trágico.

Ichi (Nao Ōmori) es un héroe que se ha hecho fuerte para vengarse contra los matones que le acosaban de adolescente. Sin embargo, ha caído presa de los juegos mentales de Jijii (Shinya Tsukamoto) quien le utiliza para limpiar Shinjuku del clan yakuza más temido, el Anjougumi. En su “pacífico plan de la caída de Shinjuku utilizando a Ichi”, Jijii enfrenta a su trastornado héroe con el sadomasoquista Kakihara (Tadanobu Asano). Lo que no espera es que su héroe conecte tan fuertemente con su lado más sádico.

Si bien es cierto que el manga seinen es hiperviolento a menudo, y que el ero-guro pervierte al género yakuza en Ichi the Killer, lo grandioso de Miike es de qué manera se atreve a plasmarlo, incluso amplificando la experiencia visual del espectador. El manga de Hideo Yamamoto dejó de publicarse el 5 de julio de 2001 y el film se estrenaba el 14 de septiembre de 2001, con lo que para entonces Miike conocía perfectamente el final y la historia del manga y toda su intención era cautivar a los seguidores de Yamamoto: «Simplemente quería ser fiel a los seguidores del manga. No quería decepcionarles. Visualmente, quiero probarlo todo. Pero creo que cada plano de la película expresa lo que pienso de la historia y de los personajes. Lo más importante es la historia, y no las imágenes» (Miike en Rose, 2003).

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Y vaya si lo probó todo visualmente. Miike reproduce de manera fiel detalles del manga como la sonrisa forzada de Ichi, escenas íntegras de las violaciones de Sailor y la tortura de Suzuki y otras escenas de violencia más inverosímiles que mantiene con tal de agasajar a Yamamoto. Y todas las escenas de violencia, aunque puedan parecer excesivas para los más conservadores, son necesarias para justificar el carácter de los personajes, tanto el de Ichi como el de Kakihara.

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El estilo manga impregna más que nunca el estilo de Miike cuando rememora con un filtro los recuerdos de Ichi que funcionan como imágenes pulsión de sus miedos y deseos más pérfidos, o cuando el tiempo se para por unos instantes para la víctimas que chorrean sangre exageradamente. Y para maximizar esta experiencia manga, Miike no duda en utilizar planos cortos con todo lujo de detalles: primeros planos, primerísimos planos, planos detalles, etc. Cuando Kakihara se corta la lengua, Miike alterna el plano general de reacción de los yakuza con planos mucho más cortos de Kakihara. Además estos planos son sensiblemente más largos; la cámara se recrea en la violencia igual que lo hace Yamamoto en sus viñetas. Esta sucesión de planos que se repiten como un ciclo, se produce en casi todas las escenas de violencia más surrealistas. Es el resultado del estilo del hiperdetallista mangaka. Igual funciona la escena en la que Kakihara engulle el puño de Ryu Long. El tiempo se dilata gracia a la alternancia de planos para poder admirar la violencia con detenimiento.

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Sin embargo, si el manga cuenta cómo el héroe se ve pervertido por Shinjuku y a la vez es esta perversión del distrito la que consume sus ansias de venganza y le restauran su identidad, Miike está más interesado en explorar la psicología de Kakihara. Después de una introducción con montaje rítmico e impregnada de estilo manga, ya los créditos nos anuncian la intención del director: primero vemos el nombre de Tadanobu Asano, luego el de Hideo Yamamoto, y finalmente el de Takashi Miike. Este es el Koroshiya 1 de la fusión de estos tres artistas, y lo que nos presentan es una versión fiel al manga pero con diferencias sutiles. Con la escena siguiente de la violación de Sailor, y Ichi en plan voyeur, el espectador encontrará imposible empatizar con el héroe. Sin embargo, la causa de Kakihara —vengar a su jefe— es a priori más noble. Se nota que Miike disfruta como un niño con este personaje, mucho más socarrón que el original. Kakihara es un personaje subversivo del mundo yakuza, capaz de colocarse un pañuelo verde limón a modo de babero antes de sesgarse la lengua y de cocinar tempura en el aceite que luego verterá en un torturado. El color siempre acompaña a Kakihara, no sólo en su ropa, sino en el rojo intenso de su zona del apartamento; rojo que Miike ya había utilizado antes en su filmografía para advertir del peligro. Sus ropas llamativas y su pelo teñido le otorgan un aspecto yankī que indica precisamente eso: no respeta las normas del mundo en el que vive. Sus reglas son otras: las del dolor, y por eso, su jefe sólo es capaz de expulsarle a través de la pantalla de un portátil.

Ichi Ichi ichi

Sin el freno de su familia, Kakihara estará más desbocado que nunca y se lanzará a la búsqueda de su felicidad, que no es otra que encontrarse con Ichi; un asesino que él cree que es 100 % sádico y que podría ser su pareja perfecta. Cuando todas sus expectativas se derrumban al ver que Ichi está perturbado, Kakihara prefiere perforarse el oído y regalarse la última paja mental. El final de Miike es mucho más coherente con la psicología de los personajes y más positivo en lo que respecta al futuro de Shinjuku. Además, el diretor ya nos ha preparado el terreno suficientemente relacionando a Ichi con Takeshi y el espectador sabe que Koroshiya 1 significa que habrá un Koroshiya 2. Y cuando Jijii encuentra a Kakihara y sonríe de alegría, su sonrisa se borra de inmediato cuando cae en la cuenta de que no hay ningún corte con lo que Ichi no ha matado a Kakihara. El silencio de la escena hace volar la imaginación del espectador con los posibles pensamientos de Jijii. ¿Lo ha matado otro asesino? ¿Irá tras él también? ¿Ha quedado Ichi inservible para sus fines? Los pensamientos de Jijii se mezclan con un plano de Takeshi aún golpeando a Ichi y con otro plano de Kakihara tremendamente sólo en la sala de torturas. Takeshi sigue vivo y Kakihara se ha suicidado por soledad. El futuro de Shinjuku ya no está más en las manos de Jijii, porque la forma que tiene Takeshi de matar a Jijii es una ruptura con los métodos de Ichi, e implica el nacimiento de un héroe verdadero a pesar de haber perdido la inocencia en su infancia a causa de la violencia.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

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