10
jul

Un español en Udine – Crónica asiática del #FEFF16 (IV)

feff16

No nos hemos olvidado de nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Seguimos de forma cronológica con lo que pudimos ver el día 29 y 30 de abril, cinco compuestas por un drama legal coreano, una muy local cinta de acción hongkonesa, un drama juvenil sobre jóvenes descarriados, un drama agridulce japones sin mucha trascendencia y una confusa y en general mala película de bomberos. Adelante con ello.

The Attorney

The Attorney

YANG Woo-seok, 2013

El debut como director de Yang Woo-seok, quien también se encarga de escribir el guión, no podía haber salido mejor, y es que The Attorney es una de las películas más taquilleras del pasado año en Korea. En parte drama legal, en parte retrato histórico, en parte denuncia social, adapta de forma libre hechos reales acontecidos durante los primeros compases de la década de 1980.

El guión se centra en la figura del joven Song Woo-seok en la década de 1970. Corea del sur vive en una inestable democracia y con una continua guerra fría contra el norte, y Song, a pesar de no tener estudios, monta un negocio de representación legal de bienes raíces. Los inicios son duros, pero tras un gran esfuerzo Song termina ganado mucho dinero y teniendo una vida cómoda, aunque no olvida sus orígenes humildes. Asi llegamos a los 1980 y a la proclamación de una nueva dictadura, Song es menospreciado por sus compañeros de profesión por no tener estudios, y se enfada enormemente cuando los estudiantes salen a la calle a protestar, desperdiciando el tiempo de estudio que el no pudo tener.

En esta primera parte la película avanza entre el drama y la comedia ligera, presentando a un personaje magníficamente encarnado por Song Kang-ho, que tiene gran culpa del resultado final de la cinta. A esto se le añade ese toque de representación política e histórica de la Corea de la dictadura, recordándome (solo ligeramente y salvando muchísimo las distancias ya que son dos películas muy diferentes) a National Security, que pudimos disfrutar el pasado año en Sitges.

Pero entonces se produce la detención de unos estudiantes entre los que se encuentra un conocido de Song, y tras ver los métodos poco limpios con los que se les trata y las torturas que reciben, decide defenderlos en el polémico juicio que se debe realizar.

En esta segunda parte el drama se radicaliza y la película se acelera, explorando un tema que tristemente en la actualidad sigue vigente en muchos países, hasta donde es capaz de llegar alguien en el nombre de la seguridad nacional. Esta pregunta se encarna en el Inspector Cha, jefe de los servicios anticomunistas del régimen.

En definitiva, una película interesante, con unas premisas quizás locales pero un mensaje muy universal.

Firetorm

Firestorm

Alan YUEN, 2013

Una de las últimas películas de accińo de Hong Kong venía precedida de críticas, sobre todo en Berlin, que la calificaban como una de las mejores cintas de acción de los últimos tiempos. Para mi es una relativa decepción, una película donde la trama es una escusa y la acción lo supedita todo, pero con muchos puntos oscuros que no la hacen tan buena como debería.

El argumento general gira en torno a Lui Ming-chit, al cual da vida Andy Lau, un policía recto y de alta moral, que gusta de cumplir las normas y tiene unos principios muy definidos. En un caso se ve envuelto en un supuesto accidente provocado por unos criminales que asaltan furgones blindados, descubriendo que un antiguo compañero suyo parece estar con los malhechores, y presenciando la muerte de un civil inocente. A partir de aquí comienza una persecución infatigable por parte de Lui, que incluirá persecuciones, tiroteos, infiltrados y mucho más.

Y es que Firestorm es una película que nos traerá a la mente ese cine tan típicamente hongkonés donde el guión poco importaba y solo importaba la acción, una historia simple que es la excusa para los tiroteos, los accidentes y las explosiones. El problema aquí viene en que a veces se quiere hacer una película verosímil, con tácticas policiales, algo de realismo en los tiroteos, etc… y en otras ocasiones, muchas en realidad, se les va de las manos y la acción crece de forma incontrolada, los policías llegan de una punta de Hong Kong a otra en un instante, a Andy Lau le explota un coche en la cara (o se tira de un edificio, o le pegan 6 tiros) y se vuelve a levantar a por más prácticamente sin despeinarse… vamos que tiene aguante. Aparte hay que hacer una mención a los horribles efectos digitales utilizados en los disparos, que casi parecen rayos láser de la guerra de las galaxias, a mi me sacaron cualquier halo de realismo de encima, pero entiendo que esto es un poco personal.

En el apartado interpretativo ahí tenemos la eterno Andy Lau haciendo prácticamente de él mismo, con su pose de costumbre y una especie de malsana obsesión con la sopa (que llego a creer que es algún tipo de chiste interno que no entendí), acompañado por Hu Jun y Lam Ka-tung, peor sin nada realmente destacable en este apartado.

No hay mucho más que destacar que la acción a ratos buena a ratos loca, la película se desarrolla un poco plana y si nos dejamos llevar lo pasaremos bien, sino nos parecerá un poco regulera… hasta que lleguemos al final, una de las cosas más memorables que he visto en años… increíble, no diré nada más.

May We chat

May We Chat

Philip YUNG, 2014

Leímos en algún sitio, el catalogo del festival creo recordar, que esta película era un drama juvenil que mostraba fielmente los problemas de la juventud hongkonesa, pero nada más lejos de la realidad. Es cierto que trasmite muchos temas candentes presentes en cierta parte de la juventud más excluida y “pasota” de la excolonia británica, pero el crítico metido a director Philip Yung llena la película de sordidez y lo lleva todo un poco al extremo.

May We Chat trae al nuevo siglo una historia conocida para el público más veterano de Hong Kong, ya que tiene una relación más que circunstancial con la película de 1983 Lovely Fifteen, un drama criminal sobre jóvenes descarriados, que está presente en esta película en temática, en varios flashback con imágenes de aquella y en que dos de los jóvenes de aquella son los veteranos de esta, dándole un aire de comparación de los problemas generacionales para aquellos que han visto ambas.

El trío de jóvenes protagonistas, una sordomuda que ejerce la prostitución, otra que trabaja de chica de compañía y una niña rica que juega con las drogas, se relacionan principalmente por la aplicación móvil WeChat (que da nombre a la película), y la desaparición de esta última hace que las otras dos se decidan a buscarla. Este periplo se llena de sordidez y toca temas cuanto menos comprometidos como los jóvenes que se venden sexualmente para comprarse caprichos, la desafección de la juventud, las mafias y los coqueteos con la droga. A pesar de todo, de ese punto de vista cínico sobre la juventud actual, aún se cree en el poder de la amistad y el sacrificio, lo cual deja un halo de esperanza en el futuro.

Una puesta en escena elegante a la vez que algo oscura, de bajos fondos, para una película que al menos a mi no me dijo demasiado pero que no me aburrió en absoluto y me mantuvo interesado. No quiero terminar sin mencionar al trío protagonista, que encarna muy bien sus respectivos papeles teniendo en cuenta que han salido prácticamente de la nada.

moratorium tamako

Tamako in Moratorium

Nobuhiro YAMASHITA, 2013

Ya os comentaba en pasadas entregas que este año Udine estaba llena de comedias tanto con gracia como sin gracia, pero la cosa es que gran parte de las películas japonesas que vimos en el festival se adscribían a estas lindes, películas en las que aparentemente no sucede demasiado, un planas. Y tampoco podía faltar el consabido dramedy (que aún no me queda excesivamente claro que significa aunque entiendo que es una especie de mezcla de drama y comedia pero en un tono natural y no buscado, con historias simples y humanas, un drama agridulce que dirían algunos.) que en esta ocasión viene de la mano de Nobuhiro Yamashita, director conocido por películas como “Linda, Linda, Linda”.

Aquí no encontramos a Tamako, una joven estudiante que al graduarse en la Universidad de Tokio vuelve a su ciudad en una zona rural de Yamanashi, donde se toma una especie de año sabático (de ahí la moratoria del título) en la que lo único que hace es ayudar, y no mucho, a su padre en su pequeña tienda de artículos deportivos y vaguear todo el día. Sin más, esa es la frase, porque no es más que esto.

La película se estructura en una especie de capítulos que marcan las 4 estaciones, y que representan ciertos cambios en la actitud de Tamako y sus encuentros y relaciones durante ese tiempo. La película se desarrolla de forma natural y simple, con un acercamiento muy ligero a la comedia de situación pero desde un punto de vista muy japones, dejando que el melodrama familiar se produzca solo, sin meter elementos forzados. Un acercamiento amable y simpático, pero con un ritmo lento, aunque realmente no aburrido si conectas con esta muchacha y su vida.

En fin, una película sin mucha trascendencia, al menos para mí.

As the Light Goes Out

As the light goes out

Derek KWOK, 2013

El pasado año en Hong Kong las películas de desastres con incendios y bomberos han sido protagonistas, compitiendo esta misma que hoy tratamos y Out of Inferno de los hermanos Pang. Se ha hablado mucho de cual de las dos es mejor, o peor, y parecía que esta era la buena… pues si esta lo era, no quiero saber como es la de los Pang.

La historia comienza, como no, con un incendio en el que la dudosa actuación de los bomberos provoca que los retiren del servicio por negligencia, a todos menos a uno que llega a convertirse en alguien dentro del cuerpo. Pasados los años un triste día todo se conjuga para crear la tragedia, un grupo de jóvenes bomberos entran al cuerpo y han de apagar un incendio en una planta química, con la presión de que se observa sus movimientos por parte de una inspección. Por otro lado un colegio visita la central Nuclear que abastece Hong Kong, y entre los que se encuentra el hijo de uno de los bomberos. Y lo evidente sucede, incendio en la central y entre que unos quieren demostrar su valía y otro rescatar a su hijo… imaginaos.

Realmente la película no empieza mal, es más empieza muy bien, con buena acción y efectos digitales, un “falso” anuncio con Jackie Chan como protagonista que creo que todos queremos que se convierta en largometraje, y un desarrollo adecuado para una película de desastres. A esto hay que sumar el gran elenco actoral seleccionado, encabezado por Nicolas Tse, Shawn Yue o Simon Yam, que últimamente me encanta con sus caracterizaciones. Pero todo esto explotará y de que manera.

La historia deriva sin mucha trascendencia hasta el incendio principal, y allí todo se va al garete, la música, compuesta por el incombustible Teddy Robin que todos deberíais recordar como ese excéntrico maestro en la anterior producción de Derek Kwok, Gallants, de épica se vuelve cansina y atronadora, no pega con el conjunto y casi molesta. Los planos y el montaje hacen que no te enteres que está pasando, los actores van casi siempre tapados y no sabes quien es quien, es más solo se reconoce a Simon Yam y porque se quita la mascara. La cosa continua con unas formas de actuar inverosímiles y unas situaciones rocambolescas donde el humo parece ser el único gran enemigo. Confusa es el menor de los calificativos que se merece.

En serio, no se como alguien que ha dirigido la nombrada Gallants o Journey to the West puede dirigir esto, desaprovechar tantísimo unos actores de nivel y hacer un producto tan confuso y con tan mal resultado.


07
jul

Del Manga al Cine – Lone Wolf and Cub: Películas 2 y 3

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<— Lee la entrega anterior

En la anterior entrega hablamos sobre la primera película de la saga “Baby Cart” titulada Sword of Vengeance, y vimos como se compone de un buen numero de escenas dispares procedentes del manga con muchos personajes y tramas que navegan por la corta duración que exige una obra cinematográfica, en comparación con una novela gráfica. La segunda película de la saga, estrenada tan solo unos meses después de la primera, sigue la línea que hemos mencionado antes, tomando segmentos del manga que adapta de forma excelente en lo visual, aunque se desvía un poco de los argumentos originales en pos de la adaptación cinematográfica. Aunque pasada la presentación del drama interno y la caída de Itto Ogami, aquí la acción se maximiza en gran medida y la película es más más violenta, con más combate y momentos de exploit.

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El título de la película “Baby Cart at the River Styx” se toma directamente del tercer capítulo del manga, en el que una mujer da de mamar a Daigoro con el permiso de Ogami. Una primera apreciación es que este segmento no aparece en la película, sino que ya aparecía en Sword of Vengenace. Una vez comenzada la película el lector verá la mezcla de varias líneas argumentales presentes en el manga, algunas de ellas con varios cambios significativos. Para empezar aparecen en escena tanto Ozunu, líder del clan de ninjas Kurokawa, como Sayaka, líder de las Akashi-Yagyu, el clan de ninjas femeninas, e hija de Retsudo. En el manga Sayaka protagoniza el capítulo homónimo (Vol. 16: The Gateway into Winter, capítulo 79) en el que por orden de Retsudo, y tras la muerte de todos sus hermanos, debe utilizar su técnica de daga para matar a Ogami. En la película Sayaka y Ozunu envían ninjas a por Ogami, y tras su fracaso secuestran a Daigoro y amenazan con lanzarlo a un pozo, produciéndose un enfrentamiento directo. La otra línea argumental presente en la relacionada con los hermanos Hidari, tomada directamente de “The Flute of the Fallen Tiger” (Vol. 3), en la que los asesinos profesionales que trabajan como guardaespaldas deben proteger a un testigo que va a denunciar a su clan al Shogun y Ogami es contratado para detenerlo, y por tanto enfrentarse a ellos. A pesar de algunos cambios menores en esta trama, es interesante ver la riqueza en detalles que presenta la misma, con escenas idénticas al manga y perfectamente adaptadas en escenarios y desarrollo.

En la tercera película, titulada Babycart to Hades, es inmediatamente perceptible su referencia al manga, Ogami y Daigoro navegan en un esquife de transporte de pasajeros cuando a una joven se le cae un paquete al agua, al poco Daigoro lo pesca con un palo y todo lector reconoce la presencia del capitulo del manga “The Virgin and the Whore” (LWdC Vol. 3). Es bastante impresionante lo bien que la película sigue los elementos de esta historia, llegando a la sal en los pies cansados de la joven prostituta. Sin embargo, antes de que lleguen a la posada se entremezcla un nuevo capítulo, desarrollándose en ese camino el capítulo 46, “Wandering Samurai” (Vol. 9), en el cual un Watari-Kashi, un grupo de espadas de alquiler renegados, van en busca de trabajo a un han cercano pero su depravación los hacen asaltar unas mujeres y violarlas. En el manga se produce un duelo entre Ogami y uno de estos Watari-Kashi que aun conserva su honor y no es de la calaña del resto, y por supuesto lo mata. En la película, con el fin de reutilizar al personaje, se decide dejarlo vivir permitiendo indulgencia para con el hombre. Esto es interesante, porque parece poco probable que sucediera, pero se entiende después de ver algunas de estas películas que a veces un punto de la trama, incluso una acción probable, debe cambiar con el fin de crear una película efectiva y entretenida.

lone wolf and cub

Ya en la posada aparece Torizo, recordemos que es la jefe de los Yakuza que persiguen a la joven que ayuda Ogami, para reclamar a la chica y vengar la muerte del proxeneta Zegen. Cabe mencionar que una vez más, la dirección, el set, y el guión son increíblemente precisos con el manga original. Incluso la acción está dirigida magníficamente, y la historia se desarrolla muy bien. Sin embargo, hacia el final de “The Virgin and the Whore” Ogami corta las cabezas de un juego de muñecas tradicional, pero en la película la historia continua haciendo que Torii pida un asesinato para si misma. Aquí es donde la película se aleja de la historia del manga para no volver. Suceden algunas intrigas, la historia roba un fragmento de otra historia del manga, y, finalmente, Ogami se enfrenta a un gran ejército. Aquí es donde la película pierde un poco de credibilidad. Ogami basa en gran medida este combate en las armas de fuego. No sólo utiliza el arma en el carro, que se ha transformado en una ametralladora, sino que mata a numerosos soldados con un par de revólveres. ¡revólveres! Tal tecnología no existía entonces, y tampoco las ametralladoras, pero por supuesto las películas se basa mucho en la supresión de la incredulidad, ¿verdad? En este caso, el director realmente pide mucho al fiel lector del maga mientras ve esta película, y el uso de esta parafernalia degrada un poco el resultado final. Sin embargo, desde otra perspectiva, las armas parecen como un juego de películas del oeste americano, añadiendo un poco de tiroteos a la mezcla. Hay un montón de comparaciones entre las películas de samurais y los westerns en la historia del cine.

Lee la siguiente entrega —>


04
jul

Programación CasaAsia – Cine independiente en Filipinas II

Casa Asia presenta la segunda parte del ciclo de cine de Filipinas que abarca la filmografía del período 2010-2011. Se trata de un cine que reflexiona sobre sí mismo desde dentro y simultáneamente sobre la realidad social del escenario en el que se produce. Dando continuidad al que se denominó en los años 70 “Nuevo Cine Filipino” y que, de la mano de Lino Brocka defendía la necesidad de una industria cinematográfica propia, este ciclo pretende mostrar la apertura de cineastas de las siguientes generaciones.

Más allá de nombres como el de Ismael Bernal, Brillante Mendoza, Mike de León, Mario O’hara o incluso el prolífico Raya Martín, que rodó en Bilbao y Madrid su última película Buenas noches España, el cine filipino ha conocido un importante desarrollo en el ámbito experimental al igual que en los distintos géneros. Hay otros directores como Raúl Jorolan, Joel Lamangan, Remton Siega Zuasola, Chito Roño, Sheron R. Dayoc, Marlon N. Rivera o Alvin B. Yapan, cuya obra contribuye al reconocimiento de una identidad que reclama su lugar en la historia.

Las siete películas que forman parte de este ciclo tienen como objeto la narración de la vida cotidiana de un país, a través de diversas voces que se unen formando una especie de mosaico que nos permite conocer mejor un paisaje cultural común y la vida social de sus habitantes.

Programación

Sábado, 5 de julio de 2014 a las 20.00 h
The Red / Los zapatos rojos, Raúl Jorolan. 2010. 100’. VOSE

Sábado, 12 de julio de 2014 a las 20.00 h
Sigwa, Joel Lamangan. 2010. 109’. VOSE

Sábado, 19 de julio de 2014 a las 20.00 h
Ang Damgo Ni Eleuteria / El sueño de Eleuteria, Remton Siega Zuasola. 2010. 90’. VOSE

Sábado, 26 de julio de 2014 a las 20.00 h
Emir, Chito Roño. 2010. 138’. VOSE

Sábado, 13 de septiembre de 2014 a las 20.00 h
Halaw / El alma del mar, Sheron R. Dayoc. 2010. 78’. VOSE

Sábado, 20 de septiembre de 2014 a las 20.00 h
Ang Babae Sa Septic Tank / The Woman in the Septic Tank, Marlon N. Rivera. 2011. 88’. VOSE

Sábado, 27 de septiembre de 2014 a las 20.00 h
Ang Sayaw Ng Dalawang Kaliwang Paa / El baile de dos pies izquierdos, Alvin B. Yapan. 2011 100’. VOSE

Cinemes Girona 
c/ Girona, 175
Barcelona

Entrada individual: 2,5 euros
Entrada reducida: 1 euro


01
jul

Sitges Film Festival 2014 – Presentación del Festival

Esta misma mañana Ángel Sala ha realizado en Barcelona la rueda de prensa de presentación de la 47ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. En la nota de prensa oficial que encontrareis a continuación se resumen algunas claves de todo lo que dará de si el festival este año y, como ya es tradicional, en los próximos días y semanas os iremos desgranando lo más asiático de la programación.

cartel sitges 2014

El director, productor y guionista alemán Roland Emmerich, gran representante del cine de acción y catástrofes y también autor de títulos tan populares como Independence Day, Godzilla, 2012, Stargate, Anonymous, El día de mañana, Asalto al poder o Soldado universal, recibirá el Gran Premio Honorífico del Festival en su próxima edición, que se celebrará del 3 al 12 de octubre. Sitges 2014 también tendrá como protagonistas a directores consagrados como Jean-Luc Godard y David Cronenberg con sus últimas obras, así como la esperada presentación de Musarañas, la película de terror psicológico producida por Álex de la Iglesia.

Sitges 2014 ofrecerá Adieu au langage, el último sofisticado y sugerente trabajo de Jean-Luc Godard, el genio de la nouvelle vague, que demuestra seguir en plena forma, ahora experimentando con 3D, en una historia llena de metáforas y ladridos de perros. David Cronenberg llega a Sitges 2014 con su retrato decadente de la industria cinematográfica, Maps to the Stars, una sátira sin compasión con un reparto de lujo formado por Julianne Moore, Mia Wasikowska, Robert Pattinson y John Cusack. El cineasta belga Fabrice Du Welz, viejo conocido del Festival –que ya ganó en 2003 el Méliès de Plata por su primer largometraje, Calvaire– vuelve para presentar Alleluia, su particular visión de los tristemente famosos “asesinos de la luna de miel” de los años cuarenta en Estados Unidos. Como Du Welz, otro gran representante de la Generación Sitges es Jim Mickle (We are What We Are, Stake Land), que este año estará en Sitges con Cold in July, una sangrienta venganza, muestra del mejor cine independiente norteamericano.

Jonathan Glazer aterrizará en Sitges 2014 con la esperada Under The Skin, un drama de ciencia-ficción protagonizado por la alienígena Scarlett Johansson. El director de Birth (Sitges 2004) firma en esta ocasión una cinta visualmente poderosa con una mirada muy particular sobre la especie humana. Igual de estimulante resultará la adaptación de Dostoievski que propone Richard Ayoade con The Double, comedia negra interpretada por Jesse Eisenberg y Mia Wasikowska. La reconocida autora de cómics Marjane Satrapi estrenará The Voices, una comedia negra donde Ryan Reynolds intenta ocultar un cadáver, que la directora iraní presenta en Sitges después de su buena acogida en Sundance. Del mismo festival norteamericano llega The Guest, lo más nuevo de Adam Wingard, que se adentra en la historia de un ex soldado que desencadenará la violencia al volver de la guerra, y que ha sido comparada con Drive. Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de Livid, traen Aux yeux des vivants, otra inquietante muestra del terror francés.

Sitges se proyecta como un festival donde conviven los monstruos clásicos con sus propios alter-egos pasados por una criba más iconoclasta. Tradición fantástica y la modernidad más transgresora se unen para reinventar subgéneros inmortales como el cine de vampiros. Y este 2014 tenemos dos claros ejemplos. Por una parte, A Girl Walks Home Alone At Nigth, una maravillosa reinterpretación del mito del vampiro encarnado en una adolescente norteamericana de origen iraní, que ha triunfado en Cannes. Rodada en lengua farsi, es obra de la joven realizadora Ana Lily Amirpour y tiene a Elijah Wood como uno de sus productores. El otro ejemplo entre estas propuestas de los no-muertos es la comedia negra neozelandesa y falso documental What We Do In The Shadows, dirigida por Taika Waititi y Jemaine Clement.

El cine catalán y español tendrá un protagonismo destacado en Sitges 2014. Además de contar con [REC}4: Apocalipsis, de Jaume Balagueró, como película inaugural, y con La distancia, de Sergi Caballero, el Festival estrenará Musarañas, una cinta de terror psicológico ambientada en la post-guerra que recupera el fantástico y el gótico clásico ibérico. Es la primera cinta financiada por la nueva productora de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, Pokeepsie Films, y está dirigida por Juanfer Andrés y Esteban Roel. La protagonizan muchas caras conocidas como Macarena Gómez, Carolina Bang, Luis Tosar o Hugo Silva.

Como es habitual, el Festival exhibirá una buena muestra del mejor cine asiático, con una serie de títulos muy esperados por los más fieles seguidores del género. Desde Hong Kong (con la inestimable colaboración de Hong Kong Economic and Trade Affairs Office) llegan That Demon Within, de Dante Lam; The Midnigth After, de Fruit Chan, y Aberdeen, de Pang Ho-Cheung. Corea del Sur aportará las cintas A Hard Day, de Kim Seong-hun; Mad, Sad & Bad, de Avie Luthra, y el último film de Kim Ki-duk, One on One, que narra la persecución del asesino de una niña. De Japón llega la última película de Takashi Miike (Gran Premio Honorífico en Sitges 2013): The Mole Song: Undercover Agent Reiji, la historia de un oficial de policía infiltrado en una banda de mafiosos. Con acento japonés también estarán R100, de Hitoshi Matsumoto, la adaptación en acción real del famoso manga Lupin the 3rd, dirigida por Ryuhei Kitamura y distribuida en el Estado español por Mediatres Estudio, y la muy controvertida The Torture Club de Kota Yoshida.

La nueva sección Blood Window, orientada hacia el cine fantástico latinoamericano, incluirá el último trabajo de Adrián García Bogliano, Late Phases, donde un veterano de la guerra tendrá que luchar, en su última batalla, contra un hombre lobo. El argentino Martín Desalvo presentará El día trajo la oscuridad, sobre el terror que provoca un brote de rabia en un pueblo pequeño, y el uruguayo Gustavo Hernández llega con Un dios local, un film arriesgado y de espíritu experimental.

Por otro lado, Brigadoon presenta en esta edición una programación en la que destaca Bombshell Bloodbath, un título dirigido por Brett Mullen e influenciado por películas de zombies italianas como Nueva York bajo el terror zombie o La invasión de los zombies atómicos. Por su parte, los productores ejecutivos de The Ring presentan Dark Awakening, thriller sobrenatural dirigido por el especialista en maquillaje Dean Jones.

Los documentales también tendrán una notable presencia en Brigadoon: Vicente Aranda. 50 años de cine, de los hermanos Francisco y Javier Prada, repasa la carrera del realizador catalán. Por otra parte, Eurocine 33 Champs Elysées, de Christophe Bier, es un trabajo centrado en la mítica productora francesa Eurocine, factoría muy vinculada a la obra de los cineastas Jesús Franco y Jean Rollin. Brigadoon también ofrecerá un ciclo de películas en homenaje al actor Craig Hill, que falleció el pasado mes de abril. En esta edición, el Premio Nosferatu recaerá en la actriz María Kosty, dedicada a la profesión desde finales de los sesenta y con una gran presencia en el cine fantástico y de terror español de los setenta.

El Phonetastic Sitges Mobile Film Festival celebra este año la segunda edición como escaparate de la producción audiovisual rodada en tabletas y smartphones. Su página web (www.phonetasticfestival.com) es la vía de recepción de trabajos llegados desde todo el mundo. Las series televisivas de género volvierán a tener una presencia destacada en el Festival, con espacio, programación y sección propia. Serial Sitges.

Premio Cine365Film
El Festival incorpora este año un nuevo premio: Cine365Film, que distinguirá a los realizadores que tengan seleccionado un corto en el Festival con la financiación de recursos para el rodaje de un film de género fantástico. El premio nace del acuerdo entre el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, la productora Apaches Entertainment y CINE365.

El nuevo premio Cine365Film tiene un carácter transversal y optarán a él todos los directores del Estado español que participen con un cortometraje en las secciones Oficial, Brigadoon, Phonetastic y SGAE Nova AutorIa de Sitges 2014. El ganador recibirá 10.000 euros y podrá rodar una película que se incluirá en la programación de la 48ª edición del Festival, el próximo 2015. El premio se fallará durante la 47ª edición Festival.

Este premio sitúa Sitges como el primer festival del mundo que incorpora un reconocimiento de esta envergadura, que permite estimular la producción de género fantástico y, al mismo tiempo, premiar a los realizadores emergentes.

Venta de entradas
La venta de entradas para la 47ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se realiza únicamente a través de la página web del Festival. El 18 de julio es la fecha en que se pondrán a la venta el Abono VIP, el Abono Auditori, el Abono Matineé, el Abono 10, el Abono 20 y las Maratones del último día. También el 18 de julio se abrirá el periodo para solicitar acreditaciones, tanto de profesionales como de prensa.

Apoyo a la 47ª edición
El Festival agradece el compromiso de las entidades y empresas que han vuelto a renovar su colaboración: Gas Natural fenosa (Patrocinador principal), Moritz y Torres (Patrocinadores), Meliá Sitges (Patrocinador y sede oficial), Movistar TV (Socio multimedia), Deluxe (Colaborador), El Periódico de Catalunya (Diario oficial), TV3 (Televisión oficial), Autolica – Mercedes Benz (Vehículo oficial), Lufthansa (Línea aérea oficial) y Bacardí (Cóctel oficial).

Sitges 2014 recibe, también, la ayuda del Ajuntament de Sitges, del Institut Català de les Empreses Culturals del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Visuales del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, así como de la Diputació de Barcelona y de la Fundación SGAE.


27
jun

Del Manga al Cine – Lone Wolf and Cub: Sword of Vengeance

lone wolf and cub

En esta serie de artículos no se pretende hacer un análisis exhaustivo ni del manga ni de las películas relacionadas con el Lobo Solitario, sino más bien hacer un pequeño estudio de la adaptación del manga al cine, de como Ogami y Daigoro pasan del papel a la gran pantalla. Si no habéis leído el manga o visto las películas es recomendable que no leáis estas líneas. Estos textos se basan en sendos artículos publicados por Tim Ervin-Gore, traducidos y adaptados para el fin de estos textos.

Cuando Lone Wolf and Cub arrasó Japón con su ola de sangre en tinta negra, una serie de películas y programa televisivos nacieron alrededor de esta marea. Mientras que el manga original era indiscutiblemente una obra maestra, no todas sus adaptaciones mantienen la esencia de este. Solo dos años después del inicio de su publicación, vio la luz la primera de las películas de las seis películas de la serie conocida como “Baby Cart”. Estas adaptaciones eran la flor y nata de la cosecha Lone Wolf, con guiones del creador original Kozuo Koike, brillante dirección de Kenji Misumi, una coherente acción de la mano de Tomisaburo Wakayama como Itto Ogami y el joven Akihiro Tomikawa bien caracterizado como Daigoro. Sorprendentemente, las seis películas de la serie fueron producidos dentro de un plazo de cinco años. Los guiones de Kojima, principalmente un corta/pega de elementos y escenas importantes pertenecientes al manga, forma un universo condensado del Japón de Ogami. Visualmente el manga se traduce fácilmente al ojo del director, debido al estilo cinematográfico que ya usara Goseki Kojma en su creación original. Lone Wolf and Cub se lee como una película, con marcos de repetición, un tempo elegante y enmarcado en composiciones y patrones similares.

Aunque los mangas y películas comparten muchas similitudes estéticas, es difícil adaptar con éxito un cómic a la gran pantalla, ya que por lo general implica recortes significativos y el cambio de la trama para adaptarse a la corta capacidad de atención de los espectadores, que esperan ver una historia completa dentro de como mucho dos horas. Por el contrario, los lectores de manga a menudo desean largas narraciones para justificar el precio de cada tomo (o al menos deberían). Dicho esto no hay duda de que en las adaptaciones cinematográficas de la serie “Baby Cart” se enfrentaban a un gran problema debido a su extenso tamaño, pero resultaron ser bastante buenas. Esto es así al menos en la parte del manga que llegó a adaptarse en esta serie. Pero sin duda, los propios films valen por sí mismos y alimentan al espectador con una buena dosis de drama, honor, belleza y una profusa dosis de sangre.

Lone Wolf and Cub

La primera de esta serie de películas, llamada internacionalmente “Sword of Vengeance” (aunque su título literal más parecido sería “Son for Hire, Sword for Hire” (“Hijo de Alquiler, Espada del Alquiler”)), comienza de forma muy respetuosa con el manga, con el Seppuku del joven señor de la historia “The White Path Between the Rivers”. Ya desde le principio el lector del manga se dará cuenta lo bien adaptado que queda este segmento a la experiencia cinematográfica. Los escenarios están cuidadosamente recreados, el ritmo y la emoción se ajusta al texto original, y muchos de los personajes son representados fielmente. Sin embargo, un sirviente del joven señor, no Ogami como en la historia original, le da instrucciones con cierta ternura sobre como colocar el cuchillo en su vientre. Con una pequeña modificación, se pierde la yuxtaposición irónica de la ternura y la violencia, que es fundamental para el personaje de Ogami. El tema general del conflicto de Itto, con toda la gente que respetaba cuestionando su camino e intentando destruirlo, es central en el manga. Esta aparentemente pequeña supresión afecta a la percepción del espectador. Ogami viene a ser más como un siervo despiadado de un malvado maestro. Este sentimiento continúa durante toda la película con un Tomisaburo Wakayama, dando vida a un Ogami desaliñado y estoico que recorre los caminos del Japón feudal. En un corto período de narración contextual, el shogunato toma el centro del escenario para convertirse en la malvada organización con Retsudo Yagyu a la cabeza. Luego, en consonancia con el estilo narrativo de Koike, la historia se corta hasta la actualidad, como Ogami y Daigoro vagando juntos por el campo, empujando una excelente reconstrucción del “Baby Cart” original, con armas de asta camufladas y la bandera con el lema “son for hire, sword for hire”. El paisaje rural es cautivador, la música se mueve emocionalmente, y un samurái terriblemente duro con su querido hijo recorren el exuberante paisaje. Koike se permite incluir una escena en la que Daigoro bebe del pecho de una mujer desconocida, pero en la película esto se reduce a una mujer loca en la calle. Por alguna razón, que el pecho pertenezca a una hermana de lucha de un clan Yakuza (“Baby Cart on the River Styx,” Vol. I) hace que esta escena tenga más resonancia en el manga. Aún así esta es una buen señal dentro de la anteriormente nombrada ternura de Itto y su conflicto interno, y es agradable que se incluyera en la película. El ritmo de la cinta es contemplativo, tal vez demasiado para un público occidental, pero los fans de Lone Wolf and Cub y su modo de andar sombrío seguro que aprecian estas áreas de descanso. Este ritmo lento muestra respeto por el tiempo, y los combates con espada esparcidos por la película parecen más urgentes en comparación.

Lone wolf and cub

Al igual que el cómic, la historia parpadea periódicamente, pero las únicas pistas sobre el cambio parecen ser los trajes y los escenarios. Para alguien que no haya leído el manga esto podría resultar confuso, pareciendo que Ogami lleva una doble vida en vez de estos saltos temporales. Esto se debe en parte a otro cambio con respecto a la historia original. En la parte de la película que abarcaría la historia “The White Path Between the Rivers”, Daigoro es un bebé cuando su madre es asesinada por los Ura-Yagyu. Aunque es comprensible que un director acelere la edad de Daigoro para cerrar esta brecha temporal, se necesita más tiempo para hacer percibir este efecto retrospectivo. Afortunadamente esto es fácil de pasar por alto. El resto de este corte en la película esta magníficamente adaptado y bien narrado. Las campanas de sacerdote de los ninja Yagyu tienen un a fuerza a aterradora, las escenas se suceden con precisión y el duelo en el río es increíble, como si esa escena fuese la inspiración para el arte de Kojima en el manga.

Técnicamente la película es magnífica. La atmósfera es espaciosa y tensa, y los movimientos de cámara se prestan generosamente al tono de la historia. Las peleas con espada son breves y violentas, con litros de sangre salpicando en todas direcciones, una apropiada adaptación de los intensos storyboards de Kojima. El derramamiento de sangre es abundante y alguno de los efectos especiales notables (por ejemplo, en una escena un hombre se separa lentamente en dos tras un golpe de espada del Ogami de Wakayama). En cierto modo, los efectos sangrientos distraen de la falta de habilidad con la espada de algunos actores, y es que es muy complicado que todos los actores de todas estas películas manejaran la espada o la lanza con la gracia idealizada de las coreografías de Kojima. Después de ver una buena cantidad de películas marciales de Hong Kong, quizás uno quede algo desilusionado con las coreografías de “Sword of Vengeance”. Otra rareza observable se produce en la banda sonora de la película. En algunas escenas que tienen lugar durante una gran tormenta, el sonido disminuye cuando el diálogo hace una pausa, como si sólo lloviese cuando alguien está hablando. Esto probablemente se hizo para reducir el ruido en general, pero la atenuación es muy dramática y viene a dar un halo absurdo y antinatural.

Como parte de la trama de esta película, Ogami es contratado para infiltrarse en una banda de ronin y matar a un señor corrupto. En este punto, la historia de “Wings to the Bird, Fangs to the Beast” (Vol. 1)” converge perfectamente con la trama general. Una vez más la película se ajusta perfectamente al arte de Kojima: el set del pueblo de las termas es exquisito, el pueblo prisionero de la banda los rufianes están perfectamente ataviados y actúan en algunas partes como si estuvieran leyendo el propio manga; la escena del desafío del sexo público se deja intacta, y deja al director varias oportunidades para enseñar los pechos de la mujer. Y, seremos francos, además del envoltorio de honor, habilidad marcial, humanidad y corrupción, Lone Wolf and Cub también utiliza grandes cantidades de violencia y sensualidad para mantener el interés en la historia, y la película utiliza estos mismos elementos para entretener y enganchar.

lone wolf and cub manga

En cierto modo, las imágenes en movimiento pueden ir sacando nuevos elementos y ángulos, y ofrecer un mayor atractivo a una historia existente. Cuando se hace bien -en lo referente a mangas adaptados al cine (y viceversa)- el resultado puede ser excelente. Por desgracia, a menudo un medio no puede permitirse el lujo de adaptarse plenamente al otro, pero la serie “Baby Cart” es un buen ejemplo de como hacer las cosas bien – bueno, al menos hasta ahora. Esta es sólo la primera película de una serie de seis películas, y hay cinco más para ver. Pero ya que las películas se hicieron en un corto período de tiempo, hay muchas probabilidades de que compartan similares cualidades de producción. En cualquier caso el lector del manga de Lone Wolf and Cub deberá estar encantado con Sword of Vengeance y como adapta el manga original.

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