18
nov

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (XV)

Retomamos nuestro recopilatorio de posters y grafismos en torno al cine de caballería y espada chino con la que es la entrega número quince. Hoy os traigo un casi monográfico de la película de Tsui HarkZu Warriors of the magic mountain“, acompañada de “Shaolin Intruders” y “The Roving Swordman“. Espero que les guste.

Shaolin Intruders (1983)
Director: Tong Gaai
Shaolin Intruders (1983)
Director: Tong Gaai
shaolin intruders Shaolin Intruders
Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark
Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark

zu warriors Warriors From The Magic Mountain
Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark

Zu Warriors (1983)
Director: Tsui Hark

Warriors From The Magic Mountain Warriors From The Magic Mountain
The Roving Swordsman (1983)
Director: Chor Yuen
The Roving Swordsman (1983)
Director: Chor Yuen
The Roving Swordsman The Roving Swordsman

13
nov

Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga – FANCINE 2014

fancine 2014

El próximo día 20 de noviembre dará comienzo el Festival de Cine Fantástico de la Universidad de Málaga, FANCINE 2014, espacio único ya que es uno de los pocos festivales de cine de género que nace directamente de una institución universitaria en todo el mundo. Durante los días de su celebración la capital malagueña se llenará de todo tipo de fantástico.

Aquí, como es habitual, repasaremos la presencia asiática en las diferentes secciones, pero os sugiero que paséis por la página web del festival para que veías todo lo que os ofrece, ya que más de una película ya pudimos verla en Sitges y la programación de este año es muy muy buena… no os lo perdáis.

Sección Informativa

Mad Sad Bad
Corea del Sur, 2014
Dirección: Han Ji-seung, Kim Tae-yong, Ryoo Seung-wan
Reparto: David Lee, Park Jung-Min, Son Soo-Hyun, Kim Dong-Young, Park Ki-Woong, Nam Gyu-Ri, Kim Soo-Ahn, Park Mi-Hyun

Mad Sad Bad es una película colectiva formada por tres relatos diferentes: un niño que desaparece en el bosque, un joven que se adentra en la vida de una amiga a través de Internet y un mundo ambientado en el futuro donde los zombies se han convertido en proletarios, trabajadores con demasiadas obligaciones y pocos derechos.

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Monsoon Shootout
India, 2013
Dirección: Amit Kumar
Reparto: Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Jayant Gadekar, Vijay Varma, Neeraj Kabi, Geetanjali Thapa, Omkar Das Manikpuri

Monsoon Shootout explora el impacto que las decisiones que se toman tienen en las vidas de los demás. Como las fuertes lluvias monzónicas azotan las tierras baldías de Mumbai, Adi, un policía novato en su primera asignación se enfrenta a una decisión que altera la vida cuando tiene que decidir si disparar o no disparar. La película presenta tres escenarios, todos ellos como consecuencia de la decisión que Adi toma. Cada decisión lo lleva en un viaje que lo enfrenta a un sistema que exige un compromiso sobre su moral. Finalmente, de cualquier manera, Adi llega a comprender que cada elección tiene su precio.

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Space Pirate Captain Harlock
Japón, 2013
Dirección: Shinji Aramaki
Animación: Toei Animation

La historia se centra en el joven Yama, un joven que se decide a enrolarse con el famoso pirata del espacio, que lleva casi 100 años luchando contra la Coalición Gaia tras la “Guerra del retorno al hogar”. Realmente Yama es un agente infiltrado de la Coalición con ordenes de matar a Harlock.

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The World of Kanako
Japón, 2014
Dirección: Tetsuya Nakashima
Reparto: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto

El ex detective Akikazu Fujishima trata de buscar a su hija Kanako que ha estado desaparecida durante unos días. Pero pronto se entera de la vida secreta de su hija…

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Otras secciones

Killers
Japón, Indonesia, 2013
Dirección: Timo Stamboel, Timo Tjahjanto
Reparto: Kazuki Kitamura, Oka Antara, Rin Takanashi, Luna Maya, Ray Sahetapy

En Tokyo, un asesino en serie está matando a mujeres y colgando sus violentos crímenes online. En Jakarta, un vigilante sube su asesinato a la red para que el mundo lo vea. Un juego psicótico del gato y el ratón se produce cuando los dos hombres luchan por notoriedad. Pronto será tan evidente que será sólo cuestión de tiempo que los dos asesinos se enfrenten cara a cara.

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Rigor Mortis
Hong-Kong, 2013
Dirección: Juno Mak
Reparto: Chin Siu-Hou, Kara Hui, Richard Ng, Anthony Chan, Hoi-Pang Lo, Hee Ching Paw, Fat Chung

Rigor Mortis está ambientada en una torre de vivienda pública de Hong Kong cuyos ocupantes pronto descubriremos que abarcan la gama de los vivos a los muertos, a los no-muertos junto con los fantasmas, vampiros y zombies…

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The Target
Corea del Sur, 2014
Dirección: Chang
Reparto: Jin Guo, Yeo-Jeong Jo, Jin-wook Lee, Ryu Seung-Ryong, Jun-Sang Yu

Un asesino ex mercenario es incriminado por el asesinato de un reconocido empresario. Está acompañado por un médico que está desesperado por salvar a su esposa embarazada que está secuestrada, juntos se embarcan en una peligrosa búsqueda de 36 horas.

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12
nov

Sitges Film Festival 2014 – Crónica asiática (V)

cartel sitges 2014

Terminamos hoy nuestras crónicas asiáticas con todo lo que pudimos ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2014. En esta última entrega hablamos sobre Lupiin, Tokyo Tribes y The Raid 2. Con esto concluimos nuestro repaso al cine asiático que pudimos ver en Sitges, y empezamos casi ya otro repaso, al cine asiático que NO pudimos ver en Sitges pero que ya hemos visto en otros festivales o mediante DVD o lo que sea. Al menos realizaremos 2 entregas de esta serie ya que nos perdimos mucho cine en Sitges porque ya lo habíamos visto en otros sitios.

Lupin III

Lupin the Third
Japón, 2014
Director: Ryuhei Kitamura
Intérpretes: Shun Oguri, Jerry Yan, Tetsuji Tamayama.

Una de las adaptaciones de un manga más esperadas por mí este festival de Sitges era la versión de Ryuhei Kitamura del mítico Lupin, de hecho deje de ver la maratón de Kenshin por ver esta, y ahora quizás me arrepiento… os explicaré por que durante estas líneas.

Para quien no conozca Lupin, es un manga del autor Monkey Punch que se publicó en Japón entre 1967 y 1972. Este manga narraba las aventuras del nieto del mítico ladrón de guante blanco Arsene Lupin y de sus compañeros, un variopinto grupo que personajes que se dedicaban a robar, generalmente frustrando los planes de otros criminales. La primera adaptación a la animación la realizaron nada más y nada menos que Hayao Miyazaki e Isao Takahata, en una serie que se emitió durante la recta final de la publicación del manga. Desde la década de 1970 hasta nuestros días se han sucedido numerosas series, películas, OVAs, videojuegos, obras de teatro y hasta un musical basados en este personaje, que es todo un mito entre los aficionados a la animación japonesa.

Esta es la primera vez que este personaje se lleva a acción real, bebiendo a la vez del manga y del anime, y he de decir que la película, aunque entretenida y divertida en general, adolece de algunos puntos negativos que me dejaron un sabor agridulce tras verla.

En la primera parte de la película se introduce un gran robo inicial y la línea argumental que guiará toda la cinta, realizando la presentación de los personajes. Toda esta sección se podría decir que no es Lupín, tiene un tono mucha más serio, con acción pero de la que le gusta a Kitamura no de la que le pega a Lupín, sin muchas salidas de tono, más realista y típica. Los personaje no son lo que uno espera, lo que uno quiere. Así sigue la cosa hasta que aparece Goemon, y entonces ya la cosa va cambiando, la película toma ritmo, Shun Oguri va sintiéndose más cómodo en el papel y va sacando gestos, sonrissas… se va convirtiendo en Lupín. En ese momento empiezan a pasar locuras, aparece la comedia y desde este punto la película adquiere eso que queríamos ver, un estilo mucho más similar al manga.

Digamos que una película a medias. Con una primera parte un poco plana y una segunda divertida y entrañable. Un ejercicio divertido pero que te deja un poco frío, y que espero que si se hace una segunda película la cosa mejore, y mucho, visto como termina esta.

tokyo tribe

Tokyo Tribe
Japón, 2014
Director: Sion Sono
Intérpretes: Akihiro Kitamura, Tomoko Karina, Motoki Fukami, Ryohei Suzuki, Riki Takeuchi, Dais Young, Shôta Sometani

Y llegamos al final de nuestro Sitges con la maratón sorpresa del Sábado, que este año tenia un sabor muy asiático y lleno de hype al descubrirse los dos títulos sorpresa que estaban presente en ella, Tokyo Tribe y The Raid 2, la primera de ellas muy esperada por los aficionados tras la locura desatada el pasado año por Sion Sono con Why you don´t play in hell?.

Esta es una película que, como otras del director, seguramente no tenga término medio, o te guste o la odies, y es que Sion Sono es un director que muchas veces se va al extremo, o más bien a los excesos, ya lo demostró con la nombrada Why you don´t play in hell? y esta sigue esa misma línea, si bien en aquella el director mostraba un mensaje subyacente reflexionando sobre la creación cinematográfica, aquí la cosa se queda en la forma, pero que forma.

Adaptación del manga de Santa Inoue, la acción trascurre en un Tokyo más distópico de lo habitual, dominado por las bandas urbanas, las luces de neón, y la estética undergruond, en donde una serie de tribus urbanas regentan sus territorios y se enfrentan por dominar Tokyo. Hay que decir que toda esta historia se basa en un universo ya creado y unos personajes ya definidos por relatos anteriores, ya que el manga que adapta la película es una segunda parte de otro anterior. No obstante Sono se saca de la manga una espectacular introducción inicial donde se nos presentan las bandas y los diferentes personajes, y que es toda una declaración de intenciones sobre lo que realmente veremos el resto de la película, un musical narrado a ritmo de Hip Hop, excesivo en su aspecto y forma, violento en su tramo final y muy divertido en su totalidad. Un torrente de scratch y rima, de situaciones rocambolescas por la supervivencia de las bandas, de personajes en ocasiones extremos y sobre todo un estilo visual muy poderoso y bastante humor y compañerismo.

Realmente esta no es una película fácil, la gente puede huir de ella por sus excesos, por estar narrada a base de hip hop, por su revelación final, que puede resultar estúpida hasta casi la ofensa para más de uno. Pero si entras en ella, si no te asustan los excesos y ese estilo manga tan marcado, las luces de neon, lo gamberro de su puesta en escena, las abuelas raperas y mover la cabeza de adelante a atrás durante casi todo el metraje de la película, sin duda esta es un imprescindible.

raid 2 berandal

The Raid 2
Indonesia, 2013
Director: Gareth Evans
Intérpretes: Iko Uwais, Yayan Ruhian, Arifin Putra, Oka Antara

La segunda película sorpresa de este año en Sitges es nada más y nada menos que The Raid 2, el hype hecho película para todos los que disfrutamos con su primera parte. He de reconocer que no debería hablaros de ella aquí, ya que no me quede a verla durante la maratón del Sábado noche en Sitges ya que la había visto ya en Udine hace unos meses. Además los que sigáis el blog sabréis que soy de los pocos, alguno más hay, que no nos gusta esta película, que la vemos vacía, pretenciosa y aburrida, donde solo merece la pena la acción y también tiene sus pegas. He leído lo que ya escribí de ella en su día y he decidido dejarlo tal cual, porque retocarlo o volver a escribir sería quizás contraproducente sin volver a verla, y sinceramente no me apetece en este momento volver a ella, aunque lo haré ya que se la pondré a algún amigo y me costará darle una segunda oportunidad.

The Raid fue una de esas películas minoritarias que creció como si fuera un monstruo gracias a las nuevas tecnologías, creando una expectación inusitada por las imágenes que nos habían ofrecido las redes sociales. Luego no defraudo, y es, a efectos prácticos y a pesar de que no ha inventado nada que los hongkoneses no hubieran inventado ya, una de las grandes películas de acción de la última década, cruda, directa, que iba a lo que iba y ofrecía lo que prometía. Esta segunda parte sin embargo es un ejercicio pretencioso, mal realizado y aburrido, donde Gareth Evans se ha perdido en estilismos y guiones vacíos y ha olvidado la esencia que lo ha llevado a donde está.

En The Raid 2 se ha querido dar mucha más importancia a un guión y una historia que en la primera parte, donde la acción lo copaba prácticamente todo. Esto no sería malo si el guión no fuera vacío e insustancial, si la historia no fuera algo mil veces visto, mal desarrollado y en general aburrido. Una historia manida y a veces estúpida, que evoluciona hacia una especie de adaptación de un mal cómic cuando quiere superarse a si misma para ofrecer lo que el “fandom” espera y se plaga de asesinos estrambóticos o un “malo” en mi humilde opinión ridículo. A esto se le unen los estilismos, los recursos visuales y la forma de tratar muchas escenas, que si bien buenas por separado, juntas hacen una especie de batiburrillo sin pies ni cabeza, como si Gareth fuera el típico director de cortos que toma escenas grandiosas y recursos de muchas películas, las junta y hace un engendro que en el fondo no tiene nada de original o atractivo. El director quiere ser alguien que no es.

¿Pero que estoy diciendo? Si lleva el nombre de The Raid queréis acción y no tontunas de guión aunque estas ocupen más de una hora y media de metraje ¿no?. Pues acción hay, pero no el festival de la primera parte, sino que aquí las escenas se mezclan con la historia, lo cual hace que cuando crees que va a empezar fuerte, siempre se vuelva a parar y te deje un poco a medias. Parte de la acción además está muy desaprovechada, peleas metidas porque tocaba sin mucha relación con lo que esta pasando. Si quieres una historia, se consecuente con ella. A efectos prácticos la acción es mucho más salvaje que en la primera parte, cosa que a mi al final me saturó un poco, porque si en la tercera hostia dislocas un brazo, en la quinta incrustas una cabeza en una tubería y en la décima rajas una pierna de abajo a arriba… ¿que te queda para las dos horas y diez minutos restantes? Pues mas de lo mismo en cantidades industriales. En mi opinión The Raid lo tenia más equilibrado y ajustaba mejor la acción para sorprender, además de que estaba menos manipulada digitalmente, que en esta segunda parte bufffff.

“Pero eres un criticón, acción hay y mucha”, es cierto, acción tendréis y es lo único salvable de la película, sobre todo esa primera introducción en los lavabos de la cárcel, la persecución en coche que es impresionante y brutal, y parte de la pelea final, que al menos tiene una coreografía más o menos visible. También cierto enfrentamiento con unos productores de películas porno tiene buenas escenas.

En definitiva, que los momentos de acción que pueden ser interesantes no salvan una película pretenciosa, vacía y aburrida en general, una película donde Gareth Evans quiere ser un director que no es y (parafraseando a Enrique Garcelan) “ha quedado atrapado en en un traje que no es el suyo, ha querido ser “fashion”, cuando a diario te vistes con bermudas y camiseta de manga corta.”


10
nov

Cuentos de Tokio y Una familia de Tokio – De Ozu a Yamada

tokyo monogatari Una_familia_de_Tokio

Tōkyō monogatari (Cuentos de Tokio)
1953/Japan
Directed by Yasujirō Ozu
Screenplay by Yasujirō Ozu, Kōgo Noda
Stars: Chishu Ryu, Chiyeko Higashiyama, Setsuko Hara, So Yamamura, Haruko Sugimura, Kinoko Niyake, Kyoko Kagawa
Production Co: Shochiku
Original music by Takonori Saito
merodrama, shoshimin-eiga

Tōkyō kazoku (Una Familia de Tokio)
2013/Japan
Directed by Yōji Yamada
Screenplay by Yōji Yamada, Emiko Hiramatsu
Stars: Isao Hazizume, Kazuko Yoshiyuki, Tomoko Nakagima, Yu
Aoi,Yui Natsukawa, Satoshi Tsumabuki, Mashaiko Nishimura, Shigeru Muroi, Shozo Hayashiza
Etsuko Ichihara, Bunta Sugawara
Production Co: Shochiku
Original music by Joe Hisaishi
merodrama, shoshimin-eiga

Por el 50 aniversario de la muerte de Yasujirō Ozu, Shochiku quiso rendirle un homenaje por todo lo alto actualizando una de sus mejores películas. Y, rompiendo una lanza en favor de Tokyo Family, creo que es así como hay que entender la película de Yōji Yamada. No como un remake sino como un homenaje a quien está considerado uno de los mejores directores de la historia del cine. Mucho se ha criticado a Yamada, ya sea por los pocos cambios introducidos en el guión o por el intento de mantener ciertas características de estilo del cine de Ozu, pero la realidad es que cuando se compite con la que fuera considerada en 2012 en la revista Sight & Sound magazine, según los directores, la mejor película de la historia y, según los críticos, la tercera; es imposible superar el original. Nada más lejos de su intención: si Yamada rememora fielmente el estilo y las escenas de Ozu es por admiración con el que fuera su maestro en Shochiku.

Yasujirō Ozu (Tokyo, 1903-1963) empezó su carrera como ayudante de dirección en Shochiku donde además escribía sobre cine en publicaciones como Kinema Junpo. Su primera oportunidad para dirigir llegó en la era del cine mudo de manos del director y productor de Shochiku, Shiro Kido, y se trataba de un jidaigeki ahora perdido. Luego hizo comedias, melodramas e incluso yakuza-eiga (Hijosen no Onna, 1933) hasta un total de 54 películas, pero es por su cine después de la Segunda Guerra Mundial, el más “ozu-esco” y contrario a Hollywood, por el cual es internacionalmente reconocido. “Yo sólo sé cómo hacer tofu. Puedo hacer tofu frito, tofu hervido y tofu estofado. Chuletas y otras cosas de lujo, eso es para otros directores“, así se definía el director. Es cierto que su cine no era muy taquillero en la época y, precisamente por eso, Shochiku no quiso exportarlo a pesar del creciente interés en el cine japonés después del éxito de Rashōmon. Sin embargo Kido seguía apoyando el cine humanístico de Ozu y Ozu respondía con la misma lealtad “Estoy con Shochiku y los empleados de Shochiku son todos mis amigos, así que tengo que pensar en lo qué es bueno para Shochiku“.

yasujiro ozu

Fue a partir de una retrospectiva de su cine organizada por el crítico Donald Richie en la Berlinale de 1963 que su cine empezó a ser reconocido mundialmente siendo Tokyo Story su película más aclamada porque está llena de todos esos detalles típicos de Ozu que la convierten en una verdadera obra maestra: ritmo pausado, profundamente intimista y esencialmente melancólica pero sin caer en el exhibicionismo sentimental. El gran crítico Roger Ebert decía que Cuentos de Tokio “ennoblece el cine. Dice, sí, una película puede ayudarnos a dar pequeños pasos en contra de nuestras imperfecciones“. Una gran mérito para el hombre que hizo tofu toda su vida.

Yōji Yamada empezó a trabajar en Shochiku en 1954, después de acabar sus estudios en la Universidad de Tokyo, como asistente del propio Ozu y Yoshitaro Nomura. Su primer guión lo escribió en 1958 y su primera película como director fue Nikai no Tanin en 1961. Aunque es más conocido por la saga Tora-san —la más larga de la historia del cine— sus mayores éxitos los ha cosechado con The Twilight Samurai (2002). Pero si Ozu es el director del tofu en lo que respecta al shoshimin-eiga, Yamada es el de los fideos ya que, para huir de la desmotivación derivada de hacer siempre el mismo tipo de cine, se compara con un cocinero que intenta hacer un buen bol de fideos cada vez.

Como decíamos anteriormente, hay pocos cambios respecto al original algo que juega en desventaja para Yamada pero es precisamente en esas pequeñas diferencias en lo que sale ganando el director.

Argumento y guión

En ambos casos, la trama trata de cómo una pareja de ancianos decide visitar a sus hijos en Tokio. Por fin, tienen la oportunidad de conocer a sus nietos y de comprobar cómo sus hijos han cambiado, tanto que parece que sus padres les estorban y los envían a un hotel durante su estancia. Los hijos no entienden que los padres no quiere hacer turismo por Tokyo sino retomar ese vinculo con sus hijos. Desilusionados, deciden volverse a su ciudad natal pero la esposa cae enferma y muere dejando solo a su marido.

Los grandes temas de Ozu son la destrucción de las familias, y con ellas el deterioro de la identidad nacional, a causa del trabajo y la modernización y la piedad filial confuciana. Una crítica velada al capitalismo y la globalización que da lugar a una sociedad en la que no hay tiempo para cultivar los vínculos familiares. Y es que Ozu provenía de una familia destrozada por la modernización, ya que mientras su padre trabajaba en Fukugawa, él vivía con su madre y sus dos hermanos en Matsuzaka. El vínculo del director con su madre era tal, que nunca se casó y vivió siempre con su madre cumpliendo su deber según la piedad filial confuciana. Debido a su historia particular, los protagonistas de sus películas suelen ser familias con vínculos afectivos débiles, pero no se utilizan los típicos elementos melodramáticos del shoshimin-eiga, sino que se hace hincapié en la debilidad de esos vínculos contraponiendo varias generaciones de la misma familia. Así, el espectador puede reflexionar sobre las tensiones entre la modernidad y los valores tradicionales japoneses. En Cuentos de Tokio, se ve muy clara la importancia de la piedad filial confuciana cuando conversan el hijo pequeño del matrimonio y su jefe y éste le recuerda que una vez que mueran sus padres, no podrá hacer nada por ellos. También vemos este mismo diálogo entre Shigeko (la hija mayor) y su marido en Tokyo Family pero no me da la sensación de que surta el mismo efecto, debido al carácter del marido de Shigeko, que resulta bastante desconsiderado con sus suegros y antipático al espectador. Yamada, además, quiere añadir un tema más en esta obra y es la despoblación de las áreas rurales y la construcción del crecimiento económico sacrificando el ambiente familiar y esto último lo hace a través de Koichi que sacrifica a su familia por el éxito de su carrera profesional.

tokyo monogatari

Mientras que en Tokyo Story el país se está recuperando del desastre que ha supuesto la Segunda Guerra Mundial, Tokyo Family tiene como telón de fondo el terremoto del 11 de septiembre en Fukushima. Pero en este punto, también falla Yamada y es que la película resulta ser más un homenaje a Ozu que no un reflejo de los valores de la sociedad post-11s. Según Yamada “el terremoto debería haber sido interpretado como una oportunidad para reconsiderar el estatus actual de nuestra vida. Tenemos que esforzarnos para estrechar los vínculos familiares mientras vivimos de manera humilde”.

El paso del tiempo es una constante tanto en el original como en el remake, aunque mucho más marcada en Ozu. Vemos varias metáforas del paso del tiempo: 1) Los trenes balas simbolizando la línea de la vida; 2) Cuando Shukichi regala a Noriko el reloj de su esposa fallecida es como si le regalara su tiempo, un tiempo que pasa de generación en generación de manera cíclica. Este ciclo se aprecia cuando en el viaje de retorno de Noriko a Tokyo ésta saca el reloj, rehaciendo el viaje que en su momento hicieron Shukichi y su esposa, cerrando el ciclo. 3) A la Noriko de Ozu siempre la acompañan los relojes, ya sea en el trabajo o en la escena final con Shukichi, los relojes le recuerdan que el tiempo pasa y que debe rehacer su vida. 4) La última escena de Kyoko en Tokyo Story, la hija pequeña de los Hirayama y maestra de la próxima generación que mira el reloj mientras observa como sale el tren de su cuñada Noriko. Detrás de ella los niños y un calendario.

En cuanto al guión, Ozu siempre prefirió los guiones minimalistas rechazando las tramas y los hilos narrativos, y en Tokyo Story, nos demuestra que el día a día es más que suficiente para escribir un buen drama. En sus guiones siempre se hace uso de las elipsis narrativas. A menudo vemos como los personajes hablan de algo que ha ocurrido pero que el espectador no ha visto porque lo que le importa a Ozu es cómo el personaje se enfrenta a esos hechos no el hecho en sí. Por ejemplo, cuando los padres hablan de que han visitado a su hijo en Osaka, o las continuas referencias al difícil matrimonio de Noriko con su fallecido esposo o incluso a las dificultades implícitas del matrimonio de ancianos. Estas elipsis narrativas también las mantiene Yamada aunque es memorable su manera más directa y actual de tratar la muerte de Tomiko. La escena en la que padre e hijo dejan llorando sola la muerte de su madre a Shigeko en un frío pasillo de hospital o la sublime actuación de Isao Hashizume en el papel de Shukichi en las escenas finales, desde la discusión con sus hijos después del funeral de su esposa hasta la conversación con Noriko.

Personajes

Los Hirayama de Ozu tienen cinco hijos: su hijo mayor Koichi, la hija mayor Shige dueña de un salón de belleza, su nuera Noriko viuda de su hijo Shōji desaparecido en la Segunda Guerra Mundial, su hijo pequeño Keiko y su hija pequeña Kyoko que es quien vive y cuida de los ancianos.

tokyo monogatari

El director confió dos de los papeles centrales a actores esencialmente ozuescos en sus interpretaciones, es decir, que en sus interpretaciones reducían al mínimo la acción y el movimiento: Chishu Ryu en el papel de Shūkichi y Setsuko Hara en el papel de Noriko. Ryu, era un habitual de Ozu y encarnaba al propio director dentro de sus filmes —de hecho no es casual que Shūkichi tuviera problemas con el alcohol —. En cuanto a Setsuko Hara, hizo varias películas para Ozu entre ellas la ‘trilogía Noriko’ de la que es parte Cuentos de Tokio junto con Principios de verano (1951) y Primavera tardía (1949) en la que se presenta a tres mujeres solteras llamadas Noriko de la época de postguerra. Setsuko Hara interpretaba como nadie la típica mujer japonesa de la época, a medio camino entre la liberación de la mujer y los valores tradicionales de su rol social. De su trabajo para Ozu destacan dos características: que siempre interpretaba a una mujer cuyo matrimonio suponía una parte central de la trama pero nunca contraía matrimonio, de hecho era conocida como “la Eterna Virgen” porque nunca se casó —el sobrenombre implica cierta independencia del núcleo familiar—; y su enigmática sonrisa.

Del elenco de Ozu quisiera también destacar el personaje de Sugimura Haruko (Shige) que tiene una doble función: la de hacer brillar la figura de Noriko en contraposición a su personaje y la de recordar a otro tipo de mujer japonesa. La mujer que ha aceptado por completo la modernización y ha olvidado los valores tradicionales y que no está dispuesta a hacer los sacrificios que ha hecho Noriko ni se resigna a aceptar la decepción de la vida como hace ella.

Los Hirayama de Yamada tienen tres hijos: su hijo mayor Koichi, la hija mayor Shigeko y su hijo pequeño Shōji. Sin duda, tres es un número mucho más realista para reflejar la actual sociedad japonesa…

Puede que Isao Hashizume no sea un actor tan emblemático como Ryu pero me ha parecido francamente buena su interpretación y me ha ayudado a entender mucho más al personaje. De hecho Yamada revela una similitud entre el carácter de Koichi y su padre que ayuda mucho a perfilar a ambos personajes. En lo que respecta a Noriko era virtualmente imposible igualar a Setsuko Hara y precisamente por eso, Yamada debió de restarle protagonismo. La sosegada Noriko de Hara tiene infinitamente más matices que la Noriko de Yū Aoi, nerviosa e insegura. Refleja sin duda a una buena chica pero no hay un ápice de resignación o melancolía en su sonrisa, ni hay metáfora del tiempo que valga (aunque reciba el reloj de Tomiko) ni la tragedia de Fukushima ha marcado su carácter como lo ha hecho la Segunda Guerra Mundial con Hara. Sin embargo, el mayor acierto de Yamada en cuanto a los personajes es la introducción de Shōji. Shōji encarna perfectamente la incertidumbre a la que está condenada la juventud en la crisis económica actual, además su personaje humaniza el de Shūkichi y compensa un poco la gran falta de Noriko.

tokyo kazoku

Recursos estilísticos

Se puede decir que la poética del cine de Ozu está vinculada al budismo Zen y a la tradición cultural japonesa, como si de un haiku o un óleo se tratara. No en vano,su cine está impregnado de la melancolía del concepto japonés mono no aware (sensibilidad o empatía).

Cuando Ozu filmaba una familia, prefería usar planos de interiores, en casas de estilo japonés y con un plan bajo, a la altura de un adulto sentado en un tatami: su famoso plano de vista de tatami. Los usaba para dar la impresión de intimidad para con los personajes y de complicidad para con el espectador.

Cada escena sigue el mismo patrón: plano largo del actor, plano medio, vuelta al plano largo si es una escena larga y luego al plano medio, y acaba con un plano largo.

Si filmaba la conversación de dos personajes los sentaba alineados, en lugar de confrontarlos para dar una sensación de harmonía y para implicar al espectador en la conversación; y en vez de usar contraplanos con 180o, usaba planos sucesivos del espacio en 360 grados.

En cuanto a las transiciones entre planos, al director no le gustaban los fundidos ni otro tipo de transiciones, sino que prefería los cortes limpios precedidos de sus famosos “planos de almohada” que usaba poéticamente como si fueran pillow words en un haiku. Este tipo de planos cortan el hilo argumental durante unos segundos para focalizar la atención en un elemento visual, a menudo un paisaje o una habitación, que invitan al espectador a la reflexión. En Cuentos de Tokio también sirven a veces para reubicar el lugar en el que se toma la nueva acción o para que se produzcan las elipsis narrativas.

No hay movimientos de cámara durante las escenas, a excepción de la visita turística del matrimonio por las calles de Tokio. La ausencia de movimiento es un recurso que nos hace volver al primer cine japonés, pensado como extensión del teatro, en el que el actor actuaba como si estuviera en un escenario teniendo a la cámara como audiencia. Al mover la cámara continuamente durante el tour, Ozu quiere dar una sensación de agobio y estrés, típico de las grandes ciudades.

Por último, el uso de la música también es muy característico. No la utiliza como apoyo emocional en las escenas dramáticas, sino que se confina a las transiciones entre planos. Además prefería usar melodías alegres después de las escenas tristes.

tokyo kazoku

Para alabarle, Yamada hace uso de los mismos recursos que Ozu e incluso hay planos prácticamente calcados: Shūkichi contemplando la puesta de sol y dándose cuenta de la muerte de su mujer y de que está solo, el plano de la familia en el funeral de Tomiko, el plano de los dos ancianos contemplando el mar presos de la decepción en el que deciden volver a su hogar, etc… Para mí no hay mejor homenaje al director que rememorar algunos de los que son sus mejores planos y diálogos y aunque no todo es perfecto en la película de Yamada si el remake sirve para que al espectador tenga ganas de volver a ver el original, es porque cumple su cometido.

Fuentes:

EBERT, R. “Tokyo Story Movie Review & Film Summary (1953)”. En: Reviews. (9 de noviembre de 2013) <http://www.rogerebert.com/reviews/great-movie-tokyo-story-1953> (en línea).
HOLLAND, N. “Yasujiro Ozu, Tokyo Story, Tōkyō monogatari 1953″. En: A Sharper focus. <http://www.asharperfocus.com/TokyoStory.html> (en línea).
SCHILLING, M. “Re-examining Yasujiro Ozu on film”. En: The Japan Times. (7 de diciembre de 2013).
<http://www.japantimes.co.jp/culture/2013/12/07/films/re-examining-yasujiro-ozu-on-film/#.U072Tl6uEUU> (en línea).
SCHILLING, M. “Tokyo Kazoku (Tokyo Family): disaster begets repercussions in Yamada’s family home”. En: The Japan Times. (11 de enero de 2013)

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)


07
nov

34th Korean Film Critics Association Awards

hill of freedom

El pasado 3 de Noviembre se anunciaron los ganadores de los 34th Korean Film Critics Association Awards, o lo que es lo mismo los premios de la crítica de Corea del Sur a lo mejor del pasado año. Este año la cosa ha estado muy repartida, pero cabe destacar el premio a mejor película para Hill of Freedom y el de mejor director a Zhang Lu por Gyeongju. Además el premio a la interpretación masculina fue a parar al incombustible Choi Min-sik por su papel en Roaring Currents y el de interpretación femenina fue a Chun Woo-hee por su papel en Han Gong-ju, que hace bien poquito pudo verse en el Festival de Sitges. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película
Hill of freedom

Mejor Director
ZHANG Lu (Gyeongju)

Mejor Actor
CHOI Min-sik (Roaring Currents)

Mejor Actriz
CHUN Woo-hee (Han Gong-ju)

Mejor Actor de reparto
KWAK Do-won (The Attorney)

Mejor Actriz de reparto
JO Yeo-jeong (Obsessed)

Mejor Guión
LEE Su-jin (Han Gong-ju)

Mejor Fotografía
CHOI Chan-min (Kundo: Age of the Rampant)

Mejor Banda Sonora
JO Yeong-wook (Kundo: Age of the Rampant)

Mejor Dirección Artística
JANG Choon-seob (Roaring Currents)

Mejor película independiente
KIM Kyung-mook (Futureless Things)

Premio de la federación internacional de la crítica de Corea
YEON Sang-ho (The Fake)

Mejor Director novel
YANG Woo-suk (The Attorney)

Mejor Actor novel
PARK Yoo-chun (Haemoo)

Mejor Actriz novel
LIM Ji-yeon (Obsessed)

Premio de la crítica al mejor novato
Song A-reum

Premio honorífico
JUNG Il-sung Jung (Director de Fotografía)

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