30
may

Rentaro Mikuni

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Rentaro Mikuni, cuyo nombre verdadero es Masao Sato, fue un reconocido actor japonés nacido el 20 de enero de 1923 en la Prefectura de Gunma, Japón.

Mikuni nació de una relación que mantuvo su madre mientras trabajaba como doncella. Posteriormente su madre se casó con un electricista de clase baja que fue el modelo patriarcal de Mikuni. Su padrastro era burakumin, clase social más baja y discriminada de Japón, por lo que Rentaro no era bien considerado en su entorno social. El actor tuvo una adolescencia rebelde, pese a los consejos de su familia de asistir al colegio, el joven prefería saltarse las clases para deambular por las calles de Tokyo, siendo tónica habitual que la policía tuviera que devolverlo constantemente a casa.

A los dieciséis años, Mikuni se escapó de casa y estuvo hasta los veinte años subsistiendo con trabajos precarios mientras recorría parte de la geografía de Japón y Corea, por entonces bajo control japonés. A los veinte años, Mikuni fue reclamado por la fuerzas militares japonesas, pero el joven no tenía el más mínimo empeño de cumplir con su deber nacional e intentó esconderse. Tras ser delatado por su madre, Mikuni fue arrestado y enviado con el ejército a China. Como castigo se le hizo formar parte de una unidad de soldados considerados como poco aptos, y nunca tuvo la ocasión de disparar contra el enemigo.

De vuelta a Japón siguió alternando trabajos precarios hasta que un día un cazatalentos le pidió que hiciera una prueba de cámara para un futuro rodaje. Mikuni, que no tenía intención alguna de convertirse en actor, aceptó sólo a cambio de unos vales de comida. El resultado de su primera actuación no podría haber sido más favorable. Su primera película sería con el director Keisuke Kinoshita en The Good Fairy (1951), actuación que le llevaría a ganar el Blue Ribbon Awards como mejor actor novel. Rentaro Mikuni es precisamente el nombre artístico que el actor acogió en honor a esta primera actuación, en la que el personaje que encarna tiene éste mismo nombre.

La década de los 50 fue la más productiva participando como actor en alrededor de 60 producciones diferentes. Década tras década, Mikuni fue bajando su ritmo de trabajo y alternando sus actuaciones en la gran pantalla con series de televisión.

Después de 52 años de carrera en activo, y con unas 180 películas como actor, ha conseguido un total de veinte premios y ocho nominaciones. También ha dirigido en dos ocasiones, siendo su segunda y última dirección (Shinran: Path to Purity, 1987) la más recordada por haber sido nominada a la palma de oro y llevarse el premio del jurado en el Festival de Cannes.

Dos años después de su última actuación en Chronicle of My Mother (Masato Harada, 2011), Mikuni murió el día 14 de abril de 2013 por insuficiencia cardíaca aguda.

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PREMIOS Y NOMINACIONES

1952 Blue Ribbon Awards: Ganador del premio “mejor actor novel” por Inochi uruwashi (1951), The Good Fairy (1951) e Inazuma soshi (1951).
1961 Blue Ribbon Awards: Ganador del premio “mejor actor” por Oinaru tabiji (1960).
1962 Mainichi Film Concours: Ganador del premio “mejor actor de reparto” por Hadakakko (1961) y The Catch (1961).
1966 Kinema Junpo Awards: Ganador del premio “mejor actor” por A Fugitive from the Past (1965).
1966 Mainichi Film Concours: Ganador del premio “mejor actor” por A Fugitive from the Past (1965) y The Burglar Story (1965).
1975 Mainichi Film Concours: Ganador del premio “mejor actor” por Ranru no hata (1974).
1978 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor de reparto” por Mount Hakkoda (1977) y Sweet Revenge (1977).
1979 Hochi Film Awards: Ganador del premio a “mejor actor de reparto” por Vengeance is Mine (1979).
1980 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor de reparto” por Vengeance is Mine (1979).
1980 Kinema Junpo Awards: Ganador del premio “mejor actor de reparto” por Vengeance is Mine (1979).
1980 Blue Ribbon Awards:  Ganador del premio “mejor actor de reparto” por Vengeance is Mine (1979).
1987 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor” por A Promise (1986).
1987 Festival de Cannes: Ganador del “premio del jurado” por Shinran: Path to Purity (1987).
1987 Festival de Cannes: Nominado con la “palma de oro” por Shinran: Path to Purity (1987).
1989 Hochi Film Awards: Ganador del premio a “mejor actor” por Rikyu (1989) y Free and Easy 2 (1989).
1990 Awards of the Japanese Academy: Ganador del premio “mejor actor” por Rikyu (1989) y Free and Easy (1988).
1990 Kinema Junpo Awards: Ganador del premio “mejor actor” por Rikyu (1989).
1990 Blue Ribbon Awards: Ganador del premio “mejor actor” por Rikyu (1989).
1990 Mainichi Film Concours:   Ganador del premio “mejor actor” por Rikyu (1989) y Free and Easy (1988).
1991 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor de reparto” por Free and Easy 2 (1989) y Free and Easy 3 (1990).
1991 Nikkan Sports Film Awards: Ganador del premio “mejor actor” por My Sons (1991).
1992 Awards of the Japanese Academy: Ganador del premio “mejor actor” por My Sons (1991) y Free and Easy 4 (1991).
1992 Kinema Junpo Awards: Ganador del premio “mejor actor” por My Sons (1991).
1994 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor” por The Last Dance (1993) y Free and Easy 6 (1993).
1995 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor de reparto” por Free and Easy 7 (1994).
1996 Awards of the Japanese Academy: Ganador del premio a “mejor actor” por Mitabi no kaikyô (1995).
2002 Awards of the Japanese Academy: Nominado al premio “mejor actor de reparto” por A Single Drop of Water in a Mighty River (2001).
2010 Awards of the Japanese Academy: Ganador del “premio especial” por la saga Free and Easy (Tsuribaka nisshi).

NOTA: Esta reseña biográfica fue escrita por Jamsa25 en una retrospectiva sobre el actor para Allzine.


27
may

Linda Lin Dai

love without endAl igual que gran parte de la que sería su audiencia y la industria en la que trabajaría, Linda Lin Dai, hija de un prominente político de Guilin, fue una persona desplazada. Dejando China en 1948 cuando los comunistas comenzaron a proliferar a través de la nación, su familia se estableció en Hong Kong. Educada y privilegiada (como muchos de los chinos ricos que trajeron consigo un considerable capital), Linda Lin Dai divide su tiempo entre actuar en películas en idioma mandarín para las majors de Hong Kong y sus estudios en la Universidad de Columbia en Nueva York. En Nuerva York conoció a su futuro marido, Long Shenxun, el hijo de un ex gobernador provincial / “señor de la guerra”, otra persona despla zada no tolerada en la República Popular. Incluso antes de la Guerra Fría, estas conexiones americanas crearon relaciones ideológicas, económicas y socio-culturales entre los chinos de determinada clase social y posición política.

A pesar de que trabajó para varios estudios diferentes, Linda Lin Dai está estrechamente relacionada con la Shaw Brothers, donde se convirtió en actriz contratada en 1961. Entre finales de 1950 y comienzos de 1960, Linda representa perfectamente la visión de estudio que tenía de si misma la Shaw Brothers y de su público ideal: sofisticada, cosmopolita, elegante, erudita, moderna y definitivamente burgués, que aspira a todo. Educada en mandarín e Inglés, Linda Lin Dai podía pasar por alto el público local, que habla cantones, para llegar a una audiencia internacional china en América, Europa, Taiwán, y el Sudeste Asiático. Podía interpretar la belleza clásica china o la moderna mujer cosmopolita. Si Nancy Kwan en “The world of Suzie Wong” (1960) representa una imagen de Hollywood de Hong Kong bajo la apariencia de una prostituta china con la necesidad de un salvador de América (dispuesta a “venderse” sexualmente a un Occidente más potente), Linda sin duda llegó a una pose diferente, aunque no menos vulnerable. En la pantalla interpretaba a menudo a la heroína que se sacrifica por el bien común, y, en su vida personal, un inestable matrimonio y una enfermedad mental llevó a su muerte prematura.

Antes de su muerte en la cima de su carrera, Linda Lin Dai ayudó a cimentar la reputación de Shaw Brothers como el hogar de hermosas estrellas femeninas, elegantes trajes y conjuntos, color suntuoso y espectaculares panorámicas. Melodramas, comedias musicales, ópera tradicional y romances exhibieron estrellas femeninas para una audiencia global china que incluía amas de casa, jóvenes mujeres trabajadoras y colegialas con algún ingreso disponible, así como familias y hombres solteros. Si bien la televisión (como un electrodoméstico) había minado la audiencia de cine femenino en lugares como los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, Hong Kong, con el aumento de ingresos, inmigrantes con dinero, casas repletas de vida, y la televisión en su primeros momentos, encuentra una buena base para las narraciones más femeninas. Audiencias similares, con un número considerable de público femenino y familiar, se extendían por el mundo de habla china, y las bellezas de la Shaw como Linda Lin Dai dominaron la producción. Los hombres podrían disfrutar de su belleza y las mujeres pueden fantasear acerca de sus logros en pantalla.

Sin embargo, la fuerza está teñida de melancolía en las películas de Linda Lin Dai, así como en su vida fuera de la pantalla. Películas como “Diau Charn”, “Beyond the Great Wall”, y “The Lotus Lamp” indican como el público chino, después de décadas de sangrientas guerras civiles, revoluciones, invasiones y colonización, dio la bienvenida a una visión de su historia que unificó su audiencia y le permitió crear un “imaginario” nacional que trasciende las fronteras físicas. A pesar de que estos cuentos a menudo terminan trágicamente para las heroínas que se sacrificaron por el bien de la nación china, estas fantasías también ofrecen esperanza a las personas desplazadas por la guerra, revolución, agitación económica y malestar social. Una belleza capaz de trascender las limitaciones de tiempo histórico y el espacio físico, Linda Lin Dai podría servir como centro de atracción de todos los anhelos, arrepentimientos, dudas y deseos de sus fans chinos.

Con la Shaw Brothers, Lin Dai fue la reina. En los perfiles de jóvenes actrices de la Southern Screen, Lin Dai se menciona constantemente como un modelo a seguir, mentor, y estándar de belleza. Su nombre, que evoca la belleza femenina y la literatura clásica, era sinónimo del estudio y su creciente influencia en el mercado de China. La celebridad de Lin Dai era tan grande que en “The Fair Sex” (1961), tuvo un cameo como ella misma: la estrella de cine más grande de todas. Fue elegida también en muchas de los producciones más prestigiosas de la Shaw Brothers, tales como su primera incursión en el color, “Diau Charn” (1958), y “Les Belles” (1961). Cuando la Shaw Brothers quiso revolucionar el cine chino, se basó en Lin Dai para ser la cara de la revolución.

Les Belles

En ese momento, el cine de Hong Kong tenía algo en común con su competidor más cercano, Japón. Hong Kong y Japón tenían no solo la esperanza de atraer a una audiencia regional a sus películas centrándose en su propia etnia, sino que también querían encontrar un hueco en las pantallas de toda Asia. Al igual que Japón bajo la ocupación norteamericana y después de la ocupación la influencia de Estados Unidos, el Hong Kong colonial tomó como modelo la industria de Hollywood (otra industria de exportación con una amplia base local) y en las cada vez más populares películas al estilo de Hollywood que se están realizando en Japón. Al igual que Japón revivió el cine de samuráis una vez que las autoridades estadounidenses permitieron dramas de época, Hong Kong sacó provecho de la popularidad de las películas históricas entre el público chino mediante la producción de lujosas óperas chinas y romances Huangmei. Además, siguiendo el ejemplo de Japón, los estudios de Hong Kong comenzaron a hacer una serie de musicales en mandarín de gran éxito basados en la versión japonesa de los cánones de Hollywood.

Aunque este género estaba más asociado a los principales rivales de la Shaw, la MP y GI/ Cathay (bajo el liderazgo de Loke Wan Tho hasta su muerte en un accidente de aviación), el musical también forma parte fundamental de la producción de la Shaw Brothers durante esta época. De hecho, un director de la MP y GI, que comenzó su carrera en Shanghai, Tao Qin, dirige dos de estas producciones, “Les Belles” y “Love Parade”, protagonizadas por Peter Chen Hou y Linda Lin Dai como un pareja romántica. Tao Qin también estuvo al cargo de los más conocidos melodramas épicos de Lin Dai “Love without end” y “The blue and the black”.

Tanto “Les Belles” como “Love Parade” muestran el formidable talento de Linda Lin Dai como comediante. “Les Belles”, por ejemplo, presenta a Chen Hou y Lin Dai en una relación de amor-odio en la que el “odio” se crea a medida que trabajan juntos como parte de una compañía de teatro musical con opiniones muy diferentes sobre cómo deben hacer las cosas y el “amor” entre sí a través de una serie de cartas anónimas en las que se cortejan. “Love Parade” ofrece un argumento similar con el que Chen Hou y Lin Dai sienten aversión entre sí en un primer momento, se casan, sufren una serie de problemas durante su luna de miel y, finalmente, terminan reconciliándose. Ambas películas ofrecen espectaculares números musicales, referencias cosmopolitas a Japón, Estados Unidos y Europa, y elaborados vestuarios destinados a mostrar la belleza, la gracia y el porte de Linda Lin Dai.

Estas dos películas, en particular “Love Parade”, también presenta a Linda Lin Dai como la “moderna” mujer china. En “Love Parade”, por ejemplo, interpreta a Ye De-mei, una ginecóloga, junto a Peter Chen Hou, como Shi Ma-ge, un diseñador de moda. Las bromas entre la mujer de ciencia y el hombre de moda, muestran las comedias sobre los roles de género que aludían a los cambios en la situación profesional de las mujeres, mientras que mantiene un firme compromiso con una mirada “femenina” y la visión interna. Después del final de la dinastía Qing, la guerra contra Japón, y el éxito de la Revolución de 1949, la “nueva mujer” había llegado para quedarse en las pantallas chinas. Sin embargo, para Lin Dai / Ye De-mei eso no significaba una vida de sacrificio a la nación, sino una vida cómoda como una profesional con una casa al día, un guardarropa lujoso y un marido atractivo y talentoso.

Elegante y segura, Lin Dai toma de Mao la frase “las mujeres sostienen la mitad del cielo”. Las mujeres pueden querer trabajar, ser competentes en sus trabajos o profesiones, pero también son visuales, disfrutando sin lugar a dudas de su feminidad con trajes adornados de pieles y ropa elegante.

Tumba de Linda Lin Dai

Sin embargo, Linda Lin Dai fue también una tragedia fuera de la gran pantalla. Aunque la idea de la mujer de carrera china disfrutando de su realización profesional dentro de los límites de un romance era atractiva, el lado oscuro del sueño también encontró su camino hacia el cine con historias de amor imposible, promesas rotas, y romances cruzados. De hecho, las mismas condiciones que dieron lugar a que algunas mujeres de clase media ingresaran a las filas de la élite educada y profesional, también condujeron a otras a una tragedia personal. Mientras que el fin del feudalismo, el exilio impuesto a la familia tradicional china, y la concentración de la riqueza y el privilegio en las principales ciudades del mundo chino (por ejemplo, Hong Kong, Taipei, Singapur) permitió que algunas mujeres chinas (como Linda Lin Dai) tuvieran una buena posición, las mismas condiciones llevaron a otras mujeres (también como Linda Lin Dai) a finales trágicos. Exiliada, se mueve entre Nueva York y Hong Kong, atrapada en un matrimonio abusivo, encadenada a un marido cuyo amor se atrofia, en vez de florecer, lejos de sus raíces del continente, la depresión social, así como personal, de Linda Lin Dai era terrible. (De hecho, varios aspirantes a estrellas del celuloide mandarín durante esa época también tuvieron finales trágicos, destacando a Peter Chen Hou o Betty Loh Ti)

Con las dos partes de “Blue and the Black” (1966), Lin Dai encarnó a uno de sus personajes más memorables: una rebelde romántica en una de las baladas más sentidas del cine chino. Por desgracia, Lin Dai se suicidó antes de que la película se finalizara y la Shaw Brothers tenía que encontrar una sustituta para “esconder” este hecho en imagen, al más puro estilo “Game of Death”. Aunque las dos partes del film fueron concluidas, la película sigue estando, para los aficionados a Lin Dai, sin terminar.


21
may

Sitges Extra – Master of Flying Guillotine

MAster of Flying Guillotine

Master of Fliying Guillotine
Otros títulos: The One-Armed Boxer vs. The Flying Guillotine, The One-Armed Boxer II
País: Taiwan.
Año: 1976.
Duración: 93 mins.
Director: Jimmy Wang Yu.
Reparto: Jimmy Wang Yu, Ching Kang, Doris Lung Chun-Erh, Lung Fei, Sham Chin-Bo, Wong Wing-Sang.
Género: Artes Marciales.

Master of Flying Guillotine es una película que ha entrado directamente al imaginario del cine de culto por 2 motivos básicos, por la propia arma que se nombra en su título, una de las más curiosas que se han visto en la cinematografía de cine marcial, y por un personaje mítico dentro del cine de la época, Jimmy “Luchador Manco” Wang Yu. Pero dejadme poneros en antecedentes.

Allá por 1975 la Shaw Brothers lanza el Wuxia marcial “The Flying Guillotine”, dirigida por Ho Meng Hua y protagonizada por la estrella del momento Chen Kuen Tai (acompañado de rostros reconocibles en este tipo de películas como Ku Feng o Wai Wang). Muchas veces se cree que esta cinta que nos ocupa es la segunda parte, pero nada más lejos de la realidad. “The Flying Guillotine 2” vería la luz en 1978 tras numerosos problemas de producción y con un tono mucho menos dramático y más marcial. “Marter of Flying Guillotine” (1976) es realmente la segunda parte de “The One Armed Boxer” (“El Luchador Manco”, 1971), película dirigida, escrita y protagonizada por el mítico Jimmy Wang Yu tras dejar de mala manera el estudio Shaw Brothers (película que incluso le costaría una demanda de la Shaw por robo de ideas al utilizar el personaje del espadachín manco que había nacido en el estudio años antes con “The One Armed Swordman”).

El Luchador Manco” (1971) es una película delirante y psicotrónica, en la que un joven discípulo de un dojo se enfrenta de mala manera a un grupo de alborotadores que pertenecen a un dojo rival dirigido por un maleante que trafica con drogas. Tras salir mal parados contrataran a un variopinto grupo de asesinos de todo Asia que incluyen un luchador japones con grandes colmillos, que parece un demonio, capaz de arrancar un brazo de un solo golpe de su mano desnuda, un Yogi que es capaz de caminar sobre sus brazos y dedos, unos luchadores tailandeses e incluso uno “Lamas” que son capaces de hacerse casi invulnerables hinchándose como un globo (literalmente). “Master of Flying Guillotine” (1976), también conocida como “The One Armed Boxer vs The Flying Guillotine” y que vuelve a dirigir, escribir y protagonizar Wang Yu, continua la historia del luchador manco, esta vez convertido en maestro y muy conocido por sus hazañas pasadas. En este ambiente el dojo del águila organiza un torneo de artes marciales con luchadores de toda Asia. Aquí volveremos a ver a un Yogi al que se le alargan los brazos, un luchador tailandés y demás fauna autóctona. El maestro manco decide ir solo como espectador al torneo, hasta que aparece el maestro ciego de la guillotina voladora, que busca al luchador manco para vengarse por la muerte de sus discípulos (los lamas “hinchables” de la primera película).

Imagen de previsualización de YouTube

Este crossover toma el arma de la Guillotina Voladora y la historia de su creación que pudimos ver en la película original de 1975 y lo mezcla con el repaso de luchadores asiáticos y ese ambiente de película seria B que poseía “El Luchador Manco”, además de con la particular concepción de la acción y el entretenimiento de Wang Yu. Película que se basa en los combates, gran parte de su metraje se centra en los enfrentamientos del torneo, con unas coreografías de acción de la mano de Lau Kar-Leung y su hermano Lau Kar-Wing, sorprendentemente buenas para este tipo de productos, y un desarrollo un poco lento al principio pero trepidante hasta el final de la cinta. Como siempre el guión es una mera escusa y el simple entretenimiento marcial, con una banda sonora realmente curiosa y en ocasiones estridente, es lo que prima.

No nos engañemos, nos encontramos ante un subproducto de serie B adscrito al denominado cine de culto, disfrutable por los aficionados a este tipo de cintas extrañas, divertidas y rocambolescas. Ideal para verla con amigos prestos a pasar un buen rato de diversión.


14
may

Premios Anuales Allzine (2012)

2 0 1 2 . . . A · M Á S · N O M I N A D A S · M Á S · P R E M I A D A S

Finaliza una nueva edición de los premios Allzine en un año donde hemos podido ver a gran parte de los directores más conocidos del panorama asiático pero con películas que no se pueden considerar como las mejores de sus carreras. Un buen año de cine pero sin nada claro a priori, sin ninguna gran favorita.

Y esta aparente indecisión ha marcado estos premios, donde algunas categorías, como Mejor Película o Mejor Guión, han llegado a tener 7 nominados ante la variedad de los votos en la primera fase de los premios, y donde hemos tenido también 2 ganadores tanto en Mejor Película como en Mejor Director, con un común denominador, Johnnie To y su Life Without Principle. ¿Que pensáis vosotros? ¿Este ha sido el año de To?…

 

Life Without Principle · Himizu

Gangs of Wasseypur · Pietà · The Raid · From Up on Poppy Hill · A Simple Life

Johnnie To ( Life Without Principle) · Hong Sang-soo (In another country)

Sion Sono (Himizu)

Life Without Principle (Kin-Yee Au, Ka-kit Cheung, Ben Wong, Nai-Hoi Yau, Tin-Shing Yip)

A Ghost of a Chance (Koki Mitani) · Himizu (Sion Sono) · From Up on Poppy Hill (Hayao Miyazaki) · In Another Country (Hong Sang-soo) · Pieta (Ki-duk Kim) · The Flowers of War (Heng Liu)

Tatsuya Nakadai (Haru’s Journey)

Choi Min-sik (Nameless Gangster) · Lau Ching-Wan (Life without principle) · Shota Sometani (Himizu) · Andy Lau (A Simple Life)

Deanie Yip (A Simple Life)

Jo min-su (Pietá) · Fumi Nikaido (Himizu)

Gangs of Wasseypur

The Flowers of War · Motorway

The Flower of War

Headshot · Harakiri · Himizu · Motorway

The Flowers of War

Warriors of the rainbow · Gangs of Wasseypur · Harakiri · Nameless Gangster ·  The Silent War

The Raid: Redemption

Rurouni Kenshin · Motorway

MEJOR PELÍCULA JAPONESA

Himizu

From Up On Poppy Hill · Scabbard Samurai

MEJOR PELÍCULA COREANA

The Thieves

In Another Country · Pietà · Nameless Gangster

MEJOR PELÍCULA HONGKONESA

Life Without Principle

A Simple Life · Don’t Go Breaking My Heart

MEJOR PELÍCULA CHINA-TAIWÁN

Warriors of the Rainbow

The Flowers of War · You are the apple of my eye · The Man Behind The Courtyard House

MEJOR PELÍCULA SUDESTE ASIÁTICO

The Raid: Redemption

Headshot · Century of Birthing

MEJOR PELÍCULA INDIA

Gangs of Wasseypur

Barfi! · Don 2 · Kahaani


10
may

Nits de Cinema Oriental (Vic 2013) – Avance

Nits de Cinema Orienta 2013

Ayer mismo se presentó la décima edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic, un festival muy popular que llenará de producciones asiáticas la ciudad barcelonesa. Este festival se caracteriza por su marcada orientación al publico, con producciones muy populares inmediatas en nuestro país y proyecciones al aire libre, acompañadas de cenas locales, exposiciones y multitud de actividades. A continuación os adelantamos parte de lo que podrá disfurtarse en Vic a partir del 9 de Julio.

Avance de la Programación

El Festival Nits de cinema oriental proyectará este año más cine que nunca, con una sección oficial competitiva compuesta por 16 títulos que se disputarán el premio Gato de la Suerte, otorgado por votación popular. Complementará la programación una retrospectiva de filmes taiwaneses, matinales de cine infantil y proyecciones especiales como las Nits Grindhouse o la Nit Golfa.

La programación estará formada por algunas de las películas asiáticas más destacadas de la temporada e inéditas en las pantallas europeas o española. Destaca, además, la presencia de la creciente e interesante industria cinematográfica de Taiwán, que este año tiene una fuerte relación con el festival ya que el Ministerio de Cultura taiwanés y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España se han involucrado en el certamen y serán patrocinadores oficiales.

La programación se conocerá en próximas fechas, pro el momento se pueden confirmar nombres como:

The Last Tycoon, de Wong Jing
Wu Dang, de Patrick Leung
Lost in Thailand, de Xu Zheng
Joyful Reunion, de Tsao Jui-Yuan
Barfi!, de Anurag Basu

La película de la sesión inaugural será The Soul of Bread, de Sean Kao y Lin Chun-Yang.

Gastronomía y otras actividades

Las Nits son sobre todo cine oriental, pero también se acercan a otras formas de cultura asiática, como la gastronomía. Las cenas al aire libre de la Bassa dels Hermanos son ya toda una tradición y una manera de que las numerosas comunidades de inmigrantes asiáticos que hay en Vic participen activamente en el festival, encargándose de preparar los diferentes platos bajo la supervisión de Lim Boon Chan, el coordinador de los aspectos culinarios del certamen. Este año las Nits en la Bassa se amplían hasta cinco.

Entre les actividades que complementan esta edición, destaca la muestra que ss hará en la Biblioteca Joan Triadú de Vic durante los días del festival sobre las ilustraciones que se han creado en torno a las Nits de la mano de Xevidom. Además, el Espai ETC acogerá la exposición Sunday Sikh, en que el fotógrafo Marc Sane ha capturado con el objetivo de su cámara la celebración sij que tiene lugar los domingos en Vic.

Las otras actividades que nos acerca el festival son de lo más variado y colorista, como los vestidos de los miembros de la compañía Bollywood Diamonds. Un año más, estos bailarines estrenarán espectáculo con motivo de las Nits. Para los más pequeños habrá también la narración de un cuento tradicional taiwanés. Y para los amantes de las artes marciales, exhibiciones de taichi y taekwondo.

presentación Nits

Las Noches antes de las “Nits”

Ciclo Yasujiro Ozu - El festival dedica una retrospectiva a este destacado y admirado director japonés aprovechando que la distribuidora barcelonesa A Contracorriente Films está editando buena parte de su filmografía en Blu-ray y DVD. El ciclo se presentará el 11 de junio a las 10 de la noche en el Espai ETC en una sesión de Cineclub Vic con el filme Buenos días. El resto de películas —Nací, pero, Cuentos de Tokio y Primavera tardía— se proyectarán en la Biblioteca Joan Triadú de Vic los viernes 14, 21 y 28 de junio a las 7 de la tarde.

Ciclo Casa Asia - Las Nits también salen de Vic para darse a conocer y lo hacen en colaboración con Casa Asia, que en junio acogerá un ciclo con tres de las películas más valoradas per el público del festival en la última edición, entre ellas la ganadora, la taiwanesa Starry Starry Night.


09
may

Muerte tras la espada – Chanbara & Jidai-geki Eiga Poster (VII)

Volvemos a la carga con una nueva edición de Muerte tras la espada, nuestro recopilatorio de posters relacionados con el cine de época japones. Hoy repasamos algunas obras del conocido director Kihachi Okamoto.

Sengoku yaro (1963)
Warring Clans
Director: Kihachi Okamoto
Samurai (1965)
Samurai Assassin
Director: Kihachi Okamoto
warring clans Samurai_Assassin_1965
Dai-bosatsu tôge (1966)
Sword of Doom
Director: Kihachi Okamoto
Kiru (1968)
Kill!
Director: Kihachi Okamoto
sword_of_doom kiru
Akage (1969)
Red Lion
Director: Kihachi Okamoto
Zatôichi to Yôjinbô (1970)
Zatoichi Meets Yojimbo
Director: Kihachi Okamoto
red lion

Zatoichi_Meets_Yojimbo
Sukedachi-ya Sukeroku (2001)
Vengeance for Sale
Director: Kihachi Okamoto

Vengeance_for_Sale

07
may

Imagineindia Film Festival (2013)

ImagineIndia

La 12ª edición de Imagineindia International Film Festival (IIFF) tendrá lugar en Madrid (17 – 31 Mayo, 2013) y Barcelona (Julio 2013). El leitmotiv de esta edición del festival es “Por un mundo más justo”. Como decía el director indio Adoor Gopalakrishnan, “Nadie debe ser el mismo tras ver un filme mío. Si lo es entonces no lo ha visto”. Del mismo modo los filmes participantes en Imagineindia hacen reflexionar al público sobre los modos de vivir, las injusticias, las luchas, las clases desfavorecidas como niños, mujeres. Un total de 51 filmes serán mostrados en 3 salas: Filmoteca Española, Cineteca del Matadero, Intermediae el Matadero.

COMPETICIÓN

Nueve filmes competirán por alzarse con el “Chakra de Oro” en la presente edición. La sección arrancará en la Filmoteca Española con la proyección de B.A. Pass (primer filme indio con toque de porno) el día 17 mayo, con la presentación de Jesús Ferrero, para luego continuar con las proyecciones de los filmes Char (una historia de “tierra de nadie” entre India y Bangladesh, cuyo causante es el río que crea y destruye terrenos sin fijarse en la frontera. Así pues un año puedes ser de la India y otro de Bangladesh), I Am (Película coral compuesta por cuatro historias sobre una mujer soltera que decide quedarse embarazada usando inseminación artificial, la vuelta a casa de un hombre tras 20 años alejado de su ciudad natal, sobre un director de cine que no asume su homosexualidad y sobre un actor condenado a prisión por mantener sexo con un hombre en público), Alms for the Blind horse, The Tortoise an incarnation (Un ex-gobernador que lleva una vida normal hasta que interpreta a Gandhi en una teleserie. El papel le proporciona fama y riqueza pero a costa de su moral y su vida mental), Color of Sky, I.D.

En Intermediae el Matadero se proyectará el filme Achal, mientras que en la Cineteca del Matadero se puede ver el filme iraní Growing in the Wind.

CORTOMETRAJES

Procedentes de 8 países los cortometrajes se proyectarán en la Filmoteca y la Cineteca. Destacar los filmes procedentes de dos Escuelas nacionales de cine de la India : Satyajit Ray Film and Television Institute (Calcuta) y Film and Television Institute of India (Pune).

DOCUMENTALES

6 documentales de 3 países se proyectarán en las 3 sedes del festival. A destacar los filmes Celluloid Man, una biografía de P.K. Nair, el primer director de los archivos fílmicos de la India, Janadesh (Verdicto popular) sobre los movimientos de protesta en la India y Ceuta, douce prison, sobre los anhelos de los inmigrantes en Ceuta.

FILMES GITANOS

Representado por un único filme, Eldra (Timotht Lyn), sobre los gitanos del País de Gales. Siendo un país del norte y con una comunidad gitana no muy numerosa pero ancestral, llama la atención cómo aún mantienen vivas las leyendas y las tradiciones romaníes. El filme será presentado por el Instituto de Cultura Gitana, en la Filmoteca Española.

FILMES AUSTRALIANOS SOBRE ABORÍGENES

A través del filme Arte y Alma (dos partes), de Bridget Ikin (productora entre otros de Jane Campion o Rolf de Heer), se cuenta cómo a pesar de la represión y su casi desaparición, los originarios pobladores de Australia han sabido sobrevivir y rescatar su memoria a través de un arte lleno de sentimientos.

RETROSPECTIVA DE WALTER HEYNOWSKI Y GERHARD SCHEUMANN

El Studio H&S fue un taller de documentales políticos con sede en Berlín Oriental, entonces capital de la RDA. Sus fundadores fueron Walter Heynowski (nacido en 1927) y Gerhard Scheumann (1930 – 1998). Ambos eran miembros de la Academia de las Artes y en dos ocasiones recibieron el Premio Nacional de la RDA. Durante más de 15 años ocuparon altos cargos en la prensa, la radio y la televisión, antes de formar en 1965 un colectivo artístico junto al camarógrafo Peter Hellmich.

El estudio H&S era enormemente productivo, con 71 películas en 26 años, entre las cuales destaca el ciclo dedicado a Vietnam, con seis películas, cinco cortos y una documentación en cuatro partes. Películas como Pilotos en pijama y El testigo no fueron meras informaciones sobre la guerra de Vietnam, sino un análisis de sus métodos. Eso constituye el denominador común de las tendencias principales de las distintas películas que dan la batalla al racismo, la instigación de guerras, el chovinismo, el oscurantismo, el colonialismo y el revanchismo.

El ciclo ha sido posible gracias a la colaboración del Instituto Goethe de Madrid.

MAS INFORMACIÓN:
Web: www.imagineindia.net


03
may

VIII Semana de Cine de Hong Kong (Barcelona)

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En la octava edición de la Semana de Cine de Hong Kong en Barcelona, se presentará una selección de nueve títulos. Casa Asia, la Filmoteca de Catalunya y el Hong Kong Economic and Trade Office de Bruselas vuelven a colaborar para dar continuidad a este ciclo específico en el que se mostrará la producción cinematográfica más representativa del último cine hongkonés.

Ann Hui, Premio Casa Asia Film Week 2011, reaparece en esta edición con su último trabajo A Simple Life (2011) y un cortometraje My Way (2012), que delata su vocación por el drama y el conflicto doméstico, sin perder nunca de vista el humor. Entre otros directores, forman parte de la muestra Daniel Lee, Herman Yau, Jeff Lau y Yim Ho, a través de cuya producción cinematográfica nos aproximaremos a un cine en auge que, no obstante, aún no tiene la distribución que merece.

Programación

Miércoles, 8 de mayo – Sala Chomón

20.00 h
My Way (Ann Hui, 2012) Int.: Francis Ng, Jade Leung. Hong Kong / China. VOSE. 21’.

Tao Jie / Vida sencilla (Ann Hui, 2011) Int.: Andy Lau, Deannie Yip. Hong Kong / China. Digital. VOSE. 118’.

My way: Episodio del film colectivo Beautiful 2012, sobre un hombre que espera nerviosamente su operación de cambio de sexo. A Simple..: Desde que era adolescente, Chung Chun-Tao ha trabajado como criada para la familia de Leung. Ella ha contemplado cada aspecto de la vida de la familia. Algunos miembros de la familia de Leung han fallecido y otros han emigrado. Ahora, después de 60 años de servicio, ella cuida de Roger, que trabaja en la industria cinematográfica y es el único miembro de la familia en Hong Kong. Un día Roger viene a casa del trabajo para encontrar que Ah Tao ha sufrido un golpe. La lleva al hospital, donde ella anuncia que quiere dejar su trabajo y mudarse a una residencia de ancianos.

22.20 h

East Meets West (Jeffrey Lau, 2011) Int.: Easton Chan, Karen Mok, Ekin Cheng, Kenny Bee, Jaycee Chan, Lik-Sun Fong, Yi Huang. China-Hong Kong. VOSE. 100’

Karen Mok interpreta a un punk cínico cuyo papá es Kenny Bee, el ex-guitarrista del supergrupo de los años setenta de Hong Kong, The Wynners Bee está arruinado, reducido a interpretar a un zombi en una casa embrujada. Su segunda esposa, Crystal, consigue que un empresario financie un concierto de reencuentro de The Wynners. Karen y Kenny se dirigen a China para encontrar al resto del grupo, y allí descubren que son la reencarnación de los Siete Dragones Divinos, que se reúnen cada pocos siglos para combatir el octavo dragón, malo Yaksha. Y ahora, Yaksha es en marcha.

Sábado, 11 de mayo – Sala Laya

19.15 h
Love Lifting (Herman Yau, 2012). Int.: Chapman To, Elaine Kong. Hong Kong / China. VOSE. 92’

Li deja el campo debido a la diabetes, y se traslada a Hong Kong para empezar de cero. Vivir en una ciudad tan extraña le resulta difícil ya que ella carece de habilidades profesionales pero tiene que trabajar para afrontar sus numerosos gastos médicos. Cuando conoce a Yun, un hombre fracasado en el amor y los negocios, todo comienza a ir a la deriva.

Domingo, 12 de mayo – Sala Laya

17.00 h
B+ jing taam / El Detective 2 (Oxide Pang, 2011). Int.: Aaron Kwok, Patrick Tam, Liu Kai-chi. Hong Kong /China. VOSE. 101’

A Chan Tam, que dirige una agencia policíaca privada individual empobrecida en el Barrio chino, le pide el inspector de policía Fung Cha que le ayude a investigar el caso de Kwok-tung, que apuñaló a su esposa cuando ella descubrió su infidelidad. Después, la prostituta Cheng Mei-fan y el prestamista Chuen son encontrados muertos, con sus genitales mutilados. Chan Tam cree que los delitos han sido cometidos por la misma persona, pero no pueden encontrar ninguna prueba…

Martes, 14 de mayo – Sala Laya

18.30 h
Hong Men Yan / Venganza blanca (Daniel Lee, 2011). Int.: Leon Lai, Anthony Wong. Hong Kong / China.  VOSE. 135’

White Vengeance cuenta la historia de dos hermanos que compiten por la supremacía durante la caída de la Dinastía Qin, que gobernó China Imperial de 221 a 206 A.C. Cuando los rebeldes se levantaron, la nación cayó en el caos. Liu Bang y Xiang Yu, se hicieron líderes del ejército rebelde, y se juraron hermandad en la batalla…

Miércoles, 15 de mayo – Sala Chomón

20.00 h
Cure (Bill Yip, 2011). Int.: Eric Chiu, Siriwan Khankham. Hong Kong / China. VOSE. 93’

Una road-movie, que acompaña a dos estafadores que viajan por el país ofreciendo remedios y curas, engañando a los campesinos. Cuando en Bangkok se revela su truco, uno es asesinado y el otro emprende una huída que se convertirá en una búsqueda espiritual, que le lleva de regreso a su ciudad natal, donde el reencuentro con la paz y la naturaleza le cambian totalmente.

Viernes, 17 de mayo – Sala Chomón

19.30 h
Floating City (Yim Ho, 2012). Int.: Aaron Kwok, Charlie Yeung. Hong Kong / China. VOSE. 104’

A principios de la década de 1990, Bo Wah Chuen atrae una gran atención como ejecutivo en la Compañía Imperial de las Indias Orientales de Hong Kong, eclipsando incluso a sus superiores británicos. Sin embargo, veinte años atrás, cuando se presentó a la prueba de acceso al trabajo tuvo que suplicar “yo sé leer y escribir”. Su ascenso a la fama tiene que ver con el inminente regreso de Hong Kong a la soberanía china, pero para asombro de muchos, Bo no parece chino. Esto le llevará a descubrir sus verdaderas raíces.

Sábado, 18 de mayo – Sala Laya

16.30 h
Daai mo seut si / El gran mago (Derek Yee, 2012). Int.: Tony Leung, Zhou Xun. Hong Kong / China. VOSE.  128’

En los años posteriores a la Revolución que derrocó a la Dinastía Qing , China se dividió en feudos sostenidos por jefes militares ocupados en luchar el uno contra el otro. Un teniente, Liu Kun Shan, usó la magia para asustar a presidiarios huidos del ejército de un jefe militar. Su jefe militar, Matón de Lei, había encarcelado a una muchacha, Liu Yin, para casarse con ella… Pero un grupo de revolucionarios locales quiso secuestrar a Lei e instaurar la república. Ellos formaron un equipo con un mago, Chang Hsien, para atraer Lei a un espectáculo mágico y secuestrarle durante el espectáculo…

Inauguración y presentación del ciclo en la Filmoteca de Catalunya: miércoles, 8 de mayo de 2013, a las 19.00 h

Filmoteca de Catalunya
Plaça Salvador Seguí, 1 – 9
Barcelona

Entrada individual: 4 euros
Entrada reducida: 3 euros


02
may

International Indian Film Academy – IIFA Awards 2013 – Nominados

Hace unos días que se conocen los nominados a los premios de la Academia de Cine de la India, los IIFA 2013. Este año el IIFA Weekend se celebrará a finales de Mayo y entonces podremos conocer los ganadores de esta edición.

Mejor Película

Barfi!
English Vinglish
Gangs of Wasseypur – 1
Kahaani
Paan Singh Tomar
Talaash – The Answer Lies Within
Vicky Donor

Mejor Director

Anurag Basu – Barfi!
Anurag Kashyap – Gangs of Wasseypur – 1
Sujoy Ghosh – Kahaani
Tigmanshu Dhulia – Paan Singh Tomar
Shoojit Sircar – Vicky Donor

Mejor Actor

Hrithik Roshan – Agneepath
Ranbir Kapoor – Barfi!
Manoj Bajpayee – Gangs of Wasseypur 1
Shahrukh Khan – Jab Tak Hai Jaan
Irrfan Khan – Paan Singh Tomar
Ayushmann Khurrana – Vicky Donor

Mejor Actriz

Priyanka Chopra – Barfi!
Deepika Padukone – Cocktail
Sridevi Boney Kapoor – English Vinglish
Huma Qureshi – Gangs of Wasseypur 2
Kareena Kapoor – Heroine
Vidya Balan – Kahaani

Mejor Actor de soporte

Saurabh Shukla – Barfi!
Nawazuddin Siddiqui – Gangs of Wasseypur 1
Akshay Kumar – OMG – Oh My God
Mithun Chakraborthy – OMG – Oh My God
Nawazuddin Siddiqui – Talaash – The Answer Lies Within
Annu Kapoor – Vicky Donor

Mejor Actriz de soporte

Diana Penty – Cocktail
Reema Sen – Gangs of Wasseypur 1
Divya Dutta – Heroine
Jacqueline Fernandes – Housefull 2
Anushka Sharma – Jab Tak Hai Jaan
Dolly Ahluwalia – Vicky Donor

Mejor Actor cómico

Abhishek Bachchan – Bol Bachchan
Boman Irani – Cocktail
Chunky Pandey – Housefull 2
Paresh Rawal – OMG – Oh My God
Annu Kapoor – Vicky Donor

Mejor Villano

Rishi Kapoor – Agneepath
Sanjay Dutt – Agneepath
Tigmanshu Dhulia – Gangs of Wasseypur 1
Saswata Chatterjee – Kahaani
Bipasha Basu – Raaz 3

Mejor Música

Ajay – Atul – Agneepath
Pritam- Barfi!
Pritam – Cocktail
Sneha Khanwalkar – Gangs of Wasseypur 1
A.R. Rahman – Jab Tak Hai Jaan

Mejor Historia

Anurag Basu & Tani Basu – Barfi!
Gauri Shinde – English Vinglish
Zeishan Quadri – Gangs of Wasseypur 1
Sanjay Chouhan & Tigmanshu Dhulia – Paan Singh Tomar
Juhi Chaturvedi – Vicky Donor

Mejores Letras

Amitabh Bhattacharya – Abhi Mujh Mein Kahin (Agneepath)
Sayeed Quadri- Phir Le Aya Dil (Reprise) (Barfi!)
Swanand Kirkire – Aashiyan (Solo) & Ala Barfi (Barfi)
Gulzar – Saans (Jab Tak Hai Jaan)
Javed Akhtar – Jee Le Zaraa (Talaash – The Answer Lies Within)
Ayushmann Khurrana & Rochak Kohli – Paani Da Rang (Vicky Donor)

Mejor Playback masculino

Mika Singh – Pungi (Agent Vinod)
Sonu Nigam – Abhi Mujh Mein Kahin (Agneepath)
Ajay Gogavale – Deva Shree Ganesha (Agneepath)
Mohit Chauhan – Ala Barfi (Barfi!)
Nikhil Paul George – Main Kya Karoon & Aashiyan (Solo) (Barfi!)
Ayushmann Khurrana – Paani Da Rang (Vicky Donor)

Mejor Playback femenino

Shreya Ghoshal – Chikni Chameli (Agneepath)
Rekha Bhardwaj – Phir Le Aya Dil (Barfi!)
Shreya Ghoshal – Aashiyan(Duet) (Barfi!)
Kavita Seth – Tumhi Ho Bandhu (Cocktail)
Shalmali Kholgade – Pareshan (Ishqzaade)


29
abr

Shaw Brothers – Algunos ejemplos de cine de “terror” en la Shaw Brothers

Hace ya unos meses vio la luz Conexión Shaw Brothers, el gran proyecto de Asiateca que se estuvo gestando durante el 2012. Hoy quiero recuperar un pequeño artículo de los que allí podréis encontrar, un artículo donde James Mudge revisa muy someramente lo que fue el cine de «terror» y exploitation en la Shaw Brothers a través de algunos ejemplos de los más curiosos.

The Enchanting Shadow

Aunque el estudio de la Shaw Brothers es principalmente conocido por sus películas de artes marciales e historias de espadachines errantes, la compañía también incursionó en una amplia gama de otros géneros, como la comedia, el romance, los musicales, y quizás el más curioso de todos, el terror. De hecho, el estudio comenzó a producir películas con temas sobrenaturales incluso antes de su establecimiento a finales de 1950, y continuó haciéndolo hasta su desaparición a mediados de 1980. Como era de esperar, esta producción relacionada con el terror impulsó el desarrollo inicial del género en Hong Kong y en gran medida dominó la escena hasta la llegada de “Spooky Encounters”, intensa mezcla de cine marcial con terror con la que Sammo Hung revolucionó el género en la década de 1980. La influencia del terror de la Shaw Brothers también ha sido evidente en tiempos más recientes con películas de directores como Ho Meng Hua y Kuei Chih Hung, llenas de sórdida hechicería y grotesca magia negra, que servirían de inspiración años después para muchas producciones de temáticas similares durante el boom del cine “Categoría III” durante la década de los 1990. Esta influencia todavía puede verse hoy en día en películas tales como “Gong Tau” de Herman Yau, que cuenta con la misma atmósfera de Gran Guiñol y escandalosos choques viscerales.

Al igual que con el resto de Asia, el género del terror fue relativamente tardío en iniciarse en Hong Kong y China continental, con la mayoría de primeras películas tomando la forma de fantasías románticas entre jóvenes investigadores y solitarios espíritus femeninos extraídas en su mayoría de la famosa obra de 1679 “Liaozhai Zhiyi”, Historias extrañas, de Pu Songling. La primera experiencia de la Shaw Brothers con el género del terror sería la película “Beyond the Grave” de Tao Qin en 1954. Basada en la obra Nie Xiaoqian es más un drama con elementos sobrenaturales como ambientación. Inspirada en el mismo texto, Li Han Hsiang lanza en 1960 “Enchanting Shadow”, película que se considera generalmente el debut del estudio en el ámbito del Terror, en la que un joven recaudador de impuestos pasa la noche en un templo abandonado y se encuentra con una hermosa mujer que resulta ser un fantasma. La chispa del amor surge entre los dos, amenazada por las fuerzas mundanas y por otro lado, con la señora de la joven fantasma y un espadachín taoísta que hacen todo lo posible para frustrar cualquier romance. Aunque es poco probable que asustara a los espectadores modernos, la elegante película posee una inquietante atmósfera y tiene un diseño magnífico que da una idea del efecto que perseguía. Ciertamente fue un éxito en su tiempo, obteniendo Li una nominación a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, y generando un gran número de imitadores. La película ha llegado a ser considerada como un clásico temprano, y fue esencialmente rehecha por Ching Siu Tung y Tsui Hark en 1987 con la taquillera “A Chinese Ghost Story”, que a su vez ha inspirado multitud de secuelas y producciones similares.

El proceso de modernización fue gradual en el género de terror, aunque la próxima producción Shaw Brothers destacable, “Locket Lady Jade” en 1967, parecía salirse de esta tendencia y volver en cierto modo la vista atrás. Conservando la misma base sobre la obra Nie Xiaoqian, basada en la trama romántica de la historia original, la película aparece plagada mucho más de elementos y estilo abiertamente sobrenaturales. Estos se combinan de forma entretenida con las convenciones del género wuxia, que también estaba creciendo en popularidad en ese momento, y el director Yan Jun sin duda sabe dar mucho más ritmo a la película que el de “Enchanting Shadow”, manteniendo las cosas en movimiento a un ritmo mucho más rápido. Uno de los aspectos de la película que probablemente sorprenderán a los espectadores es el hecho de que el papel principal masculino del joven luchador fue interpretado realmente por la actriz Li Lihua, algo que puede ser un poco desconcertante para aquellos que no estén acostumbrados a las ambigüedades del género cruzado comunes en la ópera Huangmei, no obstante su interpretación es lo suficientemente hábil para no socavar la trama romántica.

black magic

Con el tiempo el estudio empezó a alejarse de los tradicionales romances espirituales y experimentar con otros formatos del género, como se ve en el misterio asesinato de la casa embrujada “Five Billion Dollar Legacy”, dirigido por el director japonés Inoue Umetsugu en 1970. Las películas de fantasmas de la época también comenzaron a mostrar una mayor determinación por asustar al público, como la pieza de época sobre venganza “The Bride from Hell” y la película del director coreano Shin Sang OkThe Ghost Lovers” (que ofreció un papel al por entonces novato Ricky Hui, quien más tarde aparecería en “Mr. Vampire” y muchos otros clásicos del terror de Hong Kong en la década de 1980), ambas muestran mayor dependencia de emociones viscerales que, si bien puede parecer más bien suaves hoy en día, se consideraron atrevidas para la época.

Una señal segura de que la Shaw Brothers había abrazado el género del terror llegó en 1974 con “La leyenda de los siete vampiros de oro”, una malograda colaboración con el estudio británico Hammer que combina los talentos artes marciales de leyendas como David Chiang y Szu Shih, junto con la estrella occidental Peter Cushing. Lamentablemente, este intento de mezclar las diferentes tradiciones vampíricas de las dos culturas con la acción kung fu resultó ser un asunto bastante caótico, y a pesar de los esfuerzos de los directores Roy Ward Baker y Chang Cheh, no pudo estar a la altura de sus anuncios promocionales “Hammer Horror! Dragon Thrills! The First Kung Fu Horror Spectacular!?”.

El género de terror en todo el mundo experimentó un gran cambio en la década de 1970 tras el lanzamiento de películas como “La noche de los muertos vivientes” y “El exorcista”, que ofrecieron cantidades nunca antes vistas de matanza sangrienta y ambiciosos efectos especiales. La Shaw Brothers se apresuro a recoger esta nueva tendencia y el estudio abandona los castos romances de fantasmas de antaño en favor de la magia negra y la brujería maligna, produciendo películas que giraban en torno a horribles maldiciones, fracasados hechizos de amor, saqueo de tumbas, y toda clase de conductas desviadas, por lo general con un perverso trasfondo sexual. Curiosamente estas películas a menudo llevaban consigo un marcado aire xenófobo, con la mayoría de los magos malvados procedentes de Tailandia y otros países del sudeste asiático, un tema que también fue visto en películas similares dentro del auge de la Categoría III. Muchas de estas películas siguen siendo impactantes incluso para los estándares de hoy en día y como era de esperar se han convertido en objetos de culto para los amantes del cine bizarro y extremo.

Uno de los directores clave de esta nueva ola de terror sórdido fue Ho Meng Hua, más conocido por sus coloridas adaptaciones para la Shaw Brothers del texto clásico “Journey to the West” en cuatro películas de finales de los 1960 “The Monkey King Goes West”, “Princess Iron Fan”, “The Cave of the Silken Web”, y “Land of Many Perfumes”. A pesar de que había pintado previamente de rojo la pantalla con producciones fantásticas de artes marciales como “Lady Hermit” en 1971 y la sangrienta “Flying Guillotine” en 1974, fue en 1975 que hizo su primera incursión en el género del terror con “Black Magic”. La película sigue a un malvado hechicero que merodea en el bosque y vende sus servicios a la población local, por lo general en forma de horribles maldiciones o poderosos hechizos de amor. Después de que una viuda rica le pague para que atrape a un apuesto joven trabajador (interpretado por la estrella de la casa Ti Lung), su esposa busca la ayuda de un mago de buen corazón para enfrentarlo. La mayoría de los impactos de la película provienen de los repugnantes ingredientes necesarios para los hechizos, los cuales incluyen delicias tan sabrosas como sangre, leche humana, piel, cabezas cortadas, y carne podrida. Añadido a las escenas de automutilación y las maldiciones que llenan a las víctimas de gusanos que se arrastran por debajo de su piel. “Black Magic 2”, también dirigida por Ho en 1976, ofrece aún más sensaciones repulsivas.

Hex hex after hex

El siguiente intento de Ho en el mundo de lo bizarro fue “Oily Maniac” ese mismo año, en el que convierte a un desgraciado joven (interpretado por el omnipresente actor de Hong Kong Danny Lee) en una criatura viscosa debido a un hechizo en Malasia. Él utiliza sus nuevos poderes para proteger a la chica que ama de sus enemigos en la única forma que sabe hacerlo, matándolos uno por uno, y en el caso de las víctimas femeninas, espiándolas previamente mientras se duchan. La película es una aventura alocada, goteando con los cambios de inmoralidad y su tono discordante, y aunque no tiene mucho sentido y cuenta con algunos efectos especiales realmente malos, se ha convertido en un firme referente para los amantes del cine Z. Lo mismo podría decirse de la siguiente obra de Ho, “The Mighty Peking Man”, el vergonzoso intento de la Shaw Brothers por hacer un remake de King Kong, que ofrece un montón de risa involuntaria, de nuevo con Danny Lee en el papel principal. Lamentablemente, a pesar de que Ho continuó haciendo películas de artes marciales para el estudio, como “Shaolin Abbot”, nunca volvió a alcanzar grandes cotas, y su última película, el retorno al generó del terror de 1992 “Evil Black Magic”, pasó casi desapercibida.

El director responsable de los más locos y extremos productos de Terror de la Shaw Brothers es indudablemente Kuei Chih Hung, quien se hizo un nombre por sí mismo en la década de 1970 con películas de crímenes violentos como “The Teahouse” y su secuela “Big Brother Cheng”, así como la increíblemente sórdida película de mujeres en prisión “Bamboo House of Dolls”. La primera película de terror de Kuei fue “Ghost Eyes” en 1974, que ofreció un guión que probablemente sea muy familiar para los fans de las películas de género modernas, a raíz de una mujer que recibe un par de lentes de contacto que le permiten ver fantasmas. Sin embargo, fue al año siguiente cuando realmente creo su propia marca con el infame clásico de la exploitation “Killer Snakes”, una pesadilla misógina y sádica en la que un joven realiza su venganza mediante una horda de serpientes amaestradas. La película es dura hasta hacer que sea un material difícil, incluso para los fans del género más curtidos. Las muchas escenas de reptiles masacrados ha hecho que, inevitablemente, haya ganado una reputación de culto permanente.

En 1980, Kuei dirigió “Hex”, la primera parte de una trilogía que gira en torno a la magia negra y la venganza. Influenciada por el clásico del terror de 1955 “Les Diaboliques” de Henri Georges Clouzot, la película nos muestra a una mujer que asesina a su cruel marido con la ayuda de una joven sirvienta, sólo para ver que su cuerpo desaparece y al parecer regresa de la tumba para vengarse. Repleta de detalles macabros, Kuei presenta “Hex” con una atmósfera y tono de comedia muy negra en lugar de impactos sangrientos, y la película es realmente escalofriante en todo momento. Sin embargo, se las arregla para colar momentos salvajes, sobre todo durante el clímax, por lo que de la película, con toda probabilidad, se recordará una escena de exorcismo desnudo con duros efectos visuales y música atronadora. Menos éxito tuvieron sus dos secuelas “Hex After Hex” y “Hex vs Witchcraft”, las cuales se centraron en risas en lugar de sustos, aparte de algunos destellos de imaginación y en una desfavorable comparación con “Spooky Encounters”, que fue lanzada en la misma época.

Kuei volvió a las andadas con la verdaderamente nauseabunda “Corpse Mania”, una película que hay que ver para creer, y que es la película más alejada del concepto de mentalmente saludable que se puede encontrar en el catalogo de la Shaw Brothers. Sin entrar en demasiados detalles gráficos, la película sigue a un asesino que tiene una atracción malsana con los cadáveres, y cuenta con suficientes gusanos y podredumbre de revolver hasta el más severo de los estómagos, tanto más sorprendente por el hecho de que es vista por Kuei como su atmósfera más conseguida como director. La película es sin duda la más espantosa jamás lanzada por el estudio y representa lo más alto, o bajo, en el cine de exploitation de mal gusto que para muchos aún no ha sido superado.

CORPSE MANIA

Sin duda Kuei quiere llegar a lo más alto con su siguiente, y última, película dentro de estas lindes, la igualmente notoria “The Boxer’s Omen”, que tiene la distinción de ser una de las películas más locas acerca de la magia negra jamás realizada. La producción fue una ambiciosa sorpresa, que se filmaría en Hong Kong, Nepal, y, por supuesto, el hogar de la magia negra en sí, Tailandia, aunque claramente la mayor parte del presupuesto se va a los salvajes efectos especiales. Aunque no es una representación de guión complejo, en la que un hombre se especializa en la brujería para tratar de vengar la muerte de su hermano, la película es básicamente una serie cortes locos, conjunto de horribles duelos mágicos, con que vuelan partes del cuerpo e ingredientes que probablemente es mejor no describir. Kuei dirige con un loquisimo estilo, lanzando la coherencia y la lógica por el retrete, y el resultado es un ejercicio divertido que se ha convertido merecidamente en una leyenda del cine Trash. Por desgracia, salvo las últimas películas de Kuie, la producción de productos de Terror de la Shaw Brothers descendió enormemente durante los 1980, con solo algunos esfuerzos destacables entre los que se incluyen la antología “Haunted Tales”, la degenerada “Seeding of a Ghost” (que rivaliza con “Corpse Mania” en contenido repugnante), y la aburrida “Siamese Twins”, que inexplicablemente se le dio una calificación de Categoría III, a pesar de que ofrece muy poco lo que podría definirse como ofensivo o emocionante en verdad.

Por desgracia estas producciones fueron pocas y llegaron muy tarde para permitir que el estudio sacara provecho de la nueva ola de terror de Hong Kong en la década de 1980. Sin embargo, su legado sigue vivo y no es difícil establecer una relación entre “Black Magic” y películas posteriores como la protagonizada por Chow Yun Fat The Seventh Curse”, con horrendas maldiciones y magia negra procedente de Tailandia, o “The Eternal Evil of Asia”, que también giraba en torno a desafortunados hombres de Hong Kong de visita a Tailandia (por las prostitutas, por supuesto) y la aparición de un malvado hechicero. La tradición sigue viva en películas como “Gong Tau” de Herman Yau (cuyo título original cantonés fue “Black Magic”) que cuenta con elementos clásicos del género, como repugnantes ingredientes para hechizos y vuelo de partes del cuerpo en la mejor tradición de “The Boxer’s Omen”. Sin embargo incluso estos modernos intentos es difícil que estén a la altura de los trabajos iniciáticos del morbo puro y duro que se gestaron en el seno de la Shaw Brothers, películas que aseguran que el nombre del estudio no solamente es marca de cuentos de espadachines y artes marciales.

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