31
oct

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (IV)

cartel sitges 2014

Seguimos con nuestra crónica asiática con todo lo que pudimos ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. En esta cuarta entrega, no muy inspirada por mi parte (no me dejan tiempo para nada), os traigo un cóctel variado compuesto por una cinta de acción y aventuras coreana, la última comedia de Hitoshi Matsumoto, una de las pocas cintas de animación que pudimos ver este festival y otra entrega del incombustible Takashi Miike, esta vez en tono de Kaidan Eiga. Vamos a por ello.

Kundo

Kundo: Age of the Rampant
Corea del Sur, 2014
Director: Yoon Jong-bin
Intérpretes: Ha Jung-woo, Gang Dong-won, Lee Sung-min

Seguimos con el cine coreano que pudimos ver en Sitges esta vez con la nueva producción de Yoon Jong-bin, bien conocido por nuestros lares por dirigir y guionizar “Nameless Gangster” hace un par de años. Esta es la primera vez que toma un guión que no ha escrito él, este viene firmado por Jeon Cheol-Hong, y nos traslada a la Corea feudal en una película de acción y aventuras que últimamente están tan de moda en el panorama del cine coreano.

El final de la dinastía Joseon fue un periodo convulso en la historia de Corea, guerras, hambre y una aristocracia corrupta y dictatorial oprimían al pueblo. Todo esto dio lugar a que una banda de renegados se convirtieran en valedores de los pobres, asaltando a los ricos para devolvérselo a los pobres y luchando contra la corrupción del país. Esta corrupción atrapa a un carnicero llamado Doumuchi, que acusado injustamente de un asesinato es rescatado in extremis por la banda de renegados y se convertirá en uno de ellos para hacer justicia.

Como ya he dicho típica cinta de acción y aventuras, de las que todos los aficionados al cine coreano habrán visto ya unas cuantas. En este caso cabría destacar una buena ambientación, una fotografía muy acorde con la historia, claros elementos de western principalmente en la banda sonora y en escenas a caballo, y un buen elenco actoral, con caracterizaciones creíbles dentro de la historia que se nos presenta, destacando quizás a Ha Jung-woo como el carnicero Dolmuchi y a Kang Dong-won como el villano de turno.

Las grandes pegas de la película: su larga duración, casi dos horas y media que se hacen excesivamente largas o lo poco que llega a profundizarse en la historia o los personajes, que la mayoría de las veces se mueven más por las circunstancias que por sus propias motivaciones. Pero la gran pega que yo le pongo es toda la parte de acción, montada en muchas ocasiones de forma confusa, con constantes cambios de plano y movimientos de cámara que cada día me molestan más en este tipo de cine. También es cierto que cuando las coreografías se dejan ver son buenas y tienen reminiscencias del cine hongkonés (algunas partes de la lucha final me recordaron levemente a The Blade de Tsui Hark), pero eso no salva en general el conjunto, que deja un sabor de boca dispar, que casi exaspera y marea por momentos.

En fin, una película que con media horita menos y un montaje más adecuado habría dado mucho de si, aun así no es una mala propuesta de cine de acción y aventuras.

R100

R100
Japón, 2013
Director: Hitoshi Matsumoto
Intérpretes: Nao Omori, Mao Daichi, Shinobu Terajima, Eriko Sato

Hitoshi Matsumoto es un comediante, un animal televisivo criado a base de gag de humor, conversación delirante Manzai y la propia cultura y sociedad japonesa. Este autor solo es comparable al Taksehi Kitano comediante, ese que hacia un programa de televisión donde se reían de los golpes de la gente o hacia películas dramáticas que llenaba de gags de comedia, o que le dio un día por cambiar su carrera y hacer una película que nadie esperaba de él. ¿Quiero comparar a Matsumoto con Kitano? Si y no, quiero dejar claro que la obra de Matsumoto está impregnada de ese humor japonés que no es ni mucho menos para todos los públicos, como no lo es la comedia absurda de Leslie Nielsen. La comedia japonesa tiene un aire que visto desde la superficie es infantil y casi estúpido, pero en la obra de Matsumo hay que profundizar, leer entre lineas y sacar conclusiones.

El nombre de la película, R100, significa Rated 100 o “no recomendada para menores de 100 años”, y en ella un tipo anodino y simple que vende camas y colchones decide incluir el masoquismo en su vida diaria y acude a un club en donde contrata un pack donde en cualquier momento y lugar una dominatrix podrá presentarse ante él y hacerle todo tipo de perrerías. Sobre esta base se construye una narración que gira en torno a los gags de humor mezclados con una parte dramática durante su primera parte, girando al surrealismo más loco conforme la película se acerca al final.

El espectador más neófito en este tipo de filmes puede verlo como una simple tomadura de pelo, pero Matsumoto deja claro durante la película que sabe hacia donde va, que las locuras las pone porque quiere y se hace eco de lo que están pensando los espectadores mediante un divertido recurso que quiero que descubráis vosotros porque a mi me hizo mucha gracia. Y aunque no lo creáis el director propone una crítica social subyacente, pero para eso tendrías que leer entre líneas dentro de la propia película.

Matsumoto está camino de encumbrarse como uno de los grandes del cine japonés, pero no es alguien que sea accesible para todo tipo de público. Su narrativa y su humor siempre esconde algo más, y si entráis en él, os atrapará a base de carcajadas.

giovannis island

Giovanni’s Island
Japón, 2014
Director: Mizuho Nishikubo

El nuevo trabajo de la productora japonesa Producciones I.G. apuesta por la animación tradicional, con ciertos arreglos digitales, en un medio cada vez más dominado por los CGI. Solo este hecho ya es remarcarle hoy día. El encargado de llevar a cabo todo esto es Mizuho Nishikubo, colaborador habitual de Mamoru Oshii y director de Musashi: The Dream of the Last Samurai que también pudo verse en Sitges hace unos años.

El guión, basado en hechos reales, nos traslada a una pequeña isla del norte de japón durante el final de la Segunda Guerra mundial. Tras perder la Guerra la isla es ocupada por las fuerzas rusas y las condiciones de vida de los habitantes japoneses se ponen difíciles, teniendo algunos que recurrir al contrabando y otros a la insurgencia. Serán los niños los que tengan que romper las barreras culturales y establecer un dialogo, encarnado este en una pareja de hermanos japoneses y una chica rusa.

Sobre esta guía se construye una historia con dos partes muy marcadas: la primera de ellas trascurre en la isla, viviendo ese final de la guerra y la ocupación militar rusa. Aquí se nos presenta a esos hermanos y su familia, con todas las dificultades que han de pasar para sobrevivir y como es esa relación de los habitantes de la isla con los rusos, una historia dramática pero esperanzadora, simpática y triste a la vez, vista desde ojos infantiles. La segunda parte ya carga las tintas y el dramatismo avanza hasta un final triste y lacrimógeno, donde se busca desesperadamente un rayo de esperanza a pesar de la adversidad y este surge, pero al final, muy al final.

En el apartado técnico solo pondría una pega en la animación, un poco falta de detalles. Por una parte esto da una especie de sensación de cuento, casi onírica en algunos momentos, al conjunto, pero a por otra no puedes dejar de pensar que no está realizada con el cuaidado que hubiera sido deseable. Quizás sea un mal menor.

Película solo comparable por situación histórica y concepto a La Tumba de las Luciérnagas (aunque he de decir que aquella me gustó mas que esta a pesar de su dureza), esta es un gran ejemplo de cine de animación que seguro gustará a los aficionados.

Mención aparte a esos profesores que llevaron a toda una clase de colegiales a ver la película en su pase en Sitges, quizás esta dura historia no era lo mejor para que vieran los críos y así nosotros no hubiéramos escuchado los constantes murmullos y ruidos que provenían de ellos. Además el pase estoy convencido que fue en BluRay ya que las panorámicas daban pequeños saltos en la imagen, algo muy característico de este medio, y al principio era algo desagradable.

Over Your Dead Body

Over Your Dead Body
Japón, 2014
Director: Takashi Miike
Intérpretes: Ebizo Ichikawa, Ko Shibasaki, Hideaki Ito, Miho Nakanishi

La segunda película de Takashi Miike en esta edición de Sitges, y la que competía en sección oficial, era Over Your Dead Body, en la que el director adapta libremente “Yotsuda Kaidan”, quizás la historia de fantasmas mas famosa de japón nacida como obra kabuki en 1825, en un ejercicio de metacine con un marcado estilo Kaidan clásico construido de una forma curiosa y audaz.

La historia toma como punto de partida una obra de teatro que representa la nombrada Yotsuda Kaidan, representación que es el grueso y leiv motive de la película. La historia de Yotsuda narra como un samurái venido a menos envenena a su mujer para poder desposarse con la heredera de una familia rica. Aquí veremos como la obra de teatro involucra a sus actores principales tanto dentro como fuera del escenario, ya que a base de cambios y repetición de planos vemos que la representación escénica y lo real guardan unas fuertes e inquietantes similitudes. Miike va desdibujando este juego de repetición de planos hasta que la línea que separa lo ficticio de lo real desaparece y lo escénico absorbe el resto para apoderarse de la película y la propia realidad.

Un ejercicio que es básicamente una revisión del concepto de “Kaidan eiga” clásico, con un ritmo lento, sobrio, sobrecogedor en su austeridad y desarrollo, pero que Miike va adaptando a su estilo, un estilo de excesos, sea exceso en lo dramático, en lo austero o en lo sangriento, porque conforme la obra de teatro avanza tendremos tintes del director, no de forma frenética, pero si marcada.

Película más cercana a Hara-kiri que a otros ejercicios del director, esta cinta tiene de Miike pero también del cine clásico japonés, una combinación que al menos a mi me parece ganadora.


28
oct

Anuario CineAsia – Entrevista a Takashi Miike

Cineasia

A veces el tiempo pasa y no nos damos ni cuenta, y cuando uno piensa en ello solo puede acordarse de los buenos momentos vividos. Cineasia nació como proyecto de Revista impresa hace ya 10 años, la primera, y única, revista especializada en cine asiático de nuestro país, algo insólito que llamo la atención de todos los aficionados a estas cinematográficas, entre los que me incluyo por supuesto. Os contaré una anécdota:

La primera vez que asistí al festival de Sitges fui un poco a la aventura, me monte en mi coche me hice 7 horas de viaje y me planté en una ciudad que no conocía para asistir a un festival de cine de género. La gracia de todo es que en mi búsqueda de los espacios del festival tope con el Miramar y vi el stand de Cineasia, yo era suscriptor y allí que me plante con una frase tan inocente como “hola soy suscriptor”, preguntando por Domingo López, al que conocía de haber coincidido con él en Allzine. Me encontré una serie de personas majísimas, de trato afectivo que acogieron a ese “suscriptor” que andaba mas perdido que otra cosa, el cual terminó cenando con ellos y yendo al cine con uno de los asistentes a la cena (“La chica que saltaba a través del tiempo” fue la película, encina una maravilla de Mamoru Hosoda). A partir de ese momento comenzó una relación que hoy es de buena amistad, a pesar de que mucho ha llovido y Cineasia dejo de ser una revista impresa y comenzó una nueva andadura.

La cosa es que este décimo aniversario ha sido la vuelta al papel de Cineasia, en forma de anuario en torno a las cinematografías asiáticas, un anuario en el que se pueden encontrar artículos y reseñas que muestran como está el panorama actual del cine oriental ordenado por países, además de como anda la edición en España. Además encontrareis entrevistas y artículos especiales muy interesantes.

Yo mismo, en honor a esa relación de amistad que antes mencionaba, he colaborado en la confección de este anuario, y quizás no esta bien que yo lo diga, peor ha quedado genial en cuanto a maquetación y contenido, haceos con uno si podéis.

A modo de adelanto de lo que encontraréis en el anuario, hoy os traigo una entrevista que Gloria Fernandez y yo mismo hicimos a Takashi Miike en su visita el pasado año al Festival de Sitges.

Takashi Miike

Muchos años llevaban los fans del director sin verlo por estos lares… Y es que, con una agenda tan apretada, a Takashi Miike se le hace cada vez más difícil abandonar el set de rodaje. Pero la tentación esta vez era demasiado fuerte: un premio, una retrospectiva, 2 películas en competición en distintas secciones y un libro, el primero sobre su figura aquí en España… Lo que le ofreció el Festival de Sitges el año pasado, en colaboración con la Fundación Japón, al realizador nipón era algo así como irresistible. Así que después de 10 años de su primera visita, Miike volvió a pisar tierras catalanas y, con una paciencia y un humor excepcionales, atendió a fans, firmó dvds, se paseó por las distintas sedes del festival, recibió a la prensa y, cómo no, nos dedicó un ratito en el cual pudimos charlar sobre su cine. Aquí os dejamos la conversación…

Diez años ya desde su última visita a Sitges, y cuando llega viene con 2 películas, una en Sección Oficial y otra en Focus Asia, cinco películas en retrospectiva, un homenaje, la María Honorífica, un libro que ha editado el festival, el único en España sobre su carrera… ¿Cómo se siente? ¿Qué le produce este despliegue?

Cuando empecé como director no pensaba que llegaría tan lejos, que estaría aquí en Sitges con un libro, un homenaje y todo esto. Yo empecé haciendo películas directas a vídeo para un público muy concreto, y no era consciente de que llegaría hasta aquí. Cada película que he hecho a lo largo de los años la he realizado sin la intención de que me reconozca la gente, sino que he puesto mi alma en cada una y he aprendido mucho sólo por el hecho de hacer cine.

Suponemos que cuando a uno le gusta su trabajo y le apasiona lo que hace, es capaz de trabajar de forma intensa y estrenar 2 y 3 películas cada año, incluso hay años en que ha estrenado 5, 6 y hasta 7 películas. ¿Es su pasión lo que le lleva a estar constantemente rodando?

Antes de ser director trabajé durante casi 10 años como ayudante de dirección, y este rol requiere hacer muchas cosas diferentes y de ahí saqué este ritmo. Un ritmo que me lleva a trabajar constantemente y hacer varias películas al año, es mi modo de trabajar.

lesson of evil

Ayudante de dirección con Shohei Imamura por ejemplo… ¿le influenció de alguna manera?

El caso de Imamura es algo diferente ya que él puede llegar a tardar años en escribir un guión y, aunque en sus películas pone toda su alma y controle hasta el último detalle, puede tardar varios años en hacerlas. Es un poco el sistema contrario al que suelo usar yo, a mi modo de funcionar. Realmente trabajar con Imamura me ayudó a saber que, el suyo, no era mi estilo de hacer las cosas. Trabajé con él en 2 proyectos y vi cómo ponía su alma en cada trabajo, en la planificación, en su desarrollo, en el montaje… por eso tarda tanto en hacer una película. Trabajar con él me hizo ver que yo no podría trabajar de esa manera.

Pues si Imamura no le influenció, ¿qué me dice de Bruce Lee? Mucho se lee sobre que ha sido una de sus fuentes de inspiración…

Efectivamente Bruce Lee fue una de mis inspiraciones para hacer cine, me gustaba mucho ver sus films, era una gran estrella. Muchas de sus películas llegaron con retraso a Japón. Cuando se estrenó Enter the Dragon (Operación Dragón, 1973) en Japón, Bruce Lee ya había muerto. La cuestión era que todos lo sabían, los niños sabían que el actor estaba muerto, habían visto imágenes de su funeral pero, sin embargo, iban a verlo de nuevo al cine. Esto me hizo pensar en cómo aunque Bruce ya hubiera fallecido seguía estando vivo en su cine, eso me inspiró mucho.

Ahora que ha adquirido una posición destacada dentro de la industria del cine japonés, seguramente le llegan muchísimos proyectos. ¿Cómo selecciona sus historias? ¿Qué tiene en cuenta?

Básicamente por el orden en que me llegan los proyectos (risas). En este momento ya tengo proyectos para el año que viene e incluso para dentro de dos años… pero aun así hay huecos libres para más cosas (risas). En estos espacios libres suelo hacer series televisivas para jóvenes, aunque normalmente no puedo volcarme del todo en ello, así que acabo cediendo la dirección de estos espacios a mi ayudante de dirección.

Shield of straw

¿Cómo siente que ha evolucionado su forma de dirigir, si es que cree que ha evolucionado, de empezar realizando productos directos a vídeo, a grandes superproducciones como por ejemplo Shield of Straw (Los Protectores)?

Desde mis comienzos hasta ahora mi modo de dirigir no ha cambiado mucho, en cuanto a las técnicas que utilizo. Lo que sí ha cambiado ha sido el formato, desde los 16 a los 35 mm y ahora el formato digital. Los presupuestos sí que han subido pero siempre es poco, es decir, en todos los proyectos nunca es suficiente el dinero que se tiene para hacer lo que se quiere hacer. En cuanto a mi libertad creo que no ha cambiado mucho, suelo hacer lo que quiero hacer.

Lesson of the Evil es la película que el aficionado occidental espera de Takashi Miike, pero usted es director de películas como Shangri-la, Sabu, The Bird People from China, que están muy alejadas de esos registros. ¿Cómo se siente cuando la mayoría de los aficionados occidentales le encasillan dentro del género de terror y violencia?

Es cierto que he hecho muchas películas de terror y violencia y que el fan espera eso de mí, y es que realmente cuando hago una película digamos “normal”, dentro de mí siento algo de frustración porque no hay demasiada sangre o violencia… (ja, ja, ja). Entonces sé que en la próxima habrá mucha más sangre… Es un equilibrio, si hago una película menos violenta, la siguiente llevará más violencia…

Entonces, realmente es usted un amante del género…

Por supuesto, no lo dudes.

¿Difícil verle pues en otra comedia romántica como lo fue For Love’s Sake?

Bueno, me divertí mucho haciéndola y también había mucha violencia y sangre, así que estoy satisfecho… Pero no, la comedia romántica no es lo mío (risas).

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¿Qué pasó con el sello Sushi Typhoon de su amigo Noboru Iguchi del que usted fue algo así como “el padrino”?

Fue una iniciativa muy divertida y, claro, cómo no iba a estar apoyándola. Son mis amigos. Pero al final creo que se les hizo muy difícil el encontrar patrocinadores y financiación. En Japón no gustan demasiado este tipo de productos. Pero, ahora que pienso, creo recordar que existió además un proyecto de rodaje cinematográfico que se llamaba Sushi Typhoon. En él un hombre, una especie de superhéroe, se subía a un delfín, comía carne de ballena y esto le daba poderes para combatir a los malos. También ayudaba a los de Green Peace a pesar de que éstos se oponen a la caza de ballenas… algo muy raro… (risas y más risas durante un buen rato).

¿Y este proyecto se realizará algún día?

Si la Nikkatsu quiere arruinarse haciendo este proyecto allá ellos, esto a mí no me incumbe, a mí que no me busquen después (ja, ja, ja)…

El ser un director reconocido y premiado en Occidente, hace que en su país lo valoren más.

Claro, todo ayuda, y sí en Japón se me reconoció bastante después de que lo hicieran aquí, en los distintos festivales occidentales. A partir de un momento en mi carrera, los presupuestos empezaron a crecer en mis proyectos y actores reconocidos y de éxito en Japón querían trabajar conmigo.

Y para terminar, ¿qué puede decirnos de The Outsider, un proyecto de procedencia americana? ¿Se va a ir a Hollywood a trabajar?

Pues sí, el proyecto existe y ahora estamos en fase de negociación. Yo puse dos condiciones previas, trabajar con mi propio equipo y que la película se rodase en Japón, así que la idea es no rodar en Hollywood. El estilo de hacer cine en los EEUU es muy diferente al que tengo en mi país, por eso creo que la negociación de esos términos puede resultar un poco más complicada… Pero sí, el proyecto está ahí…

Gracias maestro Miike. Gracias por su tiempo. Un tiempo y un recuerdo inolvidable este encuentro con uno de los directores más populares de Japón… Amable, divertido (nos reímos con él unas cuantas veces durante la entrevista), profesional, Takashi Miike pasó por Sitges dejando huella…

Entrevista a Takashi Miike

Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)
Fotos: Mario Herrera


27
oct

Nora Inu / Stray Dog (Akira Kurosawa, 1949)

Nora inu posterNora inu (Stray Dog)
1949/Japón
Dirección: Akira Kurosawa
Guión: Akira Kurosawa, Ryûzô Kikushima
Intérpretes: Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Keiko Awaji
Produccción: Film Art Association
Crimen, drama, film-noir

Akira Kurosawa nació en Tokio en 1910. Hijo de un maestro de escuela, decidió estudiar pintura en el Doshusha School of Western Painting. En 1936 encontró un anuncio en un periódico donde se buscaba un ayudante de director para el estudio Toho y así terminó como asistente de Kajiro Yamamoto. Durante los seis años que duró su tutela, Yamamoto hizo hincapié en la redacción de guiones y en la edición, lo que hizo que años después Kurosawa desarrollara un gusto para supervisar la edición y el guión de sus obras.

Su primera película data de 1943, Sanshiro Sugata, una obra sobre el judo que pasó la censura con dificultades porque recordaba a las obras americanas y por tanto, se podía considerar traición. La Segunda Guerra Mundial finalizó y los estudios cinematográficos japoneses fueron rechazados de la industria cinematográfica internacional por haber hecho películas de propaganda por el gobierno imperialista. El mismo Kurosawa había hecho películas de propaganda como The Most Beautiful bajo las órdenes de Toho. Al menos, el estudio Daiei fue readmitido en 1948, dado que había podido demostrar que no había tenido vinculaciones con el régimen militar, y de la fusión del director y Daiei nació Rashômon: la primera película japonesa estrenada en Nueva York desde 1937 y ganó el oscar a la mejor película extranjera, el primer oscar para una película japonesa.

Kurosawa y Rashômon eran, así, reconocidos internacionalmente y la industria filmográfica japonesa podía nutrirse de la tecnología americana –gracias a los contratos firmados entre Daiei, Disney y Goldwyn– al mismo tiempo que los nudos entre la industria japonesa y la internacional se rehacían (Tezuka, 2012). El mundo descubría el cine japonés de las manos de un genio que hizo una treintena de películas y que se movía y entremezclaba los dos grandes géneros del cine japonés: el gendai-mono (el drama de la vida moderna) y el jidai-geki (el drama histórico).

La creación de su propia productora en 1959, la Kurosawa Production Company, le permitió tener mucha más libertad y experimentar en nuevas técnicas. Fue el primer director en utilizar lentes largas o telefotos y múltiples cámaras en la escena de la batalla final de The Seven Samurai.  Introdujo el uso de la panorámica, el Panavision, y el multi-track Dolby sound en Japón. No en vano, Kurosawa es considerado el sensei de grandes cineastas de nuestro tiempo.

kurosawa

En su filmografía tocó todos los géneros y periodos históricos. Se atrevió a adaptar los clásicos de la literatura occidental como el Macbeth de Shakespeare (Throne of Blood, 1957) o The Idiot de Gorky (Lower Depth, 1957) para el pueblo japonés a la vez que hacía uso de piezas de kabuki (Men Who Tread on the Tiger ‘s Tail, 1945) y de técnicas y músicas propias del teatro noh. En sus películas convergían la tradición y la modernidad, occidente y oriente: “Soy un hombre que disfruta con Sotatsu, Gyokudo y Tessai de la misma manera que de Van Gogh, Lautrec y Rouault. Colecciono piezas japonesas de laca antiguas igual que piezas de cristalería francesa y holandesa.  En poco tiempo, se podrá decir que Occidente y lo japonés coexisten en mi mente, sin la más mínima señal de conflicto.”

En Nora Inu (Stray Dog) se deja sentir la influencia del novelista belga Georges Simenon en el sentido de que Kurosawa intentó captar el fondo social del crimen al estilo de la novela negra francesa. En esta pieza de cine negro el protagonista es un policía novato durante la ocupación norteamericana que se ha dejado robar la pistola torpemente en un autobús. El detective Murakami se verá superado cuando descubra que con su pistola se han cometido dos crímenes y el peso de la conciencia lo llevará a buscar la pistola de manera incesante. El veterano comisario Sato le ayudará en su búsqueda y juntos recorrerán los bajos fondos de Japón de la posguerra.

Este film, dada su temática y su proximidad cronológica, siempre se ha comparado con Ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio de Sica, un film neorrealista en el que Antonio Ricci se ve privado, al igual que el detective Murakami de la herramienta que le proporciona su sustento. Tanto De Sica como Kurosawa utilizarán el pretexto del objeto perdido para desgranar la realidad social después de la Segunda Guerra Mundial. Tal y como dice Montardo (Puigdomenech et alt., 2010): “Si Ladrón de bicicletas dio Lugar a una amplia exégesis metafísica donde la bicicleta robada por De Sica / Zavattini alcanzaba la categoría de lo absoluto, la pistola perdida por el detective Murakami puede seguir un camino semejante con fáciles connotaciones añadidas en un país desarmado y sujeto a una transformación capitalista acelerada“. Kurosawa apela, además, a la lucha de Murakami para mantener una ética social de posguerra y al coste personal de mantener esta ética.

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Las influencias occidentales no sólo se dejan sentir en los ecos de las novelas negras de Simenon o en la proximidad de De Sica, sino en el velo de la ocupación como por ejemplo la escena del traficante de armas en el partido de béisbol, un deporte que había sido importado desde América. “Iconos de este tipo reflejan, con mayor desaliento, la irrealidad que atravesaba el Japón de aquel entonces, ya que las connotaciones positivas que aparentemente pusiera-belleza, adecuación a los nuevos tiempos, prestigio, estatus, etc. -, Simplemente cobran como una Segunda piel la miseria y la Dureza propias de una situación de posguerra“.

La pieza, además, desarrolla una constante en el cine de Kurosawa: la relación entre el maestro y el discípulo que ejemplifica su relación con Yamamoto. La antítesis entre la inexperiencia y la nerviosidad de Murakami y la veteranía y la calma de Sato. Un Sato mucho más consciente del mundo que les rodea, en el que es necesario deshacerse de la compasión por los criminales a los que les falta la voluntad de actuar de una manera diferente. Sato le enseña que la policía salvaguarda la sociedad y le muestra el premio y la tranquilidad que él protege: sus niños durmiendo. Del plano de los niños dormidos de Sato, Kurosawa pasa al juguete abandonado en la casa de la madre y el niño que el antagonista ha asesinado, explicándonos que el crimen de Yusa (el antagonista) es la violación de la sociedad porque amenaza a la generación que resurgirá de las cenizas de la guerra y levantará el nuevo Japón. Para Kurosawa, los niños simbolizan la vulnerabilidad de la vida humana y su sufrimiento es el mal del mundo.

Dado el contexto de la posguerra y la ocupación militar, Kurosawa nos plantea en Nora Inu la siguiente pregunta: ¿cómo podría una buena persona con ética recuperarse de unas condiciones de posguerra tan terribles? Y nos ofrece dos respuestas ejemplificadas en la figura del protagonista y el antagonista  que va dejando el rastro de su sufrimiento.  “Los asesinos son como perros rabiosos.  Sabes cómo actúa un perro rabioso?  Hay un poema sobre ello.  Los perros rabiosos sólo ven lo que van buscando” nos revela Sato.  El ladrón de la pistola había sido expuesto a las mismas desgracias que Murakami pero que tomó la vía opuesta. Aquí Kurosawa nos da a entender que en los momentos de miseria también se puede elegir: la fuerza de la voluntad (Prince, 1999, pág. 89). Sin embargo, Kurosawa se arrepentía porque creía que sus sentimientos no habían sido bastante bien explicados en este film: “Es simplemente demasiao técnica.  Toda esa técnica y ni un verdadero pensamiento en ella.“(Cardullo, 2008, p. 41).

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Al final del filme, Kurosawa enfrentará a los dos personajes, los dos productos de la posguerra con una tercera visión tal y como describe Prince (1999) “dos perspectivas de clase se cruzan brevemente cuando la chica deja de tocar, mira por la ventana, ve a los hombres en la distancia, y ahogando un bostezo indolente, regresa a su música. Yusa está hambriento, sucio, y sin trabajo, pero esta chica está bien alimentada y bien vestida, cómodamente instalada en una casa confortable, limpia. Si Yusa es un legado de los años de guerra, ella es una visión de un Japón al margen de la guerra, de la pobreza y de la violencia y, de como ella lánguidamente se aparta de la ventana,  de los sufrimientos de la gente a la lejanía de la burguesía. Ella es la imagen de la diferencia de clases y la indiferencia.

Es brillante como Kurosawa ampara bajo la estructura de una novela negra, una crítica sobre la sociedad de posguerra tan feroz. Los planos de Murakami siguiendo los barrios bajos de la ciudad, detallan el camino a la supervivencia y la narrativa visual nerviosa de la película ayuda al espectador a comprender el origen del crimen y la desintegración de un hombre que antaño era amable pero que ahora ha tomado un camino individualista. Una compleja crítica social que trata temas tan complicados como la seguridad de las nuevas generaciones, la diferencia de clases, la pérdida de la compasión o la fuerza de la voluntad sin que el espectador pueda respirar. Todo en uno de los primeros thrillers psicológicos que, a pesar de la insatisfacción de Kurosawa, sí logra transmitir sus pensamientos aunque parezcan diluirse en la aparente sencillez de la trama.

Fuentes:

Cardullo, Bert (2008).  Akira Kurosawa: interviews.  Jackson: University Press of Mississippi.
Prince, Stephen.  The warrior’s camera: the cinema of Akira Kurosawa.  Chichester: Princeton University Press, 1999.
Puigdomenech, Jordi; Giménez, Carlos; Expósito, Andrés (2010).  Akira Kurosawa: la mirada dels samurai.  Col. Directores, núm. 69.  Madrid:  Ediciones JC, 223 p.
Tezuka, Yoshiharu (2012).  Japanese cinema goes global: filmworker’s journeys.  Hong Kong:  Hong Kong University Press.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


24
oct

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (III)

cartel sitges 2014

Seguimos con nuestra crónica asiática con todo lo que pudimos ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. En esta tercera entrega podremos disfrutar de dos thrillers coreanos bastante diferentes entre si, una locura hongkonesa de lo más divertida y una película iraní grabada en un solo plano secuencia que me dejó anonadado. Adelante con ello.

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No Tears for the Dead
Corea del Sur, 2014
Director: Lee Jeong-beom
Intérpretes: Jang Dong-gun, Kim Min-hee, Brian Tee

Cuando uno acude a un festival de género es normal encontrarse con ciertos arquetipos dentro de ciertas cinematografías, y es que el thriller coreano es lo normal dentro de un festival como Sitges, y este año muchas de las películas de este país tenían ese sello. El gran problema es que el thriller coreano empieza a estar ya un poco anquilosado, ya muy explotado al menos en la parte que nos llega más directamente. Eso hace que o aportas algo nuevo o la película termina pasando sin pena ni gloria, igual gusta en un principio, pero pasa rápidamente por la memoria y desaparece. Algo así me parece que sucede con esta película que nos ocupa.

La trama nos presenta a Gon, un experimentado asesino a sueldo que asalta un trato en busca de información y asesina a todos los presentes. Por un error de cálculo termina matando a una niña pequeña y esto lo hace hundirse en una espiral de autcompasión y alcohol. Deseando dejar esta vida ha de afrontar un último trabajo, matar a una mujer y recuperar unos datos, casualmente la madre de la niña que mató por accidente. En este proceso descubrirá una trama de corrupción de la que no podrá escapar.

La película empieza de una manera magnifica, con una presentación de Gon llena de acción y elegancia, con un resultado demoledor. Luego la película adquiere un tono más dramático, más trágico, desarrollando un guión a ratos creíble a ratos fallido, combinando este drama con un buen montón de acción, quizás demasiada ya que al director se le va de las manos, sobre todo en su tramo final, y cualquier atisbo del realismo que se buscaba en la primera mitad de la cinta desaparece. Eso si las escenas de acción están muy bien realizadas y son trepidantes, dejando poco descanso al espectador, peor el hilo conductor falla y muchas veces la violencia aparece porque ha de aparecer, sin dejar evolucionar a la historia en sí.

Quizás Sitges es el mejor lugar para ver este tipo de películas, ya que el ambiente festivalero hace que te gusten más de lo que lo haría en un ambiente más pausado. Digamos que pasas por alto muchos fallos en pos de la diversión, del aplauso. La película no es un mal ejercicio, tiene acción y drama, un acabado técnico muy bueno y realmente es divertida, pero sus fallos de guión y su excesiva parte final le restan puntos. He de reconocer que a la hora de escribir esto me cuesta recordar bien que sentí exactamente al acabar la cinta, eso me dice que es una de esas películas del momento, y que luego pasan rápidamente a un segundo plano en la memoria.

3d naked ambition

3D Naked Ambition
Hong Kong, 2014
Director: Lee Kung-lok
Interpretes: Chapman To, Josie Ho, Louis Koo

Y esta vez repetimos. Después de verla en Udine y reírnos muchísimo, repetimos proyección de Naked Ambitión solo para poder verla en 3D. Es cierto que este efecto digital no tiene un peso enorme en la propia producción, pero aporta ese toque especial que buscamos.

Naked Ambition nos traslada a Hong Kong para conocer a Wyman Chan, interpretado por Chapman To, un escritor de literatura erótica y guionista que ve como el pirateo e Internet están haciendo mella en el negocio del cine porno. Asociándose con sus amigos deciden viajar a Japón para grabar cine AV (Adult Video) y así poder ganar dinero y exportarlo a Hong Kong. Pero al llegar todo se tuerce y Wyman terminará convirtiéndose en el actor porno más de moda en Japón realizando películas donde es un juguete sexual de las mujeres.

Con este guión lo que se espera es lo que se encuentra, una comedia divertidisima que mantiene el ritmo durante toda la película, es más va in crescendo con una parte final delirante. Todo su metraje se llena de gags de humor absurdo y de situación, con un toque de comedia Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) muy hongkones, con unos diálogos si bien no ingeniosos, si chispeantes, torciendo situaciones hacia derroteros absurdos y muy divertidos. Todo está lleno de referencias y guiños, desde el nombre artístico del protagonista Mario Ozawa, en referencia a una de las grandes pornstars japonesas Maria Ozawa, hasta la aparición de Sandra Ng como nuestra Golden Chicken favorita, incluyendo un “cameo” en la parte final de Louis Koo como el competidor del personaje de Chapman To, interesante porque el propio Koo es el protagonista de Naked Ambition, película de 2003 dirigida por Hing-Ka Chan y Dante Lam en la que está inspirada esta. A todo esto hay que añadir muchas escenas eróticas y de ámbito sexual, casi todas ellas protagonizadas por Chapman To y actrices AV reales de la escena japonesa.

Pero si algo brilla en esta película es Chapman To, un actor con experiencia y cómico casi por vocación, que aquí está desatado, mostrando todo su repertorio de caras, gags y guiños en un alarde de humor y carisma.

Una comedia terriblemente divertida y picantona que garantiza risas y diversión, y que se me hizo muchísimo mas corta que la primera vez que la vi, a pesar de ser ya altas horas de la noche cuando empezó la proyección.

fish and cat

Fish & Cat
Irán, 2014
Director: Shahram Mokri
Intérpretes: Babak Karimi, Saeed Ebrahimifar, Abed Abest, Abed Abest

La película iraní Fish & Cat es quizás una de las apuestas visuales que más me han marcado en este festival de Sitges, y es que llevo dándole vueltas desde que la vi, hace más de dos semanas, y quiero volver a verla lo antes posible. Una película iraní compuesta con un plano secuencia real de más de dos horas que recorre paisajes naturales abiertos y amplios y que además se nos vendía como “ el primer slasher iraní” (aunque esto es más falso que cierto), no es algo que se puede dejar pasar fácilmente.

Todo comienza con una noticia, en la que los dueños de un restaurante han sido detenidos por servir carne que no era precisamente de anima, que condicionará nuestra percepción de todo lo que acontecerá a continuación. A partir de este momento seguiremos el devenir de una serie de personajes, unos los dueños de un restaurante y gente variopinta que vive en el bosque donde se centra la historia, otros una serie de jóvenes aficionados a las cometas que realizan un festival anual cerca de un lago.

La película empieza de forma tranquila, estructurándose en una primera escena de presentación y luego un largo paseo por el bosque. El director ya nos muestra sus primeras bazas, una naturalidad apabullante, un bosque sobrecogedor, un entorno y personajes de los que por reales y cotidianos casi dan miedo. El plano secuencia está grabado de una forma sorprendente, con una gran estabilidad teniendo en cuenta los largos paseos por el bosque, con una precisión digna de elogio. Todo se desarrolla de una forma un poco plana hasta que os damos cuenta del gran teatro al que nos enfrentamos.

El plano secuencia es quizás la máxima expresión de la naturalidad cotidiana, de la linealidad temporal, de contar una historia que avanza sin cesar, como la vida misma. Pero entonces nos damos cuenta como las cosas no cuadran, las escenas se repiten, vemos saltos temporales, pasado, presente e incluso futuro se entremezclan conforme la cámara no deja de avanzar y moverse, sin cortes. El director juega con el tiempo delante nuestro, cuando la cámara salta de un personaje a otro y se produce un impas, generalmente en forma de paseo de un lugar a otro, vemos escenas que ya habíamos visto, desde diferentes perspectivas, personajes que entran y salen de escena para decirnos que ya no estamos en el presente, sino en el pasado, todo en constante movimiento, con detalles en primer plano y en segundo plano… es muy difícil de trasmitir sino se ha experimentado esa sensación, tu cerebro diciéndote obcecadamente que un plano secuencia es lineal, pero el director jugando con el tiempo y las formas de esa manera. Ese gran teatro planificado al milímetro es lo que nos absorberá de una forma tremenda, y es la gran apuesta de la película.

No diré mucho más de la película, que aparte de su apabullante método formal esconde mucho más que deberíais descubrir por vosotros mismos.

a hard day

A Hard Day
Corea del Sur, 2014
Director: Kim Seong-Hun
Interpretes: Lee Sun-Kyun, Cho Jin-Woong, Shin Jung-Geun, Jung Man-sik

Esta es quizás mi película coreana de este Sitges, y es que casi novato Kim Seong-Hun (solo ha dirigido una película antes que esta y fue en 2006) construye un thriller pero con una fuerte impronta de humor negro, combinando suspense, humor y cierto toque de drama. Salvando las distancias me recordó a otro gran ejemplo de combinación de géneros sobre el humor negro como es The Show Must Go On, aunque esta no es tan extrema como aquella en según que situaciones.

La madre del detective de homicidios Gun-su ha muerto y tras la ceremonia previa al entierro, conduciendo en una noche oscura, el detective atropella a una persona. Gun-su ve peligrar su carrera y su libertad y decide ocultar el cuerpo. Pero pronto descubrirá que esto va más allá de lo que el piensa.

Nos encontramos ante un producto que aunque no revolucione el género, si que juega de forma perfecta todas sus cartas, ofreciendo una gran dosis de tensión y suspense aligerados en su justa medida con toque de humor negro y drama. Una película que conecta con el espectador desde la primera escena hasta la última y que le hace estar interesado durante sus dos horas de duración. Quizás pierda un pelín de ritmo en la antesala del final, con un villano un poco exagerado, pero no desmerece ni un ápice al resultado final.

Con un magnifico acabado, aunque esto no es noticia en el cine coreano, dosis justas de varios géneros como suspense, tensión, drama y comedia, unas pinceladas de acción y unas remarcables interpretaciones de Lee Sun-kyun como el detective Gun-su y Jo Jin-woong como ese exagerado villano, esta es una película que garantiza pasar un buen rato.


24
oct

Programación Casa Asia – Imagine India Barcelona (2014)

imagine india

Casa Asia e Imagine India presentan una selección de películas de la sexta edición de este festival en Barcelona, que dirige Qazi Abdur Rahim desde hace más de una década.

Las películas que se presentan han sido producidas recientemente y abarcan narrativas que exploran la vida cotidiana y doméstica a través de los microrelatos que intercambian sus protagonistas. La pantalla se convierte así en una ventana al mundo que permite al espectador acercarse y compartir vivencias que, de otro modo, no podría experimentar.

El programa consta de nueve largometrajes y siete cortos realizados en 2013 y 2014, salvo Meghe Dhaka Tara y Ajantrik, dirigidas por Ritwik Ghatak en 1960 y 1958 respectivamente. Casa Asia tiene una deuda con el cine indio dada la dificultad para abordar los numerosos títulos que se producen anualmente, pese a ser una de las grandes industrias de este país asiático y que cuenta, a su vez, con una de las mayores audiencias del continente.

Programa

Sábado, 25 de octubre de 2014, 20.00 h
DHOL GANWAR PASHU ARU NARI, Abhinav Gupta. 2013. 20’. VOSE
MEGHE DHAKA TARA, Ritwik Ghatak. 1960. 126’. VOSE

Sábado, 1 de noviembre de 2014, 20.00 h
WHERE THE RIVER MEETS THE SEA / Donde el río encuentra el mar, Sumon Majumder. 2013. 26’. VOSE
AJANTRIK, Ritwik Ghatak. 1958. 102’. VOSE

Sábado, 8 de noviembre de 2014, 20.00 h
MOKAMA FAST PASSENGER / Mokama primer pasajero, Subhadro Choudhry. 2013. 24’. VOSE
GULABI GANG, Nishta Jain. 2012. 96’. VOSE

Sábado 15 de noviembre de 2014, 20.00 h
ANKHON DEKHI, Rajat Kapoor. 2014. 146’. VOSE

Sábado, 22 de noviembre de 2014, 20.00 h
FLASHPOINT, Tata Institute for Social Science (TISS). 2013. 18’. VOSE
APUR PANCHALI, Kaushik Ganguly. 2013. 97’. VOSE

Sábado, 29 de noviembre de 2014, 20.00 h
23 INVIERNOS, Rajesh Jala. 2013. 30’. VOSE
SALMA, Kim Longinotto. 2013. 91’. VOSE

Sábado, 6 de diciembre de 2014, 20.00 h
MUKHABIR / El informador, Manoj Kumar. 2013. 11’. VOSE
CELLULOID, Kamal. 2013. 129’. VOSE

Sábado 13 de diciembre de 2014, 20.00 h
FROM BEYOND, Rajbir Kaur. 2013. 10’. VOSE
PIED PIPER, Vivek Budakoti. 2013. 113’. VOSE

Sábado, 20 de diciembre de 2014, 20.00 h
HIGHWAY, Imtiaz Ali. 2014. 113’. VOSE

Cinemes Girona
c/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio Entrada: 2,5€
Precio Abonados: 1€

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