12
dic

Sitges Film Festival 2012 – Entrevista a Noboru Iguchi

Desde que hace dos años entrevistáramos a Yoshihiro Nishimura en el jardín del Hotel Melià de Sitges, nos estábamos preguntando cuándo tendríamos la oportunidad de tener también un “face to face” con su colega y amigo Noboru Iguchi… Si con aquél nos lo pasamos genial, con éste tendría que ser ya la bomba y redondearíamos así la visión de un tipo de cine que ha ido creando adeptos por momentos en todo el mundo, el ‘splatter action’ puesto de moda por el extinto (por desgracia) sello de la Sushi Typhoon. Y ha sido este año, también en el marco de los jardines del Melià en Sitges, donde se nos brindó la oportunidad de charlar un ratito con el director, cómico, showman, payaso… porque todo eso y más es Iguchi (sólo tenéis que preguntar a cualquiera que haya estado en alguna de las apariciones que realizó tanto en el Auditori, en el cine Retiro, en el espacio Brigadoon o en el cine Prado para presentar sus películas: ¡¡espectaculares!!).

Asiateca: Este año presenta en el Festival de Sitges no una, sino tres películas: Dead Sushi, Zombie Ass y, su anterior, Robogeisha… ¿De dónde saca esas ideas tan locas para sus producciones?

Noboru Iguchi: Bueno, estas ideas salen de forma natural cuando estoy relajado, comiendo, o en el lavabo… ja, ja, ja… Es cuando me vienen estas cosas. Realmente hago lo que me gustaría ver a mí. Normalmente si me paro a pensar qué podría hacer o qué línea de trabajo seguir no me salen las ideas. Es cuando me relajo que me salen de forma natural.

Asiateca: En sus producciones es normal ver una buena carga de humor y momentos picantes. ¿Es como una marca de la casa? ¿Le gusta esta combinación?

Noboru Iguchi: En mis películas hay escenas de violencia, pero me gusta tratarlas siempre con humor. En cuanto al erotismo, es algo que simplemente me gusta, quiero retratar a la mujer japonesa, trasladar a las películas la timidez de las mujeres japonesas y los secretos que esconden. También quiero mostrar cosas que normalmente son desconocidas cuando visitas Japón. Por ejemplo, conceptos como los secretos de las mujeres, los pedos de las colegialas o la cultura gastronómica del sushi, tan arraigada en Japón aún siendo un asesino… Bueno, el sushi no es un asesino realmente (jajaja), pero me gusta enseñar cosas distintas a la gente de fuera de Japón, cosas que serían impensables de ver en la cultura japonesa estándar.

Asiateca: Zombie Ass la protagoniza la actriz Asami. También tiene un papel en Dead Sushi y en casi todas las películas del género. ¿Ve a Asami como una especie de actriz fetiche dentro de este tipo de películas?

N. I: Hace 7 años que empecé a colaborar con Asami en la película Sukeban Boy. Es una actriz que sabe actuar en escenas de acción y violencia, pero lo que realmente valoro de ella es su faceta cómica. Me gusta colaborar con ella y verla como una actriz multidisciplinar, pero sobre todo en las actuaciones cómicas. Tiene mucho sentido del humor.

Asiateca: Asami también tenía un papel en la producción The Machine Girl que usted dirigió. Esta película fue la que puso de manifiesto el interés por el ‘splatter’ japonés fuera del país. ¿Qué tal vivió la buena acogida internacional que tuvo esta producción?

N. I: En Japón, cuando empezó a despuntar el ‘splatter action’ con The Machine Girl y otras películas, no gustó mucho al público que tuvo una reacción bastante fría. Pero, por el contrario, tuvo mucho mejor acogida entre el público extranjero y eso me sorprendió bastante porque no esperaba esta reacción tan positiva.

Asiateca: Y en esta línea, ¿qué diferencia cree que existe entre el público japonés y el occidental para que estas producciones gusten más fuera de Japón?

N. I: El público medio japonés tendía a menospreciar un poco las películas de acción o terror y asociaban el ‘splatter action’ con el terror, por eso, mucha gente directamente no quería ver estas películas. A partir de The Machine Girl este concepto ha ido cambiando poco a poco. Cuando voy a los festivales fuera de Japón la reacción que veo es que la gente disfruta de estas películas, se ríen, aplauden… En el público japonés no es normal ver esta reacción. En Japón cuando sale sangre o violencia no está bien visto reírse, porque la gente que está a tu lado pensará que estás loco. Puede que les haga gracia, pero se aguantan la risa. Digamos que es un público que no muestra tanto sus sentimientos.

Asiateca: ¿Cree que está habiendo una evolución en el público japonés y que ahora se aceptan más estas películas?

N. I: Después de The Machine Girl sí que ha habido una evolución positiva en cuanto al ‘splatter action’, pero también ha habido directores que pensaban que si simplemente salía sangre ya valía. Digamos que ha habido un aumento de interés por el ‘splatter action’ pero también han surgido películas que simplemente son grotescas y eso hace que mucha gente todavía sea reticente al género. Hay mucha gente que no ve esto como un entretenimiento, sino que si hay violencia, violencia pura y dura, no lo percibe como espectáculo.

Asiateca: Aparte del ‘splatter action’, el pasado año pudimos ver en el Festival una película suya que se salía diametralmente de este género como era Karate Robo Zaborgar. ¿Cómo surgió ese proyecto?

N. I: Una productora que vio The Machine Girl me hizo la oferta de hacer una película en torno a la figura de este héroe, eliminando las escenas de violencia y erotismo para hacerla más accesible…  Aún así (jajaja) se dice que hay muchas escenas de violencia y erotismo en la misma. Pero realmente fue un proyecto por encargo.

Asiateca: Usted empezó en el AV (Adult Video) y luego se ha movido casi siempre en el ‘splatter’, pero le hemos visto salirse últimamente del género en películas como Karate Robo Zaborgar o Tomie. ¿Se siente a gusto en el género o quiere ir cambiando de registro?

N. I: Me gustaría tocar otros géneros, pero esto no quiere decir dejar el ‘splatter action’. Me gustaría ir combinando distintos proyectos: si hago algo más serio luego hacer cosas más cómicas.

Asiateca: En este tipo de películas vemos una serie de nombres que se repiten, Yoshihiro Nishimura, Tak Sakaguchi, usted mismo… Nombres que colaboran en muchos proyectos. ¿Cuál es su relación fuera del ámbito profesional, fuera del cine?

N. I: Hace 10 años Nishimura y yo trabajamos juntos en una película indie, allí nos conocimos y desde entonces hemos ido colaborando. Realmente hace 10 años había poca gente que podía colaborar en películas indies y teníamos una relación muy estrecha. Nishimura manejaba los focos y yo grababa, o Nishimura grababa y yo hacía otras cosas… Tenemos una buena relación de amistad. El mundo indie en Japón es muy pequeño y quieras o no vas conociendo a todo el mundo. En una cena con Yudai Yamaguchi conocí a Tak Sakaguchi y desde entonces hemos ido trabajando juntos también. Sakaguchi y yo íbamos a cenar y a beber y hablábamos de temas eróticos y cosas así; yo conocía más esta faceta suya que la propiamente de trabajo antes de empezar a colaborar más juntos.

Asiateca: La productora Nikkatsu creó el sello de Sushi Typhoon con la idea de crear una imagen de marca en torno a este tipo de producciones. A día de hoy ese sello ha desaparecido a pesar de su corta vida: ¿qué nos podría comentar sobre esto?

N. I: La Sushi Typhoon realizó seis películas, pero como el beneficio interno dentro del propio Japón no era demasiado bueno se decidió poner fin al sello. Yo mismo tenía un encargo para Sushi Typhoon pero se paró el proyecto y se quedó en el aire. Este encargo iba a ser un ‘splatter action’ combinado con cine de samuráis, pero no fue posible llevarlo a cabo. Una pena.

Asiateca: Y hablando de nuevos proyectos: ¿cuáles son las próximas ‘locuras’ que tiene en mente?

N. I: Bueno, hay 4 ó 5 proyectos nuevos en los que estoy pensando. Uno podría ser una película de acción con héroe incluido; también hay algo relacionado con el terror, y otro que es un drama sin sangre ni asesinatos, mucho más serio. Realmente mi sueño es poner a Asami con el pelo rapado a lo Zatoichi (jajaja), iría cortando a gente con su espada y se cortaría su propia ropa cayéndosele el kimono… He hablado con Asami y dice que está dispuesta, pero aún está por ver… (jajaja).

Asiateca: A los cineasiáticos masculinos también les gustaría ver eso… (jajaja)

N. I: Realmente en Japón es muy difícil que una productora apueste por este tipo de películas, pero si hay alguien que esté dispuesto a invertir en este proyecto pues bienvenido será… (jajaja).

Bienvenido será siempre usted Iguchi ‘san’. Muchas gracias por el tiempo compartido y, seguro, hasta la próxima. Arigato.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)


10
dic

22 de Dicimebre, maratón de cine asiático en Canal+ Xtra

Hace unos días nos enterábamos que el medio digital de pago Canal+ Xtra está preparando una interesantisima programación para el día 22 de Diciembre basada en 9 de las películas asiáticas más exitosas de los últimos tiempos editadas en España. Realmente es una pena que este canal no sea “abierto” y que llegue a mucho más público, ya que de vez en cuando nos ofrecen una gran selección de cine asiático y animación que merece la pena ver. Aquí os dejo la lista de películas que componen esta maratón cine-asiática.

- CONFESSIONS (Tetsuya Nakashima, 2010)

En un instituto, el último día de clase, una profesora se despide de sus alumnos y, además de anunciarles que deja la escuela, les confiesa que su hija de cuatro años que, aparentemente, murió ahogada en la piscina de la escuela, fue en realidad asesinada por dos estudiantes de esa misma clase. También les hace saber que ya ha puesto en marcha su venganza contra ellos. (FILMAFFINITY)

- 13 ASESINOS (Takashi Miike, 2011)

El ascenso al poder del joven y sanguinario Lord Naritsugu supone una seria amenaza para la paz en el Japón feudal. Simplemente por ser el hermano del shogun, Lord Naritsugu está por encima de la ley, y asesina y viola a su antojo. Afligido por las masacres perpetradas por el sádico Naritsugu, el oficial Sir Doi se pone en contacto con el samurái Shinzaemon Shimada para que le ayude a acabar con Naritsugu. El noble samurái, indignado por la crueldad de Naritsugu, acepta de buen grado la peligrosa misión. Para ello, reúne a un selecto grupo de samuráis, entre los que se encuentra su sobrino Shinrokuro y el devoto aprendiz Hirayama, y juntos, traman una emboscada para atrapar a Lord Naritsugu no exenta de peligro. Naritsugu va escoltado por una comitiva encabezada por el letal e implacable Hanbei, uno de sus antiguos rivales. (FILMAFFINITY)

- SPACE BATTLESHIP YAMATO (Takashi Yamazaki, 2010)

“Space Battleship Yamato” nos sitúa en el año 2199, cinco años después que apareciesen unos misteriosos alienígenas llamados Gamilas y empezasen a atacar a la Tierra con meteoritos gigantes y dejar su superficie totalmente inhabitable por culpa de la radiación post-bélica. A la raza humana apenas le queda un año de vida cuando se recibe un enigmático mensaje proveniente del lejano planeta Iscandar, asegurando que poseen un artilugio capaz de eliminar la radiación de la Tierra y ofreciendo su ayuda a los humanos. Decididos a salvar el planeta, las Fuerzas de Defensa reconstruyen el acorazado espacial Yamato para poder realizar el increíble viaje que les llevará a más de 150.000 años luz de distancia en busca de un desconocido planeta que puede ser la última esperanza para la raza humana y para la Tierra. (FILMAFFINITY)

- GANTZ (Shinsuke Sato, 2010)

Kei y Masaro son arrollados por un tren. Lo próximo que ven es que están en una habitación, que no están solos y que una bola gigante que preside el espacio les invita a participar en un juego macabro. Nunca hemos visto un purgatorio así: con trajes y armas especiales, los personajes deberán enfrentarse a todo tipo de amenazas. El ganador se llevará un premio nada desdeñable: volver a la vida. (FILMAFFINITY)

- GANTZ: PERFECT ANSWER (Shinsuke Sato, 2011)

Los más de treinta tomos del manga de Hiroya Oku no podían comprimirse en una única película. Y mucho menos si se tiene en cuenta que estos dos volúmenes se han convertido en uno de los platos fuertes de la ciencia ficción nipona. Quizá por eso, el director Shinsuke Sato ha decidido dividir la historia en dos películas y dejar a los espectadores o fanáticos del cómic en ascuas hasta que no vean la adrenalítica segunda parte. En Gantz: Perfect Answer, recuperamos a Kei, bajo los designios de la bola Gantz, en plena lucha contra alienígenas y demonios. (FILMAFFINITY)

- THE YELLOW SEA (Na Hong-jin, 2010)

Frontera entre Rusia, China y Corea del Norte. Acosado por las deudas, casi en la miseria, un hombre acepta un contrato para asesinar a alguien. Es su último recurso para cubrir las necesidades de su familia. Conoce pocas cosas sobre su víctima, pero nunca hubiera imaginado que acabaría siendo engullido por un engranaje criminal. (FILMAFFINITY)

- OLD BOY (Park Chan Work, 2003)

Un hombre de negocios coreano es secuestrado y confinado durante años en una celda en la que sólo hay una televisión. Y, sin embargo, ignora por qué razón está allí… (FILMAFFINITY)

- PUSHING HANDS (Ang Lee, 1992)

Un anciano maestro de Tai Chi, ya retirado, viaja desde Taiwan hasta América para vivir con su hijo y su esposa americana. Pero la actitud de su nuera y las diferencias culturales dificultarán la convivencia. (FILMAFFINITY)

- EL EMPERADOR Y EL ASESINO (Chen Kaige, 1998)

En el siglo III antes de Cristo, el ambicioso rey de Quin, Ying Zheng, está obsesionado con la unificación de China y con convertirse en su primer emperador. Para lograr su sueño inicia un reinado de terror, guerras y brutalidad a fin de atemorizar al resto de los imperios vecinos. Tras él está la Dama de Zhao, su amante desde la infancia, que en su deseo de ayudarlo maquina una falsa conspiración de asesinato que sirva de justificación para la invasión del vecino reino de Yan, iniciando así el imperio con que sueña Ying Zheng. (FILMAFFINITY)


05
dic

Hibari Misora

Hibari Misora (29 de mayo de 1937 – 24 de junio de 1989) fue una cantante de estilo enka y actriz japonesa. Considerada en Japón como un Tesoro nacional Viviente (人間国宝 Ningen Kokuhō), título que se le dio por considerarla la mejor cantante japonesa de todos los tiempos. Hibari es una de las artistas musicales comercialmente más exitosas. Su obra cumbre Kawa no nagare no yoni (川の流れのように) ha sido representada por multitud de artistas y orquestas mundiales, siendo las mas notables las ejecutadas por Los Tres Tenores, Teresa Teng, Mariachi Vargas de Tecalitlán o la Twelve Girls Band.

Su nombre de nacimiento fue Kazue Kato (加藤和枝), nacida en Isogo-ku, Yokohama, Japón. Su padre fue Masukichi Kato (加藤増吉), pescador de profesión. Su madre fue Kimie Kato (加藤喜美枝), ama de casa. Misora mostró un gran talento musical desde su niñez. Su padre decidió apoyarla musicalmente después de oirla cantar en 1943 en una fiesta de despedida de la Segunda Guerra Mundial. Masukichi invirtió mucho dinero de los ahorros familiares para apoyar el lanzamiento de la carrera musical de su hija. En 1945, Misora debutó en una sala de conciertos en Yokohama, a la edad de ocho años, bajo el nombre de Kazue Misora (美空和枝), nombre propuesto por su madre. Un año después apareció en una emisión de NHK y consiguió impresionar con su actuación al compositor japonés Masao Koga, que la consideraba una niña prodigio con el coraje, comprensión y madurez de una adulta.

Durante los siguientes dos años, su dotación vocal y su fama recién adquirida hicieron que las localidades para sus giras de conciertos se agotaran. En 1949, con tan solo doce años de edad, comenzó con las grabaciones de sus canciones, fecha en la que cambió su nombre artístico por Hibari Misora (美空ひばり). En dicho año también participó en su primera película Nodojiman-kyo jidai (のど自慢狂時代, Tokyo Kiddo  — “Niña de Tokyo”, 1950). Su actuación en el papel de una huérfana callejera, la convirtió en un símbolo tanto del sufrimiento como del optimismo que reinaban en Japón durante el período de la posguerra. La película incluía en la banda sonora el tercer disco simple de Hibari, titulado Watashi wa machi no ko. Tras el fin de la guerra, Hibari alentó con sus canciones al pueblo japonés en medio de su desesperada situación económica, haciéndose conocida por su interpretación del enka y convirtiéndose su actividad artística en un símbolo de la reconstrucción del país. La fama creada por la película hizo que su primera grabación (también de ese mismo año) de su primer disco simple Kappa Boogie-Woogie (河童ブギウギ) para Columbia Records, se convirtiera en un gran éxito comercial, vendiendo más de 450.000 discos. Su segunda grabación fue Kanashiki kuchibue y también tuvo un éxito notable.

Como actriz, participó en más de 160 películas desde 1949 a 1971 y también intervino en la banda sonora de algunas.

Como cantante, su mayor reconocimiento es debido a su representación en el enka, género de música popular japonesa, de tinte emotivo y sentimental que surgió a comienzos del siglo XX. Misora se hizo célebre por sus representaciones en vivo y su gran capacidad expresando el sentimiento de dolor. Su canción Yawara fue la qué más éxito comercial tuvo con más de 1,8 millones en ventas.

En 1962 contrajo matrimonio con el entonces popular actor y cantante, Akira Kobayashi; pero dos años después, la pareja se divorció.

En 1973 Tetsuya Kato, el hermano de Misora, fue procesado por actividades relacionadas con bandas criminales. Aunque NHK no reconoció ninguna conexión, Misora fue excluida de Kouhaku uta gassen por primera vez en 18 años. También conocido como Kouhaku, se trata de un famoso programa musical de la televisión japonesa emitido en vísperas de Año Nuevo por la cadena nacional NHK y también por radio. Ofendida, durante muchos años rechazó cualquier oportunidad de aparecer en NHK.

En la década de los 80 diversos problemas de salud la aquejaron, y en abril de 1987, mientras viajaba a una representación en Fukuoka, Misora tuvo una pérdida de consciencia repentina. Tras llevarla rápidamente al hospital, le diagnosticaron necrosis avascular, provocada por hepatitis crónica. Fue internada en un hospital de Fukouka, y eventualmente, en agosto mostró señales de recuperación. En octubre comenzó la grabación una nueva canción (Midaregami, “Despeinada”) y en abril de 1988, Hibari llevó a cabo en Tokyo (Tokyo Dome) un recital de dimensiones colosales bajo el nombre de Concierto del Ave Fénix (Fushichō konsāto), en el cual a pesar del gran dolor que padecía en sus piernas, cantó 39 canciones.

Su mejoría fue pasajera y su hígado estaba debilitado por décadas de adicción a la bebida. El 24 de junio de 1989, después de ser internada en un hospital en Tokio, murió de pulmonía a la edad de 52 años. Al momento de su prematura muerte, ampliamente llorada a lo largo y ancho del Japón, Hibari Misora había grabado cerca de 1.200 canciones y vendido 68 millones de discos. Durante los seis meses siguientes a su fallecimiento, las ventas de sus grabaciones se multiplicaron veinticinco veces. Y un mes después de su muerte, en julio de 1989, se convirtió en la primera mujer japonesa en recibir (de manera póstuma, en este caso) el Premio de Honor Nacional (Kokumin Eiyo Shō, 国民栄誉賞) por su prolongada contribución a la industria discográfica. Póstumamente, la demanda de sus grabaciones aumentó considerablemente y en el año 2001 llevaba vendidos más de 80 millones de discos.

Desde 1990, estaciones de televisión y radio ponen su canción Kawa no nagare no yoni (川の流れのように, Como la corriente de un río) el día de su cumpleaños como muestra de respeto a su recuerdo. En un sondeo nacional por NHK en 1997, dicha canción fue votada la mejor canción japonesa de todos los tiempos votada por más de 10 millones de personas. Hibari Misora es frecuentemente recordada como aquella que, con sus canciones, confortó al Japón a través de su difícil recuperación de la devastación provocada por la derrota sufrida en la Segunda Guerra Mundial.

En 1994, abrió en Arashiyama, Kioto, el Museo de Hibari Misora. En este edificio de varios pisos se exponía material visual y objetos que representaba la historia de la vida y carrera de Misora. Además, se exponían diversas pertenencias de Misora. El museo fue visitado por más de 5 millones de visitantes hasta el cierre 30 de noviembre de 2006, fecha en la que se trasladó el material en exhibición a la sección de la era Shōwa en el Museo Edo-Tokyo (ubicado en el distrito de Sumida, en la capital japonesa). Posteriormente el nuevo Teatro de Hibari Misora abrió el 26 de abril de 2008 en donde hay disponible un CD con una canción inédita nunca antes editada.

Una de las controversias creadas a lo largo de la historia sobre Hibari fueron sus orígenes y ascendencia. No existen documentos acreditativos pero se rumorea que su ascendencia era coreana y que su familia tuvieron pasaportes coreanos en el pasado bajo otros pseudónimos. Otros ponen en duda estas afirmaciones afirmando la ascendencia japonesa.

NOTA: Esta reseña biográfica fue escrita por Jamsa25 en una retrospectiva sobre la actriz para Allzine.


03
dic

Blue Dragon Film Awards (2012)

Hace unas semanas conocíamos los ganadores de los Daejong Film Awards coreanos con “Masquerade” como gran ganadora. Hoy os acerco la lista completa de premiados de los Blue Dragon Film Awards, premios más populares organizados por el mayor grupo editorial coreano.

Mejor Película

Masquerade
The Thieves
Nameless Gangster
Unbowed
Pieta

Mejor Director

Kim Ki-Duk (Pieta)
Yun Jong-Bin ( Nameless Gangster)
Chung Ji-Young (Unbowed)
Choi Dong-Hun (The Thieves)
Choo Chang-Min (Masquerade)

Mejor Actor

Kim Yun-Seok (Punch)
Ahn Sung-Ki (Unbowed)
Lee Byung-Hun (Masquerade)
Choi Min-Sik (Nameless Gangster)
Ha Jung-Woo (Nameless Gangster)

Mejor Actriz

Kong Hyo-Jin (Love Fiction)
Kim Min-Hee (Helpless)
Uhm Jung-Hwa (Dancing Queen)
Lim Soo-Jung (All About My Wife)
Jo Min-Su (Pieta)

Mejor Actor secundario

Kwak Do-Won (Nameless Gangster)
Ryoo Seung-Ryong (All About My Wife)
Ma Dong-Seok (The Neighbors)
Jang Gwang (Masquerade)
Jo Sung-Ha (Helpless)

Mejor Actriz secundaria

Kim Hae-Suk (The Thieves)
Ra Mi-Ran (Dancing Queen)
Moon Jung-Hee (Deranged)
Park Hyo-Joo (Punch)
Jang Yeong-Nam (The Neighbors)

Mejor Director Novel

Kim Joo-Ho (The Grand Heist)
Kim Hong-Sun (Traffickers)
Kim Whee (The Neighbors)
Shin A-Ga, Lee Sang-Cheol (Jesus Hospital)
Woo Sun-Ho (Over My Dead Body)

Mejor Actor Novel

Kim Sung-Kyun (Nameless Gangster)
Kim Soo-Hyun (The Thieves)
Yoo Yeon-Seok (Horror Stories)
Lee Kwang-Soo (All About My Wife)
Jo Jung-Suk (Architecture 101)

Mejor Actriz Novel

Go Ara (Papa)
Kim Ko-Eun (Eungyo)
Bae Suzy (Architecture 101)
Jung Ji-Yoon (Traffickers)
Han Ye-Ri (As One)

Mejor Guión

Heo Sung-Hye, Min Kyu-Dong (All About My Wife)
Yun Jong-Bin (Nameless Gangster)
Choi Dong-Hun, Lee Gi-Cheol (The Thieves)
Lee Yong-Ju (Architecture 101)
Hwang Jo-Yoon (Masquerade)

Mejor Fotografía

Go Rak-Sun (Nameless Gangster)
Kim Tae-Kyung (Eungyo)
Lee Tae-Yoon (Masquerade)
Jo Sang-Yoon (Architecture 101)
Choi Young-Hwan (The Thieves)

Mejor Dirección Artística

Kim Si-Yong (Eungyo)
Oh Hong-Suk (Masquerade)
Woo Seung-Mi (Architecture 101)
Jeon Kyung-Ran (All About My Wife)
Jo Hwa-Sung (Nameless Gangster)

Mejor Banda Sonora

Kim Joon-Sung, Mogeu (Masquerade)
Kim Joon-Sung, Lee Jin-Hee (All About My Wife)
Lee Ji-Soo (Architecture 101)
Jo Young-Wook (Nameless Gangster)
Hwang Sang-Joon (Dancing Queen)

Mejor Iluminación

Kim Sung-Kwan (The Thieves)
Park Se-Moon (Architecture 101)
Oh Seung-Cheul (Masquerade)
Lee Seung-Won (Nameless Gangster)
Hong Seung-Chul (Eungyo)

Premio Técnico

Kwon Yoo-Jin, Lim Seung-Hee (Masquerade)
Nam Na-Young (Masquerade)
Seo Sang-Hwa (Deranged)
Song Jong-Hee (Eungyo)
Yoo Sang-Sub, Jung Yoon-Hyeon (The Thieves)

Premio Popular

Ha Jung-woo (Nameless Gangster), Kim Soo-hyun (The Thieves), Kong Hyo-jin (Love Fiction), Bae Suzy (Architecture 101)

Premio de la audiencia a la película más popular

The Thieves


28
nov

Taipei Golden Horse Awards (2012)

Hace unos días se celebró una nueva edición de los conocidos Taipei Golden Horse, que premia lo mejor de la producción local (tanto de Taiwan como de Hong Kong). Tanto la película GF*BF de Yang Ya Che como Mistery de Lou UYe, ambas con 7 nominaciones, eran las grandes favoritas. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Beijing Blues
Mystery
Life Without Principle
Gf * Bf
The Bullet Vanishes

Mejor Director

Gao Qun Shu – Beijing Blues
Lou Ye – Mystery
Johnnie To – Life Without Principle
Yang Ya Che – Gf * Bf
Doze Niu – Love

Mejor Director novel

Yang Yi Chien, Jim Wang – Cha Cha for Twins
Fung Kai – Din Tao: Leader of the Parade
Hero Lin – Silent Code
Tsai Yueh Hsun – Black & White: The Dawn of Assault
Chang Jung Chi – Touch of the Light

Mejor Actor

Nick Cheung – Nightfall
Lau Ching Wan – Life Without Principle
Joseph Chang – Gf * Bf
Chapman To – Vulgaria
Nicholas Tse – The Viral Factor

Mejor Actriz

Bai Baihe – Love Is Not Blind
Hao Lei – Mystery
Denise Ho – Life Without Principle
Gwei Lun Mei – Gf * Bf
Sandrine Pinna – Touch of the Light

Mejor actor de soporte

Wu Gang – White Deer Plain
Chang Shu Hao – Gf * Bf
Ronald Cheng – Vulgaria
Zhuang Kai Xun – Stilt
Chapman To – Diva

Mejor actriz de soporte

Dada Chan – Vulgaria
Amber Kuo – Love
Ivy Chen Yi Han – Love
Liang Jing – Design of Death
Fan Hsiao Shuan – The Silent War

Mejor nueva actuación

Peijia Huang – Cha Cha for Twins
Guo Chun Mei – Flying Dragon, Dancing Phoenix
Zhang Zixuan – Love Is Not Blind
Qi Xi – Mystery
Eric Lin Hui Min – Starry Starry Night

Mejor Guión original

Yang Yi Chien – Cha Cha for Twins
Dai Yan, Gao Qun Shu – Beijing Blues
Mei Feng, Yu Fan, Lou Ye – Mystery
Milkyway Creative Team, Au Kin Yee, Wong King Fai – Life Without Principle
Yang Ya Che – Gf * Bf

Mejor Guión adaptado

Wang QuanAn – White Deer Plain
Bao Jingjing – Love Is Not Blind
Xu Haofeng – Arrow Arbitration
Tom Lin Shu Yu – Starry Starry Night
Guan Hu – Design of Death

Mejor fotografía

Lutz Reitemeier – White Deer Plain
Cao Dun – Love Is Not Blind
Wu Di – Beijing Blues
Jake Pollock – Gf * Bf
Song Xiao Fei – Design of Death

Mejores efectos visuales

Kent Chen, Horn Hsu – Cha Cha for Twins
Xiao Yang, Chang Song, A Law, LI Ming Hsung, LI Jin Hui – Starry Starry Night
Wook Kim, Frankie Chung, Josh Cole – Flying Swords of Dragon Gate
Frankie Chung – Black & White: The Dawn of Assault
Koan Hui, Chang Hongsong – Painted Skin: The Resurrection

Mejor dirección artística

Huo Ting Xiao – White Deer Plain
Penny Tsai – Starry Starry Night
Yee Chung Man, Lau Man Hung – Flying Swords of Dragon Gate
Lin Mu – Design of Death
Man Lim Chung – The Silent War

Mejor Maquillaje y vestuario

Fang Chi Luen, Li-Wen Hsu – Love
Stanley Cheung – The Bullet Vanishes
Lin Mu – Design of Death
Tim Yip – Tai Chi 0
Man Lim Chung – The Silent War

Mejor coreografía de acción

Xu Haofeng – Arrow Arbitration
Chin Ka Lok – Motorway
Yuen Bun, Lan Hai Han, Sun Jian Kui – Flying Swords of Dragon Gate
Cyril Raffaelli, Lee Chung Chi – Black & White: The Dawn of Assault
Sammo Hung – Tai Chi 0

Mejor banda sonora

Ding Wei, Lin Zhaoyang – Love Is Not Blind
Peyman Yazdanian, Johann Johannsson – Mystery
An Wei, Wang fan – Arrow Arbitration
Chen Chien Chi – Love
Teddy Robin, Tomy Wai – The Bullet Vanishes

Mejor canción original

“She & Me” from Cha Cha for Twins – Lyrics: Ciacia Her, Composer: Ciacia Her, Performer: Ciacia Her
“DoReMi” from Romancing in Thin Air – Lyrics: Lin Xi, Composer: Lo Tayu, Performer: Sammi Cheng
“Din Tao” from Din Tao: Leader of the Parade – Lyrics: Lui Wei Ren, Composer: Lui Wei Ren, Performer: Alan Kuo

Mejor edición

Chen Po-Wen – Money and Honey
Cheung Ka Fai – Nightfall
Yang Hongyu – Beijing Blues
Simon Jacquet – Mystery
David Richardson – Life Without Principle

Mejores efectos de sonido

Kinson Tsang, Lai Chi Hung – Nightfall
Phyllis Cheng – The Bullet Vanishes
Dong Xu – Design of Death
Frank Cheng – Black & White: The Dawn of Assault
Traithep Wongpaiboon, Nopawat Likitwong – The Silent War

Cineasta Taiwanés del año

Chen Po-Wen
Liao Su Jen
Jimmy Huang
Huang Yu-Siang

Premio a la carrera

Shih Chun


28
nov

Korean Critics Choice Awards (2012)

Finalizando noviembre nos hacemos eco de los Korean Critics Choice, premios de la crítica coreana que organiza la Korean Film Critics Society, donde este año destaca sin duda el que ha sido fenómeno internacional coreano, la nueva producción de Kim Ki-duk, “Pieta”.

Mejor Película
“Pieta”

Mejor Director
Kim Ki-duk (“Pieta”)

Mejor Actor
Ahn Sung-Ki (“Unbowed”)

Mejor Actriz
Jo Min-Su (“Pieta”)

Mejor Director Novel
Shin A-Ga, Lee Sang-Cheol (“Jesus Hospital”)

Mejor Actor Novel
Kim Sung-Kyun (“The Neighbors”)

Mejor Actriz Novel
Kim Ko-Eun (“Eungyo”)

Mejor Guión
Yun Jong-Bin (“Nameless Gangster”)

Mejor Fotografía
Choi Young-Hwan (“The Thieves”)

Premio Técnico
Oh Hong-Suk (“Masquerade”)

Mejor Banda Sonora
Lee Ji-Soo (“Architecture 101″)

Premio a la carrera
Hwang Jung-Soon


27
nov

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (VIII)

Este 2012 es nuestro año Shaw Brothers y por eso seguimos recopilando portadas y posters de películas de uno de los géneros por los que el estudio es más conocido. No todas las películas de estos recopilatorios son de la Shaw, pero nos gustan igual.

Ying Chun Ge Zhi Feng Bo (1973)
The Fate of Lee Khan
Director: King Hu
Jin mao shi wang (1973)
The Golden Lion
Director: Ho Meng-hua
Mai Fu (1973)
Ambush
Director: Ho Meng-hua
Chi ma (1973)
The Blood Brothers
Director: Chang Cheh
Dao bing fun (1973)
Call To Arms
Director: San Kong
Dong kai ji (1975)
All Men Are Brothers
Director: Chang Cheh


Chung lieh t’u (1975)
The Valiant Ones
Director: King Hu
Liu xing hu die jian (1976)
Killer clans
Director: Chor Yuen


23
nov

Sitges Film Festival 2012 – Crónica del cine asiático visto en Sitges (VI)

Sexta entrega de nuestro repaso asiático por todo lo que dio de sí el pasado Festival Internacional de Cinema Fantastic de Catalunya, Cinema Sitges 2012. Hoy quiero centrarme en la parte más extrema y local del festival, la maratón del Japan Madness, con splatter comedia, ¿terror?, y animación, y la maratón 100 años de la Nikkatsu, que nos ofrecía 2 pinkus de la vieja escuela.

Dead Sushi

Japón, 2012.
Director: Noburo Iguchi
Interpretes: Rina takeda, Shigeru Matsuzaki, Kentaro Shimazu, Takashi Nishina, Asami
Duración: 91 min

Hoy llegamos a la Japan Madness, la maratón de género de obligado visionado para todos los aficionados a lo asiático que acuden a Sitges. Este año el programa era bastante heterogéneo e incluía un splatter comedia como esta Dead Sushi, una película de ¿terror? Como Sadako 3D y una esperado anime como es Gyo, que particularmente tenia muchas ganas de ver.

La primera película que pudimos disfrutar fue Dead Sushi, del director japonés Noburo Iguchi y encuadrada dentro de esa ola de splatter variado que lleva algunos años saliendo de Japón con un gran éxito en los USA y en festivales como Sitges. En este caso Iguchi sigue la línea de “RoboGeisha” y “Mutant Girl Squad” para ofrecernos un producto que es realmente divertido.

En este caso el guión se centra en la joven hija de un famoso cocinero de Sushi , la cual ha sido entrenada por este para preparar el mejor Sushi posible, pero que los avatares del destino han llevado a trabajar como simple camarera en una hospedería. A esta hospedería llegará una importante comida de empresa atraídos por su Sushi, pero también un invitado no deseado, un científico loco que ha inventado una formula que da vida al pescado y convierte el Sushi en un arma mortal.

Ya el guión es delirante, pero es que Iguchi da rienda suelta al puro entretenimiento para ofrecernos una comedia en toda regla, dentro del splatter, pero más comedia que otra cosa. Iguchi siempre ha sido de los mejores directores a la hora de afrontar proyectos de entretenimiento, ya que no suele abusar del gore y suele darle siempre a sus producciones un punto picante y mucho humor, lo cual hace que sean “suaves” comparados con otros y muy divertidos. Aquí además se incluye un punto culinario de lo más curioso, ya que el mismo director nos reconocía que quería adentrarse en la cultura del Sushi, un alimento que tiene múltiples matices en Japón, y lo hace con ricas descripciones de sus elementos y el alimento en si, que combina con desternillantes mutaciones a la hora de ponerse manos a la obra en lo que al splatter se refiere.

La estrella de la película es Rina Takeda, experta de por si en artes marciales y muy utilizada para papeles cómicos en este tipo de producciones. Su presencia ofrece esa candidez que tiene en la cara, mezclada con una desenvoltura más que digna en las escenas de acción, y es que esta película sorprende por las coreografías de acción (sobre todo en la segunda mitad de la misma), bien coreografiadas y por momentos bastante buenas. A Rina la acompañan una serie de clásicos ya de este tipo de producciones (que comparten actores habituales), entre ellas la eterna, y ya reina del splatter según muchos, Asami.

En fin, que los aficionados al género tienen aquí una película suave en gore, para otras que hemos visto, pero rica en humor, con una buena acción y una cantidad de gags y locuras relacionadas con el Sushi realmente delirantes. Cuando acabó yo me hubiera comido un par de Makis, es más ahora escribiendo esto se me ha antojado jajaja.

Sadako 3D

Japón, 2012.
Director: Tsutomu Hanabusa
Interpretes: Satomi Ishihara, Koji Seto, Yusuke Yamamoto, Ryosei Tayama
Duración: 134 min

Somos muchos los que consideramos “The Ring” de Hideo Nakata una obra maestra del cine de terror, y cuando hace unos meses veíamos las primeras imágenes de Sadako 3D no teníamos claro que esperar. Mucho más delirante y estrambótica fue la campaña viral que durante el verano promocionó la película en Japón, con una Sadako de vacaciones en la playa en las más variopintas situaciones. En este caso el director Tsutomu Hanabusa, que hasta ahora tiene en su haber tan solo comedias juveniles y televisión, se adentra en un film que solo podemos calificar de fallido, o muy fallido.

Si hay algo que no se puede hacer a la hora de sentarse a ver esta película es intentar compararla con el film de Nakata, ni siquiera con la historia del libro original de Koji Suzuki (quizás si un poco con una de sus secuelas). Aquí el origen de Sadako es nimio, vacío, como una especie de ente que crea el suicidio de un artista que se propaga a través de redes sociales, pero que realmente no tiene contenido, no tiene drama. A partir de aquí la película se construye sobre un mito, el de Sadako, no algo que se cree en pantalla, sino un mito que los espectadores conocen y que el director quiere explotar (que no explorar), sin muchas explicaciones intermedias. La película guarda algo de tensión pero los “sustos”, porque pretende ser una película de sustos, son previsibles y ejecutados de manera ordinaria, atronando con efectos de sonido y 3D, pero con ningún terror real, es más muchas veces es hasta gracioso. Además hacia el final del film la película se transforma en una monster movie, con todos los cánones de las monsters movies, algo increíble pero cierto.

Olvidaos del terror atmosférico y sicológico. Esta es una película de las que tantas hemos visto, que toman un personaje conocido y lo llevan al extremo, apelando a la complicidad del espectador. En su Japón natal el resultado les ha salido bien y la recaudación no ha estado nada mal, teniendo en cuenta el mínimo presupuesto y el dudoso acabado de la película. Por si fuera poco se está rodando ya una secuela, y no se si se harán más después, lo cual denota la apuesta de los productores por este tipo de producto.

A mi me apreció una película mala, previsible y poco afortunada. Me gusta mucho el terror pero odio las películas de sustos que te hacen saltar de la butaca más porque te han pegado tal subida de música y sonido que te has quedado sordo, que por el propio miedo. Aún así he de reconocer que no te aburres viéndola, si te dejas llevar por ella pasas el rato y listo.

Gyo

Japón, 2012
Director: Takayuki Hirao
Basada en un manga de Junji Ito.
Duración: 70 min

El trabajo de Junji Ito es de lo más curioso e interesante, y cualquiera que haya leído alguno de sus mangas o visto sus adaptaciones a anime o cine lo sabrá muy bien. De su mente han salido la saga Tomie, Uzimaki, Kakashi o esta misma Gyo, adaptación a animación de su manga de 2001. El experimentado director Takayuki Hirao ha sido el responsable de darle vida.

Kaori y sus amigas han alquilado una pequeña cabaña en Okinawa para celebrar su graduación. Allí, serán atacadas por un extraño animal que finalmente matan aplastándolo contra la pared. Para su sorpresa, descubren que se trata de un pez al que se le han injertado unas patas mecánicas. Pronto, todo Japón se verá invadido por una plaga de agresivos peces mecanizados.

Y a partir de aquí todo es de lo más extraño y curioso. No quiero contaros nada porque la gracia de esta película es ir descubriendo la propuesta de esta parte del universo de Ito. Pero todo ira evolucionando de una manera extraña e inquietante, que quizás a algunos les parezca simplemente ridícula, pero que a mi (que suelo meterme mucho en las películas que veo) me resulto un poco sobrecogedora, me imaginaba en esa situación. Y es que después de darle muchas vueltas creo la historia sigue esas reglas no escritas que tiene las cintas de Zombies clásicas, un Apocalipsis de fondo, del que no se tiene datos, y una historia humana, generalmente de un grupo de personas que intentan sobrevivir, o que intentan buscar a alguien querido. La película terminará, pero el apocalipsis seguirá estando ahí, no sabremos nada de como surgió y tampoco de como terminará, y quizás eso es lo inquietante, el querer saber más de que es lo que ha sucedido aparte de la historia principal. Esto es lo que trasmite Gyo y lo que es Gyo, al menos así lo viví yo.

Aparte de esto la animación me pareció muy correcta, entre el thriller y el drama de supervivencia destinado a adultos, con un desarrollo ágil y una atmósfera, entre inquietante y enfermiza, muy conseguida. Además su corta duración hace que no se haga nada pesada aunque no entres de lleno en la propuesta, e ir al grano se agradece.

Creo que Gyo ha de ser vista por todos los fans de Junji Ito y por los que gustan de este tipo de animes. Particularmente la vimos a las 5 de la madrugada y me intrigó tanto el “que va a pasar ahora” que el sueño no me llego a arropar en sus brazos.

La segunda maratón puramente asiática se titulaba 100 años de la Nikkatsu, y es que este 2012 se cumplía tan marcado aniversario en torno a uno de los estudios mas antiguos de Japón. En parte no deja de ser un poco triste que tan laureado aniversario se ciña a 2 películas de la sección más erótica de la compañía que ha producido chambaras, grandes exponentes de cine de acción y bélico clásico y la nueva ola de splatter punk de este nuevo siglo, pero que le vamos a hacer. Las dos seleccionadas fueron “Assault! Jack the Ripper” y “Star of David: Beauty Hunting”, que si bien de directores conocidos (la segunda es de Noribumi Suzuki) no son precisamente los mejores exponentes dentro de este género. Para completar la velada, y sin que tenga nada que ver ni con el pinku, ni con la Nikkatsu ni con Japón siquiera, se recuperaba una de las películas destacadas en el libro de cine de culto que editaba el festival este año, “Master of the Flying Guillotine”, cinta de artes marciales con Wang Yu como director y protagonista. He de reconocer que esta película no la vi en el festival, ya que me negué a ver la versión doblada al ingles por mucha pantalla grande que hubiera de por medio, pero os hablare de ella en próximas entregas.

Assault! Jack the Ripper

Japón, 1976
Director: Yasuharu Hasebe
Interpretes: Tamaki Katsura, Yutaka Hayashi, Yuri Yamashina, Natsuko Yashiro, Rei Okamoto, Naomi Oka, Runa Takamura
Duración: 71 min

Hasebe fue un director bastante encuadrado dentro del ámbito del denominado Pinky Violence, cine erótico que se mezclaba con torturas, fetichismos sexuales y asesinatos, en una combinación bastante impactante y enfermiza para la época de la que estamos hablando. Si bien es cierto que no fue un director de primerísimo orden, si que tiene algunos buenos exponentes de género, como por ejemplo este que tratamos ahora.

Recién contratada como camarera, Yuri convence a Ken, un cocinero de repostería, para que la lleve a casa. La clave para embaucarlo es prometerle que a la mañana siguiente se despertará junto a ella. Los planes son una cosa y la realidad es otra: en pleno trayecto, atropellan y matan a una chica y se dan a la fuga. Al llegar a casa, el subidón hace su efecto y Yuri no tiene mejor idea que sugerirle a Ken que repitan la noche siguiente y vuelvan a asesinar.

Y esto es lo que hay jajaja. La cinta navega entre asesinato y sexo dejándonos escenas bastante impactantes, pero perdiendo fuelle conforme avanza la cinta. Como es corta no llega a hacerse aburrida y eso es un punto positivo, pero cuando ha mostrado sus cartas solo queda ver que harán en la siguiente muerte y en eso se resume más o menos el desarrollo. Aún así es un punto interesante (para los gustosos de estas imágenes) ver algunas de esas muertes, y el final que llega a ser bien curioso. El título hace referencia Jack El Destripador, pero la única similitud clara con el mismo es el modus operandi de los asesinatos, cortando a sus víctimas de abajo hacia arriba, empezando por los órganos sexuales. A pesar de lo duras que puedan ser para muchos (en Sitges todos vamos buscando barbaridades, pero fuera de eso la película no es ni mucho menos accesible para el gran público) ciertas imágenes Hasebe da un buen equilibrio al sexo y la sangre, consiguiendo un resultado bastante equilibrado.

El problema de estas películas es que muchas veces han envejecido muy mal, y los neófitos o poco versados en este tipo de producciones solo ven lo cutre de algunas escenas, lo dudoso de las interpretaciones o lo enfermizo de la combinación de sexo y violencia. Mención aparte hay que hacer al uso de la música en esta película, un horror con o sin envejecimiento… Aún así verla en pantalla grande y en 35 milímetros fue algo que pocas veces se puede hacer y eso se agradece.

Star of David: Beauty Hunting

Japón, 1979
Director: Noribumi Suzuki
Interpretes: Yatsushiro Natsuko, Sugawara Bunta, Ogawa Asami, Hano Hiromi
Duración: 100 min

Noribumi Suzuki es un director muy conocido en el cine japonés de los 60 y 70, con producciones tan destacables como “Red Peony Gambler” (1968) y un buen número de Pinkus para la Nikkatsu. En este caso nos ofrece la que es una de las más “infames” (dice la sinopsis del Sitges) películas de este género, sobre todo por sus premisas argumentales.

Tatsuya nació fruto de una violación. Ahora, convertido en un joven y rico millonario, la maldad intrínseca de su progenitor parece haber contagiado sus genes, y se dedica a seducir mujeres para luego secuestrarlas y someterlas a todo tipo de vejaciones. Una de sus víctimas logra escapar, pero al correr en busca de ayuda se da de bruces con el padre de Tatsuya, que la devolverá al cautiverio. De esta forma, la violación se convertirá en un pasatiempo familiar.

La degeneración como estilo de vida, quizás una especie de alegoría a la diferencia de clases… pero aún hay más. El título hace referencia a la “Estrella de David” y es que el protagonista sufre un malsano fetichismo con la cultura nazi, hasta tal punto que hay una escena tremenda de él eyaculando sobre una fotografía de Hitler, increíble pero cierto. Esto lleva a que en muchos comentarios se asemeje a los judíos con el mal o la lacra social, siempre desde el punto de vista de nuestro malvado protagonista, unos derroteros bastante desconcertantes. Al contrario que en su predecesora aquí la sangre y la muerte esta mucho más suavizada y se cambia por la tortura y la depravación sexual.

El acabado técnico es muy superior a la obra de Hasebe, con planos más cuidados y un resultado con muchos más toques de autor. Aun así la música sigue siendo una cosa horrible, aunque esto es algo más común en producciones de la época. En apariencia más pretenciosa y naif, sus recovecos argumentales y su duración excesiva hace que se nos haga larga y algo pesada, pero como ya he dicho verla en pantalla grande y en 35 no deja de ser un lujo.


20
nov

Sitges Film Festival 2012 – Entrevista a Yim Pil-sun

Yim Pil-sun es el director coreano que ha estado más veces en el Festival de Sitges (siete con esta). Ya lo vimos cuando presentó Hansel & Gretel y en la interesante mesa de directores coreanos el pasado año junto con Na Hong-jin y Ryoo Seung-wan. En 2012 presentaba a Sección Oficial su último trabajo, Doomsday Book, en el que ha dirigido 2 de sus tres segmentos (el segundo lo dirigió Kim Jee-woon). Nuestros amigos de Cineasia y nosotros quisimos indagar un poco más sobre el proceso de creación de esta película, un tanto irregular, pero sí en cualquier caso sorprendente, cautivadora por momentos e irreverente a partes iguales. Charlamos con el director en el jardín del Hotel Melià y allí nos contó, con su buen humor y simpatía de siempre, algunos interesantes detalles sobre la misma.

Asiateca: ¿Como surgió la idea de hacer un omnibus? ¿Quien buscó a quién? ¿Quién iba a ser el tercer director?

Yim Pil-sun: En un inicio el director de la película The Show Must Go on, Han Jae-rim, fue quien propuso este proyecto. Él nos propuso a Kim Jee-woon y a mí que con la productora podíamos hacer este omnibus y nos pusimos a ello, solo que luego hubo problemas con la inversión, con la productora y demás, y entonces Han no pudo entrar en el proyecto. Pero Kim y yo rodamos nuestras 2 partes, la primera y la segunda, sin embargo, no podíamos estrenarla porque la película no estaba acabada. Después de 5 años los inversores dijeron que era una pena no terminarla estando ya realizadas estas 2 partes y por eso el año pasado rodamos la tercera. Como la historia trata del futuro, aunque las 2 primeras partes están rodadas hace años, no desentonaba en el conjunto, además aparecen actores conocidos y esto convenció a los distribuidores. Pero realmente el proceso fue muy duro.

Asiateca: Hablando de actores, en el primer corte aparece Ryoo Seung-beong que es uno de los actores más populares y toda una estrella en Corea. ¿Fue difícil convencerle para, uno, hacer de tipo pringao, y dos, hacer de tipo pringao y además convertirlo en zombi?

Yim Pil-sun: Esta fue la razón por la que pudimos convencer a Ryoo Seung-beong, él mismo dijo que era un personaje muy gracioso, muy divertido y quiso hacerlo desde el principio. Para describir este personaje diré que es un empollón y al mismo tiempo es muy cutre, había que buscar un vestuario adecuado, las gafas, etc., y además pienso que la cara de Ryoo pega perfectamente con un zombi, y todo esto, en verdad, le interesó bastante. Ya he comentado que para terminar la película tardamos 5 años y durante todo este tiempo Ryoo siempre ha tenido mucho cariño al personaje, cuando nos veíamos me preguntaba: “¿Cuando se estrena esta película?“. Fue un proyecto muy divertido y siempre me dice: “Si quisieras hacer una comedia tan extraña, tan divertida como ésta, yo estoy dispuesto ha hacerla“.

Asiateca: ¿Hubo algún tipo de coordinación entre los directores? Es decir: ¿cómo se iban a ordenar los cortes? ¿Quién iba a hacer cada cosa? ¿Cómo fueron estas decisiones? ¿Tiene que ver que sus dos cortos son los que tienen más humor y el de Kim Jee-woon es quizás el más existencialista o sobrio?

YPS: En un principio tanto Kim Jee-woon como yo queríamos contar historias totalmente distintas, con tonos totalmente diferentes, ya que iban a ser 3 partes, pero finalmente eso no fue así. Cuando hice la tercera parte a modo de epílogo, quisimos darle a la película un equilibrio, que no fuera todo tan diferente, que tuviera un hilo conductor. En realidad, cuando dirigí la tercera, Kim Jee-woon ya estaba en Hollywood, pero en los momentos importantes participó activamente; sobre todo me ayudó mucho en el montaje, intercambiamos impresiones y demás.

Asiateca: Hay un momento en el primer episodio de la película donde aparece un cameo del director Bong Joon-ho, ¿cómo surgió?

YPS: Todo surgió a raíz de mi participación en The Host, después de aquello pensé “me vengaré algún día”, todo empezó así. En realidad, ese personaje es una parodia, lleva un traje tradicional y actúa de manera muy curiosa. Bong me decía: “¿Este es mi personaje? ¿En serio?”. Y lo gracioso es que aún no ha visto la película. Ya me ha dicho que en su próximo proyecto me buscará algún personaje para vengarse. Vamos así, de venganza en venganza. Yo creo que, aunque no es muy buen actor, si tengo algún papel gracioso como éste, se lo volveré a dar a él (risas).

Asiateca: A raíz de este cameo podemos ver además que en sus dos episodios utiliza la televisión siempre con la intención de ridiculizar, por así decirlo, lo que aparece en ella. ¿Cuál era realmente su intención?

YPS: Creo que esto pasa en todas partes, pero Corea es una sociedad muy desarrollada de cara a Internet, es una sociedad muy comercial y yo creo que esto no es bueno, no va por buen camino, y quería criticar esta situación. La gente está pendiente de los anuncios y casi se vuelve loca con el consumismo, así que quise convertir esta situación en una comedia negra, un tipo de parodia de toda esta situación, tanto así, que creo que esta película no es del gusto de muchos periodistas.

Asiateca: La crítica social, sobre todo en el primer segmento, es muy evidente. ¿Qué nos puede contar sobre este punto?

YPS: Realmente quería hacer una crítica a la sociedad coreana en general. Creo que hoy en día a mucha gente no le gusta pensar, realmente no piensa. Tomemos como ejemplo el primer corte de la película, todo empieza desde la ignorancia de la gente, la esencia de la crítica es esa, la ignorancia y la dejadez. En la Biblia, en la historia de Sodoma y Gomorra, Dios dice que si hay al menos uno bueno de entre todos no destruiría la ciudad. Yo quería describir un poco la situación en este sentido. A lo mejor es una visión un poco cínica.

Asiateca: Sin embargo, sus finales parecen felices, en cierto modo dejan pie a la esperanza a pesar de todo. ¿Cree en un renacimiento después del Apocalipsis?

YPS: A nivel medioambiental se dice que si desapareciera el ser humano este planeta reviviría. En cierto modo es una ironía porque este mundo donde viven los humanos reviviría si desaparecieran los humanos, y yo quería seguir un poco la línea del humanismo. Creo que lo más importante del humanismo es el amor, entre mujer y hombre, entre la familia… pero en definitiva, el amor. Por ejemplo, en este mundo que hemos creado, para construir una cosa hay que destruir muchas más cosas, y mi filosofía realmente es querer a la gente que está cerca de mí. En el primer episodio el hombre y la mujer se reencuentran pero convertidos en zombis, es una visión más pesimista. Sin embargo, en el tercer episodio aunque sólo sobrevive esta familia, creo que es realmente esperanzador.

Asiateca: Para terminar, ¿qué nos puede contar de su próximo proyecto? Hemos leído algo sobre una comedia negra. ¿Piensa abandonar el género en su próxima película?

YPS: En mi próxima película permanecerá un poco la fantasía, pero, sin embargo, ya no tendrá ese componente de thriller de mis películas anteriores. Será una comedia negra que va, más o menos, de tres hombres que son un poco inútiles… No podrá venir a Sitges porque no es tan de género, pero creo que les gustaría mucho… (ja, ja, ja). Ahora voy ha hacer una película más ordinaria para poder luego seguir con otras cosas.

Gracias amigo ya Yim Pil-sun, siempre serás bienvenido a Sitges, vengas las veces que vengas.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)


19
nov

Golden Rooster & Hundred Flowers Awards (2012)

Los Golden Rooster se crearon en 1981 avalados por la China Film Association. Mientras que los Hundred Flowers Awards, también llamados Full Blossom Awards, se crearon en 1962 de la mano del Popular Cinema Magazine, suspendiéndose durante los 70 y retomándose en los 80. Ambas galas separadas se unificaron en 1992 en un “National Film Festival”, que este año se celebró a finales del mes de Septiembre. Tenía pendiente acercaros el listado de ganadores principales y aquí lo tenéis.

Mejor Película

“Love Is Not Blind”
“China 1911″
“Go Lala Go!”
“Beginning of The Great Revival”
“Aftershock”

Mejor Director

Feng Xiaogang (“Aftershock”)
Zhang Li (“China 1911″)
Tsui Hark (“Flying Swords of Dragon Gate 3D”)
Han Sanping & Huang Jianxin (“Beginning of The Great Revival” )
Teng Huatao (“Love Is Not Blind”)

Mejor Guión

Wang Xingdong & Chen Baoguang (“China 1911″)
Su Xiaowei (“Aftershock”)
Alex Law (“Echoes of The Rainbow”)
Dong Ling, Ding Ning, Cui Min, Dong Danrui, Chen Siqing, Chen Zhenghong, Hu Hnawen (“Yang Shan-zhou”)
Bao Jingjing (“Love Is Not Blind”)

Mejor Actor

Wen Zhang (“Love Is Not Blind”)
Simon Yam (“Echoes of The Rainbow”)
Chen Kun (“Flying Swords of Dragon Gate 3D”)
Li Xuejian (“Yang Shan-zhou”)
Zhao Wenxuan (“China 1911″)

Mejor Actriz

Bai Baihe (“Love Is Not Blind”)
Li Bingbing (“China 1911″)
Sandra NG (“Echoes of The Rainbow”)
Zhou Xun (“Flying Swords of Dragon Gate 3D”)
Xu Fan (“Aftershock”)

Mejor Actor Secundario

Wang Yaoqing (“Love Is Not Blind”)
Sun Chun (“China 1911″)
Li Chen (“Aftershock”)
Aarif Lee (“Echoes of The Rainbow”)
Zhang Jiayi (“Beginning of The Great Revival” )

Mejor Actriz Secundaria

Ning Jing (“China 1911″)
Zhu Yuanyuan (“Ocean Heaven”)
Zhang Jingchu (“Aftershock”)
Karen Mok (“Go Lala Go!”)
Guey Lun-mei (“Flying Swords of Dragon Gate 3D”)

Mejor Novato

Li Ai (“Go Lala Go!”)
Li Qin (“Beginning of The Great Revival” )
Zhang Zifeng (“Aftershock”)
Zhang Zixuan (“Love Is Not Blind”)
Hu Ge (“China 1911″)

Premio a la Carrera

Wang Yan Jizhou

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