Tadashi Imai nació el 8 de enero de 1912 en Tokio. Hijo de un sacerdote, muy pronto se rebeló contra la autoridad y ya en su juventud desarrolló un fuerte rechazo hacia la religión, la cultura y estructura social tradicionales, además de a las instituciones. En esa época, la era del Imperio japonés, una visión del mundo disconforme con la política conservadora imperante venía a constituir un crimen capital. Él mismo, cuando era estudiante en la Universidad Imperial de Tokio a comienzos de la década de 1930, se implico con diversas organizaciones de izquierdas y estuvo encarcelado dos veces por participar en protestas políticas.
En 1934, Imai comenzó a escribir guiones como vía para expresar sus fuertes creencias y, tras un breve periodo, convirtió uno de ellos en el largometraje The Numazu Military Academy (Numazu Heigakkô), estrenado en 1939, un retrato mordaz aunque amateur de uno de los más prestigiosos campos de entrenamiento militar de Japón que supuso además su debut como director de cine.
A pesar de sus opiniones políticas de izquierdas, Imai se convirtió en un firme partidario del poder imperial japonés durante la Segunda Guerra Mundial. Sus películas estrenadas durante ese período eran poco más que propaganda de guerra en apoyo del régimen del emperador Hirohito. Sin embargo, después de la guerra, el director volvió gradualmente a hacer películas de actualidad que mostraban una inclinación marxista cada vez más abierta, calificando este periodo anterior como “el mayor error de mi vida“.
Sus producciones inmediatas de posguerra, pocas de las cuales obtuvieron una audiencia internacional destacable, incluyeron thrillers políticos como Enemy of the People (1946), con el que ganó el premio a mejor director en la primera edición de los Mainichi Film Awards; War and Peace (1947), protagonizada por Ryo Ikebe y que nos muestra a un hombre que ha cambiado radicalmente su ideología tras pasar por los horrores de la guerra y como vive este cambio la familia que lo creía muerto; y Blue Mountains (1949), drama con fuerte presencia femenina estrenado en dos partes que adapta una novela de Yojiro Ishizaka y que contaba con el protagonismo de la eterna Setsuko Hara, que ese año gano varios premiosa mejor actriz.
Mientras que la mayoría de los directores japoneses realizaban dramas históricos seguros y no controvertidos o comedias ligeras y cintas románticas contemporáneas, Tadashi Imai se aventuraba continuamente en el territorio socialmente volátil durante los largos años de recuperación de Japón tras perder la guerra. Su Until We Meet Again, historia de amor entre dos familias antagónicas en el marco de la Segunda Guerra Mundial estrenada en 1950, ganó el premio a mejor director en la primera edición de los Blue Robbon Awards. a esta la siguieron obras como Dokkoi Ikiteru (1950), retrato de Japón cinco años después del fin de la guerra que contó con la participación de miembros del partido comunista y se realizó de forma totalmente independiente; y Tower of Lilies (1953), crudo relato de estudiantes femeninas obligadas a ayudar como enfermeras y cuidadoras a las tropas militares durante la etapa final de la Batalla de Okinawa, con trágicas consecuencias. Por esta última producción también recibió el premio a mejor director en los Blue Ribbon, y más que vendrían en el futuro.
Las películas de Tadashi Imai se inspiraron a veces en las obras de escritores contemporáneos que intentaban romper el malestar social y cultural de la posguerra en Japón. An Inlet of Muddy Water (1953) es una película con tres segmentos basada en los cuentos de Ichiyo Higuchi. Aquí el director lanza una penetrante mirada sobre las dificultades que enfrentan tres jóvenes mujeres a comienzos de la era Meiji: una muestra los abusos de un matrimonio concertado y quiere separarse de su marido; otra es una prostituta frustrada en sus esfuerzos por conseguir un empleo respetable y encontrar el amor; y otra es una joven sirvienta cuyos empleadores hacen que su vida sea un infierno.
A mediados de la década de 1950, el director produce Mahiru No Ankoku, que ganó cierta repercusión internacional, sobre todo en Estados Unidos, bajo el título Darkness at Noon. Thriller criminal y drama judicial, la película trata sobre un joven solitario que confiesa el espantoso asesinato de un matrimonio mayor y luego señala a dos hombres como cómplices. Sus casos pasan por el sistema legal y todos son declarados culpables antes de que se conozca la verdad completa sobre el asesinato.
Poco a poco Tadashi Imai se había ido ganando la reputación de ser un cineasta que defendía a las clases trabajadoras. Su película de 1957, The Rice People es un buen ejemplo de este enfoque y se convirtió en una proyección controvertida pero igualmente aclamada en el Festival de Cine de Cannes. En esta producción, un grupo de agricultores intentan defenderse de los burócratas del gobierno y los intereses corporativos que los acosan. Un grupo de jóvenes rebeldes se niega a seguir a sus antepasados como cultivadores de arroz, y en cambio se gana la vida pescando y robando a otros agricultores.
El director mantiene su ritmo de producción hacia finales de la década de 1950. The Story of a Pure Love (1957) y The Adulteress (1958) abordaron los problemas cruzados de las relaciones románticas y las convenciones sociales. Estrenada en 1957, The Story of a Pure Love fue un gran éxito en el Festival de Cine de Berlín de 1958 retratando a una pareja joven que lucha contra una sociedad que obstaculiza su amor. La película describe sus vidas como ladrones, trabajadores serviles a los que se les paga poco, marginados de la sociedad y, por supuesto, amantes. Además hace un especial inciso en el sistema de reformatorios japonés, además de en la enfermedad de la chica que va empeorando día a día. En The Adulteress, Ambientada en el Japón del siglo XVIII, una mujer casada tiene una aventura con un joven músico y la ley feudal japonesa exige que ambos delincuentes paguen con sus vidas. Sin embargo, el marido de la mujer, que acepta su negligencia para con ella, se culpa a sí mismo por la extravío de su esposa e intenta frustrar la ley que exige la pena capital.
En 1959 Imai estrenó Kiku To Isamu, película sobre dos niños pobres sujetos a prejuicios y discriminación porque sus padres eran soldados estadounidenses negros apostados en Japón como parte de la ocupación de posguerra. Siguiendo su estilo de denuncia social, el director es implacable en su descripción del racismo japonés.
Durante la década de 1960 continuaría su amplio examen de la sociedad y la cultura japonesa. En 1963 estrena la que quizás es su obra más conocida en occidente, Bushido Zankoku Monogatari, conocida como Cruel Tale of Bushido o Bushido, Samurai Saga, que ganó el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlin. Elogiada por muchos como una obra maestra, la cinta sigue los devenires de varias generaciones de una misma familia poniendo de relieve el lado más oscuro de una sociedad basada en un férreo sistema social que tenía el honor, el deber y la lealtad como ley absoluta. A esta la siguió Revenge en 1964, que bien podría haber sido uno de los cortes históricos de su película anterior. La película nos muestra un duelo de honor entre un samurái noble y otro de muy bajo rango, un duelo que es básicamente un circo en su montaje y como el pueblo afronta el espectáculo. Su fondo es similar al de Cruel Tale of Bushido ya que el samurái de bajo rango es el que menos culpa tiene aquí de los desmanes sociales que lo rodean y que rechaza para sobrevivir a una situación rocambolescamente injusta.
Durante la segunda mitad de la década la producción de Imai sería mucho menor, dirigiendo When the Cookie Crumbles (1967), basada en una novela de Aiyako Sono sobre una actriz japonesa cuya vida se parece a la de Marilyn Monroe y a la que daba vida la eterna Ayako Wakao, y The Time of Reckoning (1968), que transforma una trama de comedia disparatada en un estudio sobre un exitoso hombre de negocios con serios problemas en sus relaciones que involucran a tres mujeres: su esposa desde hace diez años que le confiesa que está embarazada de otro hombre, una amante que quiere tener un bebé con él, y una ex amante que afirma haber sido la madre de su hijo.
Con The River without a Bridge, formada por dos películas estrenadas en 1969 y 1970, Imai vuelve a su tema favorito: la difícil situación de las clases trabajadoras. En la película, los campesinos luchan contra los prejuicios mientras intentan ganar libertad e igualdad en el Japón moderno. El director convierte la trama en una falsa de comedia negra que termina con una lucha de clases para obtener una bandera en una competición local amistosa que se torna más que seria.
Tras un par de películas a comienzos de la década, en 1974 Imai realiza la película biográfica Life of a Communist Writer, basada en trágica vida del escritor japonés Takiji Kobayashi. Criado en la pobreza en el campo japonés, se enamoró de una prostituta que no quiso casarse con él y, en cambio, se casó con una mujer a la que no amaba. Los escritos de Kobayashi mostraban sus puntos de vista izquierdistas y las autoridades imperiales lo arrestaron y torturaron hasta la muerte en 1933. Sus obras fueron prohibidas hasta después de la guerra y solo entonces fue reconocida su grandeza. Al hacer esta película, Tadashi Imai volvió a las luchas de su propia juventud, y la película ganó un gran reconocimiento dentro de su filmografía.
Continuando su combinación entre películas abiertamente políticas y otras que se centraban en las relaciones personales, en 1982 vuelve sobre un tema que ya había tocado casi 30 años atrás. Himeyuri Lily Tower se centra en las estudiantes que fueron obligadas a asistir al ejercito japonés como enfermeras en Okinawa durante la Segunda Guerra Mundial. Las jóvenes atienden alegremente a sus deberes de cuidar a los heridos entre potentes escenas de brutalidad por parte de las fuerzas armadas estadounidenses y japonesas durante su batalla decisiva. Imai condena a ambos bandos en su saga sobre la invasión estadounidense de Okinawa, siendo un gran éxito de taquilla en Japón.
Después de una carrera de casi medio siglo y rondando ya los 70 años, el director se atreve con el cine de animación en Yuki the Snow Fairy. Ambientada en el Japón feudal, la película se centra en Yuki, una diosa adolescente cuya tarea es limpiar la Tierra, librándola de las autoridades opresivas y cubriéndola con un manto de nieve. Ya iniciada la década de 1990 Tadashi Imai dirigió su última película, War and Youth (1991). En su prólogo, una colegiala japonesa contemporánea (interpretada por la actriz Yuki Kudo) intenta descubrir cómo vivió la guerra su padre, cuyos recuerdos son demasiado dolorosos para que él los comparta. Al final descubre al hijo muerto de su tía muda, que se perdió durante el bombardeo aliado de Tokio en 1945. La película cambia para contar la historia de la tía (también interpretada por Kudo), y como pierde a su esposo e hijo en el caos de los ataques aéreos. Imai usó donaciones de supervivientes de ataques aéreos para financiar la película de modo que pudiera hacerla y distribuirla sin el control de los grandes estudios, culminando así su carrera con una película poderosa y que invita a la reflexión, hecha de manera completamente independiente.
Unos meses después del lanzamiento internacional War and Youth, el 22 de noviembre de 1991, Tadashi Imai murió de una hemorragia cerebral en un hospital de Tokio. Los críticos japoneses tendieron a definir la forma de contar historias de Imai como “realismo nakanai”, un “realismo sin lágrimas”, aunque muchos historiadores defienden que la obra del director estuvo mucho más cerca de lo sentimental de lo que aparentaba. En una entrevista, el propio Imai resumió sus películas como “centradas en tragedias humanas“, lo que las ubica cerca de las obras de Keisuke Kinoshita, quien abordó temas similares (aunque de una manera menos política) y a quien Imai admiraba.
Referencias y lecturas de interés:
Wikipedia. “今井正”. Wikipedia, The Free Encyclopedia [consultada el 6 de septiembre de 2021]
<https://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BB%8A%E4%BA%95%E6%AD%A3>
Siefen-Leitich, Claudia. “SOBRE TADASHI IMAI : EL SER HUMANO EN SU MOMENTO MÁS OSCURO”. Desistfilm. [27 de Febrero de 2021].
<https://desistfilm.com/sobre-tadashi-imai-el-ser-humano-en-su-momento-mas-oscuro/>
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