26
dic

Filipino Film Critics – Gawad Urian Awards 2012

Finalizamos nuestro repaso al panorama cinematográfico filipino de este 2012 con los premios de la crítica local, los Gawad Urian Awards. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

“The Natural Phenomenon of Madness”
“Ang Babae sa Septic Tank”
“Busong”
“Bisperas”
“Amok”
“Ka Oryang”
“Niño”
“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”
“Boundary”
“Six Degrees of Separation from Lilia Cuntapay”

Mejor Director

Sari Dalen (“Ka Oryang”)
Lawrence Fajardo (“Amok)
Benito Bautista (“Boundary”)
Loy Arcenas (“Niño”)
Marlon Rivera (“Ang Babae sa Septic Tank”)
Alvin Yapan (“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”)
Jeffrey Jeturian (“Bisperas”)
Antoinette Jadaone (“Six Degrees of Separation from Lilia Cuntapay”)
Auraeus Solito (“Busong”)

Mejor Actriz

Lilia Cuntapay (“Six Degrees of Separation from Lilia Cuntapay”)
Raquel Villavicencio (“Bisperas”)
Eugene Domingo (“Ang Babae sa Septic Tank”)
Maja Salvador (“Thelma”)
Opaline Santos (“The Natural Phenomenon of Madness”)
Isabel Lopez (“Cuchera”)
Alessandra de Rossi (“Ka Oryang”)
Fides Cuyugan (“Niño”)
Cherie Pie Picache (“Isda”)
Diana Zubiri (“Bahay Bata”)

Mejor Actor

Bong Cabrera (“Sa Ilalim ng Tulay”)
Tirso Cruz III (“Bisperas”)
Paulo Avelino (“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”)
Alfred Vargas (“Teoriya”)
Ronnie Lazaro (“Boundary”)
Raymond Bagatsing (“Boundary”)
TJ Trinidad (“Deadline”)
Martin Escudero (“Zombading”)
JM de Guzman (“Ang Babae sa Septic Tank”)
Kean Cipriano (“Ang Babae sa Septic Tank”)
Jess Mendoza (“The Natural Phenomenon of Madness”)

Mejor Actriz Secundaria

Angeli Bayani (“Ka Oryang”)
Julia Clarete (“Bisperas”)
Jean Garcia (“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”)
Shamaine Buencamino (“Niño”)
Solenn Heussaff (“Yesterday, Today, Tomorrow”)

Mejor Actor Secundario

Bembol Roco (“Isda”)
Jojit Lorenzo (“Anatomiya ng Korupsyon”)
Marvin Agustin (“Patikul”)
Mark Gil (“Amok”)
John Regala (“Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story”)
Dido dela Paz (“Amok”)
Art Acuña (“Niño”)
Joem Bascom (“Ka Oryang”)
Jake Cuenca (“In The Name of Love”)
Garry Lim (“Amok”)
Ronnie Lazaro (“Manila Kingpin: Tha Asiong Salonga Story”)

Mejor Fotografía

Neil Daza and Kiri Dalena (“Ka Oryang”)
Albert Banzon (“Liberacion”)
Arvin Viola (“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”)
Roberto Yniquez (“Bisperas”)
Louie Quirino (“Amok”)
Regiben Romana (“Sakay sa Hangin”)
Carlo Mendoza (“Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story”)
Louie Quirino (“Busong”)

Mejor Guión

Antoinette Jadaone (Six Degrees of Separation from Lilia Cuntapay”)
Charliebebs Gohetia (“The Natural Phenomenon of Madness”)
John Bedia (“Amok”)
Bonifacio P. Ilagan (“Deadline”)
Paul Sta. Ana (“Bisperas”)
Rody Vera (“Niño”)
Sari Lluch Dalena and Keith Sicat (“Ka Oryang”)
Alvin Yapan (“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”)
Chris Martinez (“Ang Babae sa Septic Tank”)

Mejor Edición

“Ka Oryang”
“Niño”
“Ang Babae sa Septic Tank”
“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”
“Amok”
“Busong”
“Six Degrees of Separation from Lilia Cuntapay”

Mejor Música

“Niño”
“Sakay sa Hangin”
“Ka Oryang”
“Busong”
“Ang Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa”

Mejor Sonido

“Amok”
“Ang Babae sa Septic Tank”
“Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story”
“Bisperas”
“Boundary”
“Liberacion”

Mejor Diseño de Producción

“The Natural Phenomenon of Madness”
“Bisperas”
“Sakay sa Hangin”
“Ang Babae sa Septic Tank”
“Amok”
“Niño”
“Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story”
“Six Degrees of Separation from Lilia Cuntapay” (Sunnex)


26
dic

Film Academy of the Philippines Luna Awards 2012

Seguimos con nuestro repaso tardío a los premios de cine más importante de Filipinas para acercaros los premios de la Academia de Cine filipina, los más relevantes actualmente del país asiático. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Ang Babae sa Septic Tank (The Woman in the Septic Tank) – Martinez-Rivera Films & Quantum Productions
Manila Kingpin: Asiong Salonga Story – Scenema Concept Intl. Productions
No Other Woman – Star Cinema
Segunda Mano (Second Hand) – Star Cinema & MJM Productions
Thelma – Time Horizon Pictures
Zombading: Patayin sa Shokot si Remington (Gay Zombies: Kill Remington with Fear) – Origin 8 Media

Mejor Director

Ruel S. Bayani – No Other Woman
Joyce Bernal – Segunda Mano (Second Hand)
Jade Castro – Zombading: Patayin sa Shokot si Remington (Gay Zombies: Kill Remington with Fear)
Paul Soriano – Thelma
El director de Manila Kingpin: Asiong Salonga Story

Mejor Actor

Dingdong Dantes – Segunda Mano (Second Hand)
Martin Escudero – Zombading: Patayin sa Shokot si Remington (Gay Zombies: Kill Remington with Fear)
Jeorge ‘E.R.’ Estregan – Manila Kingpin: Asiong Salonga Story
Derek Ramsay – No Other Woman
Ramon ‘Bong’ Revilla Jr. – Panday 2 (The Blacksmith 2)

Mejor Actriz

KC Concepcion – Forever and a Day
Eugene Domingo – Ang Babae sa Septic Tank (The Woman in the Septic Tank)
Lovi Poe – My Neighbor’s Wife
Maja Salvador – Thelma
Maricel Soriano – Yesterday, Today and Tomorrow

Mejor Actor Secundario

Roderick Paulate – Zombading: Patayin sa Shokot si Remington (Gay Zombies: Kill Remington with Fear)
John Regala – Manila Kingpin: Asiong Salonga Story
John Regala – Zombading: Patayin sa Shokot si Remington (Gay Zombies: Kill Remington with Fear)
Jericho Rosales – Yesterday, Today and Tomorrow
Phillip Salvador – Panday 2 (The Blacksmith 2)

Mejor Actriz Secundaria

Carla Abellana – My Neighbor’s Wife
Tetchie Agbayani – Thelma
Liza Lorena – Presa
Lovi Poe – Yesterday, Today and Tomorrow

Mejor Guión

Kriz Gazmen & Jay Fernando – No Other Woman
Agnes de Guzman & Adolfo B. Alix Jr. – Presa
Roy Iglesias & Jay Ventura – Manila Kingpin: Asiong Salonga Story
Chris Martinez – Ang Babae sa Septic Tank (The Woman in the Septic Tank)
Froilan Medina & Paul Soriano – Thelma

Mejor Fotografía

Rodolfo Aves Jr. – My Househusband
Odyssey Flores – Thelma
Charlie S. Peralta – No Other Woman
Mo Zee – My Neighbor’s Wife
Mo Zee – Yesterday, Today and Tomorrow

Mejor Diseño de Producción

Aped Santos – Sayaw ng Dalawang Kaliwang Paa (The Dance of Two Left Feet)
Fritz Silorio & Mona Silorio – Manila Kingpin: Asiong Salonga Story
Richard Somes – Panday 2 (The Blacksmith 2)
Nina Torres – Thelma

Mejor Edición

Jason Cahapay & Ryan Orduna – Manila Kingpin: Asiong Salonga Story
Vito Cajili – No Other Woman
Chrisel Desuasido & Augusto Salvador – Panday 2 (The Blacksmith 2)
Marya Ignacio – Forever and a Day
Tara Illenberger – My Neighbor’s Wife

Mejor Banda Sonora

Archie Castillo – Thelma
Cesar Francis S. Concio – Forever and a Day
Vicent de Jesus – Ang Babae sa Septic Tank (The Woman in the Septic Tank)
Jesse Lucas – My Neighbor’s Wife
Raul Mitra – No Other Woman

Mejor Sonido

Ditoy Aguila – Panday 2 (The Blacksmith 2)
Aurel C. Bilbao – Segunda Mano (Second Hand)
Lamberto Casas Jr. – My Neighbor’s Wife
Allbert Michael Idioma – Manila Kingpin: Asiong Salonga Story
Albert Michael Idioma & Addiss Tabong – Thelma

Special Awards

  • Golden Reel Award: Rodolfo “Dolphy” Vera Quizon
  • FPJ Premio a la carrera: Augusto Salvador
  • Manuel de Leon Award for Exemplary Achievement: Manuel “Jun” Urbano
  • Lamberto Avellana Memorial Award: Ben Feleo, Don Escudero and Jose Batac

26
dic

Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Award, FAMAS 2012

Repasando los premiso y festivales de los que nos hemos ido haciendo eco este año me he dado cuenta que me olvide en su día de acercaros los 2 premios principales que se pueden encontrar en Filipinas, una cinematografía muchas veces interesante y diferente. Hoy voy a acercaros dichos premios empezando por los premios de la academia filipina de las artes, los Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Award, FAMAS 2012 que se fallaron el pasado septiembre.

Mejor Película

Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor Actor

Jeorge Estregan; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor Actriz

Anne Curtis; No Other Woman

Mejor Actor Secundario

Baron Geisler; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor Actriz Secundaria

Angelica Panganiban; Segunda Mano (Second Hand)

Mejor Actor infantil

Buboy Villar; Ang Panday 2 (The Blacksmith 2)

Mejor Actriz infantil

Xyriel Manabat; A Mother’s Story

Mejor Director

Tikoy Aguiluz; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor historia

Carlo J. Caparas and RJ Nuevas; Ang Panday 2 (The Blacksmith 2)

Mejor Guión

Roy Iglesias and Ray Ventura; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor Fotografía

Carlo Mendoza; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor Edición

Jason Cahapay, Mirana Medina-Bhunjun and Ryan Orduña; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

Mejor Canción

“Hari ng Tondo” Gloc-9 feat. Denise Barbacena; Manila Kingpin: The Asiong Salonga Story

SPECIAL AWARDS

Hall of Fame

Carlo J. Caparas

Outstanding Lady Movie Producers

Atty. Anette Gozon-Abrogar (GMA Films)

Donna Villa (Golden Lions Films)

Malou Santos (Star Cinema)

Mother Lily Monteverde (Regal Films)

Arturo M. Padua Memorial Award

Ricky Lo

Premio al Servicio Público

Gov. Jeorge “ER” Ejercito

Huwarang Artista sa Larangan ng Serbisyo Publiko

Hon. Alfred Vargas, Q.C. Councilor, District 2

Premio ejemplar en el campo de la justicia

Chief Public Attorney Persida V. Rueda-Acosta

German Moreno Youth Achievement Awardees

Julie Anne San Jose

Derrick Monasterio

Kristoffer Martin

Enrique Gil

Daniel Padilla

Jessy Mendiola

Edgar Allan Guzman

FAMAS Grand Award

Edmark International CEO Sam Low Ban Chai

Premio Postumo

Department of Interior and Local Government Sec. Jesse M. Robredo


21
dic

Edición PDF – Conexión Shaw Brothers

Ha pasado mucho tiempo desde que hiciera las 2 primeras entregas de nuestra Edición PDF y ahora toca volver a lo grande con un mega especial que me ha llevado muchísimo tiempo, un especial en el que la maquetación no es tan importante como el contenido, que es basto y creo que muy muy interesante para los aficionados. ¿Pero aficionados a que? Pues este dossier se centra en un estudio cinematográfico que fue mucho más que un estudio ya que sería el precursor de toda una cinematografía, el referente de unas tendencias fílmicas, el testigo de primera mano de una serie de cambios de géneros, estrellas, política y estatus. No nos referimos a otro que a la Shaw Brothers, el mítico estudio referencia en occidente en cuanto a cine de artes marciales y Wuxia clásico, pero que al conocerlo descubriréis que es mucho más que eso.

Este dossier ha ocupado más de 130 páginas y contiene una ingente cantidad de información tanto original como ya presente en internet. Repasaremos no solo la historia del estudio, sino sus principales géneros cinematográficos, sus directores, sus actores e incluso su presencia en España.

No me extiendo más y aquí dejo el dossier en Calameo, se puede leer online o descargar para ebook o impresión, como gustéis.

Publish at Calaméo or browse the library.


19
dic

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (IX)

El final del año se acerca y que mejor manera de celebrarlo que con una nueva entrega de nuestro “Puño y Espada”, espacio destinado a recopilar posters y grafismos relacionados con un género cinematográfico que nos encanta, el Wuxia. Espero que lo disfrutéis y no dudéis en compartir con nosotros vuestras opiniones.

San shao ye de jian (1976)
Death Duel
Director: Chor yuen
Meng long guojiang (1976)
The Magic blade
Director: Chor Yuen
Kung Fu Warlord  (1977)
The Brave Archer
Director: Chang Cheh
To ching chien ko wu ching chien (1977)
The sentimental swordsman
Director: Chor Yuen
Tian long ba bu (1977)
The battle wizard
Director: Pao Hsueh-Li
Jue Sha Ling (1977)
Judgement Of An Assassin
Director: Sun Chun
Sha jue (1977)
Soul Of The Sword
Director: Shan Hua
Chu liu xiang (1977)
Clans of intrigue
Director: Chor Yuen

14
dic

Sitges Film Festival 2012 – Crónica del cine asiático visto en Sitges (VII)

Con esta entrada concluimos oficialmente nuestro repaso a todo lo que pudimos ver en el pasado Festival Internacional de Cinema Fantastic de Catalunya, Cinema Sitges 2012, que no fue poco. Hoy cerramos con la animación de Children Who Chase Lost Voices y War of the Worlds: Goliath, con lo último de Kitano en Outrage Beyond y con el blockbuster coreano The Thieves, sin olvidarnos de Mekong Hotel y Henge. Pero esto no es todo lo que ha dado de si nuestro festival ya que a partir de ahora, y sin fecha de salida, comenzaremos nuestro Sitges Extra, donde comentaremos películas que se pudieron ver en el festival pero que no pudimos ver in situ y estamos viendo por otros medios. Como siempre os digo, si estas pequeñas, y a veces nada correctas, crónicas os han servido de algo, el trabajo estará más que pagado. Adelante con ello.

Children Who Chase Lost Voices

Japón, 2012
Director: Makoto Shinkai
Duración: 116 min.

Makoto Shinkai es uno de los mejores animadores de la escena japonesa, y este tercer largometraje lo confirma sin apelativos ni excepciones. Animador tradicional, que gusta de las técnicas clásicas y que se encarga de todas las facetas de la animación en cada una de sus películas, de ahí que tarde tanto tiempo en llevar sus proyectos a buen término, para muchos (entre los que me incluyo) está ya a la altura de los más grandes animadores de Japón.

En esta nueva película nos encontramos con Asuna. Antes de morir, su padre le dio una peculiar radio de cristal. Con ella sube a la montaña para sintonizar extrañas melodías. Un día un monstruo ataca a Asuna, siendo rescatada por Shun, un joven procedente de la dimensión paralela de Agartha. Deseando volver a reencontrarse con su nuevo amigo, Asuna le pedirá ayuda a su maestro para encontrar la manera de entrar en este mundo mítico.

Shinkai cambia un poco de registro con respecto a sus películas anteriores para acercarnos a un mundo fantástico muy del estilo del que tantas veces hemos visto en el universo Ghibli, pero controlando su acercamiento de una forma más natural y menos recargada de elementos puramente fantásticos. Siguiendo la comparación, el acercamiento narrativo también es más profundo y trascendental, orientándose a un público más adulto que no necesita lecciones de moral al final de la película, pero si reflexionar durante su trascurso. Temas como la muerte, la resurrección o la búsqueda de lo imposible marcan el trascurso de la historia cargándola de momentos interesantes que beben en parte, como es normal, de la mitología local.

Antes hablaba de como considero a Shinkai uno de los mejores animadores del momento, y es que si algo tiene el japonés es que sabe perderse, y perdernos, en tremendos planos, paisajes, en momentos donde parece que nada está sucediendo en pantalla pero que realmente nos trasporta al ambiente, al sentimiento, que nos pretende acercar. A todo esto hay que unir una animación impecablemente realizada, cargada de detalles y perfectamente desarrollada.

En definitiva, una animación impecable que no debería dejaros indiferentes si os metéis de leno en ella, esto mezclado con una historia con ciertos toques Ghibli pero que se desarrolla de forma bastante diferente, quizás le sobre un poquito de metraje, pero eso no importará si la disfrutais como yo lo hice.

Para terminar he de hacer mención al horrible pase que pudimos ver en Sitges. Con una sala llena hasta arriba, tanto que tuve que sentarme en una esquina de la segunda fila del cine, empieza la película y cual es mi sorpresa al ver que es un DVD, si un DVD con sus pixeles y sus macrobloques y todas sus cosas. Sentado tan cerca la cosa era evidente y comentando con mis compañeros de visionado solo pudimos obtener esa respuesta. Supongo que si Sitges pone un DVD o algo de tan ínfima calidad que se le parecía, habiendo pagado 8 euros la mayoría del publico, es porque algo grave pasaría o era lo único que tenían, pero es triste ver eso en una película como esta que merecía la mayor calidad posible dado el alto nivel de animación que tenía…

War of the Worlds: Goliath

Malasia, Japón, USA
Director: Joseph Pearson
Duración: 86 min.

Goliath es una de esas películas que uno descubre por internet casi por casualidad y que le llaman la atención desde muy temprano, ya sea por su interesante premisa, por ver que tipo de animación se utilizaba o incluso por provenir de un país tan exótico como es Malasia, aunque con producción japonesa y sobre todo americana.

Goliath nos propone regresar a la época de la “Guerra de los Mundos” de Wells, mostrándonos un futuro distópico en que el éxito de los humanos en contra de sus invasores les ha proporcionado un adelanto tecnológico inusual. 15 años después de estos sucesos los extraterrestres se han rearmado y deciden volver a atacar la tierra, pero los humanos tienen una serie de armas destinadas a combatirlos y un grupo de hombres para manejarlas. Entre ellos un joven que ha perdió a su familia durante el primer ataque y ahora busca venganza.

Película que combina animación 2D y 3D de una forma bastante correcta, muestra unos interesantes diseños de personajes pero una animación un poco fría y estática. El guión, a priori interesante, pronto se deja en una historia típica y previsible de venganza, camaradería y acción, porque salvo la presentación de los personajes, el pequeño punto dramático y las interrelaciones que surgen en un principio, todo se basa en la acción, explosiones y combates. Mención aparte hay que hacer la banda sonora, que curiosamente esta inspirada en parte en un musical que se realizó sobre la propia Guerra de los Mundos y que ha estado años en cartel.

Y no hay mucho más que decir, una película entretenida si, pero sin un publico objetivo claro (nos es infantil debido a su temática y los diálogos, no es para adultos debido a su simpleza y el centrarse en la acción). Para pasar el rato no es una mala opción.

Outrage Beyond

Japón, 2012
Director: Takeshi Kitano
Intérpretes: Beat Takeshi, Toshiyuki Nishida, Tomokazu Miura, Ryo Kase
Duración: 110 min.

El final de Outrage parecía definitivo, cerrado… pero no, Otomo vuelve a la carga tras salir de la cárcel para enfrentarse al clan Sanno, que le había dado por muerto años atrás. Pero su llegada esta marcada además por una lucha entre clanes rivales y la ofensiva general de las fuerzas del orden contra la yakuza.

Ya comentábamos cuando hablábamos de Outrage en las crónicas de Sitges 2010 como Kitano había cambiado radicalmente el registro de su cine de Yakuzas, tomando un acercamiento mucho más clásico y cercano al cine de género de los 70. En este tipo de películas solía predominar la trama de traiciones y luchas entre clanes, se solían mostrar Yakuzas que dejaban atrás el código de honor para convertirse en verdaderos criminales. Kitano traía estos conceptos al ámbito contemporáneo y los tomaba a su ritmo, mezclándolos golpes de factura propia como las imaginativas formas de tratar la violencia.

En esta segunda parte la cosa es todavía más clásica que en la anterior, se deja de lado incluso cierto tipo de violencia, aunque no los característicos arrebatos de la misma que marcan algunas escenas clave de la película, para mostrarnos una profunda trama de corrupción y traiciones, donde la yakuza y la policía son tan próximas a veces que no se distingue una y otra. Un juego con personajes que traman todo en función de sus propios intereses, y un Otomo que se ve inmerso en una guerra cuando el solo quiere quitarse de en medio.

Técnicamente la película es muy buena, rodada de forma tranquila y pausada, de una forma muy clásica, pero estilistamente muy conseguida y trabajada. También hay que destacar el gran reparto que ha conseguido reunir Kitano para la película, como el Ryo Kase dando vida a Ishihara, Tomokazu Miura como el jefe Kato o Fumiyo Kohinata, todos ellos ya presentes en la primera parte.

“Outrage” y “Outrage Beyond” han de verse como un todo, una buena expresión de cine de Yakuzas clásico que como ya dije anteriormente no aporta mucho al género realmente, pero es una buena experiencia cinematográfica para los aficionados. Atentos al final dela película, antológico.

The Thieves

Corea del Sur, 2012
Director: Choi Dong-hoon
Intérpretes: Kim Yun-seok, Kim Hye-soo, Lee Jung-jae, Gianna Jun, Simon Yam
Duración: 135 min.

Choi Dong-hoon es un director que ya es un veterano en Sitges, ya hemos visto cosas como “Tazza” o “Woochi” en ediciones anteriores del festival y este año nos trae el que ha sido el Blockbuster más taquillero de la historia de Corea del Sur, ahí es nada.

Popie y sus compinches viajan a Macao para un trabajo. Cuando llegan, descubren que el que está detrás del golpe no es otro que el antiguo socio de Popie. El plan es robar un diamante que vale una fortuna y que es conocido como la “lágrima del sol”. Lo que ninguno de ellos sabe es que cada uno tiene su propio plan. Un thriller de acción, mentiras y guantes blancos.

“The Thieves” es una película de ladrones y robos que muchos gustan comparar con la saga de “Ocean’s” que pero bebe realmente de películas más clásicas de este sub-género, de las que también bebía la ya nombrada. Un collage de robos, ingeniosos utensilios, alianzas, traiciones, diálogos llenos de humor e ironía, personajes carismáticos, giros de guión y acción orientado al puro entretenimiento más que a la total verosimilitud o linealidad de su desarrollo. Cine de evasión perfectamente realizado que presenta un guión bastante interesante, donde cada personaje tiene su pequeño papel y su caracterización, con giros y cambios de ritmo para nada desdeñables, aunque a veces previsibles. La cinta comienza como ya hemos comentado, como una película de robos y ladrones donde dos grupos diferentes deberán colaborar para cometer el gran asalto, pero pronto surgirán las rivalidades, las traiciones y la película ira girando hacia el punto dramático para ir aumentando en acción conforme se acerque el final de la misma.

Choi ya nos ha demostrado su gusto por el género de los estafadores o engaños, ahí esta “Tazza”, y también por incluir una buena cantidad de personajes en sus película, pero aquí se luce con un reparto que navega entre Corea y Hong Kong y que toma actores de primer nivel de ambas cinematografías. De la parte coreana nos encontramos a Kim Yun-Seok, Kim Hye-soo, Lee Jeong-jae, Kim Soo-hyun, Jeon Ji-hyeon, Kim Hae-sook y Oh Dal-soo, y por la parte hongkonesa nos encontramos a Simon Yam (Sparrow, PTU), Derek Tsang y Angelica Lee. Un elenco espectacular.

Con una gran calidad en su realización, como es normal en el cine coreano, una dirección ágil, un acción trepidante y un grandisimo elenco, esta película hará pasar un buen rato al aficionado que busque diversión y entretenimiento.

Mekong Hotel

Tailandia, 2012
Director: Apichatpong Weerasethakul
Intérpretes: Jenjira Pongpas, Maiyatan Techaparn, Sakda Kaewattana, Chai Bhatana, Chatchai Suban
Duración: 57 min.

La última producción de Apichatpong Weerasethakul se encuadraba dentro de un programa doble que resulto de los más desconcertante, ya que mezclaba este punto existencialista y visual, con un cortometraje con categoría casi de vídeo musical lleno de tiros, sangre y pura acción y la japonesa Henge, sobre un hombre que va convirtiéndose en monstruo con un regusto cybrerpunk “nueva carne” de la que hablaremos ahora después. Un refrito solo explicable por rellenar la escasa duración de ambas producciones principales.

Ya el año pasado salimos de ver Uncle Boomee… con esa sensación de vacío que te deja una película que ni te llega, ni entiendes, aunque visualmente si que me llamo la atención. Ya lo dije en su día, Apichatpong es alguien mas cercano al vídeo arte que a la narración cinematográfica clásica, con lo cual suele hacer cine más de sensaciones que de comprensión. Además en sus últimas producciones suele montar espectáculos multimedia, ya que a la propia película la acompañan montajes artísticos, exposiciones y demás, lo cual realza todavía más ese concepto de videoarte con el que trabaja.

Rodada durante la época de inundaciones en Tailandia, la película transcurre en un hotel con vistas al río Mekong, donde se alojan, entre otros, una vampiro. La cinta trascurre entre el documental y la ficción de forma natural y cotidiana, tirando de conceptos fantásticos del flocklore local y combinándolos con esa visión costumbrista que suele dejarnos el realizador. Por ahí también surge una historia de amor, una banda sonora totalmente realizada con guitarra acústica en una especie de concierto en vivo de un amigo del Apichatpong con el que comienza la película, ese vampiro visto como una especie de ente sin cuerpo que va poseyendo a diferentes personajes (lo cual es un poco desconcertante) y un plano final que me pareció casi una tomadura de pelo, porque en una cinta de escasos 50 minutos permitirte el lujo de dejar una cámara fija enfocando un río donde no pasa absolutamente nada durante 5, que me parecieron 10 o más, minutos, es sobrarse bastante.

A mi me aburrió soberanamente, pero en fin, que es muy Apichatpong, si has visto algo suyo y no te gusta no la veas, si has visto algo suyo y si te gusta pues igual hasta te gusta. Yo solo se que Apichatpong y yo no congeniamos artísticamente hablando, pero seguramente, tonto de mi, volveré a ver la próxima película que lleve a Sitges, ¿por qué no?

Henge

Japón, 2012
Director: Hajime Ohata
Intérpretes: Kazunari Aizawa, Aki Morita, Teruhiko Nobukuni
Duración: 54 min.

Yoshiaki y Keiko forman la pareja perfecta. Solo hay un pequeño problema: Yoshiaki tiene un lado oscuro y violento. Bajo hipnosis, habla extraños idiomas; así que el médico que lo trata no cesa de insistir en que sea hospitalizado. Keiko, sin embargo, se niega; pues no quiere abandonar a su marido. Esta decisión les costará más de un susto, ya que el poso violento de Yoshiaki irá en aumento. Keiko se dará cuenta de lo que realmente significa haberse casado con un monstruo.

Henge es un relato de terror monstruoso que particularmente me llamó la atención desde que vi su trailer semanas antes del festival, un relato que estilisticamente me ha recordado muy mucho a esos primeros compases del Cyberpunk japones allá por los 80 y sobre todo a cosas como el Tetsuo de Shinya Tsukamoto. Bueno no es Tetsuo, no busca lo mismo y no tiene la fuerza y pretensiones de aquella, pero si que deja ese regusto que es tan típicamente japones (con el permiso de David Cronenberg por supuesto). Pero no os llevéis a engaño, Henge es una historia de amor y superación en que una pareja, sobre todo Keiko, ha de sobreponerse a algo tan extremo como esa conversión monstruosa.

El debutante Hakime Ohata sabe manejar el bajísimo presupuesto de la película para darle un desarrollo y enfoque que hace que este peculiar acercamiento a la historia de amor no resulte para nada ridículo y que tenga ese estilo “de antaño” que llega a enganchar a los que gustamos de este tipo de producciones. Bien es cierto que para los no acostumbrados pueda parecer cutre o poco afortunada, eso es cuestión de gustos.

Henge es una experiencia filmica muy agradable, con una premisa curiosa y un desarrollo interesante, que gustará a los que gusten de los cánones del cine japones un poco más underground.


12
dic

Sitges Film Festival 2012 – Entrevista a Noboru Iguchi

Desde que hace dos años entrevistáramos a Yoshihiro Nishimura en el jardín del Hotel Melià de Sitges, nos estábamos preguntando cuándo tendríamos la oportunidad de tener también un “face to face” con su colega y amigo Noboru Iguchi… Si con aquél nos lo pasamos genial, con éste tendría que ser ya la bomba y redondearíamos así la visión de un tipo de cine que ha ido creando adeptos por momentos en todo el mundo, el ‘splatter action’ puesto de moda por el extinto (por desgracia) sello de la Sushi Typhoon. Y ha sido este año, también en el marco de los jardines del Melià en Sitges, donde se nos brindó la oportunidad de charlar un ratito con el director, cómico, showman, payaso… porque todo eso y más es Iguchi (sólo tenéis que preguntar a cualquiera que haya estado en alguna de las apariciones que realizó tanto en el Auditori, en el cine Retiro, en el espacio Brigadoon o en el cine Prado para presentar sus películas: ¡¡espectaculares!!).

Asiateca: Este año presenta en el Festival de Sitges no una, sino tres películas: Dead Sushi, Zombie Ass y, su anterior, Robogeisha… ¿De dónde saca esas ideas tan locas para sus producciones?

Noboru Iguchi: Bueno, estas ideas salen de forma natural cuando estoy relajado, comiendo, o en el lavabo… ja, ja, ja… Es cuando me vienen estas cosas. Realmente hago lo que me gustaría ver a mí. Normalmente si me paro a pensar qué podría hacer o qué línea de trabajo seguir no me salen las ideas. Es cuando me relajo que me salen de forma natural.

Asiateca: En sus producciones es normal ver una buena carga de humor y momentos picantes. ¿Es como una marca de la casa? ¿Le gusta esta combinación?

Noboru Iguchi: En mis películas hay escenas de violencia, pero me gusta tratarlas siempre con humor. En cuanto al erotismo, es algo que simplemente me gusta, quiero retratar a la mujer japonesa, trasladar a las películas la timidez de las mujeres japonesas y los secretos que esconden. También quiero mostrar cosas que normalmente son desconocidas cuando visitas Japón. Por ejemplo, conceptos como los secretos de las mujeres, los pedos de las colegialas o la cultura gastronómica del sushi, tan arraigada en Japón aún siendo un asesino… Bueno, el sushi no es un asesino realmente (jajaja), pero me gusta enseñar cosas distintas a la gente de fuera de Japón, cosas que serían impensables de ver en la cultura japonesa estándar.

Asiateca: Zombie Ass la protagoniza la actriz Asami. También tiene un papel en Dead Sushi y en casi todas las películas del género. ¿Ve a Asami como una especie de actriz fetiche dentro de este tipo de películas?

N. I: Hace 7 años que empecé a colaborar con Asami en la película Sukeban Boy. Es una actriz que sabe actuar en escenas de acción y violencia, pero lo que realmente valoro de ella es su faceta cómica. Me gusta colaborar con ella y verla como una actriz multidisciplinar, pero sobre todo en las actuaciones cómicas. Tiene mucho sentido del humor.

Asiateca: Asami también tenía un papel en la producción The Machine Girl que usted dirigió. Esta película fue la que puso de manifiesto el interés por el ‘splatter’ japonés fuera del país. ¿Qué tal vivió la buena acogida internacional que tuvo esta producción?

N. I: En Japón, cuando empezó a despuntar el ‘splatter action’ con The Machine Girl y otras películas, no gustó mucho al público que tuvo una reacción bastante fría. Pero, por el contrario, tuvo mucho mejor acogida entre el público extranjero y eso me sorprendió bastante porque no esperaba esta reacción tan positiva.

Asiateca: Y en esta línea, ¿qué diferencia cree que existe entre el público japonés y el occidental para que estas producciones gusten más fuera de Japón?

N. I: El público medio japonés tendía a menospreciar un poco las películas de acción o terror y asociaban el ‘splatter action’ con el terror, por eso, mucha gente directamente no quería ver estas películas. A partir de The Machine Girl este concepto ha ido cambiando poco a poco. Cuando voy a los festivales fuera de Japón la reacción que veo es que la gente disfruta de estas películas, se ríen, aplauden… En el público japonés no es normal ver esta reacción. En Japón cuando sale sangre o violencia no está bien visto reírse, porque la gente que está a tu lado pensará que estás loco. Puede que les haga gracia, pero se aguantan la risa. Digamos que es un público que no muestra tanto sus sentimientos.

Asiateca: ¿Cree que está habiendo una evolución en el público japonés y que ahora se aceptan más estas películas?

N. I: Después de The Machine Girl sí que ha habido una evolución positiva en cuanto al ‘splatter action’, pero también ha habido directores que pensaban que si simplemente salía sangre ya valía. Digamos que ha habido un aumento de interés por el ‘splatter action’ pero también han surgido películas que simplemente son grotescas y eso hace que mucha gente todavía sea reticente al género. Hay mucha gente que no ve esto como un entretenimiento, sino que si hay violencia, violencia pura y dura, no lo percibe como espectáculo.

Asiateca: Aparte del ‘splatter action’, el pasado año pudimos ver en el Festival una película suya que se salía diametralmente de este género como era Karate Robo Zaborgar. ¿Cómo surgió ese proyecto?

N. I: Una productora que vio The Machine Girl me hizo la oferta de hacer una película en torno a la figura de este héroe, eliminando las escenas de violencia y erotismo para hacerla más accesible…  Aún así (jajaja) se dice que hay muchas escenas de violencia y erotismo en la misma. Pero realmente fue un proyecto por encargo.

Asiateca: Usted empezó en el AV (Adult Video) y luego se ha movido casi siempre en el ‘splatter’, pero le hemos visto salirse últimamente del género en películas como Karate Robo Zaborgar o Tomie. ¿Se siente a gusto en el género o quiere ir cambiando de registro?

N. I: Me gustaría tocar otros géneros, pero esto no quiere decir dejar el ‘splatter action’. Me gustaría ir combinando distintos proyectos: si hago algo más serio luego hacer cosas más cómicas.

Asiateca: En este tipo de películas vemos una serie de nombres que se repiten, Yoshihiro Nishimura, Tak Sakaguchi, usted mismo… Nombres que colaboran en muchos proyectos. ¿Cuál es su relación fuera del ámbito profesional, fuera del cine?

N. I: Hace 10 años Nishimura y yo trabajamos juntos en una película indie, allí nos conocimos y desde entonces hemos ido colaborando. Realmente hace 10 años había poca gente que podía colaborar en películas indies y teníamos una relación muy estrecha. Nishimura manejaba los focos y yo grababa, o Nishimura grababa y yo hacía otras cosas… Tenemos una buena relación de amistad. El mundo indie en Japón es muy pequeño y quieras o no vas conociendo a todo el mundo. En una cena con Yudai Yamaguchi conocí a Tak Sakaguchi y desde entonces hemos ido trabajando juntos también. Sakaguchi y yo íbamos a cenar y a beber y hablábamos de temas eróticos y cosas así; yo conocía más esta faceta suya que la propiamente de trabajo antes de empezar a colaborar más juntos.

Asiateca: La productora Nikkatsu creó el sello de Sushi Typhoon con la idea de crear una imagen de marca en torno a este tipo de producciones. A día de hoy ese sello ha desaparecido a pesar de su corta vida: ¿qué nos podría comentar sobre esto?

N. I: La Sushi Typhoon realizó seis películas, pero como el beneficio interno dentro del propio Japón no era demasiado bueno se decidió poner fin al sello. Yo mismo tenía un encargo para Sushi Typhoon pero se paró el proyecto y se quedó en el aire. Este encargo iba a ser un ‘splatter action’ combinado con cine de samuráis, pero no fue posible llevarlo a cabo. Una pena.

Asiateca: Y hablando de nuevos proyectos: ¿cuáles son las próximas ‘locuras’ que tiene en mente?

N. I: Bueno, hay 4 ó 5 proyectos nuevos en los que estoy pensando. Uno podría ser una película de acción con héroe incluido; también hay algo relacionado con el terror, y otro que es un drama sin sangre ni asesinatos, mucho más serio. Realmente mi sueño es poner a Asami con el pelo rapado a lo Zatoichi (jajaja), iría cortando a gente con su espada y se cortaría su propia ropa cayéndosele el kimono… He hablado con Asami y dice que está dispuesta, pero aún está por ver… (jajaja).

Asiateca: A los cineasiáticos masculinos también les gustaría ver eso… (jajaja)

N. I: Realmente en Japón es muy difícil que una productora apueste por este tipo de películas, pero si hay alguien que esté dispuesto a invertir en este proyecto pues bienvenido será… (jajaja).

Bienvenido será siempre usted Iguchi ‘san’. Muchas gracias por el tiempo compartido y, seguro, hasta la próxima. Arigato.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)


10
dic

22 de Dicimebre, maratón de cine asiático en Canal+ Xtra

Hace unos días nos enterábamos que el medio digital de pago Canal+ Xtra está preparando una interesantisima programación para el día 22 de Diciembre basada en 9 de las películas asiáticas más exitosas de los últimos tiempos editadas en España. Realmente es una pena que este canal no sea “abierto” y que llegue a mucho más público, ya que de vez en cuando nos ofrecen una gran selección de cine asiático y animación que merece la pena ver. Aquí os dejo la lista de películas que componen esta maratón cine-asiática.

- CONFESSIONS (Tetsuya Nakashima, 2010)

En un instituto, el último día de clase, una profesora se despide de sus alumnos y, además de anunciarles que deja la escuela, les confiesa que su hija de cuatro años que, aparentemente, murió ahogada en la piscina de la escuela, fue en realidad asesinada por dos estudiantes de esa misma clase. También les hace saber que ya ha puesto en marcha su venganza contra ellos. (FILMAFFINITY)

- 13 ASESINOS (Takashi Miike, 2011)

El ascenso al poder del joven y sanguinario Lord Naritsugu supone una seria amenaza para la paz en el Japón feudal. Simplemente por ser el hermano del shogun, Lord Naritsugu está por encima de la ley, y asesina y viola a su antojo. Afligido por las masacres perpetradas por el sádico Naritsugu, el oficial Sir Doi se pone en contacto con el samurái Shinzaemon Shimada para que le ayude a acabar con Naritsugu. El noble samurái, indignado por la crueldad de Naritsugu, acepta de buen grado la peligrosa misión. Para ello, reúne a un selecto grupo de samuráis, entre los que se encuentra su sobrino Shinrokuro y el devoto aprendiz Hirayama, y juntos, traman una emboscada para atrapar a Lord Naritsugu no exenta de peligro. Naritsugu va escoltado por una comitiva encabezada por el letal e implacable Hanbei, uno de sus antiguos rivales. (FILMAFFINITY)

- SPACE BATTLESHIP YAMATO (Takashi Yamazaki, 2010)

“Space Battleship Yamato” nos sitúa en el año 2199, cinco años después que apareciesen unos misteriosos alienígenas llamados Gamilas y empezasen a atacar a la Tierra con meteoritos gigantes y dejar su superficie totalmente inhabitable por culpa de la radiación post-bélica. A la raza humana apenas le queda un año de vida cuando se recibe un enigmático mensaje proveniente del lejano planeta Iscandar, asegurando que poseen un artilugio capaz de eliminar la radiación de la Tierra y ofreciendo su ayuda a los humanos. Decididos a salvar el planeta, las Fuerzas de Defensa reconstruyen el acorazado espacial Yamato para poder realizar el increíble viaje que les llevará a más de 150.000 años luz de distancia en busca de un desconocido planeta que puede ser la última esperanza para la raza humana y para la Tierra. (FILMAFFINITY)

- GANTZ (Shinsuke Sato, 2010)

Kei y Masaro son arrollados por un tren. Lo próximo que ven es que están en una habitación, que no están solos y que una bola gigante que preside el espacio les invita a participar en un juego macabro. Nunca hemos visto un purgatorio así: con trajes y armas especiales, los personajes deberán enfrentarse a todo tipo de amenazas. El ganador se llevará un premio nada desdeñable: volver a la vida. (FILMAFFINITY)

- GANTZ: PERFECT ANSWER (Shinsuke Sato, 2011)

Los más de treinta tomos del manga de Hiroya Oku no podían comprimirse en una única película. Y mucho menos si se tiene en cuenta que estos dos volúmenes se han convertido en uno de los platos fuertes de la ciencia ficción nipona. Quizá por eso, el director Shinsuke Sato ha decidido dividir la historia en dos películas y dejar a los espectadores o fanáticos del cómic en ascuas hasta que no vean la adrenalítica segunda parte. En Gantz: Perfect Answer, recuperamos a Kei, bajo los designios de la bola Gantz, en plena lucha contra alienígenas y demonios. (FILMAFFINITY)

- THE YELLOW SEA (Na Hong-jin, 2010)

Frontera entre Rusia, China y Corea del Norte. Acosado por las deudas, casi en la miseria, un hombre acepta un contrato para asesinar a alguien. Es su último recurso para cubrir las necesidades de su familia. Conoce pocas cosas sobre su víctima, pero nunca hubiera imaginado que acabaría siendo engullido por un engranaje criminal. (FILMAFFINITY)

- OLD BOY (Park Chan Work, 2003)

Un hombre de negocios coreano es secuestrado y confinado durante años en una celda en la que sólo hay una televisión. Y, sin embargo, ignora por qué razón está allí… (FILMAFFINITY)

- PUSHING HANDS (Ang Lee, 1992)

Un anciano maestro de Tai Chi, ya retirado, viaja desde Taiwan hasta América para vivir con su hijo y su esposa americana. Pero la actitud de su nuera y las diferencias culturales dificultarán la convivencia. (FILMAFFINITY)

- EL EMPERADOR Y EL ASESINO (Chen Kaige, 1998)

En el siglo III antes de Cristo, el ambicioso rey de Quin, Ying Zheng, está obsesionado con la unificación de China y con convertirse en su primer emperador. Para lograr su sueño inicia un reinado de terror, guerras y brutalidad a fin de atemorizar al resto de los imperios vecinos. Tras él está la Dama de Zhao, su amante desde la infancia, que en su deseo de ayudarlo maquina una falsa conspiración de asesinato que sirva de justificación para la invasión del vecino reino de Yan, iniciando así el imperio con que sueña Ying Zheng. (FILMAFFINITY)


05
dic

Hibari Misora

Hibari Misora (29 de mayo de 1937 – 24 de junio de 1989) fue una cantante de estilo enka y actriz japonesa. Considerada en Japón como un Tesoro nacional Viviente (人間国宝 Ningen Kokuhō), título que se le dio por considerarla la mejor cantante japonesa de todos los tiempos. Hibari es una de las artistas musicales comercialmente más exitosas. Su obra cumbre Kawa no nagare no yoni (川の流れのように) ha sido representada por multitud de artistas y orquestas mundiales, siendo las mas notables las ejecutadas por Los Tres Tenores, Teresa Teng, Mariachi Vargas de Tecalitlán o la Twelve Girls Band.

Su nombre de nacimiento fue Kazue Kato (加藤和枝), nacida en Isogo-ku, Yokohama, Japón. Su padre fue Masukichi Kato (加藤増吉), pescador de profesión. Su madre fue Kimie Kato (加藤喜美枝), ama de casa. Misora mostró un gran talento musical desde su niñez. Su padre decidió apoyarla musicalmente después de oirla cantar en 1943 en una fiesta de despedida de la Segunda Guerra Mundial. Masukichi invirtió mucho dinero de los ahorros familiares para apoyar el lanzamiento de la carrera musical de su hija. En 1945, Misora debutó en una sala de conciertos en Yokohama, a la edad de ocho años, bajo el nombre de Kazue Misora (美空和枝), nombre propuesto por su madre. Un año después apareció en una emisión de NHK y consiguió impresionar con su actuación al compositor japonés Masao Koga, que la consideraba una niña prodigio con el coraje, comprensión y madurez de una adulta.

Durante los siguientes dos años, su dotación vocal y su fama recién adquirida hicieron que las localidades para sus giras de conciertos se agotaran. En 1949, con tan solo doce años de edad, comenzó con las grabaciones de sus canciones, fecha en la que cambió su nombre artístico por Hibari Misora (美空ひばり). En dicho año también participó en su primera película Nodojiman-kyo jidai (のど自慢狂時代, Tokyo Kiddo  — “Niña de Tokyo”, 1950). Su actuación en el papel de una huérfana callejera, la convirtió en un símbolo tanto del sufrimiento como del optimismo que reinaban en Japón durante el período de la posguerra. La película incluía en la banda sonora el tercer disco simple de Hibari, titulado Watashi wa machi no ko. Tras el fin de la guerra, Hibari alentó con sus canciones al pueblo japonés en medio de su desesperada situación económica, haciéndose conocida por su interpretación del enka y convirtiéndose su actividad artística en un símbolo de la reconstrucción del país. La fama creada por la película hizo que su primera grabación (también de ese mismo año) de su primer disco simple Kappa Boogie-Woogie (河童ブギウギ) para Columbia Records, se convirtiera en un gran éxito comercial, vendiendo más de 450.000 discos. Su segunda grabación fue Kanashiki kuchibue y también tuvo un éxito notable.

Como actriz, participó en más de 160 películas desde 1949 a 1971 y también intervino en la banda sonora de algunas.

Como cantante, su mayor reconocimiento es debido a su representación en el enka, género de música popular japonesa, de tinte emotivo y sentimental que surgió a comienzos del siglo XX. Misora se hizo célebre por sus representaciones en vivo y su gran capacidad expresando el sentimiento de dolor. Su canción Yawara fue la qué más éxito comercial tuvo con más de 1,8 millones en ventas.

En 1962 contrajo matrimonio con el entonces popular actor y cantante, Akira Kobayashi; pero dos años después, la pareja se divorció.

En 1973 Tetsuya Kato, el hermano de Misora, fue procesado por actividades relacionadas con bandas criminales. Aunque NHK no reconoció ninguna conexión, Misora fue excluida de Kouhaku uta gassen por primera vez en 18 años. También conocido como Kouhaku, se trata de un famoso programa musical de la televisión japonesa emitido en vísperas de Año Nuevo por la cadena nacional NHK y también por radio. Ofendida, durante muchos años rechazó cualquier oportunidad de aparecer en NHK.

En la década de los 80 diversos problemas de salud la aquejaron, y en abril de 1987, mientras viajaba a una representación en Fukuoka, Misora tuvo una pérdida de consciencia repentina. Tras llevarla rápidamente al hospital, le diagnosticaron necrosis avascular, provocada por hepatitis crónica. Fue internada en un hospital de Fukouka, y eventualmente, en agosto mostró señales de recuperación. En octubre comenzó la grabación una nueva canción (Midaregami, “Despeinada”) y en abril de 1988, Hibari llevó a cabo en Tokyo (Tokyo Dome) un recital de dimensiones colosales bajo el nombre de Concierto del Ave Fénix (Fushichō konsāto), en el cual a pesar del gran dolor que padecía en sus piernas, cantó 39 canciones.

Su mejoría fue pasajera y su hígado estaba debilitado por décadas de adicción a la bebida. El 24 de junio de 1989, después de ser internada en un hospital en Tokio, murió de pulmonía a la edad de 52 años. Al momento de su prematura muerte, ampliamente llorada a lo largo y ancho del Japón, Hibari Misora había grabado cerca de 1.200 canciones y vendido 68 millones de discos. Durante los seis meses siguientes a su fallecimiento, las ventas de sus grabaciones se multiplicaron veinticinco veces. Y un mes después de su muerte, en julio de 1989, se convirtió en la primera mujer japonesa en recibir (de manera póstuma, en este caso) el Premio de Honor Nacional (Kokumin Eiyo Shō, 国民栄誉賞) por su prolongada contribución a la industria discográfica. Póstumamente, la demanda de sus grabaciones aumentó considerablemente y en el año 2001 llevaba vendidos más de 80 millones de discos.

Desde 1990, estaciones de televisión y radio ponen su canción Kawa no nagare no yoni (川の流れのように, Como la corriente de un río) el día de su cumpleaños como muestra de respeto a su recuerdo. En un sondeo nacional por NHK en 1997, dicha canción fue votada la mejor canción japonesa de todos los tiempos votada por más de 10 millones de personas. Hibari Misora es frecuentemente recordada como aquella que, con sus canciones, confortó al Japón a través de su difícil recuperación de la devastación provocada por la derrota sufrida en la Segunda Guerra Mundial.

En 1994, abrió en Arashiyama, Kioto, el Museo de Hibari Misora. En este edificio de varios pisos se exponía material visual y objetos que representaba la historia de la vida y carrera de Misora. Además, se exponían diversas pertenencias de Misora. El museo fue visitado por más de 5 millones de visitantes hasta el cierre 30 de noviembre de 2006, fecha en la que se trasladó el material en exhibición a la sección de la era Shōwa en el Museo Edo-Tokyo (ubicado en el distrito de Sumida, en la capital japonesa). Posteriormente el nuevo Teatro de Hibari Misora abrió el 26 de abril de 2008 en donde hay disponible un CD con una canción inédita nunca antes editada.

Una de las controversias creadas a lo largo de la historia sobre Hibari fueron sus orígenes y ascendencia. No existen documentos acreditativos pero se rumorea que su ascendencia era coreana y que su familia tuvieron pasaportes coreanos en el pasado bajo otros pseudónimos. Otros ponen en duda estas afirmaciones afirmando la ascendencia japonesa.

NOTA: Esta reseña biográfica fue escrita por Jamsa25 en una retrospectiva sobre la actriz para Allzine.


03
dic

Blue Dragon Film Awards (2012)

Hace unas semanas conocíamos los ganadores de los Daejong Film Awards coreanos con “Masquerade” como gran ganadora. Hoy os acerco la lista completa de premiados de los Blue Dragon Film Awards, premios más populares organizados por el mayor grupo editorial coreano.

Mejor Película

Masquerade
The Thieves
Nameless Gangster
Unbowed
Pieta

Mejor Director

Kim Ki-Duk (Pieta)
Yun Jong-Bin ( Nameless Gangster)
Chung Ji-Young (Unbowed)
Choi Dong-Hun (The Thieves)
Choo Chang-Min (Masquerade)

Mejor Actor

Kim Yun-Seok (Punch)
Ahn Sung-Ki (Unbowed)
Lee Byung-Hun (Masquerade)
Choi Min-Sik (Nameless Gangster)
Ha Jung-Woo (Nameless Gangster)

Mejor Actriz

Kong Hyo-Jin (Love Fiction)
Kim Min-Hee (Helpless)
Uhm Jung-Hwa (Dancing Queen)
Lim Soo-Jung (All About My Wife)
Jo Min-Su (Pieta)

Mejor Actor secundario

Kwak Do-Won (Nameless Gangster)
Ryoo Seung-Ryong (All About My Wife)
Ma Dong-Seok (The Neighbors)
Jang Gwang (Masquerade)
Jo Sung-Ha (Helpless)

Mejor Actriz secundaria

Kim Hae-Suk (The Thieves)
Ra Mi-Ran (Dancing Queen)
Moon Jung-Hee (Deranged)
Park Hyo-Joo (Punch)
Jang Yeong-Nam (The Neighbors)

Mejor Director Novel

Kim Joo-Ho (The Grand Heist)
Kim Hong-Sun (Traffickers)
Kim Whee (The Neighbors)
Shin A-Ga, Lee Sang-Cheol (Jesus Hospital)
Woo Sun-Ho (Over My Dead Body)

Mejor Actor Novel

Kim Sung-Kyun (Nameless Gangster)
Kim Soo-Hyun (The Thieves)
Yoo Yeon-Seok (Horror Stories)
Lee Kwang-Soo (All About My Wife)
Jo Jung-Suk (Architecture 101)

Mejor Actriz Novel

Go Ara (Papa)
Kim Ko-Eun (Eungyo)
Bae Suzy (Architecture 101)
Jung Ji-Yoon (Traffickers)
Han Ye-Ri (As One)

Mejor Guión

Heo Sung-Hye, Min Kyu-Dong (All About My Wife)
Yun Jong-Bin (Nameless Gangster)
Choi Dong-Hun, Lee Gi-Cheol (The Thieves)
Lee Yong-Ju (Architecture 101)
Hwang Jo-Yoon (Masquerade)

Mejor Fotografía

Go Rak-Sun (Nameless Gangster)
Kim Tae-Kyung (Eungyo)
Lee Tae-Yoon (Masquerade)
Jo Sang-Yoon (Architecture 101)
Choi Young-Hwan (The Thieves)

Mejor Dirección Artística

Kim Si-Yong (Eungyo)
Oh Hong-Suk (Masquerade)
Woo Seung-Mi (Architecture 101)
Jeon Kyung-Ran (All About My Wife)
Jo Hwa-Sung (Nameless Gangster)

Mejor Banda Sonora

Kim Joon-Sung, Mogeu (Masquerade)
Kim Joon-Sung, Lee Jin-Hee (All About My Wife)
Lee Ji-Soo (Architecture 101)
Jo Young-Wook (Nameless Gangster)
Hwang Sang-Joon (Dancing Queen)

Mejor Iluminación

Kim Sung-Kwan (The Thieves)
Park Se-Moon (Architecture 101)
Oh Seung-Cheul (Masquerade)
Lee Seung-Won (Nameless Gangster)
Hong Seung-Chul (Eungyo)

Premio Técnico

Kwon Yoo-Jin, Lim Seung-Hee (Masquerade)
Nam Na-Young (Masquerade)
Seo Sang-Hwa (Deranged)
Song Jong-Hee (Eungyo)
Yoo Sang-Sub, Jung Yoon-Hyeon (The Thieves)

Premio Popular

Ha Jung-woo (Nameless Gangster), Kim Soo-hyun (The Thieves), Kong Hyo-jin (Love Fiction), Bae Suzy (Architecture 101)

Premio de la audiencia a la película más popular

The Thieves

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