07
Dic

Narrativa y personajes en el cine de samuráis de postguerra (3/3)

seven samurai

En el mundo de la ficción, y más específicamente en el del cine, la historia de los samuráis, el bushido y el icono de la espada se insertan en la tradición de un género. Naturalmente, las simplificaciones que se introducen con vistas a dar forma a un personaje de ficción, tanto si es a partir de un concepto general como de un personaje real, distorsionan gran parte del legado social y ético. Sin embargo, el hecho de que el samurái cinematográfico siga cronológicamente los pasos de la realidad social no impide que aquél reescriba la historia para adaptarla a las necesidades del carácter de ficción. El propósito aquí no es explorar la “exactitud” de las películas desde la perspectiva de la fidelidad a la historia como medida del mérito dramático. La cuestión, más bien, es la de cómo un tipo de películas identificadas con un país concreto recogen elementos tanto del pasado de esa nación como de sus otras modalidades de ficción para constituir un género con vitalidad propia.

Si las películas de samuráis posteriores a 1945 poseen una ecuación dramática para salvar esa distancia entre el objeto mítico y el espectador que sus predecesores en el cine, el arte y la leyenda no fueron capaces de sortear, el exponente clave de esa ecuación es la violencia. De hecho, cada vez con mayor frecuencia y detalles gráficos, la contemplación de la violencia se ha vuelto últimamente un factor decisivo en todas las películas, tanto de Oriente como de Occidente. El muy extenso interludio a la conclusión de The Wild Bunch (Grupo salvaje), salpicado de tomas a cámara lenta, surreales, se ha vuelto un arquetipo de la masacre en pantalla; sin embargo, gran parte de la orientación de Peckinpah hacia el asesinato como parte integral de los asuntos humanos y su estilización visual deriva de la obra de Akira Kurosawa, siendo el referente más evidente de The Wild Bunch los Siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954) de Kurosawa. Para el cine japonés, igual que para la metafísica japonesa, las cualidades de la muerte y la violencia siempre han sido esenciales para la comprensión de la vida, de su trascendencia y de su destrucción.

Convenciones en la narrativa y personajes

El presupuesto básico del chambara (películas de espadas) es, evidentemente, el espadachín. Tanto si el personaje se desarrolla como héroe o bien como antihéroe, su presentación física en la escena y el modo como lo percibe el espectador en cuanto centro dramático en potencia son básicos en toda película de samuráis. Aunque su personaje no necesariamente ha de ser un verdadero samurái –los protagonistas de Los siete samuráis, por ejemplo, no son servidores de un clan, sino ronin–, sí que debe estar armado. De este modo, la espada puede considerarse el icono fundamental del chambara, y el género entero como una manifestación de ese ideal que consideraba el espadachín y su arma como un solo ser. En un sentido muy real, la mera visión del hombre con espada en su faja, incluso estando de pie, de espaldas a la cámara, contemplando un paisaje indefinido –como, por ejemplo, en la primera secuencia de Yojimbo (1961), de Kurosawa, o en Three Outlaw Samurai (Sanbiki no samurai) (1964), de Gosha–, es suficiente para identificar la película en su género. No es absurdo suponer que, para muchos espectadores, la mera espada evocaría la impresión de que está a punto de empezar una película de samuráis.

Hay, por supuesto, una amplia gama de expectativas subordinadas que generan tales imágenes iniciales. Los elementos principales son sencillos y pueden explicarse por comparación con un género occidental, el Western. La segunda mitad del siglo XIX en Japón fue (como los Estados Unidos de después de la Guerra de Secesión) un periodo de convulsiones sociales y políticas. En la reevaluación post-Tokugawa de los principios de gobierno y la transición del aislacionismo al imperialismo en sentido moderno, los daimyo feudales y los miembros de sus clanes intentaron sin éxito –como los terratenientes del monopolio del ganado en EE.UU.– mantener a raya al equivalente japonés de los colonos con la amenaza de una muerte violenta.

Three Outlaw Samurai

Como los cazadores de recompensas o asesinos a sueldo, el espadachín (sea un auténtico samurái o un mercenario vagabundo) podía alinearse junto a cualquiera de esas facciones. La misma figura puede ser buena o mala o ambivalente moralmente, dependiendo más de la caracterización individual que de la tipificación del género, ya que, como ocurre en el Western con los escrúpulos sobre no desenfundar primero o disparar por la espalda, el bushido no siempre va indefectiblemente adherido al héroe o al malvado. Como en el duelo de pistolas, un encuentro entre espadachines con frecuencia sirve como clímax de la película, el acontecimiento al cual se dirigen genotípicamente la mayor parte de la narrativa previa y el desarrollo de los personajes. Del mismo modo que un revólver puede desenfundarse y dispararse de diversos modos, el samurái dispone de una variedad de estilos y modos de empuñar la espada.

En la mayoría de películas hay una notable cantidad de juego preliminar con la espada en el que protagonista y antagonista pueden exhibir su destreza derrotando a un número de secundarios como preludio al duelo final. Aquí, dos oponentes cuya habilidad se ha mostrado como muy similar se encuentran, con el ceremonial correspondiente, para zanjar la cuestión de cuál es el mejor. Dado que la espada larga es tanto un arma que corta como una que pincha, y muchos de los métodos de lucha incorporaban cortes hacia abajo en la cabeza o los hombros y acometidas frontales para agujerear el pecho o el estómago, este duelo culminante entre maestros a menudo recibe un tratamiento visual muy particular y altamente estilizado. Lentes e iluminación inusuales, cámara lenta, filtros ópticos y toda suerte de otros efectos especiales se convierten en la coreografía común y precisa de un ballet mortal.

La analogía con el Western, desde luego, no es perfecta, pero, en términos sociológicos, es un recurso analítico intrigante, particularmente en casos como el de Los siete magníficos (1960, dirigida por John Sturges), una producción norteamericana derivada de Los siete samuráis de Kurosawa, o Por un puñado de dólares (1965, dirigida por Sergio Leone), un Western italiano adaptado de Yojimbo (también de Kurosawa). Incluso es aplicable al concepto de personalidades recurrentes como los Tres Mosqueteros, Rex Allen y Roy Rogers en las producciones estadounidenses de los años 1930 y 1940, que encuentran sus equivalentes saltando en el espacio y en el tiempo en forma de Crimson Bat, los Tres samuráis fuera de la ley (Three Outlaw Samurai), Zato-Ichi y Kyoshiro Nemuri en el Japón de los años 1950 y 1960.

Desde la guerra, las películas de samuráis han sufrido una significativa evolución estilística y temática, alejándose de los jidai-geki o simples películas históricas relativamente privadas de acción, ejemplificadas en ciertos films de Kenji Mizoguchi. (En Ugetsu [1953], la guerra civil está presente de forma incómoda, pero marginal; las pocas batallas en Tales from the Taira Clan [Shin Heike monogatari, 1955] terminan en seguida y, en la práctica, de forma casi incruenta). Los nuevos directores que trabajan en el género han formulado una versión diferente de la extensa historia feudal japonesa. Los guerreros de rostro empolvado de blanco y con peluca del drama Kabuki y los escenarios de tonos pastel y fuerte iluminación, en los que la acción más bien se relataba que retrataba, han dejado paso a un gran número de películas oscuras, nihilistas, que repintan el pasado del Japón en tonos más negros.

Aunque las audiencias occidentales, incluso una década después de su Yojimbo, siguen teniendo familiaridad sobre todo con las películas de Akira Kurosawa, muchos otros directores han seguido expandiendo los límites del cine de samuráis en el mismo periodo de tiempo. Sus nuevos héroes del género tienen cicatrices físicas o psicológicas, han sido condenados al ostracismo y sus colegas los han estigmatizado. Sus violentas respuestas, conscientes de la naturaleza intransigente del juicio social, son invariables y comprensibles tanto en cuanto construcciones genéricas como en cuanto actos simples y desesperados.

seventeen ninja

En el caso de Kurosawa, ya sea un cuerpo que cae a cámara lenta o bandidos que se retuercen de dolor en el fango mientras un grupo de pueblerinos caen sobre ellos con lanzas de bambú en los Siete samuráis, ya sea la fuente de sangre que emana del pecho del duelista derrotado al final de Sanjuro (1962), la visualización de la muerte se manipula más allá de las estrictas convenciones del realismo. No obstante, en estas películas y en Yojimbo Kurosawa contribuyó a llevar a su madurez el género, no sólo inyectándole un humor socarrón sino también dando forma a héroes más proclives al anonimato que a la gloria, más preocupados por ocultar sus habilidades marciales que por exhibirlas.

En la misma vena, Hara-kiri y Rebellion (Joi-Uchi, 1967) de Masaki Kobayashi son una manifestación de temas antifeudales en desarrollo. El extremo cinismo de ambas películas se centra en el concepto opresivo de la lealtad al clan, hasta el punto de que el ideal del bushido de una muerte noble (o, en términos occidentales, trágica) deviene imposible contextualmente. Todas las vidas y muertes en un orden social impersonal y sin sentido se vuelven inevitablemente igual de impersonales y sin sentido. El premio a la obediencia o a la rebelión es en último término el mismo, aniquilación indiscriminada. La desesperación de la acción que da título a Rebellion no niega la “rectitud” ética que la motiva, pero el determinismo desolador y aplastante de Kobayashi no permite que la “rebelión” alcance mayor significación que la personal; no permite que sus personajes lleguen a amenazar de veras el orden establecido.

Como Kurosawa, Kobayashi sigue siendo tradicional al ajustar sus puestas en escena a relativas constantes temáticas; derivan y a la vez bosquejan una visión del mundo consistente. Después de Yojimbo y Hara-Kiri, directores como Masahiro Shinoda, Hideo Gosha y Kihachi Okamoto han ido haciendo de la acción (es decir, la violencia) un componente cada vez más puramente expresivo en sus películas. En la medida en que sus personajes están sesgados de su entorno, la violencia funciona a la vez como afirmación existencial de su ser y como el método más directo para definir su relación de oprimidos con respecto a ese entorno.

Samurai Assassin (Samurai, 1964) y Sword of Doom (Daibosatsu toge, 1966), de Okamoto; Sword of the Beast (Kedemono no ken, 1965), Goyokin (1969) y Tenchu, de Gosha; y Assassin (Ansatsu, 1964) y Samurai Spy (Ibun sarutobi sasuke, 1965) de Shinoda, todas presentan las mismas propiedades “anárquicas”. Mediante efectos de sonido orquestados enervantes como el sonido del acero cortando la carne e imágenes de sangre chorreando que ensucia la ropa o (como sucede tanto en la sangrienta batalla que concluye Samurái Assassin como en el duelo final de Goyokin) que deja manchas oscuras, rojas, sobre la nieve fresca, se define un nuevo tipo de samurái: despiadado, obsesivo, tal vez más aislado que cualquier otro héroe de género.

Con la identificación de esta nueva estirpe de samuráis de ficción que no son exactamente nobles y que pueden tener manchas de óxido en sus armas tiempo atrás inmaculadas, esta estirpe de ronins menos incondicionales que los legendarios 47, se han ampliado los límites clásicos del género pero sin anularlos del todo. Tanto una por una como en conjunto, las películas de samuráis de postguerra pueden causar una impresión inquietante en el espectador occidental no sólo por su contenido violento y su estilo visceral sino también porque su franqueza va en la dirección contraria que esos clichés de ambigüedad y eufemismos que Occidente ha formulado para Oriente; porque la consistente exhibición e impotencia última de la violencia de estas películas son tan difíciles de aceptar como la idea de hombres contemplativos que son a la vez asesinos a sangre fría. (…)

Itto ogami

Para algunos sería fácil concluir que esa creciente tolerancia hacia unos héroes no precisamente escrupulosos –y hacia el cinismo y violencia que culmina en las películas chambara de los primeros años 1970– son nuevos síntomas de la decadencia moral de la postguerra. Es precisamente porque los cineastas de los años 1960 utilizaron el género para atravesar la fachada tergivesada del bushido y denunciar el fraude del honor que atenazaba al samurái historico por lo que ha cambiado lo que los espectadores esperan del chambara, por lo que ahora esperan del nuevo héroe que manifieste su rechazo de esos falsos valores no sólo con sus palabras sino con sus actos. Si ese héroe es implacable es porque la supervivencia es el único valor que le queda.

De acuerdo con ello, Itto Ogami, el antiguo kaishaku, tras decidir abandonar su posición privilegiada en Sword of Vengeance I (Kozure ohkami, 1972, dirigida por Kenji Misumi), ofrece a su hijo chiquitín que elija entre una pelota y una espada, planeando un “asesinato de compasión” en caso de que el niño escoja mal. Si a un héroe tal se le llama “monstruo” o “bestia” es porque las realidades del periodo han impuesto esa etiqueta sobre él. (…) Itto Ogami no disfruta de su odisea, sino que más bien cree que ha “penetrado en el camino hacia el Hades“. Tras acabar de matar a docenas de hombres con lo que sarcásticamente denomina su “estilo gaviota” de esgrima –en el que puede saltar muy alto en el aire para cortar en la cabeza desde arriba o incluso arrojar su arma para vencer–, Itto, al final de Sword of Vengeance II, se vuelve hacia un maestro de la espada cuyo empleador ya ha fallecido. Después de asestarle el golpe fatal a su oponente, Itto le pregunta: “Morir con él, ¿era eso el camino del samurái?” En contestación, el perdedor le dice: “explícame tú el verdadero camino del samurái“. Como Bokuden –convencido de que seguirá venciendo porque no tiene importancia si lo hace o no–, como Nemuri, como Sanjuro o Tsugumo, como Tange Sazen o Gennosuke, como todas esas figuras marginadas que sobreviven o perecen en las películas de samuráis, Itto sonríe con ironía y pronuncia la respuesta final: “Vivir dispuesto a morir“.

Plebeyos
Kyokaku (espadachines) que no son miembros de la clase samurái

Los ambiciosos (que buscan progresar socialmente gracias a su destreza con la espada)

Título: Tenchu
Título V.O: Hitokiri
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1969 / Japón

Título: Red Lion
Título V.O: Akage
Director: Kihachi Okamoto
Año/País: 1969 / Japón

Título: Destiny’s Son
Título V.O: Kiru
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1962 / Japón

Título: Samurai 1: Musashi Miyamoto
Título V.O: Miyamoto Musashi
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1954 / Japón

Título: Samurai 2: Duel at Ichijoji Temple
Título V.O: Zoku Miyamoto Musashi: Ichijoji no ketto
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1955 / Japón

Título: Samurai III: Duel on Ganryu Island
Título V.O: Miyamoto Musashi kanketsuhen: ketto Ganryujima
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1956 / Japón

Título: Miyamoto Musashi
Título V.O: Miyamoto Musashi
Director: Tomu Uchida
Año/País: 1961 / Japón

Allzine +

Título: Swords of Fury
Título V.O: Miyamoto Musashi
Director: Tai Kato
Año/País: 1973 / Japón

Asesinos (que matan por motivos políticos o económicos)

Título: The Assassination
Título V.O: Ansatsu
Director: Masahiro Shinoda
Año/País: 1964 / Japón

Título: Samurai Assassin
Título V.O: Samurai
Director: Kihachi Okamoto
Año/País: 1965 / Japón

Título: Sword for Hire
Título V.O: Sengoku burai
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1952 / Japón

Perros descarriados (espadachines itinerantes que a menudo encuentran trabajo temporal como asesinos o guardaespaldas)

Título: Three Outlaw Samurai
Título V.O: Sanbiki no samurai
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1964 / Japón

Título: Samurai Wolf I
Título V.O: Kiba okaminosuke
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1966 / Japón

Título: Samurai Wolf II
Título V.O: Kiba okaminosuke jigoku giri
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1967 / Japón

Título: Incident at Blood Pass
Título V.O: Machibuse
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1970 / Japón

Título: Lone Wolf and Cub 1: Sword of vengeance
Título V.O: Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1972 / Japón

Título: Sleepy Eyes of Death: The Chinese Jade
Título V.O: Nemuri Kyoshiro 1: Sappocho
Director: Tokuzo Tanaka
Año/País: 1963 / Japón

Título: Yojimbo
Título V.O: Yojimbo
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1961 / Japón

Título: Sanjuro
Título V.O: Tsubaki Sanjûrô
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1962 / Japón

Allzine +

Título: Hoodlum Priest and the Gold Mint
Título V.O: Zoku yakuza bozu
Director: Kazuo Ikehiro
Año/País: 1968 / Japón

Marginados, bandidos, jugadores.
Miembros de la subcultura de los hinin (no-hombres)

Título: Rashomon
Título V.O: Rashomon
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1950 / Japón

Título: The Gambler’s Code
Título V.O: Kutsukake Tokijiro
Director: Kazuo Ikehiro
Año/País: 1961 / Japón

Título: Inn of Evil
Título V.O: Inochi bô ni furô
Director: Masaki Kobayashi
Año/País: 1971 / Japón

Título: The Scandalous Adventures of Buraikan
Título V.O: Buraikan
Director: Masahiro Shinoda
Año/País: 1970 / Japón

Título: The Tale of Zatoichi
Título V.O: Zatôichi monogatari
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1962 / Japón

Allzine +

Título: Jirocho Fuji.
Título V.O: Jirocho Fuji.
Director: Kazuo Mori
Año/País: 1959 / Japón

Título: Ishimatsu The One-Eyed Avenger
Título V.O: Hibari no mori no ishimatsu
Director: Tadashi Sawashima
Año/País: 1960 / Japón

Título: Bandits vs Samurai Squadron
Título V.O: Kumokiri Nizaemon
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1978 / Japón

Ninjas (“espías”)
Figuras vestidas de negro con habilidades cuasi-mágicas

Título: Yagyu Secret Scrolls 1
Título V.O: Yagyu bugeicho
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1957 / Japón

Título: Yagyu Secret Scrolls 2
Título V.O: Yagyu bugeicho – Ninjitsu
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1958 / Japón

Título: Ninja 9 – Mission Iron Castle
Título V.O: Shinobi no shu 9
Director: Kazuo Mori
Año/País: 1970 / Japón

Allzine +

Título: Band of Assassins
Título V.O: Shinobi No Mono
Director: Satsuo Yamamoto
Año/País: 1962 / Japón

Título: Samurai Spy
Título V.O: Ibun Sarutobi Sasuke
Director: Masahiro Shinoda
Año/País: 1965 / Japón

Título: Samurai Spies
Título V.O: Ninja Hicho Fukuro no Shiro
Director: Eiichi Kudo
Año/País: 1963 / Japón

Título: Shadow Hunters
Título V.O: Kage gari
Director: Toshio Masuda
Año/País: 1972 / Japón

Mujeres y niños

Título: Quick-Draw Okatsu
Título V.O: Yoen dokufuden: Hitokiri okatsu
Director: Nobuo Nakagawa
Año/País: 1969 / Japón

Título: Red Peony Gambler
Título V.O: Hibotan bakuto
Director: Kosaku Yamashita
Año/País: 1968 / Japón

Título: The Blind Swordswoman
Título V.O: Mekura no Oichi monogatari: Makkana nagaradori
Director: Sadatsugu Matsuda
Año/País: 1969 / Japón

Título: Watari The Ninja Boy
Título V.O: Daininjutsu eiga Watari
Director: Sadao Funatoko
Año/País: 1966 / Japón

Título: Lone Wolf and Cub 1: Sword of vengeance
Título V.O: Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1972 / Japón

Allzine +

Título: Lady Sazen and the Drenched Shallow Sword
Título V.O: Onna Sazen – Nuretsubame Katate Giri
Director: Kimiyoshi Yasuda
Año/País: 1969 / Japón

Título: Lady Snowblood
Título V.O: Shurayukihime
Director: Toshiya Fujita
Año/País: 1973 / Japón

Título: Sex And Fury
Título V.O: Furyô anego den: Inoshika Ochô
Director: Norifumi Suzuki
Año/País: 1973 / Japón


04
Dic

Domingo en Casa Asia Film Week 2015 – Crónica asiática

Gentle

Gentle (SECCIÓN OFICIAL)
Vietnam, Le-Van Kiet, 2014
Intérpretes: Dustin Nguyen

Gentle está basado en una historia corta que escribió Fyodor Dostoyevsky en 1876 A Gentle Creature y explora las razones que hay detrás del suicidio de una bella joven que se casa con un prestamista para escapar de la pobreza. Dustin Nguyen encarna a Thien, el estricto prestador que se enamora de una huérfana unos veinte años más joven pero que en vez de conquistarla la ahoga con su severidad y su criterio absoluto.

Siguiendo el original de Dostoyevsky, la historia está narrada en flashbacks desde el momento en que Linh decide lanzarse al vacío desde la terraza de su casa. Este recurso permite al espectador centrarse más en la perspectiva íntima que interesa a Kiet, en el desgaste progresivo de la relación de pareja y el deterioro mental tanto para Linh como para Thien. Sin embargo, Kiet vuelve una y otra vez al momento en que Thien vela a su esposa fallecida finalizando con un montaje alterno, y estos constantes flashbacks y flashforwards se antojan un poco confusos.

Curiosamente, en el original de Dostoyevsky, Linh no se refugia en la amistad de un sacerdote y en su fe cristiana sino en un antiguo amigo del régimen de su marido. Este giro añade unas connotaciones morales mucho más fuertes que en la novela. Por un lado, la devota Linh no encuentra otra salida que suicidarse para liberar su alma y la de Thien, aunque el precio a pagar sea condenarlos a ambos eternamente. Por otro, la crítica de Dostoyevsky a la inercia de la existencia humana del hombre capitalista a lo material causando un aislamiento espiritual queda mucho más latente con este simple giro en la trama.

A Few Cubic Meters of Love

A Few Cubic Meters of Love (SECCIÓN OFICIAL)
Afganistán, Jamshid Mahmoudi, 2014
Intérpretes: Hasiba Ebrahimi, Nader Fallah, Masoud Mirtaheri

A Few Cubic Meters of Love cuenta la historia de amor entre un joven iraní de una fábrica en Teherán y la hija de uno de los trabajadores afganos ilegales. La cinta se alzó con el premio del jurado joven a la Mejor película y con una mención especial del jurado. La historia es el primer largometraje escrito y dirigido por Jamshid Mahmoudi, afgano de nacimiento con residencia en Irán; condición que seguro que ha hecho mella en la realización de este film que plasma el drama de la inmigración ilegal y la inflexibilidad cultural.

El ingenuo amor entre Saber (Saed Soheili) y Marona (Hasiba Ebrahimi) es ciego a todo el drama que les envuelve. Ambos jóvenes se citan a escondidas en un contenedor deteriorado en el que crean un universo casi hermético en el que su amor sí es posible y donde no importa de dónde sean. El contenedor se convierte así en una bellísima y cruel metáfora de su amor que ejerce como escudo protector ante la cruda realidad que les acecha y que, en el momento que colisionan ambos universos, actúa como sepulcro de dicho amor.

Sin duda un guión excelente pero lo que más destaca es el impecable aprovechamiento de los medios y el tratamiento el espacio.

margarita with a straw

Margarita with a Straw (SECCIÓN OFICIAL)
India, Shonali Bose & Nilesh Maniyar, 2014
Intérpretes: Kalki Koechlin, Revathy, Sayani Gupta

El jurado destacó los valores sociales y la autosuperación que promueve Margarita with a Straw que además se alzó con el Premio del Público, con una mención especial también del jurado para la elegante actuación de Kalki Koechlin.

Koechlin interpreta a Laila, una universitaria con parálisis cerebral que después de un desengaño amoroso decide viajar a Nueva York. El tópico del sueño americano cobra en manos de Bose y Maniyar un nuevo significado, pues Laila hará un viaje introspectivo en el que descubrirá un nuevo infinito de posibilidades y, sobre todo, lo que es capaz de lograr confiando en sí misma.

El film ha sido premiado en numerosos festivales por ese delicado toque humano cuando trata el día a día de una Laila capaz y moderna. Sin embargo, desde un punto de vista psicológico me hubiera parecido mucho más justificado e interesante que el viaje intimista de Laila tuviera lugar después de la pérdida de su madre con la consiguiente lucha por superarse a sí misma.

the world of kanako

Kawaki – The World of Kanako (SECCIÓN ESPECIAL)
Japón, Tetsuya Nakashima, 2014
Intérpretes: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki

El último film de Tetsuya Nakashima está muy en la línea de su filmografía anterior. Se nota además, en el montaje agresivo y genial, que Nakashima repite editor con Yoshiyuki Koike, con quien ya había trabajado en Kamizake Girls (2004), Conociendo a Matsuko (2006) y la insuperable Confessions (2010).

Esta vez Nakashima retorna al género de suspense con un ritmo vertiginoso, y se basa en la novela Hateshinaki Kawaki (2005) de Akio Fukamachi. Un genial Koji Yakusho interpreta a Fujishima, un ex detective de mala reputación que investiga la desaparición de su hija Kanako (Nana Komatsu). Pero para averiguar qué le ha pasado a su hija, tendrá que llegar a conocer a la adolescente que hace más de diez años que no ha visto, descender a las profundidades de la perversión y tomar responsabilidades.


03
Dic

52nd Daejong Film Awards (2015)

daejong

El pasado día 20 de noviembre se fallaron los Daejong Film Awards, uno de los grandes premios del cine coreano auspiciados por el Ministerio de Cultura. En esta ocasión Los Grand Bell Awards, como también se les conoce, han estado copados por una poelícula pro encima de todas, Ode to My Father de Yoon Je-kyoon, que se ha llevado numerosos galardones, destacando mejor película, director y guión. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

Ode To My Father
Veteran
The Throne
Assassination
Northern Limit Line

Mejor Director

Yoon Je-kyoon – Ode to My Father
Choi Dong-hoon – Assassination
Kim Sung-ho – How to Steal a Dog
Lee Joon-ik – The Throne
Oh Seung-uk – The Shameless
Ryoo Seung-wan – Veteran

Mejor Actor

Hwang Jung-min – Ode to My Father
Ha Jung-woo – Assassination
Son Hyun-joo – The Chronicles of Evil
Yoo Ah-in – The Throne
Yoo Ah-in – Veteran

Mejor Actriz

Jun Ji-hyun – Assassination
Han Hyo-joo – The Beauty Inside
Kim Hye-soo – Coin Locker Girl
Yunjin Kim – Ode to My Father
Uhm Jung-hwa – Wonderful Nightmare

Mejor Actor de reparto

Oh Dal-su – Ode to My Father
Do Kyung-soo – Cart
Jin Goo – C’est Si Bon
Oh Dal-su – Assassination
Yoo Hae-jin – Veteran
Yoo Yeon-seok – The Royal Tailor

Mejor Actriz de reparto

Kim Hae-sook – The Throne
Jang Yoon-ju – Veteran
Kim Hye-ja – How to Steal a Dog
Kim Young-ae – Cart
Ra Mi-ran – Ode to My Father

Mejor Director Novel

Baik – The Beauty Inside
Cho Geun-hyun – Late Spring
Han Jun-hee – Coin Locker Girl
Kim Gwang-tae – The Piper
Lee Byeong-heon – Twenty

Mejor Actor Novel

Lee Min-ho – Gangnam Blues
Kang Ha-neul – Twenty
Lee Hyun-woo – Northern Limit Line
Park Seo-joon – The Chronicles of Evil
Yeo Jin-goo – Shoot Me in the Heart

Mejor Actriz Novel

Lee Yoo-young – Late Spring
Hong Ah-reum – Makgeolli Girls
Jang Yoon-ju – Veteran
Kim Seolhyun – Gangnam Blues
Lee Re – How to Steal a Dog
Park So-dam – The Silenced

Mejor Guión

Park Su-jin – Ode to My Father
Kim Seon-jeong, Park Jeong-ye – The Beauty Inside
Choi Dong-hoon, Lee Ki-cheol – Assassination
Kim Hak-soon – Northern Limit Line
Ryoo Seung-wan – Veteran

Mejor Fotografía

Choi Young-hwan – Ode to My Father
Choi Young-hwan – Veteran
Kim Ji-yong – The Royal Tailor
Kim Jung-won – Late Spring
Kim Woo-hyung – Assassination

Mejor Diseño Artístico

Chae Kyung-sun – The Royal Tailor
Kang Seung-yong – The Throne
Lee Tae-hun – The Treacherous
Ryu Seong-hee – Ode to My Father
Ryu Seong-hee – Assassination

Mejor Banda Sonora

Kim Jun-seong – The Tenor – Lirico Spinto
Bang Jun-seok – The Throne
Jang Young-gyu, Dalparan – Assassination
Lee Byung-hoon – C’est Si Bon
Lee Byung-woo – Ode to My Father

Mejor Edición

Lee Jin – Ode to My Father
Choi Min-yong – Northern Limit Line
Kim Sang-bum, Kim Jae-bum – Veteran
Shin Min-kyung – Assassination
Yang Jin-mo – The Beauty Inside

Mejor Vestuario

Jo Sang-gyeong – The Royal Tailor
Jo Sang-gyeong, Son Na-ri – Assassination
Kwon Yu-jin, Im Seung-hee – Ode to My Father
Lee Jin-hee – The Treacherous
Shim Hyun-sub – The Throne

Mejor Iluminación

Kim Min-jae – The Silenced
Kim Ho-seong – Ode to My Father
Kim Ho-seong – Veteran
Kim Seung-gyu – Assassination
Jo Kyu-young – The Royal Tailor

Premio a la Carrera

Chung Chang-hwa (Director)
Yoon Il-bong (Actor)


30
Nov

52nd Taipei Golden Horse Awards (2015)

golden horse

Hace nada que se conocieron los ganadores de la edición número 52 de los Taipei Golden Horse Awards, los principales premios concedidos en Taiwan y uno de los más prestigiosos de Asia. Casi 430 películas entre largos, documentales y cintas de animación, han competido por estar entre los nominados, lo cuyal supone un sensible incremento con respecto a la pasada edición. Entre los nominados destaca sin duda la última película de Hou Hsiao Hsien “The Assassin” que ha recibido 11 de ellas -además del reconocimiento a su director como realizador taiwanés del año-, le siguen de cerca “Thanatos, Drunk” con 10 nominaciones y “Port of Call” con 9. Además este año se recupera el premio a Mejor Película de Animación, que en ediciones pasadas quedaba desierto por falta de competidores.

Mejor Película

Thanatos, Drunk
Port of Call
The Assassin
Tharlo
Mountains May Depart

Mejor Documental

32 and 4
On the Rim of the Sky
The Verse of Us
Wansei Back Home
The Chinese Mayor

Mejor Película de Animación

Monkey King – Hero Is Back
McDull: Me & My Mum

Mejor Director

CHANG Tso-Chi (Thanatos, Drunk)
TSUI Hark (The Taking of Tiger Mountain 3D)
Hou Hsiao-hsien (The Assassin)
PEMA Tseden (Tharlo)
JIA Zhang-Ke (Mountains May Depart)

Mejor actor principal

LEE,HONG-CHI (Thanatos, Drunk)
Aaron KWOK (Port of Call)
FENG Xiao-Gang (Mr. Six)
DENG Chao (The Dead End)
DONG Zijian (De Lan)

Mejor actriz principal

Karena LAM (Zinnia Flower)
Sylvia CHANG (Office)
SUNG, Vivian (Our Times)
Shu Qi (The Assassin)
ZHAO Tao (Mountains May Depart)

Mejor actor de reparto

CHENG,JEN SHUO (Thanatos, Drunk)
Lawrence KO (Murmur of the Hearts)
Michael NING (Port of Call)
Michael CHANG (The Laundryman)
WANG Qianyuan (Saving Mr. Wu)

Mejor actriz de reparto

LU Xuefeng (Thanatos, Drunk)
Elaine JIN (Port of Call)
MA Sichun (The Left Ear)
Jian Man Shu (Maverick)
JIANG Wenli (The Master)

Mejor director novel

Alec SU (The Left Ear)
LEE Chung (The Laundryman)
Xiang Guoqiang (Young Love Lost)
BI Gan (Kaili Blues)
Yu Shan Chen (Our Times)

Mejor nuevo talento

LEE HONG-CHI (Thanatos, Drunk)
Jessie LI (Port of Call)
Michael NING (Port of Call)
Cecilia SO (She Remembers, He Forgets)
Ado· Kaliting ·Pacidal (Wawa No Cidal)

Mejor Guión original

CHANG Tso-Chi (Thanatos, Drunk)
Tom Shu-Yu LIN, LIU Wei-Jan (Zinnia Flower)
Philip YUNG (Port of Call)
GUAN Hu, DONG Runnian (Mr. Six)
JIA Zhang-Ke (Mountains May Depart)

Mejor Guión adaptado

Sylvia CHANG (Office)
Acheng, Chu Tien-Wen, Hsieh Hai-Meng (The Assassin)
XU Hao-Feng (The Master)
PEMA Tseden (Tharlo)
CHENG Yu-Chieh, Lekal Sumi Cilangason (Wawa No Cidal)

Mejor fotografía

HSU,CHIH-CHUN, CHANG,CHIH-TENG (Thanatos, Drunk)
Christopher DOYLE (Port of Call)
Mark Lee Ping-Bing (The Assassin)
Lu Songye (Tharlo)
YU Lik Wai (Mountains May Depart)

Mejores efectos visuales

Victor Wong, Bryan CHEUNG (Rise of the Legend)
GUO Jianquan, Christian RAJAUD (Wolf Totem)
Jason H. SNELL, Ellen POON, TANG Bingbing (Monster Hunt)
Wook Kim (The Taking of Tiger Mountain 3D)
Rick Sander, Christoph Zollinger (Gone With the Bullets)

Mejor dirección artística

Yohei TANEDA, LEE Kin-wai (Monster Hunt)
William CHANG, Alfred Yau (Office)
YI Zheng Zhou (The Taking of Tiger Mountain 3D)
Hwarng Wern-Ying (The Assassin)
Liu Qing (Gone With the Bullets)

Mejor maquillaje y vestuario

YEE Chung Man (Monster Hunt)
William CHANG, LUI Fung Shan (Office)
Hwarng Wern-Ying (The Assassin)
William Chang Suk Ping (Gone With the Bullets)
ZHAI Tao, Yuye Chen (De Lan)

Mejor coreografía de acción

Corey YUEN (Rise of the Legend)
LI Chung Chi (SPL2 – A Time For Consequences)
YUEN Bun (The Taking of Tiger Mountain 3D)
LIU Mingzhe (The Assassin)
XU Hao-Feng (The Master)

Mejor banda sonora

LIN Shangde, TSENG,YUN-FANG (Thanatos, Drunk)
KUNG Yu-Chi (A Gong – sodagreen) (Zinnia Flower)
Chen Yang (Murmur of the Hearts)
Lim Giong (The Assassin)
Yoshihiro HANNO (Mountains May Depart)

Mejor canción original

Darkness on the Sea
Lyric: Ke Ding  Composer: Ke Ding  Performer: Ke Ding
(Port of Call)
twist
Lyric: Luantan-Ascent  Composer: Luantan-Ascent  Performer: Luantan-Ascent
(The Laundryman)
HE BI NE
Lyric: LIN Xi  Composer: Dayu LO  Performer: Eason Chan
(Office)
A Little Happiness
Lyric: Shi-Chen Hsu, Hui-Fu Wu  Composer: JerryC  Performer: Hebe Tien
(Our Times)
Aka pisawad
Lyric: Suming.Rupi  Composer: Suming.Rupi  Performer: Suming.Rupi
(Wawa No Cidal)

Mejor edición

Zhong Renbo (The Verse of Us)
CHANG Tso-Chi (Thanatos, Drunk)
Chen Po-Wen (Murmur of the Hearts)
DING Sheng (Saving Mr. Wu)
LIAO Ching-Song (The Assassin)

Mejores efectos sonoros

KUO Li Chi (The Laundryman)
Kinson TSANG, LEE Yiu Keung, George, YIU Chun Hin (Monster Hunt)
Tu Duu-Chih, WU Shu-Yao, David Richardson (HKSE) (Office)
Tu Duu-Chih, Chu Shih-Yi, WU Shu-Yao (The Assassin)
ZHANG Yang (Mountains May Depart)

Filmmaker Taiwanés del Año

Hou Hsiao-hsien

Premio de la Audiencia

Mountains May Depart

Premio FIPRESCI

Kaili Blues

Premio a la carrera

Li Li Hua


27
Nov

Trasnochando – Día 7 – Sitges Film Festival 2015

No nos olvidamos de nuestras reseñas asiáticas del pasado Sitges Film Festival 2015, y hoy llegamos a nuestro séptimo día con otras tres películas de lo más interesantes. La primera de ellas es un drama hongkones en torno a un extraño crimen, la segunda una reinterpretación del cuento del Flautista de Hamelín a la coreana, y la tercera -una de mis películas más esperadas en el festival- un thriller psicológico indio.

Port of Call

Port of Call
Hong Kong, Philip Yung, 2015
Intérpretes: Aaron Kwok, Jessie Li, Michael Ning, Patrick Tam

Nos despertamos en este séptimo día de festival y vamos raudos al Teatro Prado a ver una película hongkonesa, “Port of Call”, producción que se basa en el hecho real, acaecido en 2008, del asesinato de una joven prostituta de 16 años cuyo cuerpo aparece descuartizado. La película comienza mostrándonos a la víctima, la joven Jiamei. Ella está muerta solo porque lo dice Chi-chung, un joven camionero que se entrega afirmando que la ha matado. El policía encargado del caso intentará desentrañar lo ocurrido.

En esta ocasión el director es Philip Yung, que lleva en la industria del cine desde finales de los noventa como productor y que como director ha firmado películas como “Glamorous” y “May We Chat”. Esta última película pudimos verla en el Far East Film Festival de Udine y construye un relato también basado en la juventud y el sórdido submundo de la prostitución y las drogas, en este caso centrándose en tres jóvenes que se conocen a través de un programa de chat y que se ayudan entre ellas en este ambiente de bajos fondos. Es fácil caer en el dramón con este tipo de guiones, pero Yung le da siempre algo que hace que sean algo más que simples dramas. En “May We Chat” lo sórdido de toda la ambientación el da mucho interés al desarrollo de la historia, en el caso de “Port of Call” el interés lo da la narrativa, construida de forma no lineal a base de flashback y saltos temporales que nos van dando información que tenemos que ir componiendo nosotros. No es que sea compleja de seguir, pero es cierto que según como la veas es posible que esta estructura canse un poco a base de fechas y saltos. Además la historia no se centra solo en el asesinato y sus protagonistas, sino que también lo hace en el policía que los investiga, magníficamente caracterizado por Aaron Kwok, mostrándonos también sus dramas y su pasado, que lo influencia también en su presente de forma determinante.

El conjunto en general es interesante, quizás con esos pequeños problemas narrativos derivados de su construcción y con un final que no me pareció del todo satisfactorio, pero si sabes que vas a ver un drama y no un thriller más convencional, la cosa funciona.

The Piper

The Piper
Corea, Kim Gwang-Tae, 2015
Intérpretes: Ryu Seung-ryong, Lee Sung-min, Goo Seung-Hyun, Chun Woo-Hee

Allá por 2008 el director Yim Pil-sun presentaba en Sitges su película “Hansel y Gretel”, una oscura versión del cuento de los hermanos Grimm con toques de terror y violencia, que se convertiría en una de mis películas favoritas de aquella edición. Es inevitable que al ver el tráiler de “The Piper”, opera prima de Kim Gwang-Tae, uno sienta curiosidad de ver como se ha vuelto a tomar un relato clásico, en este caso “El flautista de Hamelín”, y se ha llevado a un terreno mucho más siniestro.

El guión nos traslada poco después de la guerra de Corea contra Japón, el flautista Woo-ryong y su hijo viajan a Seúl. Un día hacen una parada en una pequeña aldea oculta en medio del bosque. El pueblo está aislado e infestado de ratas, y el flautista hace un trato con el cabecilla del lugar para librarlos de la plaga. Pero una vez cumplida la misión Woo-ryong será traicionado.

La película comienza de una forma amena y agradable, muy luminosa, con humor y simpatía, una fotografía excepcional y una gran banda sonora, que combina la música ambiente con piezas de flauta. El flautista y su hijo nos hacen pasar un buen rato, pero conforme avance el metraje y la película adquiera un tono más siniestro todo ira oscureciéndose. La ambientación es muy buena, si bien parece que muchos momentos de sangre y violencia son forzados y están ahí para un público especifico, no porque la historia lo requiera. Se podría haber construido todo de una forma más natural, quizás con menos sangre pero más tensión, pero aún así es una película muy entretenida e interesante.

sunrise

Sunrise
India, Partho Sen-Gupta, 2015
Intérpretes: Adil Hussain, Tannishtha Chatterjee

A estas alturas de festival plantearse ver una película que comienza pasadas las 5 de la madrugada como última de una maratón (que curiosamente estaba compuesta por dos comedias, esto solo pasa en Sitges) es algo bastante duro, me cuesta mucho aguantar hasta esas horas en plenas facultades mentales y físicas. Pero cuando uno tiene que cuadrar una de las películas que más ganas tenía de ver de todo el festival de Sitges pues hace el esfuerzo, y se ve recompensado.

Sunrise construye un thriller psicológico de los que a mi me gustan, intenso, duro, adentrándose en terrenos difíciles. Para empezar el Bombay que se nos muestra no es la colorida y exótica ciudad que todos podemos imaginar, sino una urbe sucia y oscura, donde la violencia está a punto de estallar en cada rincón. Es esta oscuridad la que define el film, casi totalmente rodado de noche y con una eterna lluvia que parece desdibujar la propia ciudad al igual que la realidad que rodea al relato, basado en el inspector de asuntos sociales Joshi -encarnado de forma contundente y austera por Adil Hussain-. Irónicamente este inspector ha vivido en primera persona el secuestro y desaparición de su hija y esto le ha afectado profundamente a nivel psicológico. Mientras que su mujer traumatizada parece vivir en el pasado, el se lanza a una búsqueda eterna de su hija, desdibujando en este proceso, tal como comentaba antes, la realidad con la propia visión del inspector, su propia mente. Gupta usa recursos muy interesantes, la propia oscuridad, una estructura de repetición que nos presenta escenas es una especie de gran ciclo que Joshi pretenderá romper… la ambientación es casi todo en esta producción, y esta muy bien conseguida.

He de reconocer que en el momento de escribir estas líneas tengo claras lagunas al pensar en la película, producto sin duda de la hora en que la vi -no creáis que me dormí viéndola, todo lo contrario, pero es difícil fijar algo en la mente en esas condiciones-. La cinta es altamente recomendable y yo estoy deseando verla de nuevo.

Creado y Mantenido por Jorge Endrino (Alikuekano). 2005-2016.
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