22
Oct

En Sitges y a lo loco – Día 1 – Sitges Film Festival 2015

La edición número 48 del Sitges Film Festival ha llegado a su fin y después de más de 30 películas asiáticas vistas en el mismo nos toca hacer un poco de balance de cada una de ellas y de lo que fue nuestra experiencia personal en este imprescindible evento. Este año construiré estas crónicas por días, a medio camino entre la crónica de ambiente festivalero y el comentario de cada película, de una forma algo más distendida, con un estilo más “Sitges”. Esta primera crónica he decidido llamarla “con Sitges y a lo loco” ya que nos metimos un buen puñado de películas en un comienzo de festival moratiniano. No digo más, que esto será un poco largo.

haruko

Haruko’s Paranormal Laboratory
Japón, Lisa Takeba, 2015
Intérpretes: Aoi Nakamura, Moeka Nozaki

El viernes día 9 de Octubre dio comienzo nuestro periplo festivalero con una sesión doble cuya primera propuesta era esta Haruko Paranormal Laboratory, segunda película de la joven directora japonesa Lisa Takeba. Quien viera el pasado año en Sitges su primera producción The Pinkie ya sabe un poco que esperar de Takeba, que llena sus producciones de una imaginación arrolladora, mucha cultura pop, colorido, humor y una buena dosis de locura, en el sentido más juvenil de la palabra. The Pinkie llego a ganar el gran premio en el Yubari International Fantastic Film Festival, el principal festival japones dedicado al género, y ha permitido a Takeba financiar esta película, escrita y dirigida por ella misma.

Haruko es una joven que pasa sus ratos haciendo zapping en su viejo televisor analógico mientras critica todo lo que ve en él, ya sean noticias, películas o cualquier cosa. De pequeña siempre soñó con encontrar un autentico suceso paranormal, y la cosa se desmadrará cuando en cierto momento su televisor cobre vida y la reprenda por este comportamiento, el de criticarlo todo. A partir de este momento se sucederán las situaciones extravagantes relacionadas con el televisor y el hecho de ir por ahí como si tal cosa, todo ello con ese estilo que ya he comentado, humor, un toque de romance, mucho pop en vestuario y sobre todo a nivel musical. La película decae un poco en ciertos momentos pero no pierde su esencia en ningún momento.

Una película amena, entretenida, sin mucho más que decir.

The Maidroid

The Maidroid
Corea, No Zin-Soo, 2015
Intérpretes: Yeong Geon, Aino Kishi

La segunda película de esta sesión doble con la que iniciamos el festival era The Maidroid, película de la que no conocíamos demasiado a priori salvo lo que habíamos leído en la web de Sitges. Resulta que esta es la séptima película del director, que tiene como obras destacadas Da Capo y Norwegian Woods, que se proyecto en el festival de Bucheon y en el de Yubari, ambos centrados en el fantástico. Además una de sus protagonistas era la famosa actriz para adultos japonesa Aino Kishi, lo cual ya era una declaración de intenciones.

En Maidroid nos encontramos a un hombre anodino y pusilánime que trabaja de recepcionista en un Karaoke. Su vida va del trabajo a su casa y de su casa al trabajo, sin mucho más. Un día recibirá un paquete que contiene una chica, un robot domestico que ha ganado en un concurso y que se supone que hará todo lo que le pida. Pero en el manual hay una norma muy clara, nada de sexo con el robot.

Y lo que os imagináis es lo que pasa, una película donde veremos a Aino desnuda buena parte del metraje, y donde el sexo estará más que presente, siendo casi lo único con lo que quedarse de la misma. El drama es mínimo, centrado sobre todo en el enamoramiento que tiene este hombre con una de las chicas de compañía del Karaoke donde trabaja y en como la presencia del robot hace evolucionar en parte su carácter, pero no os creáis que esto es interesante porque no lo es, es algo nimio, vacío. Ni su corta duración da interés a una historia que, si bien tiene ciertos giros, es plana y con poco interés, dejándonos solo los pechos y el humor de ciertas situaciones.

The Taking of Tiger Mountain

The Taking of Tiger Mountain 3D
China, Tsui Hark, 2014
Intérpretes: Zhang Hanyu, Lin Gengxin, Tony Leung Ka Fai

Después de un comienzo de festival más bien mediocre tocaba enfrentarse a la última gran superproducción del eterno Tsui Hark, avalada por estar dentro del Top 10 de películas más taquilleras de la historia de China.

En este caso Hark adapta la novela Tracks in the Snowy Forest del escritor Qu Bo, en donde un grupo de soldados revolucionarios comunistas deben lidiar con un feroz grupo de bandidos que amenazan las aldeas cercanas y que tiene su guarida en un antiguo fortín japonés en la montaña del Tigre. El propio Qu Bo participó activamente tanto en la guerra Chino-Japonesa como en la Guerra Civil por el bando comunista y su novela fue adaptada a una obra de la Opera de Pekín, cuyas imágenes podemos ver abriendo esta película, que ha sido elegida como una de las ocho operas revolucionarias más influyentes de la historia. Lo dicho hasta ahora es interesante porque esta película tiene una cierta carga local de propaganda comunista, de ese cine que se hacía en los 50 y que estaba tan influenciado por el estilo del bloque soviético. Es evidente que heredando una historia tan conocida en China como ésta algo de eso tenia que tener.

La película empieza como tenía que hacerlo para captar el interés y la atención, con unas escenas de acción bien rodadas y trepidantes, que sirven de escusa para ir dando a conocer esa situación inicial que comentábamos antes, ejércitos en retirada (Tanto japoneses como el Kuomintang gubernamental) y bloque comunista luchando por la libertad. Tras esto se nos presenta el grueso de la historia y a los personajes, es entonces cuando el ritmo decae un poco al estar todo narrado de una forma muy clásica, con esas reminiscencias que antes comentaba. Nos encontraremos con infiltrados, traiciones y la búsqueda de un mapa que dará ventaja a quien lo posea, y poco a poco iremos viendo todo el mosaico que se nos presenta, nada complejo y muy clásico, pero bien narrado. El toque Tsui Hark vendrá a partir del segundo tercio de la película, donde la acción empezará a tomar el control de toda la película, una acción bélica general que bebe mucho de los blocbusters de acción estadounidenses, pero que a nivel más cercano también lo hacen del cine de acción local, con tiroteos que recuerda más al Heroic Bloodsheed que a otra cosa. Además Hark se desmelena al final de una forma increíble, para dar esa guinda que a todos nos gustó.

En el nivel técnico el acabado es sobresaliente, tanto a nivel de vestuarios, localizaciones y efectos especiales. Además he de hacer una mención especial al 3D que es brutal, sigo diciendo que el mejor 3D que he visto nunca ha sido en películas chinas, que dan una profundidad y ambientación increible, no solo el efectismo que suele verse en otro tipo de cines en este formato.

En definitiva, una película entretenida que me gusto bastante, si bien puede costar entrar en ella durante su primera mitad por como está construida.

The Treacherous

The Treacherous
Corea, Min Kyu-Dong, 2015
Intérpretes: Ju Ji-hoon, Kim Kang-woo

Recuerdo cuando el año pasado en el festival se nos vendía el Pinku lésbico humorístico The Torture Club como una de las películas polémicas del evento, pues este año se ha superado con creces. Ya hemos tenido una buena ración de desnudos y morbo con The Maidroid, a pesar de ser una película mediocre, pero ahora lo tendremos mucho más con estas The Treacherous, del director de Memento Mori Min Kyu-Dong.

Nos trasladamos a la Corea del año 1500 para conocer a un personaje histórico real, considerado el mayor tirano de la historia del país, el rey Yeonsan-gun. Siguiendo su loca y libertina forma de ser, encargará a Im Soong-jae -quien ya se ha ocupado de influenciarlo- que recorra el país buscando mujeres para entrenarlas y que compitan para satisfacer su lujuria. Entre ellas destacaran dos, una antigua prostituta que quiere el poder y una joven espadachina con intenciones ocultas.

Ya decía Ángel Sala en la entrevista que los amigos de Cineasia le hicieron sobre la programación asiática antes del festival que esta película era difícil de clasificar, y en parte es cierto. Tendremos esa ambientación histórica, sin ser estrictamente reales los hechos que se narran, tendremos acción y artes marciales, tendremos drama palaciego… pero todo quedara un poco oculto por el erotismo, y quizás ese sea el problema de la misma. Como película de intrigas palaciegas a la coreana la película funciona, esta bien narrada y con el acabado impecable a nivel técnico que suele tener el cine coreano, pero tanto recurrir al erotismo o las escenas calientes, sobre todo en su última parte con un combate lésbico relativamente largo, al principio hace gracia pero después la vuelven un poco aburrida y hosca, el erotismo eclipsa otros elementos y… no se, si me apetece ponerme cachondo veo otras cosas y no una película de época coreana en Sitges… quizás soy yo el raro.

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Ryuzo and his Seven Henchmen
Japón, Takeshi Kitano, 2015
Intérpretes: Tatsuya Fuji, Masaomi Kondo, Akira Nakao, Akira Onodera, Toru Shinagawa, Ben Hiura, Yoshizumi Ito, Ken Yoshizawa

Seguimos nuestro intenso primer día cinéfilo con el director japonés Takeshi Kitano y su nueva propuesta, Ryuzo and his Seven Henchmen. He de reconocer que no conocía esta producción de antemano y algunas de las informaciones que había leído en plan “Kitano vuelve al género de la Yakuza” eran más erróneas que otra cosa, porque esto es una comedia y de esas tan japonesas que a mi me gustan.

En este caso Beat Takesi no protagoniza el film sino que le deja el honor al conocido actor Tetsuya Fuji que interpreta a Ryuzo, un Yakuza jubilado que vive una vida tranquila con su hijo y su familia. Ryuzo sigue teniendo aún viejas costumbres y cierto renombre y su hijo se avergüenza de su pasado. Pero esta vida quizás es demasiado tranquila y el yakuza terminará reencontrándose con sus viejos compañeros, entre los que se incluyen actores como Masaomi Kondo, Akira Nakao, Akira Onodera, Ben Hiura o Toru Shinagawa, y decidirán crear una nueva familia.

La comedia japonesa más local suele tener sus propios cánones, y más si está metido alguien como Takeshi Kitano de por medio. Suelen ser comedias ligeras, muy situación. En ellas suele haber una base dramática, sea el hecho, como en este caso, de unos viejos fuera de lugar que han visto como su mundo ha cambiado con los años dejándolos a ellos atrás, sea la muerte de un compañero… estas bases dramáticas se trasforman enseguida en situaciones cómicas con total naturalidad, creando una comedia con toques negros que suele ridiculizar, o al menos reírse, de los clichés que todo el mundo espera y conoce, pero dándoles una vuelta cómica. Así es Ryuzo, en donde en un tiroteo de lo más trascendental uno puede no disparar una pistola porque le falta un dedo que se cortó antaño, provocando la risa del personal. Esto es lo que nos encontraremos. Lo que también tiene la comedia japonesa es que muchas veces a ojos occidentales es ingenua o tonta, con pedos de vez en cuando y cosas por el estilo, eso es marca de la casa.

Sin duda la película que más me gustó este primer día, porque a mi me gusta mucho este tipo de comedias, si bien puede no llegar a gustar al grueso de seguidores del director y puede pasar por una obra menor.

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Sumo Road – The Musical
Japón, Ken Ochiai, 2015
Intérpretes: Lin Yu Chun, Ryusuke Komakine

No penséis que después de esta buena dosis cinéfila se terminaba nuestro reencuentro con Sitges, pasábamos ya al segundo día del festival, ya que era bien entrada la media noche, y nos preparamos para esa sesión que tanto nos gusta y que hemos disfrutado con placer durante los últimos años del festival, el Japan Madness y su ración de locuras y sangre, aunque este año eso de la sangre estaba un poco más suavizado ya que la moda por el splatter más bestia ya se ha pasado y ahora las propuestas son algo más Madness… o no, ya lo veremos.

Iniciamos la velada con un cortometraje de 25 minutos llamado Sumo Road, que nos presenta a un chico gordo que se ve discriminado hasta que encuentra su lugar en el mundo, el club de Sumo de su escuela. La gracia de todo esto es que, como su nombre indica, es un musical y a la mínima se ponen a cantar y bailar para delirio del personal. La película en si mantiene eso que decía cuando hablaba de Ryuzo, una comedia de situación, en este caso en forma de musical, construida sobre un poso de drama ligero, ese joven discriminado y su lucha por encajar en el mundo.

Esta es una propuesta muy divertida, que se agota rápido, es cierto, pero que tiene la duración justa para que te pases riendo unos buenos minutos.

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Assassination Classroom
Japón, Eiichiro Hasumi, 2014
Intérpretes: Okuma Anmi, Wakana Aoi

Ya en materia maratoniana la primera película que nos esperaba era Assassination Classroom, adaptación en Live Action del manga homónimo de Yusei Matsui. El manga empezó a publicarse en tomos en 2012 y ha tenido muchísimo éxito, tanto que se ha serializado en animación con una serie de 22 capítulos de este mismo año, Bandai Namco desarrollo esta primavera un juego para 3DS y el personaje de Koro-sensei ha aparecido en diferentes juegos y plataformas a modo de cameo. Además ya se habla de una secuela de este live action para el próximo año. La película fue número uno en el Box Office japonés en su primer fin de semana en pantalla.

La premisa de la que se parte es bastante curiosa. En una escuela de alto nivel si tus notas descienden demasiado te “destierran” a la Clase E, la End Class, en donde eres discriminado y tienes muy pocas esperanzas de salir de ella. Este método mantiene a los demás estudiantes concentrados en sus estudios por miedo y los que acaban allí deben asumir su oscuro destino, ser rechazados. Un buen día la luna explota convirtiéndose en media luna, el responsable es un extraño ser con tentáculos que en secreto propone al gobierno ser el profesor de la Clase E para enseñar a sus alumnos a que lo asesinen antes de su graduación o destruirá la Tierra.

Cuando salíamos del cine escuche alguna conversación sobre lo raro o incoherente de esta historia, el profesor que quiere destruir la tierra y a la vez enseñar a sus alumnos… Creo que darle muchas vueltas a la lógica de historia es tontería, sobre todo sin haber leído el manga original. Lo que si he de decir es que nos encontramos ante una adaptación bien producida a nivel técnico, con un buen presupuesto invertido en los efectos digitales de Koro-sensei, el profesor, que me han parecido más que correctos. El resultado general tiene acción y mucho humor, si bien no os podría decir que tanto se parece al manga, si que estoy viendo el anime en estos momentos y aquel tiene más humor y sentimiento que la película, cambiando el papel de ciertos personajes, pero como adaptación (repito, con respecto al anime) hay escenas directamente iguales y me da la sensación que se parecerán bastante.

El resultado es entretenido y ameno, quizás un poco plano, nada desternillante o sobrecogedor, pero me vale para pasar un buen rato.

The Ninja War of Torakage

Ninja War of Torakage
Japón, Yosihiro Nishimura, 2015
Intérpretes: Takumi Saitoh, Yuria Haga, Eihi Shiina, Kanji Tsuda

Tras finalizar Assassination Classroom eran ya las… ¿3 de la madrugada? Quizás, y tocaba reencontrarnos con la nueva película del incombustible creador de efectos especiales Yosihiro Nishimura. Estaba previsto que presentara la maratón en su comienzo pero por problemas con el avión no lo hizo y el tío allí asomó, a las tantas de la madrugada, junto con el actor protagonista de la película Takumi Saitoh. Este hombre es un cachondo, o se había puesto fino a cerveza en el avión, pero al grito de “Buenas noches cabrones” se puso a comentar cosas en japonés que el propio Saitoh obviaba traducir al ingles. Entre el sueño, y vete tu a saber que más estaba, a tope pero como siempre fue muy divertido verlo sobre el escenario, este hombre es todo un showman.

Y con este panorama comenzamos la película, que se centra en la historia de Torakage, un ninja retirado que vive tranquilamente con su mujer, también ninja, y con su hijo. Cuando su niño es secuestrado por su antiguo maestro, Torakage se verá forzado a volver a la acción. Su encargo es recuperar dos pergaminos de oro y de plata que juntos forman un tesoro único.

Todos los aficionados al cine de serie B japones recordamos muy bien Tokyo Gore Police o la loquisima Helldriver, pero en esta ocasión la cosa va diferente. Esta película es más seria y contenida que las nombradas, intentando construir una historia algo más hilvanada, más desarrollada e importante. El toque gore está, como no, pero queda para momentos de acción más puntuales, más esperados, acción que no esta mal, aunque como suele ser normal es muy excesiva dándole un toque de caricatura. Pero es que el exceso es la marca de la casa de este tipo de producciones, y ya nos lo decía el propio Nishimura, el exceso es divertido. Aunque ya he dicho que la historia pretenda tener un toque de seriedad, la comedia en su forma más tonta aparecerá en muchas ocasiones, entre eso y el exceso antes comentado el aire general es ese, el de acción y diversión, pero de una forma mucho más contenida que en películas anteriores del director.

Y así terminamos este primer, e intenso, día en el Festival de Sitges, la última película de la maratón era Ninja Hunter del dudoso Seiji Chiba. Entre el sueño que tenia y que el director ya hizo un engendro como Alien vs Ninja grabado en la misma cueva, literalmente, no me quedaron ganas de intentar verla y me fui a la cama. Luego me comentaban que no estuvo nada mal, otra vez será.


20
Oct

Audition – Deconstruyendo a Takashi Miike

auditionŌdishon (1999)
Director: Takashi Miike
Guión: Daisuke Tengan (basado en la novela de Ryū Murakami)
Actores: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina, Tetsu Sawaki, Jun Kunimura, Renshi Ishibashi, Miyuki Matsuda, Toshie Negishi,Ren Ōsugi
Productora: Basara Pictures, Creators Company Connection, Omega Project
Director de fotografía: Hideo Yamamoto
Editor: Yasushi Shimamura
Music: Kōji Edō

Si hay un film por el que Takashi Miike será venerado eternamente en Occidente ese es Audition. Si Fudoh: The New Generation había abierto las puertas del mercado internacional al director, Audition iba a entregarle un abono completo e irrevocable a los festivales de cine internacionales. Miike ya gozaba de cierta reputación, las ediciones de 1999 de FanTasia y el Vancouver International Film Fest ya habían contado con su trabajo y el Courmayeur Noir in Festival en Italia le había dedicado su primera retrospectiva. Pero Audition iba a hacer que a partir de ahora entrara en los festivales de cine por la puerta grande.

Audition es una adaptación de la novela de Ryū Murakami de 1997, un escritor fundamental en el panorama literario contemporáneo japonés pero prácticamente desconocido en nuestro país. Es un escritor que representa muy bien las contradicciones de los autores de su generación que, en contraposición a generaciones anteriores, se niegan a comprometerse política y socialmente en sus obras. Es una generación tachada de “generación vacía” que el gran Kenzaburō Ōe ha llegado a lamentar públicamente. Sin embargo, la ausencia de compromiso en sus trabajos es en sí un posicionamiento y Murakami es el ejemplo estrella. Si escarbamos en el sexo, las drogas, el surrealismo y la violencia de sus novelas —que son muescas del vacío de su generación— podemos sacar a la luz una crítica a la sociedad conservadora muy destilada: la situación de la juventud japonesa, el influjo de Occidente en Japón, el proceso de modernización, el desarrollo social, la desilusión individual y la consiguiente venganza contra la sociedad, el impacto de la música y el cine americanos en la cultura japonesa, el férreo sistema educativo japonés…

El argumento de Audition nos descubre la vida de Aoyama, un productor de documentales que tiene su propia empresa y que ha tenido que criar solo a su hijo Shige desde que su mujer Ryoko muriera hace siete años. Habiéndose dedicado plenamente a su hijo y a su empresa los últimos años, Shige le pregunta por qué no busca una nueva esposa. La pregunta reconcome a Aoyama, quien comienza a sentirse sólo y decide casarse. Pero no tiene tiempo para un omiai, con lo que su amigo Yoshikawa, quien trabaja en el mundo del cine, le convence para hacer una audición para una película que no existe. A Aoyama le hace sentir un poco mal la idea, pero el poder conocer a muchas mujeres a la vez, establecer los requisitos y observarlas con tiempo antes de decidir es exactamente lo que necesita. Sin embargo, antes de empezar la audición, ya se ha decidido por una de las participantes: Asami Yamazaki. Después de la audición, Aoyama contacta con ella y poco a poco comienzan una relación hasta que van a pasar un fin de semana juntos a un hotel y a la mañana siguiente ella ha desaparecido. Aoyama le sigue la pista desesperadamente sin suerte. Es Asami quien le encuentra decidida a mutilarle y matarle por todas sus mentiras.

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Como ya viene siendo una característica habitual en muchas de sus películas, el lenguaje cinematográfico marca dos partes diferenciadas. La primera parte es cronológica y de ritmo lento: desde la muerte de Ryoko, obviando los siete años que padre e hijo han pasado sin ella, hasta la noche de pasión de Asami y Aoyama en el hotel. Miike y Yamamoto se deleitan usando la narrativa visual en esta parte para hacernos empatizar con el personaje. Aoyama es un padre que ni siquiera sabe como consolar a su hijo cuando muere su esposa, un hombre solitario que ha pasado los últimos siete años cuidando de su hijo. Si el plano con el título de la película nos muestra a padre e hijo andando juntos por el mismo camino en la vida, la siguiente escena nos muestra la gran barrera generacional entre ellos: padre e hijo pescan cada uno en una piedra con considerable distancia entre ellos. Ahora que Shige es adolescente no tiene tanto tiempo para pasar con su padre, que suele cenar sólo y beber hasta altas horas. En el trabajo, tampoco parece confraternizar demasiado, aunque sí se noten los sentimientos de su secretaria hacia él. Cuando Aoyama comparte plano con otro personaje o bien estos están en movimientos contrarios, como en la escena con Rie-san o bien hay una barrera arquitectónica en el plano como en la escena con su secretaria, o simplemente aparece solo y encajonado. Incluso la cámara se aleja de él, ofreciéndonos los picados completamente perpendiculares con los que tanto disfruta Miike. Todo para recalcar la sensación de soledad, se fatalidad. Sólo con su editor en una escena del principio y luego con Yoshikawa, con quienes comenta su soledad. Con Yoshikawa bebe codo a codo y es quien mejor entiende y comparte este encierro. Ni siquiera el chico de la barra entiende sus comentarios sexistas y el por qué un omiai no es una buena elección y una audición sí.

Cuando llega el día de la audición y vemos por primera vez la sala, el plano general de la silla vacía en la inmensa habitación llena de luz natural insinúa precisamente eso: el gran vacío y la gran absurdidad que supone la audición. Vemos pasar a diferentes chicas, todas exageradamente fuera de lugar hasta que llega Asami. Siempre vestida de blanco, con el pelo suelto, la silla está colocada incluso más cerca de la mesa de Aoyama y Yoshikawa que con el resto de candidatas. Incluso, las persianas están bajadas y la silla queda entre dos persianas, resultando en un cuadro entre blancos y negros con su lado derecho bañado por luz y el izquierdo por oscuridad, como sus dos caras. Cuando Aoyama se sienta en la silla, el cuadro que resulta es sensiblemente diferente por la posición de las persianas pero también está compuesto por blancos y negros. Esto nos indica que él también tiene dos caras. El espectador conoce el secreto de Asami y eso ayuda a Miike a crear justo la emoción que necesita, sin pensar demasiado en las mentiras de Aoyama.

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En las citas de Aoyama y Asami, Miike los sentará en restaurantes poco bulliciosos y separados del resto de mesas, incluso drásticamente cuando utilice la biga del techo: es Asami que ha conseguido traspasar las barreras de Aoyama y ahora están en su micro-mundo. La Asami que vemos pasear por la misma calle por la que siete años antes paseaban padre e hijo, pisa fuerte y el abrigo rojo que cubre su vestido de mujer perfecta advierte del peligro. La música melancólica acompañará a menudo la voz de Asami cuando hable de sí misma y en la primera cita Miike utilizará la cámara subjetiva en la dialéctica plano – contraplano cuando esté en la posición de Asami para que el espectador sienta las mentiras de Aoyama. En la segunda, la poética visual irá más lejos y al mentirle Aoyama sobra la película, lo aparatará de ella encuadrándolo como en una pecera de mentiras. Una vez afianzada la relación entre los dos, Miike volverá al plano medio corto de frente de los dos personajes que había utilizado sólo para los encuentros de Aoyama con Yoshikawa, equiparando la importancia de Asami en la vida del protagonista.

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En la secuencia de Asami y Aoyama en el hotel, el director jugará con las tonalidades. Las tonalidades cálidas bañaran la silueta de Asami en la playa porque por fin parece que la luz ha entrado en su vida, mientras que Aoyama continúa en la oscuridad. En la secuencia de la cama también, una tenue luz azul baña a Asami envuelta del blanco de las sábanas. Ese blanco de pureza de las sábanas, contrasta con Aoyama aún vestido con traje oscuro y en la oscuridad de la habitación. No es que ella le haya contado todo, claro, pero le ha contado todo lo que le puede contar. Él sin embargo, sigue ocultando la existencia de Shige. Cuando Aoyama jure amarla sólo a ella y Asami se abalance sobre él, el estilo cinematográfico cambiará radicalmente.

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En la segunda parte del film, ya no habrá más poética visual. La cámara se volverá más inestable para transmitirnos el estado de nervios de Aoyama y el montaje dejará de ser cronológico. Los planos reales yuxtapuestos —gracias a falsos raccords— con planos extraídos de la imaginación y los deseos de Aoyama y flashbacks de sus citas en los que intentará rebuscar para comprender por primera vez a Asami. El montaje nos confundirá induciéndonos en su mismo estado de embriaguez y drogas. La escena de la tortura es la más larga de todas, teñida por la influencia del ero-guro japonés que se haría a partir de entonces más inevitable en su filmografía. El equilibrio entre lo erótico y lo grotesco es la clave. La bella Asami con su vestido blanco y su delantal de carnicera de cuero negro, su kiri-kiri cínico mientras clava las agujas en los ojos de Aoyama, su sonrisa de loca mientras le corta el pié. No hay música, sólo el diálogo y el sonido de los utensilios de Asami que contrasta con los quejidos de dolor de Aoyama. Miike no escatima en planos holandeses, primeros planos e incluso planos detalle para hacer la escena más grotesca.

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En cuanto a la interpretación del film, la crítica se divide. Hay quien ve una venganza de la sociedad patriarcal y hay quien ve un simple malentendido entre dos personas. Sin embargo, si leemos la novela de Murakami la crítica a la sociedad japonesa es más que evidente. No es un ataque tanto a la sociedad patriarcal sino a la familia conservadora en la que el papel de la mujer es el de la “buen madre, buena esposa”. Es una crítica generacional. La generación de Aoyama no comprende a las mujeres modernas, sino que se embuten en sus trajes de ejecutivos respetables y escogen esposas educadas y sumisas, a la vez que regentan clubes nocturnos. No es que Asami sea una vengadora feminista, es un producto de la sociedad hipócrita y sexista, que la propia sociedad no ha sabido manejar ni comprender. Shige sin conocerla sí la entiende perfectamente. No comprende como tanto sufrimiento se puede borrar sólo con el ballet y advierte a su padre. Murakami confía en que la siguiente generación solucione la distancia entre hombres y mujeres y lo demuestra el orgullo de Aoyama por su hijo durante toda la novela. Miike centra el mensaje en el dolor de Asami, y cómo Aoyama al ser torturado y sentir dolor físico, es capaz de comprender su dolor. La diferencia entre la generación de Aoyama y la generación de Shige se hace más sutil pero es definitiva cuando Shige salva a su padre y mata a Asami.

Audition se proyectó por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Róterdam en 2000 donde ganó el premio de la crítica, marcando el inicio del culto a Miike. Además, es la primera película del director que se estrenó comercialmente fuera de Japón recaudando sólo en España 63.000 euros, lo suficiente para que la crítica decidiera seguirle los pasos y ver crecer su culto.

Bibliografía:
HANTKE, Steffen (2006). «Japanese Horror under Western Eyes: Social Class and Global Culture in Miike Takashi’s Audition». En: Japanese Horror Cinema. Edinburgh: Edinburgh University Press, pp. 240.
MES, Tom (2006). Agitator: The Cinema of Takashi Miike. UK: FBA Press, pp. 432
Takashi Miike: La provocación que llegó de Oriente (2013). Ángel Sala (coordinador) y Desirée de Fez (coordinador) [et al.]. Madrid: Calamar ediciones, pp. 143.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


19
Oct

Palmarés – Sitges Film Festival 2015

Un año más termina el Sitges Film Festival y con él 10 días de empacho cinéfilo de todas las categorías, por mucho que se suponga que el género es el nexo en común. Y es que Sitges cada año es más ecléctico, y poco tiene que ver con esa visión de simple terror, gore o zombies que muchos tienen de él. Hoy toca recordar lo que hemos vivido ahora que aún esta cerca de nosotros, y en las próximas semanas os hablaremos de lo más asiático que hemos podido disfrutar en estos días.

Este año partía con la novedad de la desaparición del Focus Asia como sección propia (aunque si mantenía el premio propio), algo que no ha mermado la calidad, y sobre todo cantidad, de las películas de aquel continente. Y es que esa sección olía ya a viejo, a caduco, había quedado como un gueto donde meter todo aquello que no se sabia donde meter, con propuestas de menor nivel o interés que las presentes en Sección Oficial o el cine más de autor del Noves Visions. Ahora el asiático simplemente no se distingue del resto, no hace falta distinguirlo, y la presencia de países orientales ha sido mucho más prolífica e interesante que en la pasada edición. Otra novedad ha sido habilitar de nuevo la sala Tramuntana como espacio de proyección, además de centrarlo muchisimno en los pases dedicados a prensa. Esta sala, qua ya estuvo operativa en ediciones anteriores hace unos años, ha tenido, en mi opinión, un nivel aceptable, si bien con la pantalla pequeña (es imposible más grande por las características de la sala) los asientos eran cómodos y el audio más que correcto. Las cabezas molestaban porque no había inclinación, pero los subtítulos arriba paliaban en parte esta situación. En general creo que ha sido una decisión acertada, ha descongestionado mucho a ciertos sectores de prensa y a las otras salas, que este año tenian un gran margen de tiempo entre películas y eso ha evitado muchos retrasos, además de acercar debates sobre las películas con los propios directores a dentro de las salas de cine. Es un buen camino.

En cuanto a invitados asiáticos tuvimos el honor, la suerte y el placer de encontrarnos con el rostro mismo del cine hongkonés -de acción- de los últimos 25 años, Simon Yam. Me faltan calificativos para este hombre, simpático, apasionado… “Full of Love” como él mismo diría. Estuve emocionadísimo todo el rato que pudimos charlar con él e incluso le mostré un libro que había comprado en Hong Kong y en el que tenia un lugar destacado -al estar centrado en el cine de acción y crimen hongkonés contemporáneo- para que me lo firmara. No soy idolatra, es la primera vez que pido un autógrafo a una “celebritie”, pero es que es Simon Yam, era inevitable. También pudimos charlar un rato con el gran Sion Sono y esta conversación fue muy ilustrativa sobre su carrera en general y algunas de sus películas en particular, además estaba acompañado de su esposa, la también actriz Megumi Kagurazaka… mejor imposible.

Ha sido un nuevo Sitges de experiencias cinéfilas y personales, de encontrarse y charlar con mucha gente, y eso es lo que lo hace especial y lo que me entristece a la vez, que seguramente hasta el año que viene no vuelva a repetirse. Por el momento os dejo con el palmarés oficial del festival, con una buena dosis de asiático entre los premiados.

sitges 2015

The Invitation, de Karyn Kusama, se ha llevado el Premio a la Mejor Película de la Secció Oficial Fantàstic de Sitges 2015. En la rueda de prensa de presentación del palmarés de este año, el jurado ha destacado el alto nivel de las películas presentadas y que ha sido una edición muy competitiva. La otra ganadora de esta 48ª edición es The Final Girls, de Todd Strauss-Schulson, producción que ha obtenido dos galardones: el Premio Especial del Jurado y el Premio al Mejor Guión. El Premio a la Mejor Dirección ha sido para S. Craig Zahler, por la película Bone Tomahawk. El jurado ha concedido el Premio a la Mejor Interpretación Femenina a Pili Grogne, por su papel en Le tout nouveau testament y el Premio a la Mejor Interpretación Masculina a Joel Edgerton, protagonista -y director- de The Gift.

Por otra parte, el jurado de la Secció Oficial Fantàstic Sitges 48 ha otorgado el Premio a los Mejores Efectos Especiales a la película I Am a Hero, de Shinsuke Sato. Demon, de Marcin Wrona, ha obtenido el Premio a la Mejor Fotografía y Turbo Kid, de Anouk Whissell, François Simard y Yoann-Karl Whissell, el Premio a la Mejor Música. El mejor corto de esta edición ha sido para They Will All Die in Space, de Javier Chillon, que ha ganado el Premio al Mejor Cortometraje.

Además, los asistentes a la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya han decidido otorgar con sus votos el Gran Premio del Público – La Vanguardia a la película I Am a Hero, de Shinsuke Sato, y el Premio del Público de la Sección Panorama Fantàstic a El Eslabón Podrido, de Valentín Javier Diment.

PALMARÉS

Secció Oficial Fantàstic Sitges 48

Premio Mejor Película: ‘The Invitation’ de Karyn Kusama
Premio Especial del Jurado: ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): S. Craig Zahler por ‘Bone Tomahawk’
Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne por ‘Le tout nouveau testamento’
Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Joel Edgerton por ‘The Gift’
Premio Mejor Guión: M. A. Fortin, Joshua John Miller por ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejores Efectos Especiales: Makoto Kamiya por ‘I Am a Hero’ de Shinsuke Sato
Premio Mejor Fotografía: Pawel Flis por ‘Demon’ de Marcin Wrona
Premio Mejor Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos por ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell
Premio Mejor Cortometraje (patrocinado por Fotogramas): ‘They Will All Die in Space’ de Javier Chillon
Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): ‘I Am a Hero’, de Shinsuke Sato
Premio José Luis Guarner: ‘Bone Tomahawk’ de S. Craig Zahler
Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton por ‘The Survivalist’
Premio Jurado Carnet Jove Mejor Película: ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

Secció Oficial Fantàstic Òrbita

Premio Mejor Película: ‘SPL2: A Time for Consequences’ de Soi Cheang
Premio Mejor Dirección: John Maclean por ‘Slow West’
Premio Especial del Jurado: ‘The Taking of Tiger Mountain’ de Tsui Hark

Panorama Fantàstic

Premio Mejor Película Panorama Documenta: ‘Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu’ de David Gregory
Premio del Público: ‘El Eslabón Podrido’ de Valentín Javier Diment.

Noves Visions

Premio Mejor Película Noves Visions One: ‘Anomalisa’ de Charlie Kaufman, Duke Johnson
Mención especial Noves Visions One: ‘Men & Chicken’ de Anders Thomas Jensen
Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: ‘Disco Inferno’ de Alice Waddington ex aequo con ‘Formas de jugar’ de Gemma Blasco
Premio Mejor Película Noves Visions Plus: ‘Anabel’ de Antonio Trashorras
Mención especial: ‘Lovemilla’ de Teemu Nikki

Focus Àsia

Premio Mejor Película: ‘Veteran’ de Ryoo Seung-wan

Anima’t

Premio Mejor Película: ‘Miss Hokusai’ de Keiichi Hara
Premio Mejor Cortometraje: ‘Voltaire’ de Jan Snoekx
Mención especial Cortometraje: ‘The Orchestra’ de Mikey Hill

Midnight X-Treme

Premio Mejor Película: ‘Bound to Vengeance’ de José Manuel Cravioto

Méliès d’Argent

Premio Mejor Película Europea S.O.F. Sitges 48: ‘Le Tout Nouveau Testament’ de Jaco Van Dormael
Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: ‘Graffiti’ de Lluís Quílez

Blood Window

Premio Mejor Película Blood Window: ‘Los parecidos’ de Isaac Ezban

Brigadoon

Premio Mejor Cortometraje Brigadoon – Paul Naschy: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan

Phonetastic

Premio Mejor Cortometraje: ‘Blackout’ de Sylvain Certain

Sitges Cine365 Film

Premio Sitges Cine365 Film: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan ex aequo con ‘Zero’ de David Victori

Simon YamEntrevistando a Simon Yam

Sion Sono y Megumi KagurazakaSion Sono y Megumi Kagurazaka


06
Oct

B-ANIME 2015 – Barcelona Anime Festival

B-ANIME

Desde el próximo viernes 9 hasta el domingo 11 de octubre Barcelona acogerá la primera edición del B-ANIME: Festival Anime de Barcelona. Esta es una iniciativa dirigida a preadolescentes y jóvenes de entre 8 y 18 años. Sin embargo, el festival atraerá a espectadores de todas las edades y a seguidores del anime en general. B-ANIME tiene como propósito dar visibilidad a estrenos de anime inéditos en Barcelona, producciones de calidad que por motivos comerciales no llegan a la gran pantalla de nuestra ciudad. De esta manera, el festival quiere potenciar el valor cultural de estas piezas y generar un espacio de intercambio y debate entre profesionales y seguidores, en donde la actualidad audiovisual del anime quede reflejada.

Por esta razón, además de la proyección de estrenos de cine, series y cortometrajes, también se organizarán numerosas actividades relacionadas con el anime y la cultura japonesa para todos los públicos. Durante los tres días del festival, diferentes espacios de la ciudad acogerán los diferentes eventos relacionados con el festival. Todas las actividades son gratuitas (excepto entrada en la Filmoteca de Cataluña).

Se proyectarán títulos tan significativos del género como “Madoka Rebelión“, “Giovanni ‘s Island“, “Stand by me Doraemon” o “Tamako Love Story“, se organizarán mesas redondas y talleres para todos los públicos (cocina, escritura, dibujo manga…), conciertos, karaoke, concurso de “cosplay”, exposiciones e, incluso, un casting para encontrar los mejores dobladores de la serie “El reino de los vampiros“. La programación completa se puede consultar en la web del festival www.b-anime.org.

A continuación os trasladamos alguno de los espacios y actividades más interesantes que podréis disfrutar en este festival.

HABITACIÓN 1418

Este espacio, punto de encuentro cultural para jóvenes de Barcelona, ​​será uno de los grandes dinamizadores y motores del B-Anime. Se celebrarán numerosas actividades y la exposición del género.

FILMOTECA NACIONAL DE CATALUÑA Y NFC (National Film Center Tokyo)

La sede de la Filmoteca acogerá programación del NFC. Películas antiguas de los inicios del anime como género, ademásde una presentación de Hiromichi Masuda (vicepresidente de la Asociación de Animaciones Japonesas).

SALÓN DEL MANGA

Concierto acústico de la banda Animizu (Auditorio del Convento)
Mesa redonda de dobladores de anime (Auditorio del Convento)
La película ganadora del festival B-Anime se proyectará durante los días de la celebración del Salón del Manga 2015 (29/10 a 01/11).

YOWU

Sábado 10 de octubre en el Auditorio Meier del MACBA, la distribuidora realizará un àudiocasting de dobladores para lanueva temporada de la serie “El reino de los vampiros”, además de un “simulcast” con Japón de un nuevo episodio de la serie.

ESCUELA DE COMIC JOSO

Master class de creación de personajes Anime (Domingo, 10 de octubre). Exposición del ilustrador Santi Casas.

ESPACIO DARUMA

Charla / coloquio sobre “Magical Girls” (Sábado, 10 de octubre)
Talleres japoneses en viñetas (niños de 5 a 12 años / mayores de 12 años)

RECETAS JAPONESAS

Talleres de cocina para público infantil cocinando mochis y dorayakis.

BRIGADA SOS

Concurso de “cosplay” (Sábado, 10 de octubre) y karaoke (Domingo, 11 de octubre) en la plaza Joan Coromines.
Ginkana temática Anime (Sábado 10 de octubre)
Trivial temático Anime (Sábado 10 de octubre Habitación 1418).

GENERACIÓN GHIBLI

Charla / coloquio sobre uno de los más reputados estudios de anime: el estudio Ghibli y su libro “Mi vecino Miyazaki”. (Domingo 11 de octubre)

ASOCIACIÓN KITSUNE

Dibujos Kawaii y talleres para los más pequeños (Sábado 10 de octubre y Domingo 11 de octubre en la plaza Joan Coromines).


05
Oct

Retrospectiva Kaneto Shindo – Filmoteca Española

Onibaba

Fundación Japón y Filmoteca Española dedican una retrospectiva al maestro del cine japonés Kaneto Shindo (1912 – 2012), autor, entre otras, de películas tan emblemáticas del cine japonés como Onibaba (1964), La isla desnuda (1960) o Kuroneko (1968). Durante esta retrospectiva se proyectarán diecisiete de sus mejores trabajos, algunos de ellos inéditos en España. Cada título de esta selección se proyectará en dos ocasiones a lo largo de los meses de octubre y noviembre, aunque por el momento solo se conoce la programación de este mes. Para estar al tanto de todos los detalles de las programaciones os recomendamos visitéis la Web de la Filmoteca Española.

Genbaku no ko / Children of Hiroshima (Kaneto Shindo, 1952).
Int.: Nobuko Otowa, Chikako Hosokawa, Masao Shimizu. Japón. 35mm. VOSI/E*. 96′.
Primer pase: Sabado 3 de octubre a las 21.40h.

Con esta obra, la protagonista, que era una profesora de guardería durante la guerra, visita a sus exalumnos después de siete años. En vez de hacer una descripción espantosa de la bomba atómica, Shindo concentra sus esfuerzos en los años de reconstrucción, en los cuales la ciudad y la gente se esfuerzan por vivir sus vidas lo más normalmente posible. Sin embargo, el daño físico y la pena emocional siguen siendo lo más presente. Esta película tuvo mucho reconocimiento en Japón y en el extranjero, como la primera película japonesa que se enfrenta a la realidad de la destrucción.

Shukuzu / Epitome (Kaneto Shindo, 1953).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno, Tanie Kitabayashi. Japón. 16mm. VOSI/E*. 130′.
Primer pase: Miércoles 7 de octubre a las 21:10h.

Hecho en parte para protestar por la legalización de la prostitución, la película a menudo se carga con su mensaje social, pero el realismo duro de Shindo y el uso de un montaje dinámico y ángulos de la cámara oblicuos dan a la película una frescura que raramente se encuentra en películas de estudio. Nobuko Otowa, encasillada en papeles de muchacha inocente, comenzó a trabajar con Shindo para aceptar papeles más agresivos.

Dobu / The Ditch (Taisuke Ito, Kaneto Shindo, 1954).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′.
Primer pase: Sábado 10 de octubre a las 19:00h.

Tsuru, una mujer con problemas mentales, es protegida por Toku y Pinchan, dos hombres que viven en una villa de emergencia, en una zanja al costado de las vías del ferrocarril. La fábrica en la cual trabajaban ha sido cerrada por una huelga, por lo que ambos hombres gastan tiempo y dinero apostando en las carreras de bicicletas. Tsuru trabajaba en una fábrica textil, pero un grupo de jóvenes robó todo el dinero de su indemnización. La particular comunidad de la zanja incluye a Chu, un actor que también está un poco loco, y Hiromi, quien viste siempre un traje elegante y de quien se dice es la amante de un hombre poderoso.

Hadaka no sima / La isla desnuda (Kaneto Shindo, 1960).
Int.: Nobuko Otowa, Taiji Tonoyama, Shinji Tanaka. Japón. 35mm. VOSE. 95′.
Primer pase: Sábado 10 de octubre a las 19:00h.

“En una isla donde el invierno da pocas pistas, es difícil retratar su llegada -salvo con la dureza de la tierra, tal vez-, por lo que Shindo prefiere hacer soplar un viento helado que sólo es audible. El tipo de soluciones que proporciona el sonido. En cambio, la presencia de la primavera es pura imaginería, y de una dicha imparable, como cuando las niñas hacen malabares entre los cerezos.” (Gabriel Lara)

Haha / Mother (Kaneto Shindo, 1963).
Int.: Nobuko Otowa, Haruko Sugimura, Takeshi Katô. Japón. 35mm. VOSI/E*. 101′.
Primer pase: Domingo 11 de octubre a las 20:00h.

Tamiko es una madre soltera. Su hijo Toshio se está quedando ciego; le han diagnosticado un tumor cerebral. Ella no tiene dinero para la cirugía y se lo pide a Yoshie, su madre. Yoshie se niega pero acuerda un matrimonio con otro pariente soltero, Tajima, a condición de que él se haga cargo del pago de la operación.

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno, Jitsuko Yoshimura. Japón. 35mm. VOSI/E*. 103′.
Primer pase: Martes 13 de octubre a las 19:25h.

“Onibaba transmite la misma sensación de miedo y desamparo que se tiene al abrir una puerta tras la que se esconde la oscuridad absoluta. Invoca el terror más elemental y primigenio.” (Javier Pulido)

Hadaka no Jukyu-sai / Live Today, Die Tomorrow! (Kaneto Shindo, 1970).
Int.: Nobuko Otowa, Daijirô Harada, Keiko Torii. Japón. 35mm. 120′.
Primer pase: Miércoles 14 de octubre a las 21:20h.

Michio Yamada, recién graduado del colegio, es mandado a Tokio para trabajar como empaquetador de fruta en unos grandes almacenes como parte de un programa gubernamental. Roba un arma de una base americana y la usa para matar a varias personas. De repente volvemos a la infancia de Yamada, hijo de un alcohólico y una mujer débil que desde niño sufre la pobreza extrema.

Chikuzan hitori tabi / The Life of Chikuzan (Kaneto Shindo, 1977).
Int.: Nobuko Otowa, Ryûzô Hayashi, Mitsuko Baishô. Japón. 35mm. VOSI/E*. 124′.
Primer pase: Viernes 16 de octubre a las 17:30h.

Adoptando la nueva técnica de mezclar documental con ficción, Kaneto Shindo dirigió esta película sobre la juventud del maestro del Shamisen, Chikuzan, un vagabundo ciego que ha deambulado por el país durante 50 años y que de repente en los años setenta, se convirtió en un mito musical.

Sakura-tai Chiru / Sakuratai 8.6 (Kaneto Shindo, 1988).
Documental. Japón. 35mm. VOSI/E*. 110′.
Primer pase: Domingo 18 de octubre a las 17:30h.

En 1988 Kaneto Shindo dedicó un documental, utilizando imágenes de archivo y entrevistas, al grupo de teatro Sakura-tai Chiru, que tuvo la mala fortuna de ir a Hiroshima a representar una obra justo cuando iba a ser bombardeada. Muchos actores murieron pero el grupo se reconstruyó.

Rakuyôju / Deciduous Tree (Kaneto Shindo, 1986).
Int.: Nobuko Otowa, Keiju Kobayashi, Kazuki Yamanaka. Japón. 16mm. VOSI/E*. 105′.
Primer pase: Viernes 23 de octubre a las 21:35h.

Rakuyoju es una meditación elegantemente compuesta, contemplativa, discreta y tranquila sobre la mortalidad, lealtad y herencia personal. Usando imágenes de rituales cotidianos y desplegando metafóras contra el cambio constante de estaciones, Kaneto Shindo refleja la transitoriedad y lo cíclico de la existencia humana. Rodando en blanco y negro y usando composiciones estilizadas, sensuales y alusivas, Shindo ilustra la sobriedad de la memoria, la perspectiva de introspección y nostalgia de los ancianos, que subconscientemente recuerdan sólo imágenes evocadoras, abstractas. Inevitablemente, en esta memoria imperfecta, y retocada de una familia desintegrada que traiciona el dolor de su propia alma desarraigada y frustrada vemos ciertos rasgos autiobiográficos de Shindo: una fruta agridulce y extraña de oportunidades perdidas y deseos inarticulables.

Bokutô Kidan / The Strange Story of Oyuki (Kaneto Shindo, 1992).
Int.: Nobuko Otowa, Masahiko Tsugawa, Yuki Sumida. Japón. 35mm. VOSI/E*. 116′.
Primer pase: Sábado 24 de octubre a las 21:30h.

Tan melancólica como ferozmente sensual, Bokuto Kidan es un compendio íntimo, erótico y apasionado de los temas frecuentes de Shindo, dirigida con una frescura claramente juvenil y una estilización viva, que desmiente su edad.

Gogo no Yuigon-jo / A Last Note (Kaneto Shindo, 1995).
Int.: Nobuko Otowa, Haruko Sugimura, Hideo Kanze. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′.
Primer pase: Miércoles 28 de octubre a las 19:15h.

Dirigida por el cineasta entonces octogenario, Kaneto Shindo, y presentando un reparto lleno de nombres centrales del cine japonés clásico, desde la frecuente actriz de Naruse y Ozu, Haruko Sugimura hasta la perenne actriz y esposa de Shindo Nobuko Otowa, A Last Note es una excéntrica fábula tragicómica, divertida y conmovedora sobre el envejecimiento, las herencias personales y la mortalidad. Las obras de Anton Chejov que cita Shindo refuerzan el tono narrativo idiosincrásicamente cómico del autor: el histrionismo inquieto de actuar con torpeza; el entretejimiento surrealista de sueños y recuerdos recurrentes o el desfile carnavalesco continuo de los protagonistas.

Ikitai / Will to Live (Kaneto Shindo, 1999).
Int.: Rentaro Mikuni, Akira Emoto. Japón. 35mm. VOSI/E*. 119′.
Primer pase: Sábado 31 de octubre a las 19:20h.

La historia de abandonar a la gente anciana en las montañas se ha preservado en la prefectura de Nagano, en el centro de Japón. Pero un gran número de leyendas similares pueden encontrarse, a modo de cuentos locales, aquí y allá, así como poemas escritos sobre este tema hace cientos de años. ¿Cómo se adapta este concepto a un mundo contemporáneo? La película muestra cómo se afronta este elemento social en la actualidad, comparado con la antigüedad.

Cine Doré (Filmoteca Española)
C/ Santa Isabel, 3, 28012 Madrid

Creado y Mantenido por Jorge Endrino (Alikuekano). 2005-2016.
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